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Magnifique petite armoire de maitrise en bois et marqueterie, fin XIXe siècle
Cette petite armoire de maîtrise du XIXe siècle est un superbe exemple du savoir-faire artisanal de l’époque, probablement réalisée en France, comme en témoignent son style et son exécution minutieuse. L’armoire est construite avec une attention particulière aux détails, en particulier dans son décor en marqueterie, qui couvre presque toute la surface de la pièce. La marqueterie est un procédé où différents types de bois sont soigneusement sélectionnés, découpés, puis assemblés pour former des motifs complexes et artistiques, ici principalement géométriques, avec une prédominance de losanges et d’étoiles.
Les côtés et la façade de cette armoire sont ornés de ces motifs de marqueterie, contrastant le bois clair et foncé pour créer un jeu de couleurs et de textures qui attire le regard. Ce travail de marqueterie est un indicateur de la maîtrise technique du créateur, démontrant non seulement une habileté manuelle exceptionnelle, mais aussi un sens esthétique sophistiqué. Le choix des bois et l’harmonie des couleurs révèlent une grande connaissance des matériaux, associée à une volonté de produire une œuvre qui soit aussi décorative que fonctionnelle.
La porte centrale est un élément clé de cette armoire. Elle est agrémentée d’un miroir à glace argentée, qui reflète légèrement l’âge de la pièce tout en ajoutant une dimension pratique à l’ensemble. Ce miroir, bien que modeste en taille, donne de la profondeur à l’armoire, créant un effet d’espace supplémentaire dans une pièce. Encadré par la marqueterie, le miroir devient un point focal qui renforce le style élégant de l’armoire. Il s’ouvre sur un compartiment intérieur qui, bien que de petite taille, est conçu pour le rangement de petits objets. Cette porte est équipée d’une poignée blanche, probablement en porcelaine ou en os, apportant une touche de délicatesse à l’ensemble et contrastant avec les teintes riches du bois environnant.
Sous cette porte se trouve un tiroir, élément tout aussi décoratif que fonctionnel. Le tiroir est lui aussi orné de marqueterie, avec des motifs géométriques reprenant les formes de losanges et de triangles présents sur le reste de la pièce. Ce tiroir offre un espace de rangement supplémentaire et rappelle l’équilibre entre utilité et esthétique qui caractérise les pièces de mobilier de cette époque. La poignée du tiroir est assortie à celle de la porte, créant une continuité visuelle dans l’ensemble du meuble.
Le haut de l’armoire est couronné par un fronton décoratif surmonté de petits pinacles finement tournés. Le fronton présente un motif circulaire en marqueterie, avec un motif d’étoile en bois clair et foncé, encadré par une forme demi-circulaire. Cette partie supérieure, bien que décorative, est en harmonie avec l’ensemble du meuble, reprenant les mêmes tons et motifs, tout en apportant une touche de hauteur et d’élégance supplémentaire.
Les dimensions modestes de l’armoire, ainsi que son travail de marqueterie très élaboré, indiquent qu’il s’agit très probablement d’une pièce de maîtrise. Les pièces de maîtrise étaient des objets souvent fabriqués par les apprentis ébénistes pour démontrer leur savoir-faire et obtenir leur statut de maître dans leur guilde ou corporation. Ces objets étaient souvent de petite taille, mais mettaient en valeur une gamme de compétences, incluant la marqueterie, le tournage du bois et l’assemblage précis de différents éléments de mobilier. L’armoire que nous observons ici est une illustration parfaite de cette tradition. Elle est à la fois un objet d’art et un meuble pratique, symbolisant l’alliance entre la beauté et la fonctionnalité dans le mobilier du XIXe siècle.
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Belle cave à liqueur ancienne, époque XIXe siècle, Napoléon III, Baccarat
Cette cave à liqueur, d’une grande beauté et d’une remarquable finesse, est un exemple exceptionnel de l’art décoratif du XIXe siècle, en plein dans la période du style Napoléon III. À cette époque, l’Empire français connaît un regain d’intérêt pour le faste et l’ornementation, et cette œuvre s’inscrit parfaitement dans cette tendance artistique.
La cave est réalisée en bois de placage de loupe de thuya, un matériau précieux et recherché pour son aspect décoratif unique. Le thuya, grâce à ses veines tourmentées et ses nœuds, offre un effet visuel sophistiqué, plein de relief et de contrastes, qui confère une élégance discrète à l’objet. Ce placage est encadré par du bois de rose, un autre bois noble, très prisé pour sa teinte chaude et sa texture fine, souvent utilisé dans l’ébénisterie de luxe. À cela s’ajoute un décor de bois noirci, qui vient accentuer le contraste des matériaux et donner une touche de sobriété, tout en mettant en valeur les filets de laiton qui parcourent l’ensemble de la cave. Ces filets, d’une finesse admirable, soulignent les contours et les volumes de l’objet, lui apportant une certaine légèreté et un raffinement supplémentaire.
L’une des particularités de cette cave à liqueur réside dans sa façade mouvementée. Loin des formes géométriques strictes ou des lignes droites qui caractérisaient parfois les productions antérieures, cette façade adopte des courbes sinueuses et harmonieuses, propres au style Napoléon III. Cette forme mouvementée confère à l’ensemble un dynamisme et une fluidité qui captent immédiatement le regard et témoignent du grand savoir-faire de l’artisan qui a réalisé cet objet. Le travail de la façade se prolonge sur l’abattant, qui se distingue par un cartouche feuillagé incrusté de laiton et de nacre. Cette ornementation, réalisée avec une grande précision, évoque un motif végétal riche et délicat, typique des décors de la seconde moitié du XIXe siècle. La combinaison du laiton et de la nacre apporte non seulement une brillance et une richesse visuelle, mais aussi une certaine douceur grâce aux reflets irisés de la nacre, qui varie selon la lumière. Fait intéressant, ce cartouche n’est pas monogrammé, ce qui laisse supposer qu’il n’était pas destiné à une commande spécifique, ou que son propriétaire n’a pas souhaité y apposer ses initiales, permettant ainsi à cette cave de conserver une certaine universalité.
En ouvrant cette cave, on découvre un ensemble tout aussi raffiné de 4 carafes et de 16 verres à liqueur, tous réalisés en cristal de Baccarat, un nom qui incarne l’excellence dans l’art de la verrerie et du cristal depuis le XVIIIe siècle. Chaque pièce est finement décorée de rehauts de dorure, un ornement qui ajoute une touche d’éclat et de luxe à l’ensemble. Le cristal de Baccarat, réputé pour sa pureté, sa transparence et son éclat, est ici sublimé par cette dorure délicate, qui vient rehausser les courbes des carafes et des verres. Ces derniers, de taille idéale pour déguster des liqueurs, sont non seulement des objets fonctionnels, mais aussi des pièces décoratives qui témoignent du goût raffiné de l’époque.
L’agencement interne de la cave est étudié avec soin, permettant de ranger et de protéger chaque carafe et chaque verre dans un compartiment spécifique, afin d’éviter tout choc ou dommage. Ce souci du détail montre l’importance accordée non seulement à l’apparence extérieure de l’objet, mais aussi à sa fonctionnalité.
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Belle et ancienne lampe à pétrole en bronze doré, attribué à Georges Leleu
850,00 €Lampe à pétrole ancienne en bronze doré, attribuée à Georges Leleu. Élégant décor floral Art Nouveau. Hauteur 47 cm. Pièce rare à découvrir
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Sculpture bronze de la fin du XIXe siècle, représentant Molière assis dans un fauteuil avec la plume à la main, signé Pradier
1400,00 €Cette sculpture en bronze de la fin du XIXe siècle, signée Pradier, représente Molière, l’un des plus grands dramaturges français de tous les temps, assis dans un fauteuil, une plume à la main. Avec ses dimensions relativement modestes de 26 cm de haut, cette pièce se distingue par la précision de ses détails et l’expressivité de sa posture, qui incarnent l’essence même de l’artiste pensif et créatif.
Le personnage principal de la sculpture est Molière, vêtu de manière élégante avec une longue robe aux plis riches et fluides. L’attention aux détails est frappante, chaque pli de son vêtement étant soigneusement travaillé pour donner une impression de mouvement et de réalisme. La texture du tissu est finement ciselée, créant une juxtaposition entre la douceur de la robe et la dureté du bronze, matériau utilisé pour la réalisation de l’œuvre. Le bronze patiné confère à la sculpture une profondeur et une chaleur qui accentuent son caractère solennel. Molière est représenté dans une posture contemplative, avec la tête appuyée sur sa main gauche, le regard vague, comme s’il était en plein processus créatif ou en réflexion profonde.
L’autre main de Molière tient une plume, symbole indéniable de son métier d’écrivain. La plume, représentée avec une finesse délicate, renforce l’idée que cette sculpture capture un moment de création intellectuelle. Ce détail évoque non seulement la carrière prolifique de Molière, mais aussi son rôle primordial dans l’histoire de la littérature et du théâtre. Molière est connu pour avoir écrit certaines des plus grandes pièces de théâtre comique de l’histoire, telles que *Le Malade imaginaire*, *Tartuffe* et *L’Avare*. Sa plume, ici mise en avant, est l’instrument par lequel il a marqué de manière indélébile le patrimoine culturel français.
Le fauteuil sur lequel Molière est assis est lui aussi une œuvre d’art en soi. De style classique, il est richement décoré avec des motifs sculptés qui démontrent l’expertise du sculpteur. La base du fauteuil, ornée de franges et de motifs géométriques, porte également la signature de Pradier, gravée de manière lisible, affirmant ainsi l’authenticité et la qualité artistique de l’œuvre. Jean-Jacques Pradier, sculpteur de renom du XIXe siècle, est célèbre pour ses œuvres d’une grande finesse et son talent pour capturer les détails anatomiques et textiles de ses sujets.
Cette sculpture reflète parfaitement les tendances artistiques du XIXe siècle, marquées par un retour à des formes classiques et une admiration pour les grands hommes de lettres et d’art. L’art de cette période met souvent en avant les personnages historiques dans des poses héroïques ou méditatives, et cette œuvre ne fait pas exception. Molière est ici montré non pas comme un comédien sur scène, mais comme un penseur, un créateur dans un moment d’introspection. Cette représentation statique mais intense nous rappelle que l’éclat de ses œuvres vient avant tout de son génie créatif.
Le choix de représenter Molière dans un tel moment de quiétude intellectuelle témoigne également de la manière dont la fin du XIXe siècle a vu une réévaluation de la figure de l’écrivain. Molière, autrefois acteur et auteur comique, est ici érigé au rang de penseur profond, presque philosophe, soulignant la dimension intellectuelle de son travail.
Enfin, cette œuvre illustre également le savoir-faire technique des sculpteurs de cette époque.
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Pierre Gilles, joli lustre art déco vers 1930 en bronze et verre moulé
850,00 €Lustre Art déco Pierre Gilles, vers 1930, en bronze nickelé et verre moulé pressé, signé J. Robert. Élégance et raffinement pour votre intérieur
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Coffret de 12 porte couteaux en métal chromé de Benjamin Rabier
Cet ensemble de douze porte-couteaux en métal argenté, inspiré par les célèbres Fables de La Fontaine, constitue une œuvre remarquable de l’époque Art déco. Créés par Benjamin Rabier (1869-1939), un artiste français de renom, ces porte-couteaux sont non seulement des objets d’art, mais aussi des témoignages d’une époque où l’élégance et le raffinement se reflétaient jusque dans les moindres détails du quotidien.
Benjamin Rabier, né en 1869, est souvent considéré comme l’un des précurseurs de la bande dessinée moderne. Il est particulièrement connu pour ses illustrations animalières, qui ont su capturer l’imaginaire populaire grâce à leur vivacité et leur humour subtil. Rabier a travaillé pour de nombreux journaux et éditeurs, et ses dessins ont marqué plusieurs générations. L’une de ses créations les plus célèbres est « La Vache qui rit », un logo emblématique qui est toujours utilisé aujourd’hui.
Rabier avait une affinité particulière pour les animaux, qu’il parvenait à humaniser sans pour autant leur faire perdre leur essence. Cette capacité se retrouve dans les illustrations qu’il a réalisées pour les Fables de La Fontaine, où chaque animal devient un personnage à part entière, doté de caractéristiques expressives et souvent humoristiques. Il a ainsi contribué à rendre ces fables, déjà populaires, encore plus accessibles et vivantes pour le grand public.
Les douze porte-couteaux de cet ensemble sont chacun une représentation minutieuse des animaux des fables de La Fontaine, signée « Benjamin Rabier » en creux sur la base. Ces petites sculptures traduisent la finesse du travail de l’artiste, qui a su donner vie aux histoires de La Fontaine à travers des figures telles que la Cigale et la Fourmi, le Corbeau et le Renard, ou encore le Loup et l’Agneau. Chaque porte-couteau raconte une histoire, capturant l’essence même des leçons morales que La Fontaine a voulu transmettre à travers ses récits.
Le choix de l’argenté pour ces objets n’est pas anodin. L’orfèvre Dilecta, reconnu pour la qualité de son travail durant la période Art déco, a collaboré avec Rabier pour créer des pièces qui allient esthétique et fonctionnalité. Le poinçon d’orfèvre apposé sur chaque porte-couteau atteste de la qualité du métal utilisé et du savoir-faire artisanal mis en œuvre. La période Art déco, avec son goût pour les lignes épurées et l’élégance sobre, se reflète parfaitement dans ces porte-couteaux qui allient tradition et modernité.
Les dimensions des porte-couteaux, variant entre 8 cm et 10 cm de longueur pour une largeur d’environ 2,5 cm, en font des objets à la fois pratiques et décoratifs.
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Grand mannequin articulé d’attraction foraine, automate vers 1980
1200,00 €Découvrez ce grand mannequin de tomate vintage vers 1980, une pièce unique pour les amateurs d’antiquités et de décoration originale.
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Gobelet à bord évasé du premier tiers du XIXe siècle
Le gobelet à bord évasé du premier tiers du XIXe siècle, probablement créé à Paris entre 1810 et 1830, représente un exemple remarquable de l’art verrier de cette période. Ce type de verrerie fine était souvent produit dans les ateliers parisiens, célèbres pour leur maîtrise technique et leur sens esthétique. Ce gobelet particulier est potentiellement assimilable à une pièce de la collection du Musée du Louvre, qui abrite de nombreuses œuvres représentatives de cette époque.
L’élément distinctif du gobelet est son fond taillé en étoile à huit pointes. Ce motif, fréquemment utilisé dans la verrerie de luxe du début du XIXe siècle, témoigne de la minutie et de l’habileté des artisans verriers de l’époque. La base du gobelet est ornée d’olives et d’un bandeau de diamants, une décoration élaborée qui ajoute à la richesse visuelle de l’objet. Ces détails ornementaux sont le reflet d’une époque où la verrerie n’était pas seulement fonctionnelle, mais également un moyen d’expression artistique.
Le décor gravé à la roue, une technique nécessitant une grande précision, est un autre aspect notable de ce gobelet. La scène gravée représente deux colombes portant une couronne dans leurs becs, symbolisant souvent la paix ou l’amour éternel dans l’iconographie de l’époque. À côté des colombes, deux flambeaux sont gravés, symbolisant la lumière ou la connaissance. Un chien assis, figuré dans la scène, pourrait représenter la fidélité ou la vigilance, des valeurs chères au XIXe siècle. La scène inclut également une partie de monument avec son jardin, évoquant peut-être un lieu de mémoire ou de contemplation, ainsi qu’une grosse colonne, élément architectural symbolisant la force et la stabilité.
Les dimensions du gobelet, mesurant 9,5 cm de hauteur avec un diamètre au buvant de 8,3 cm, sont typiques des objets de ce type et de cette période. Ces proportions indiquent un objet conçu pour être tenu en main et utilisé avec une certaine élégance, suggérant qu’il s’agissait probablement d’un gobelet destiné à une consommation domestique de boissons fines, peut-être pour des occasions spéciales ou dans un cadre cérémonial.
La finesse de la gravure et la qualité des matériaux utilisés sont des indications claires de la provenance parisienne de ce gobelet. Paris, à cette époque, était un centre de production verrière de premier plan, avec des artisans qui étaient souvent au service de l’aristocratie et de la haute bourgeoisie. Le fait que ce gobelet puisse faire partie d’une collection prestigieuse comme celle du Musée du Louvre renforce l’idée de son importance artistique et historique.
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Belle table basse ronde en laiton de la maison Baguès, deux plateaux
Découvrez cette belle table basse vintage à deux plateaux, élégante et fonctionnelle, idéale pour sublimer votre salon avec charme et authenticité.
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Grand pique cierge ancien en bois sculpté, époque 17e siècle
1300,00 €Le grand pique-cierge ancien en bois sculpté que nous présentons est une œuvre remarquable datant du XVIIe siècle. Ce type de mobilier liturgique était couramment utilisé dans les églises pour soutenir de grands cierges, participant ainsi à l’atmosphère solennelle des cérémonies religieuses. Cet exemplaire, mesurant 156 cm de hauteur totale, se distingue par son design élégant et sa finesse de réalisation, caractéristiques du savoir-faire artisanal de l’époque.
Description détaillée
Bois sculpté : Le bois utilisé pour ce pique-cierge est finement sculpté, témoignant d’une grande maîtrise technique et artistique. Chaque détail est travaillé avec soin, ce qui confère à l’objet une grande richesse visuelle. Les motifs sculptés pourraient inclure des éléments floraux, des arabesques ou des motifs géométriques typiques de l’époque baroque, bien que l’usure du temps puisse en avoir atténué certains aspects.
Piétement tripode : Le support repose sur un piétement tripode, une configuration classique qui assure une stabilité optimale. Chaque pied est magnifiquement sculpté en forme de griffe, une caractéristique stylistique qui évoque la force et la majesté. Sous chaque griffe, une boule décorative ajoute une touche supplémentaire de sophistication et de stabilité visuelle.
Conversion en lampe : À une période ultérieure de son histoire, ce pique-cierge a été transformé en lampe. Cette adaptation témoigne de la polyvalence de l’objet et de sa capacité à traverser les époques en s’adaptant à des usages divers. Cette transformation a probablement impliqué l’ajout de composants électriques, tout en respectant l’intégrité esthétique de la pièce originale.
État de conservation
Malgré les siècles écoulés, ce pique-cierge est en relativement bon état. Les signes d’usure naturelle, tels que les petites fissures, les éraflures ou les altérations mineures du bois, ajoutent à son charme et attestent de son authenticité. Le bois a probablement été traité et entretenu au fil des ans pour prévenir la dégradation et conserver sa beauté d’origine.
Importance historique et esthétique
Ce grand pique-cierge est plus qu’un simple objet décoratif. Il représente un morceau d’histoire, une fenêtre sur les pratiques et l’artisanat du XVIIe siècle. À cette époque, les objets liturgiques étaient souvent conçus avec une grande attention aux détails et à la symbolique, chaque élément ayant une signification particulière. Les pieds en forme de griffe, par exemple, pouvaient symboliser la protection divine ou la force spirituelle.
Utilisation contemporaine
Dans un contexte moderne, ce pique-cierge peut être intégré dans divers environnements. Dans une collection privée, il servira de pièce maîtresse, illustrant le goût pour les antiquités et l’art sacré.
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Magnifique œuvre de Clément Serveau (1886-1972) La robe Crétoise
2800,00 €Clément Serveau, né en 1886 et décédé en 1972, est un peintre français renommé pour ses portraits réalistes empreints de sensibilité. Son œuvre « La robe Crétoise, » une huile sur panneau réalisée en 1935, illustre magnifiquement son talent. Cette peinture, mesurant 65 x 54 cm, est une démonstration éclatante de la maîtrise technique de Serveau et de sa capacité à capturer l’essence de ses sujets avec une précision remarquable.
« La robe Crétoise » présente une femme vêtue d’une robe traditionnelle crétoise, riche en détails et en textures. Les plis du tissu et les motifs brodés sont rendus avec une finesse extraordinaire, témoignant de l’attention méticuleuse de l’artiste aux particularités culturelles du costume. La lumière, subtilement appliquée, met en valeur la texture de la robe et la douceur de la peau du modèle, créant un contraste saisissant avec le fond sombre. Cela confère à la composition une profondeur et une dimension supplémentaires, attirant l’œil du spectateur vers le visage expressif de la femme.
Le portrait montre une expression empreinte de douceur et de réflexion, capturant non seulement l’apparence physique du modèle mais aussi une profondeur psychologique. L’attention de Serveau aux détails anatomiques, comme la délicatesse des mains et la complexité des traits du visage, ajoute une dimension de réalisme qui rend le sujet presque tangible. La femme semble plongée dans ses pensées, ce qui ajoute une narration silencieuse à l’œuvre, invitant les spectateurs à imaginer son histoire et ses émotions.
La signature de Clément Serveau et la date de création, clairement visibles en bas de l’œuvre, attestent de son authenticité. Serveau, qui a traversé plusieurs courants artistiques au cours de sa carrière, reste fidèle à un style réaliste tout en intégrant des éléments impressionnistes dans ses jeux de lumière et ses palettes de couleurs. Cette peinture reflète cette synthèse artistique, où la précision du trait se marie harmonieusement avec une approche plus libre et expressive de la couleur.
Clément Serveau est souvent célébré pour sa capacité à immortaliser la beauté intemporelle de ses sujets tout en capturant l’esprit de l’époque. « La robe Crétoise » n’échappe pas à cette règle.
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Belle et ancienne canne, pommeau en argent 1er Empire
350,00 €Canne du XIXe siècle, pommeau en argent massif orné d’abeilles napoléoniennes, symbole de l’Empire, en bon état, rare et riche d’histoire.
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Statuette de prière, moine Bouddhiste fin XVIIIe en bois sculpté
Voici une magnifique et ancienne sculpture en bois polychromé, représentant un moine bouddhiste en prière. Datant de la fin du XVIIIe siècle ou du début du XIXe siècle, cette œuvre est un exemple remarquable de l’artisanat de cette époque. Le bois utilisé pour la sculpture est exceptionnellement léger, un détail qui souligne l’habileté et la maîtrise des artisans de l’époque. Cette légèreté pourrait également indiquer l’utilisation de bois de haute qualité, soigneusement sélectionné pour ce type de travail délicat.
La statuette présente une particularité intrigante : sa tête est amovible, se détachant comme un bouchon. Cette caractéristique unique suggère que la sculpture pouvait être utilisée pour cacher un objet de valeur ou une lettre de prière. Dans les traditions bouddhistes, il n’est pas rare que des objets sacrés soient dissimulés à l’intérieur de statues, ajoutant ainsi une dimension mystique et fonctionnelle à l’œuvre. Cette possibilité confère à la statuette un intérêt supplémentaire, transformant un simple objet de dévotion en un réceptacle de secrets spirituels.
Mesurant 19,5 cm de hauteur, la statuette est d’une taille idéale pour être manipulée et exposée avec élégance. Sa taille compacte n’enlève rien à la richesse de ses détails. Les traits du visage du moine et la position de ses mains en prière sont finement sculptés, reflétant une profonde dévotion et une sérénité intérieure. La polychromie, bien que partiellement usée par le temps, reste visible et ajoute une dimension colorée et vivante à l’œuvre. Les pigments utilisés sont typiques de l’époque et apportent une touche d’authenticité supplémentaire à cette pièce ancienne.
Il est important de noter que, malgré son ancienneté, la statuette a conservé une grande partie de sa beauté originale. Quelques imperfections sont visibles, comme en témoignent les photos, mais ces marques du temps ne font qu’ajouter à son charme et à son authenticité. Elles racontent l’histoire de l’objet, témoignant de son passage à travers les siècles et de son utilisation par des générations de fidèles. Ces imperfections ne sont pas des défauts, mais des preuves de l’histoire riche et complexe de cette œuvre.
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Commode Louis XVI en acajou de plaquage et massif, marbre blanc
1200,00 €Élégante commode Louis XVI en acajou massif et plaqué, surmontée d’un marbre blanc. Pièce d’époque raffinée pour intérieur classique ou chic.
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Ensemble de 4 Moineaux en Cristal Lalique France, par Marc Lalique
Ensemble de 4 moineaux en cristal de la maison Lalique, signé en sur le devant de la terrasse, fabrication de la période de Marc Lalique.
Marc Lalique (1900-1977), fils de René Lalique, a su perpétuer et enrichir l’héritage de la célèbre maison Lalique, fondée par son père en 1888. René Lalique, maître-verrier et joaillier de renommée mondiale, était connu pour ses créations Art Nouveau et Art Déco. Marc, ayant grandi dans cet environnement artistique, a naturellement été imprégné de l’expertise et de la vision de son père, qu’il a su adapter et transformer avec son propre style et ses innovations techniques.
Après la mort de René Lalique en 1945, Marc a pris les rênes de l’entreprise familiale. L’une de ses premières grandes contributions a été la transition de la production Lalique vers le cristal. Avant cette époque, les créations Lalique étaient principalement en verre. Marc a compris que le cristal offrait de nouvelles possibilités en termes de pureté, de brillance et de subtilité des détails. Cette transition a marqué un tournant décisif pour la maison Lalique, consolidant sa réputation de créateur de pièces de luxe d’une qualité inégalée.
Les moineaux en cristal, un des thèmes récurrents et iconiques de la maison Lalique, illustrent parfaitement la vision de Marc. Sous sa direction, la maison a continué à produire des œuvres d’une beauté saisissante et d’une qualité exceptionnelle, alliant des techniques de soufflage et de taille de cristal héritées de son père à des innovations modernes. Chaque moineau est sculpté avec une minutie exemplaire, capturant la légèreté et la délicatesse de l’oiseau, tout en jouant avec la transparence et la luminosité du cristal. La signature sur le devant de la terrasse témoigne de l’authenticité et de la qualité de l’œuvre.
Marc Lalique n’a pas seulement maintenu l’excellence de la maison, il a aussi su la faire évoluer. Sous sa direction, Lalique a étendu sa gamme de produits pour inclure des luminaires, des vases, des flacons de parfum et des objets décoratifs, tout en continuant à produire des bijoux de haute qualité. Il a également collaboré avec des designers et des artistes de renom, élargissant ainsi l’influence et l’attrait de la marque.
La période de Marc Lalique est souvent considérée comme une époque d’innovation et de consolidation. Ses créations ont su capter l’esprit de leur temps tout en restant fidèles aux principes esthétiques et techniques de la maison Lalique. Ses œuvres sont aujourd’hui très recherchées par les collectionneurs et les amateurs d’art, témoignant de leur valeur artistique et historique.
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Deux meubles vintage rares de la marque Canson Meuble, en bois
Deux Meubles Vintage de la Marque Canson : Une Rareté pour les Amateurs de Design
Vous avez l’opportunité d’acquérir deux meubles vintage d’exception de la prestigieuse marque Canson. Ces pièces uniques en bois sont conçues pour répondre à des besoins de rangement spécifiques tout en apportant une touche esthétique indéniable à votre intérieur. Voici en détail ce que ces meubles peuvent offrir.
Caractéristiques et Fonctionnalités
Chaque meuble est équipé de cinq tiroirs spacieux, idéaux pour le rangement de feuilles au format Raisin (50 x 65 cm). Ces tiroirs permettent de stocker entre 500 et 600 feuilles selon le grammage du papier. Ce large espace de rangement est parfait pour les artistes, les architectes ou toute personne ayant besoin de conserver des documents de grande taille en parfait état.
Les dimensions de chaque meuble sont les suivantes : une hauteur de 38 cm, une largeur de 72,5 cm, et une profondeur de 57 cm. Ces mesures compactes permettent aux meubles de s’intégrer facilement dans divers espaces de votre maison ou de votre bureau.
Esthétique et Polyvalence
Le design vintage de ces meubles en bois ajoute une touche d’élégance rétro à n’importe quelle pièce. Leur finition soignée et leur allure intemporelle les rendent parfaits pour des usages variés. Outre leur fonction première de rangement de papier, ces meubles peuvent être détournés en éléments de décoration uniques.
Par exemple, en tant que tables de chevet, ils apporteront une note de charme et de caractère à votre chambre. Leurs tiroirs peuvent accueillir non seulement du papier, mais également des livres, des accessoires, ou tout autre objet que vous souhaitez garder à portée de main. De même, placés dans un salon, ils peuvent servir de tables d’appoint ou de rangements élégants pour divers objets de décoration.
Un Investissement Durable
Investir dans ces meubles Canson, c’est choisir la durabilité et la qualité. La marque Canson est reconnue pour son expertise et son engagement envers des produits de haute qualité. Le bois utilisé pour ces meubles est robuste et résistant, garantissant une longévité remarquable. Ce sont des pièces qui ne se démodent pas et qui peuvent même prendre de la valeur avec le temps, grâce à leur caractère vintage et leur rareté.
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Superbe pendule, datant de l’époque de la Restauration au début du XIXe siècle
Cette pendule est une pièce d’exception datant de l’époque de la Restauration, au début du XIXe siècle. Fabriquée en bronze doré au mercure, elle incarne l’art et le savoir-faire horloger de cette période historique. La dorure au mercure, une technique exigeante et hautement qualifiée, confère à la pendule une brillance et une durabilité remarquables, témoignant de l’attention minutieuse portée à sa création.
D’une grandeur majestueuse, cette pendule attire immédiatement le regard par sa présence imposante et son élégance. La dorure resplendissante met en valeur les détails finement ciselés, soulignant la maîtrise artistique des artisans de l’époque. La figure classique de Cérès, déesse de l’agriculture et de la fertilité, trône au sommet de cette œuvre d’art. Cérès est représentée vêtue d’une robe drapée, illustrant à la fois la grâce et la dignité de la divinité. Les plis de sa robe sont délicatement sculptés, chaque détail contribuant à l’impression de mouvement et de vie.
Le cadran de la pendule porte la signature de Mazillier à Verdun, attestant de son origine prestigieuse. Mazillier était un horloger renommé, et sa signature sur cette pièce ajoute une valeur historique et authentique. Le cadran, lui-même un exemple de sophistication, est orné de chiffres romains et de fines aiguilles, permettant une lecture claire et élégante de l’heure.
Le mouvement de cette pendule est équipé d’une suspension à fil, un mécanisme typique de l’époque, connu pour sa précision et sa fiabilité. Cette caractéristique technique témoigne de l’avancement des connaissances horlogères au début du XIXe siècle et de l’engagement des horlogers à produire des instruments de haute qualité.
L’ensemble de la pendule, de par sa grandeur, sa dorure éclatante, et sa figure de Cérès, représente un hommage à la prospérité et à la fertilité. Cérès, dans la mythologie romaine, est la déesse qui préside aux moissons et à la fertilité des terres, symbolisant ainsi l’abondance et la générosité de la nature. Cette représentation est particulièrement appropriée pour une pendule, un objet qui, par essence, mesure le passage du temps, tout en évoquant la cyclicité des saisons et des récoltes.
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Série complète de 12 porte-couteaux YER en verre dans sa boîte d’origine
250,00 €Série complète de 12 porte-couteaux YER en verre, dans leur boîte d’origine. Élégance vintage pour vos tables. Pièce rare disponible sur ABN Antiquités.
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Très beau Bonheur-du-jour à système, milieu XIXe siècle en acajou
Parmi les meubles anciens, certains se distinguent par une beauté indéniable. Ce bonheur-du-jour à système du milieu du XIXe siècle en est un exemple remarquable. Ce bureau de dame, entièrement réalisé en acajou de Cuba massif et en placages, est un témoignage d’une élégance rare et d’un savoir-faire artisanal d’exception.
Le meuble est conçu autour d’un miroir biseauté central, flanqué de chaque côté par deux colonnes de quatre tiroirs chacune, surmontées d’un plateau de marbre. Les tiroirs, les montants, la ceinture et la galerie sont ornés de bronze doré finement ciselé, présentant des motifs en filets et draperies délicatement travaillés. Sous le miroir, un large tiroir central renforce la symétrie parfaite de ce meuble classique.
L’une des caractéristiques les plus remarquables de ce bonheur-du-jour est son plateau amovible. En le tirant, on découvre une élégante tablette d’écriture recouverte de tissus type velours de couleur moutarde. Ce geste déclenche un mécanisme ingénieux qui déverrouille simultanément le tiroir vitrine central et les deux tiroirs latéraux. Le motif central, riche en entrelacs, rappelle les goûts néogothiques et l’éclectisme naissant de l’époque. À gauche du bureau se trouve un encrier, tandis qu’à droite, on trouve une saupoudreuse.
La ceinture du meuble est ornée de fines draperies, créant une harmonie visuelle avec le plateau. Les pieds cannelés du bureau sont agrémentés de bronze doré et se terminent en pieds toupie. Le grand tiroir central, habilement divisé visuellement en trois sections, poursuit l’idée de symétrie inspirée du néoclassicisme. En tout, ce bureau de dame comporte dix tiroirs, tous en parfait état de fonctionnement.
Ce bonheur-du-jour ne se distingue pas seulement par son apparence, mais également par la complexité de son mécanisme. En effet, le système qui permet de déverrouiller les tiroirs est une merveille d’ingénierie du XIXe siècle, intégrant à la fois esthétique et fonctionnalité. La présence de ces tiroirs et de leurs mécanismes sophistiqués montre bien l’importance accordée à la praticité et à l’organisation, tout en restant fidèle à une ligne élégante et décorative.
Le miroir biseauté, central dans la conception du meuble, non seulement ajoute à son allure majestueuse, mais reflète également la lumière, illuminant ainsi l’ensemble de la pièce où il est placé. Le marbre du plateau ajoute une touche de luxe, complétant ainsi l’acajou et le bronze doré pour un effet visuel harmonieux.
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Sculpture en plâtre, œuvre remarquable inspirée du sculpteur Jean-Baptiste Pigalle
120,00 €Le buste en plâtre blanc intitulé « La Rieuse » est une œuvre inspirée du sculpteur français Jean-Baptiste Pigalle, un maître du XVIIIe siècle réputé pour ses créations expressives et délicates. Cette pièce particulière, mesurant 33 cm de hauteur et 25,5 cm de largeur, capture l’essence du style rococo, avec une attention méticuleuse aux détails et une exécution raffinée.
Description Physique et Esthétique
« La Rieuse » représente une jeune femme arborant un sourire éclatant, caractéristique de l’allégresse et de la vivacité de l’époque rococo. La sculpture en plâtre blanc permet une clarté et une netteté des traits, rendant justice à l’habileté de Pigalle à capturer l’émotion humaine. Les cheveux de la femme sont délicatement sculptés, tombant en boucles légères et naturelles qui encadrent son visage rayonnant. La signature sous un bras ajoute une touche d’authenticité et de valeur historique à la pièce, indiquant l’origine et le respect envers l’œuvre originale de Pigalle.
Contexte Historique
Jean-Baptiste Pigalle (1714-1785) était un sculpteur de renom durant le règne de Louis XV et Louis XVI, ayant reçu des commandes de la cour royale et d’éminentes figures de l’époque. Son style, souvent associé au rococo, se distingue par une fluidité et une expressivité qui captivent l’essence humaine. « La Rieuse » s’inscrit parfaitement dans ce cadre, illustrant non seulement les compétences techniques de Pigalle mais aussi son talent à véhiculer une émotion pure à travers le medium du plâtre.
Technique et Exécution
Le choix du plâtre comme matériau de ce buste n’est pas anodin. Le plâtre permet une finesse des détails et une légèreté visuelle qui mettent en valeur la grâce et la spontanéité du sujet. La technique de Pigalle, bien que traditionnelle, était innovante pour son temps, combinant des influences classiques avec une sensibilité moderne. La finition lisse et la précision des traits montrent une maîtrise parfaite de la sculpture en plâtre, où chaque courbe et chaque expression sont rendues avec une délicatesse inégalée.
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Maisons J.L. Coquet et Jaune de Chrome, jolie service de table porcelaine
Le service de table que nous vous présentons est une véritable œuvre d’art en porcelaine écrue, fabriquée à Saint-Léonard de Noblat, à quelques kilomètres de Limoges, une région mondialement renommée pour la qualité exceptionnelle de sa porcelaine. Ce service a été minutieusement créé par J.L. Coquet et Jaune de Chrome, deux artisans dont le talent et le savoir-faire ont su donner naissance à une collection d’une pureté inégalée.
Chaque pièce de ce service se distingue par un décor perlé et floral, témoignant d’une originalité des formes et d’une délicatesse des finitions qui sont la signature des créateurs. La porcelaine utilisée est d’une blancheur éclatante et d’une qualité supérieure, reflet d’un artisanat raffiné et d’une recherche constante de perfection.
La manufacture où ce service a été produit a été labellisée Entreprise du Patrimoine Vivant (EPV) depuis 2010. Ce label, décerné par le Ministère de l’Économie, des Finances et de l’Industrie, est une marque de reconnaissance qui distingue les entreprises françaises pour l’excellence de leurs savoir-faire artisanaux et industriels. Il souligne l’engagement de la manufacture à préserver et à perpétuer des techniques traditionnelles tout en innovant pour offrir des produits de qualité supérieure.
Le service de table est composé de 57 pièces, soigneusement pensées pour répondre à tous les besoins d’un repas raffiné et élégant.
Voici la composition détaillée de ce service :
– Une soupière : Idéale pour servir des potages et des soupes, cette pièce maîtresse attire tous les regards avec son design sophistiqué.
– Deux raviers : Parfaits pour présenter des entrées ou des accompagnements, ces raviers ajoutent une touche d’élégance à votre table.
– Deux grands plats : Ces plats spacieux sont parfaits pour servir des plats principaux ou des assortiments de fromages.
– Douze assiettes creuses à potage : Conçues pour les soupes et les potages, ces assiettes creuses allient fonctionnalité et esthétique.
– Dix-neuf assiettes plates à fromage ou dessert : Polies et élégantes, ces assiettes sont idéales pour les desserts ou les assortiments de fromages.
– Vingt grandes assiettes : Parfaites pour les plats principaux, elles complètent harmonieusement ce service de table. -
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Grand buste en plâtre ancien, Jean de La Fontaine, 77 cm, début XXe
Grand Buste en Plâtre Ancien de Jean de La Fontaine
Ce grand buste en plâtre, datant du début du XXe siècle, représente l’une des figures les plus illustres de la littérature française : Jean de La Fontaine. D’une hauteur impressionnante d’environ 80 cm, cette œuvre dégage une présence imposante et majestueuse qui capte immédiatement l’attention.
Jean de La Fontaine : Une Figure Éminente
Jean de La Fontaine (1621-1695) est surtout connu pour ses fables, des récits allégoriques mettant en scène des animaux pour transmettre des leçons morales et philosophiques. Ses œuvres, parmi lesquelles « Le Corbeau et le Renard » et « La Cigale et la Fourmi », font partie intégrante du patrimoine culturel français et ont influencé de nombreuses générations. La Fontaine a su capturer l’essence de la nature humaine avec une simplicité et une élégance littéraire qui demeurent inégalées.
Description et Analyse Artistique
Le buste en plâtre capture La Fontaine dans une posture classique, souvent attribuée aux grands penseurs et écrivains. Les détails minutieusement sculptés reflètent le talent et la dextérité de l’artiste anonyme qui a su donner vie à ce personnage historique.
– Expression Faciale : Le visage de La Fontaine est finement sculpté, avec une expression sereine mais contemplative. Ses yeux semblent perdus dans une réflexion profonde, évoquant l’image du poète philosophe en pleine méditation.
– Chevelure et Détails Vestimentaires : La chevelure, abondante et bouclée, est représentative des portraits classiques de La Fontaine, conférant un aspect à la fois réaliste et idéalisé. Les plis de son vêtement sont rendus avec une grande précision, soulignant le soin apporté à chaque détail.
– Matériau : Le plâtre, matériau souvent utilisé au début du XXe siècle pour la réalisation de bustes et de sculptures, permet un niveau de détail élevé tout en étant plus accessible que le marbre ou le bronze. Bien que plus fragile, le plâtre donne une texture douce et une finition lisse qui accentuent les traits du visage et les courbes du vêtement.
Contexte Historique et Artistique
Au début du XXe siècle, la France connaît un renouveau artistique, avec un intérêt croissant pour les grands auteurs et figures historiques du passé. Les bustes en plâtre de personnalités littéraires deviennent des objets de décoration prisés, symboles de culture et d’érudition.
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Belle commode marqueterie importé d’Egypte de style Empire du XXe siècle
Commode de style Empire du XXe siècle
Origine et Style
Cette commode, importée d’Égypte, est un magnifique exemple de mobilier de style Empire du XXe siècle. Le style Empire, qui a prospéré sous le règne de Napoléon Bonaparte au début du XIXe siècle, est caractérisé par son opulence et ses références à l’art et à l’architecture de l’Antiquité, notamment égyptienne. Bien que cette commode soit du XXe siècle, elle conserve fidèlement les éléments stylistiques de l’époque Empire, soulignant un renouveau de l’intérêt pour ce style classique.Matériaux et Construction
Fabriquée en bois de plaquage, cette commode présente un éclat et une finesse qui témoignent de la qualité du travail artisanal de l’époque. Le bois de plaquage utilisé confère à la pièce une apparence luxueuse et durable. La commode s’ouvre par quatre tiroirs, offrant un espace de rangement généreux et pratique.Décoration et Marqueterie
L’un des éléments les plus remarquables de cette commode est sa décoration en marqueterie. Les deux grands tiroirs centraux sont ornés d’un motif délicat représentant un flambeau et une couronne de laurier. Ces symboles étaient couramment utilisés dans le style Empire pour évoquer la victoire, la gloire et l’immortalité, rappelant les triomphes de l’Antiquité classique.Ornements en Bronze
Les ornements en bronze ajoutent une dimension supplémentaire de grandeur et de sophistication à cette commode. De chaque côté, deux figures égyptiennes assises et allongées sont magnifiquement sculptées, illustrant l’influence de l’Égyptomanie qui a marqué le style Empire. Ces figures symbolisent la fascination pour l’Égypte ancienne, ravivée par les campagnes napoléoniennes en Égypte et les découvertes archéologiques de cette époque.Les montants de la commode sont également gainés de bronze, ajoutant à la robustesse et à l’élégance de la pièce. Les pieds, quant à eux, se terminent en pattes de lion, un autre motif récurrent dans le style Empire. Les pattes de lion symbolisent la force et la puissance, et leur inclusion dans le design de cette commode renforce son apparence majestueuse.
Plateau en Marbre
Le dessus de la commode est surmonté d’un épais plateau en marbre vert de mer. Ce marbre, avec ses nuances de vert profond, ajoute une touche de couleur et de luxe à l’ensemble. Le marbre vert de mer était prisé pour son aspect raffiné et sa durabilité, et il complète parfaitement les tons riches du bois et les reflets dorés des ornements en bronze. -
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Paire de lustres à pampilles de cristal, 10 lumières, milieu XXe siècle
Paire de Lustres à Pampilles de Cristal, Milieu du XXe Siècle
Cette paire de lustres à pampilles de cristal, datant du milieu du XXe siècle, incarne le charme et l’élégance classique de cette époque. Chaque lustre éclaire somptueusement par dix lumières, offrant une illumination généreuse et diffusée à travers un agencement magnifique de pampilles en cristal. Ces pièces maîtresses décoratives sont non seulement des sources de lumière mais aussi des œuvres d’art, reflet d’un savoir-faire minutieux et d’une esthétique raffinée.
Design et Matériaux
Ces lustres se distinguent par leur abondance de pampilles en cristal, qui captent et réfractent la lumière avec une brillance éclatante. Chaque pampille est soigneusement taillée pour maximiser l’effet scintillant, créant une danse de lumière et d’ombres qui transforme l’atmosphère de toute pièce. Le choix des matériaux, en particulier le cristal de haute qualité, assure non seulement une clarté optique exceptionnelle mais également une durabilité sur plusieurs décennies.
Structure et Éclairage
La structure de chaque lustre est robuste, conçue pour supporter le poids des pampilles sans compromettre l’élégance visuelle. Chacun des dix bras est finement travaillé, permettant de soutenir les ampoules qui, une fois allumées, diffusent une lumière douce et chaleureuse à travers les pampilles. Les bras se courbent gracieusement vers le haut, rappelant le style classique des lustres d’antan tout en intégrant des éléments de design du milieu du XXe siècle.
Élément Distinctif: Les Boules Taillées en Diamant
Un des aspects les plus distinctifs de ces lustres est la présence de deux boules taillées en diamant sur chaque pièce. Ces boules, situées stratégiquement pour maximiser leur impact visuel, ajoutent une dimension supplémentaire de luxe et de sophistication. La taille en diamant de ces boules permet une réfringence exceptionnelle, projetant des éclats de lumière dans toutes les directions et accentuant encore la beauté globale des lustres.
Époque et Style
Le milieu du XXe siècle a vu une fusion de styles traditionnels et modernes, et ces lustres en sont un parfait exemple. Ils marient le faste et l’opulence des lustres classiques avec une touche de modernité propre à cette période. Les lignes fluides et les courbes gracieuses des bras, combinées à l’utilisation prolifique de pampilles en cristal, témoignent d’une époque où le souci du détail et l’artisanat étaient au cœur de la production des luminaires.
Impact Décoratif
Installés dans un grand hall, une salle à manger somptueuse ou un salon élégant, ces lustres deviennent immédiatement le point focal de la pièce. Leur capacité à transformer un espace avec une lumière scintillante et une présence imposante est inégalée.
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Le sacre de Napoléon, d’après l’œuvre de David, des étains du prince
Cadre Tableau: Le Sacre de Napoléon
Une Œuvre Inspirée par Jacques Louis David
Le cadre tableau « Le Sacre de Napoléon » est une interprétation minutieuse de l’œuvre magistrale de Jacques-Louis David. Cette reproduction exquise rend hommage à l’un des moments les plus emblématiques de l’histoire de France : le couronnement de Napoléon Bonaparte en tant qu’empereur des Français, le 2 décembre 1804, en la cathédrale Notre-Dame de Paris.
David, peintre officiel de Napoléon, a immortalisé cet événement grandiose avec une précision historique et artistique exceptionnelle. Son œuvre, achevée en 1807, est non seulement un témoignage visuel de l’époque, mais aussi une pièce maîtresse de l’art néoclassique. Le cadre tableau « Le Sacre de Napoléon » capture cette essence avec une fidélité remarquable, permettant aux amateurs d’art de revivre ce moment historique chez eux.
Des Étains du Prince: Un Chef-d’Œuvre Limité
Ce cadre tableau fait partie des prestigieux « Étains du Prince, » une collection de pièces de grande valeur, produites en édition limitée. Seulement 250 exemplaires de cette pièce ont été créés, ce qui en fait un objet extrêmement rare et recherché par les collectionneurs du monde entier. Chaque exemplaire est numéroté, et celui-ci porte fièrement le numéro 178, garantissant son authenticité et sa place parmi les créations les plus précieuses de cette série.
Un Travail d’Artisanat Exceptionnel
La réalisation de ce cadre tableau a nécessité une dévotion et une expertise hors du commun. Rosina Merlini, modéliste de renommée internationale, a consacré plus de 2000 heures à la modélisation de cette pièce. Son travail méticuleux et son attention aux détails ont permis de reproduire fidèlement chaque aspect de l’œuvre originale de David, des traits des personnages à la richesse des textures et des ornements.
Mais le talent de Merlini ne s’est pas arrêté à la modélisation. La fabrication du moule, un processus complexe et exigeant, a requis plus d’une année de prouesse technique de la part des techniciens. Chaque étape, de la préparation des matériaux à la finition du moule, a été exécutée avec une précision et un soin extrêmes pour garantir la qualité et la durabilité de chaque exemplaire produit.
Un Héritage Artistique et Historique
Posséder ce cadre tableau, c’est bien plus que détenir une simple reproduction d’un tableau célèbre. C’est entrer en possession d’un morceau d’histoire, d’une œuvre d’art qui transcende le temps et les générations. Chaque détail, chaque coup de pinceau original reproduit, raconte une partie de l’histoire de Napoléon et de l’époque qui l’a vu s’élever au rang d’empereur.
En plus de son immense valeur historique et artistique, cette pièce représente également un exploit technique et un témoignage de l’excellence artisanale française. Les « Étains du Prince » sont reconnus pour leur qualité inégalée et leur engagement à préserver et à promouvoir le patrimoine culturel à travers leurs créations.
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Grand trumeau en bois rechampi et bois sculpté doré, décor romantique
Le grand miroir trumeau de style Louis XV, datant du début du XXe siècle, est un véritable chef-d’œuvre d’artisanat qui incarne l’élégance et le raffinement de l’époque. Ce miroir, mesurant 180 cm de hauteur et 115 cm de largeur, est une pièce majestueuse qui capte l’attention et ajoute une touche de splendeur à n’importe quel intérieur.
Ce trumeau est composé de bois rechampi et de bois sculpté doré, une combinaison qui témoigne du savoir-faire exceptionnel des artisans de l’époque. Le bois rechampi, souvent utilisé pour donner une apparence usée et patinée, ajoute une profondeur et une richesse visuelle au cadre du miroir. Cette technique consiste à appliquer une couche de peinture ou de dorure de manière à laisser apparaître les couches inférieures, créant ainsi un effet de vieillissement élégant et sophistiqué. La dorure sculptée, quant à elle, rehausse le tout avec des détails minutieusement travaillés, apportant une luminosité et une richesse incomparables.
La partie inférieure du trumeau est ornée d’un beau miroir. Ce miroir, probablement en verre mercuré, reflète non seulement la lumière mais aussi l’histoire et le style du début du XXe siècle. Les contours du miroir sont finement sculptés, présentant des motifs floraux et des arabesques typiques du style Louis XV, caractérisé par ses courbes sinueuses et son ornementation délicate.
Sur la partie supérieure du trumeau, une jolie peinture à l’huile sur panneau ajoute une dimension artistique et narrative à l’ensemble. Cette scène romantique, typique des œuvres de l’époque, dépeint probablement une scène bucolique ou galante, mettant en scène des personnages élégamment vêtus dans un paysage idyllique. Les couleurs de la peinture, tout en douceur et en harmonie, complètent parfaitement la dorure et le bois rechampi du cadre. Les détails de la peinture, tels que les expressions des personnages et les éléments du paysage, témoignent d’une grande maîtrise technique et artistique.
L’ensemble de ce trumeau est non seulement un miroir fonctionnel mais aussi une œuvre d’art à part entière. Chaque élément, du bois sculpté à la peinture à l’huile, contribue à créer une pièce harmonieuse et équilibrée. Le style Louis XV, avec ses influences rococo, se manifeste pleinement dans les courbes gracieuses et les détails ornés de ce miroir, évoquant une époque de luxe et de sophistication.
En intégrant ce miroir trumeau dans un intérieur, on ajoute une touche de l’histoire et du patrimoine français. Il peut être placé dans un salon, une chambre ou un hall d’entrée, où il apportera immédiatement une sensation de grandeur et de raffinement.
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Ours blanc de Pierre Chenet, épreuve en bronze patinée vert, XXe
Cette épreuve en bronze à patine brun vert nuancé représente un ours blanc en balade, une création emblématique de l’artiste sculpteur Pierre Chenet. La pièce, une fonte d’édition, porte la signature de l’auteur et a été réalisée par lui-même dans sa fonderie d’art située à Apt. Pierre Chenet est un artiste reconnu pour ses œuvres animalières, et cette sculpture est une parfaite illustration de son talent et de son expertise dans ce domaine.
Pierre Chenet, né au XXe siècle, est un sculpteur français de renommée internationale. Il possède une fonderie d’art à Apt, où il réalise lui-même ses sculptures. Chenet est particulièrement connu pour ses représentations animalières. Ses œuvres captent l’essence des animaux avec une précision et une sensibilité qui témoignent de sa profonde compréhension de la nature. L’ours blanc en bronze est l’une de ses nombreuses créations qui illustre parfaitement cette maîtrise.
L’œuvre est réalisée en bronze, un matériau noble et durable qui permet une grande finesse de détails. Pierre Chenet excelle dans l’art de la patine, un procédé complexe qui consiste à appliquer une couche superficielle sur le bronze pour lui donner une couleur et une texture particulières. La patine brun vert nuancé de cette sculpture donne à l’ours une apparence à la fois réaliste et intemporelle, ajoutant une profondeur et une richesse visuelle à l’œuvre.
Bien que les éditions en bronze soient nombreuses, chaque pièce réalisée par Pierre Chenet est unique grâce à sa patine particulière. Chenet applique une patine différente à chaque sculpture, ce qui confère à chacune d’entre elles un caractère distinct. Cette approche assure que, même dans une série d’œuvres similaires, chaque sculpture est une pièce unique en son genre. Pour cette épreuve d’ours blanc, la patine brun vert nuancé accentue les lignes et les textures de la sculpture, mettant en valeur les détails et les expressions de l’animal.
L’œuvre mesure 34,5 cm de largeur et 17 cm de hauteur, des dimensions qui permettent d’apprécier pleinement le travail minutieux de l’artiste. Elle est en bon état général, un témoignage de la qualité du bronze utilisé et du savoir-faire de Pierre Chenet en matière de conservation des sculptures.
Cette sculpture a été réalisée au cours du XXe siècle, une période durant laquelle Pierre Chenet a perfectionné son art et s’est établi comme un maître dans le domaine de la sculpture animalière. Les œuvres de cette époque sont particulièrement prisées par les collectionneurs et les amateurs d’art en raison de leur qualité et de leur originalité.
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Taureau en pleine action, épreuve en bronze massif à patine vert nuancée
L’œuvre que nous vous présentons est une épreuve en bronze à patine brun vert nuancé, représentant un taureau en pleine action, prêt à charger. Cette sculpture dynamique et pleine de vie est l’œuvre de Pierre Chenet, un sculpteur renommé qui possède toujours sa propre fonderie d’art à Apt, en France.
Pierre Chenet est particulièrement connu pour ses œuvres animalières, qu’il réalise avec une grande maîtrise technique et artistique. Son expertise dans l’art de la patine est indéniable, et chaque pièce en bronze qu’il crée bénéficie d’une patine unique qui confère à chacune un caractère particulier et inimitable. Bien que les éditions en bronze soient nombreuses, cette capacité à offrir à chaque sculpture une finition singulière fait toute la différence dans son travail.
Cette épreuve-ci est signée et réalisée par l’auteur lui-même, attestant de l’authenticité et de la qualité de l’œuvre. La patine brun vert nuancé de ce taureau en charge accentue les détails et les lignes de la sculpture, mettant en valeur la puissance et la détermination de l’animal. Le taureau est représenté dans un moment de grande intensité, prêt à bondir, les muscles tendus et l’expression féroce. Cette représentation réaliste et énergique témoigne du talent de Chenet pour capturer l’essence et l’esprit des animaux dans ses sculptures.
L’œuvre date du XXe siècle et est en bon état général, ce qui témoigne de la qualité de la fonte et de la durabilité des matériaux utilisés. Les dimensions de la sculpture sont de 41 cm de largeur et de 28 cm de hauteur, ce qui en fait une pièce imposante mais équilibrée, capable d’attirer le regard et d’animer l’espace dans lequel elle est exposée.
La fonderie de Pierre Chenet, toujours en activité à Apt, est un lieu où l’art et la technique se rencontrent pour donner naissance à des œuvres d’exception. En tant qu’artiste, Chenet met un point d’honneur à superviser et à participer directement à la création de ses pièces, de la conception à la réalisation finale. Cela garantit non seulement la qualité de chaque œuvre, mais également sa singularité.
Cette sculpture de taureau en pleine action est donc une pièce remarquable pour plusieurs raisons. Elle illustre le talent de Pierre Chenet pour capturer la vitalité et la force des animaux, sa maîtrise de la patine qui rend chaque pièce unique, et son engagement personnel dans chaque étape du processus de création.
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Bronze à patine brun vert nuancé, buste d’un homme dénudé et musclé
L’épreuve en bronze à patine brun vert nuancé représente le buste d’un homme dénudé et musclé. Cette sculpture captivante est une fonte d’édition, signée et réalisée par Pierre Chenet, un artiste renommé. Chenet possède une fonderie d’art à Apt, où il se consacre principalement à la création d’œuvres animalières. Cependant, cette pièce montre sa capacité à capturer la beauté et la force du corps humain avec une grande précision et sensibilité.
Pierre Chenet est un maître dans l’art de la patine, et bien que ses éditions en bronze soient nombreuses, il confère à chaque pièce une patine particulière, rendant chacune unique. La patine brun vert nuancé de cette sculpture apporte une profondeur et une richesse de ton qui accentuent les détails de la musculature et les contours du visage. La technique de patine utilisée par Chenet donne à cette œuvre une apparence vivante et dynamique, reflétant la lumière de manière subtile et élégante.
Cette sculpture date du XXe siècle et est en bon état général, ce qui témoigne de la qualité et de la durabilité du travail de Chenet. Le buste a des dimensions imposantes avec une largeur de 17 cm, une hauteur de 48 cm et une profondeur de 15 cm. Ces dimensions, associées à la qualité de la patine et à la précision des détails, lui confèrent une présence majestueuse et impressionnante. La musculature est finement travaillée, chaque courbe et chaque saillie sont rendues avec un réalisme saisissant. L’expression du visage est également remarquablement détaillée, capturant une intensité et une sérénité qui ajoutent à l’impact visuel de la pièce.
Pierre Chenet, bien que principalement connu pour ses sculptures animalières, démontre à travers ce buste son talent polyvalent. Il est capable de capturer non seulement l’essence des animaux, mais aussi la beauté et la force du corps humain. Cette œuvre est un excellent exemple de sa capacité à transposer son expertise en sculpture animalière à la représentation humaine, en maintenant un niveau de détail et de réalisme exceptionnel.
La patine brun vert nuancé choisie par Chenet pour cette sculpture est particulièrement réussie. Elle apporte une richesse de couleur qui met en valeur les détails de la sculpture tout en ajoutant une dimension de profondeur et de texture.
La patine est appliquée avec une grande maîtrise, créant des variations subtiles de couleur et de ton qui rendent chaque pièce unique. Cela témoigne du savoir-faire artisanal de Chenet et de son engagement à créer des œuvres d’art uniques et de haute qualité.
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Bureau en capucin ou bureau à culbute de style Louis XV, époque début du XXe siècle
Le bureau capucin est un meuble à transformation, caractérisé par un plateau qui se rabat pour révéler un gradin de forme circulaire. Ce gradin rappelle le capuchon de l’ordre religieux des Capucins, d’où le meuble tire son nom. Ce type de meuble est également désigné sous le nom de « secrétaire à culbute » ou « bureau en capucin ».
Le secrétaire à culbute se présente comme une table de salon élégante. Son plateau, lorsqu’il est relevé, forme une table de lecture. Une tigette métallique maintient le plateau en position, et le bord du plateau est conçu pour retenir des ouvrages ou des partitions. Le gradin, qui peut être en forme de capuchon de moine, se rétracte astucieusement dans le plateau. Grâce à un bouton poussoir situé sur le flanc du meuble, le dos d’âne se libère et culbute sous le plateau, transformant la table en écritoire. Ce dos d’âne comprend souvent un compartiment secret et des tiroirs. Parfois, un écran de tissu peut être relevé à l’arrière du meuble, ajoutant une touche de mystère et de fonctionnalité.
Ce type de meuble fit son apparition au milieu du XVIIIe siècle, une époque marquée par le goût des Lumières pour les meubles transformables et les mécanismes ingénieux. Cette période voyait la curiosité et l’innovation se refléter dans le mobilier, où les meubles devaient non seulement être esthétiques mais aussi multifonctionnels. Des exemples notables de cette tendance incluent des commodes se transformant en lit pour femme de chambre, des tables à la Bourgogne, et d’autres meubles à secrets dotés de mécanismes de serrures complexes.
Le succès des bureaux capucin, ou secrétaires à culbute, atteignit son apogée dans les années 1750 et 1760. Cette popularité peut être attribuée à Antoine Gaudreaux (vers 1680-1751), l’inventeur du premier secrétaire en dos d’âne, livré pour Marie Leszczynska à Fontainebleau en 1733. Ce meuble innovant combinait élégance, praticité et ingéniosité mécanique, capturant l’essence de l’époque. L’importance de ces meubles est également soulignée par Roubo, qui en a détaillé la construction dans son Encyclopédie publiée en 1774.
Plusieurs exemplaires de secrétaires à culbute sont conservés aujourd’hui, témoignant de leur importance historique et artistique.
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Alexandre Falguière (1831-1900) sculpture en bronze de Diane, déesse Romaine
Alexandre Falguière : Un Maître de la Sculpture Française
Alexandre Falguière, né Jean Alexandre Joseph Falguière le 7 septembre 1831 à Toulouse et décédé le 20 avril 1900 à Paris, est une figure emblématique de la sculpture française du XIXe siècle. Il a marqué son époque par son talent exceptionnel, son inventivité artistique et son influence durable sur les générations suivantes de sculpteurs.
Jeunesse et Formation
Falguière a grandi dans une famille modeste. Très tôt, il montre un intérêt marqué pour les arts. Son talent est rapidement remarqué, et il reçoit une bourse pour étudier à l’École des Beaux-Arts de Toulouse, où il se forme sous la direction de sculpteurs locaux. À 18 ans, il part pour Paris pour poursuivre sa formation à l’École des Beaux-Arts de Paris, une institution prestigieuse qui forme les plus grands artistes de l’époque.
En 1859, Falguière remporte le grand prix de Rome de sculpture pour son bas-relief « Méphistophélès apparaissant à Faust dans son cabinet ». Ce prix lui permet de séjourner à la Villa Médicis à Rome, où il s’imprègne de l’art classique et de la Renaissance italienne, influençant durablement son style. À son retour en France, il commence à exposer régulièrement au Salon, où ses œuvres attirent l’attention du public et des critiques.
En 1864, il réalise « Le Vainqueur au combat de coqs », une sculpture en bronze qui remporte un immense succès et le propulse au premier plan de la scène artistique. Cette œuvre, caractérisée par son dynamisme et sa précision anatomique, révèle son talent pour capter le mouvement et l’émotion.
Œuvres Majeures
Parmi ses œuvres les plus célèbres figure « Diane Chasseresse » (1882), une sculpture en bronze patiné représentant la déesse de la chasse, Diane, en buste. Cette œuvre, signée et portant le cachet du fondeur «Thiébaut Frères fondeurs Paris», est remarquable par sa finesse et son élégance. Falguière excelle dans l’art de rendre la beauté et la grâce féminine tout en respectant les canons classiques de la sculpture.
Enseignement et Influence
Au-delà de sa carrière de sculpteur, Falguière a joué un rôle crucial en tant qu’enseignant. En 1882, il devient professeur à l’École des Beaux-Arts de Paris, où il forme de nombreux élèves qui deviendront à leur tour des sculpteurs renommés. Son enseignement, basé sur une solide compréhension de l’anatomie et du mouvement, a influencé une génération entière d’artistes.
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Buste bronze de Eugène Rousseau représentant une élégante
650,00 €Cette belle statue en bronze représente un buste de femme élégante, signée par l’artiste Eugène Rousseau. Elle mesure 44 cm de hauteur et date du 19e siècle. La sculpture est notable pour sa patine brune, qui présente des reflets de brillance, ajoutant une profondeur et une richesse à la pièce.
Description de l’œuvre
Le buste montre une femme gracieuse et raffinée, caractéristique de l’époque romantique. Les détails minutieux de la coiffure et des vêtements révèlent une grande maîtrise technique. Les cheveux de la femme sont coiffés de manière complexe, avec des mèches élaborées qui encadrent son visage. Son expression sereine et ses yeux fermés ajoutent une sensation de calme et de contemplation à l’œuvre.
Signature et authenticité
La signature d’Eugène Rousseau est présente sur la statue, attestant de son authenticité. Rousseau, connu pour ses œuvres en bronze, était un artiste respecté au 19e siècle. Sa capacité à capturer l’essence et la beauté de ses sujets est bien illustrée dans cette sculpture.
Patine et esthétique
La patine brune de cette sculpture est particulièrement remarquable. Au fil du temps, la patine s’est développée, donnant à la pièce une brillance subtile qui accentue les détails sculpturaux. Cette patine est un signe de la qualité et de l’âge de la pièce, ajoutant à sa valeur historique et artistique.
Contexte historique
Le 19e siècle était une période de grande innovation et de changement dans l’art, avec l’émergence de styles tels que le romantisme et le réalisme. Les artistes de cette époque, comme Rousseau, étaient influencés par les idéaux de la beauté classique et la recherche de la perfection formelle. Les bustes, en particulier, étaient populaires car ils permettaient de capturer l’essence et le caractère des individus de manière intime et personnelle.
Importance de l’œuvre
Cette statue est non seulement un exemple de l’habileté technique de Rousseau, mais aussi un reflet des valeurs esthétiques de son époque. Le buste de femme qu’il a créé représente une combinaison de grâce, de beauté et de tranquillité, caractéristiques prisées dans l’art du 19e siècle. La finesse des détails et la qualité de la patine font de cette pièce un ajout précieux à toute collection d’art ou musée.
En somme, ce buste en bronze signé Eugène Rousseau est une œuvre d’art magnifique et raffinée. La qualité de la patine, la précision des détails et l’élégance générale de la sculpture en font un exemple remarquable de l’art du 19e siècle.
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Lustre à cascade de cristaux triedri de Venini vers 1960
Voici un lustre Venini datant de 1960, caractérisé par des pendentifs de type trilobe de deux tailles, couleur transparent. Ce chef-d’œuvre, une cascade avec cristaux Triedri de Venini, est une pièce unique attribuée grâce à des documents d’archives, tels que des catalogues vintage et des documents de designers. La monture en laiton doré ajoute une touche d’élégance à ce luminaire exceptionnel.
Contexte Historique
Venini, l’entreprise de verre italienne de renommée mondiale, remonte à 1921. Elle fut fondée par Paolo Venini, un avocat milanais, et Giacomo Cappellin, un antiquaire vénitien. Leur collaboration initiale donna naissance à la fabrique de verre Cappellin Venini & C. sur l’île de Murano, sous la direction artistique de Vittorio Zecchin. L’entreprise se spécialisa d’abord dans la production de gobelets, cruches, et vases de style Renaissance.
Évolution et Innovations
En 1925, après une séparation entre les fondateurs, Paolo Venini créa la Vetri Soffiati Muranesi Venini & C., avec Napoleone Martinuzzi comme directeur artistique. Venini devint rapidement un symbole de l’art du verre coloré et des éclairages contemporains. De 1927 à 1932, Venini explora de nouvelles techniques comme le pasta vitrea (verre opaque), le vetro incamiciato (verre feuilleté), et le vetro pulegoso (verre bulle), innovant ainsi des formes très expérimentales pour l’époque.
Expositions et Collaborations
La renommée de Venini grandit grâce à des expositions dans des foires nationales, notamment la Biennale de Venise et la Triennale de Milan. Des collaborations avec des designers de renom comme Gio Ponti, Pietro Chiesa et Emilio Lancia permirent à Venini de promouvoir le design moderne à travers l’association Il Labirinto.
Influence de Carlo Scarpa
En 1932, la direction artistique fut confiée aux architectes Tomaso Buzzi et Carlo Scarpa, qui apportèrent une vision moderniste passionnante. Scarpa, en particulier, se concentra sur l’interaction de la lumière avec le verre, développant des techniques novatrices telles que le battuto (verre battu), le tessuto (verre à lignes), le granulare (verre à petites granules), et le murina (verre à motifs).
Après la Seconde Guerre Mondiale
Venini continua de collaborer avec des designers de renom tels que BBPR, Fulvio Bianconi, Roberto Menghi, Tobia Scarpa, Massimo Vignelli, et Tapio Wirkkala. Après la mort de Paolo Venini en 1959, son entreprise fut dirigée par son gendre Ludovico Diaz De Santillan, puis par sa fille Laura dans les années 1970.
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Rare grande tasse couverte en porcelaine Allemande Berlin KPM XIXe
La pièce en question est une superbe tasse couverte en porcelaine allemande, fabriquée à Berlin par la célèbre Manufacture royale de porcelaine, plus connue sous l’acronyme KPM (Konigliche Porzellan Manufaktur Berlin). Datant approximativement de la période 1820-1840, cette tasse représente une véritable œuvre d’art de son époque.
Le paysage représenté sur cette tasse transporte l’observateur dans une ambiance paisible et nostalgique. Le pont, symbole de passage et de connexion, est magnifiquement dessiné, et les ruines ajoutent une touche de mystère et de romantisme. Ce genre de décor était très apprécié à l’époque, car il évoquait à la fois la beauté de la nature et les vestiges du passé.
La tasse elle-même est d’une élégance indéniable. Sa forme est gracieuse et équilibrée, avec des lignes fluides et harmonieuses. Le couvercle assorti ajoute non seulement à la fonctionnalité de la pièce, mais aussi à son esthétique globale. La dorure qui orne la tasse et son couvercle apporte une touche de luxe et de sophistication supplémentaire. Bien que la pièce soit en très bon état général, il convient de noter un léger manque de dorure sur le couvercle, signe discret du passage du temps mais n’altérant en rien la beauté et la valeur de l’objet.
La Manufacture royale de porcelaine de Berlin, fondée en 1763 sous les auspices du roi Frédéric II de Prusse, a toujours été synonyme de qualité et de perfection dans le domaine de la porcelaine. Les pièces produites par KPM sont prisées des collectionneurs du monde entier pour leur beauté, leur finesse et leur durabilité. La manufacture a su maintenir des standards de production élevés, alliant tradition et innovation pour créer des pièces uniques et précieuses.
La porcelaine de Berlin, réputée pour sa qualité exceptionnelle et son raffinement, est ici parfaitement illustrée. La tasse arbore une signature distinctive avec le sceptre bleu, une marque de fabrique de KPM, garantissant son authenticité et son origine prestigieuse. Le sceau du sceptre bleu est un symbole de la qualité et de l’excellence des productions de la manufacture royale.
Le décor de cette tasse est particulièrement remarquable. Elle présente un paysage lacustre pittoresque, mettant en scène un pont et de vieilles ruines. Le choix du motif témoigne d’un goût prononcé pour les scènes romantiques et idylliques, très en vogue au début du XIXe siècle. Les détails du décor sont finement exécutés, chaque élément étant peint avec une grande précision et une délicatesse qui reflètent le savoir-faire des artisans de KPM.
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Joseph d’Aste, superbe statue de l’enfant Bacchus en marbre blanc
Une Œuvre Magnifique : L’Enfant Bacchus de Joseph d’Aste
Introduction
La sculpture de l’Enfant Bacchus, une œuvre en marbre blanc signée par Joseph d’Aste, est une pièce exceptionnelle qui attire l’œil par sa beauté et sa finesse. Né en 1181 et décédé en 1945, d’Aste a laissé derrière lui un héritage artistique impressionnant, et cette sculpture en est un témoignage remarquable. Haute de 51 cm, elle repose sur un socle aux teintes éclatantes de jaune, bordeaux et blanc, ajoutant une touche de vivacité et de contraste à la pureté du marbre.
Description de l’Œuvre
La sculpture représente Bacchus enfant, le dieu romain du vin et des festivités, avec une expressivité et une vivacité qui captivent immédiatement l’observateur. Dans une main, l’enfant Bacchus tient une coupe, symbole de célébration et de délices dionysiaques. Dans l’autre main, il tient son vêtement délicatement drapé, qui porte une grappe de raisin, emblème de l’abondance et de la fertilité.
Détails du Socle
Le socle de la sculpture, avec ses couleurs mouchetées de jaune, de bordeaux et de blanc, offre un contraste saisissant avec le marbre blanc immaculé de la statue. Les nuances vives du socle rehaussent l’éclat et la délicatesse de la figure en marbre, tout en apportant une dimension supplémentaire à l’ensemble de l’œuvre. Cette base soigneusement choisie et colorée semble souligner l’importance de la sculpture tout en la mettant subtilement en valeur.
Expression et Posture
L’expression du jeune Bacchus est d’une douceur et d’une innocence désarmantes, capturant parfaitement la joie insouciante de l’enfance divine. Sa posture, à la fois gracieuse et naturelle, témoigne de la maîtrise de d’Aste dans le rendu des formes humaines et de la vitalité. Chaque détail, des boucles de ses cheveux aux plis de son vêtement, est exécuté avec une précision minutieuse, révélant le talent exceptionnel de l’artiste.
Signification Symbolique
L’Enfant Bacchus, tenant une coupe et des raisins, symbolise la jeunesse, la vitalité et l’abondance. Cette représentation d’un dieu souvent associé à l’excès et à la joie de vivre, mais ici en version enfantine, offre une interprétation fraîche et touchante de la mythologie classique. Elle rappelle également l’importance de la nature et des cycles de croissance, des thèmes chers à d’Aste et souvent présents dans ses œuvres.
L’Héritage de Joseph d’Aste
Joseph d’Aste, dont la vie s’étend sur plusieurs siècles, a su marier tradition et innovation dans ses créations.
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Magnifique coffret Français fin du 17e siècle en écaille de tortue
Découvrez un trésor exceptionnel : un magnifique et rare grand coffret du 17e siècle, véritable chef-d’œuvre de l’artisanat de l’époque. Ce coffret, probablement d’origine française, incarne l’élégance et le raffinement caractéristiques de cette période historique. Son esthétique et sa patine, témoignages de son authenticité, en font une pièce incontournable pour les amateurs et collectionneurs d’antiquités.
Ce coffret est remarquable par son matériau principal : l’écaille de tortue. Utilisé dès l’Antiquité pour ses qualités esthétiques et pratiques, l’écaille de tortue était particulièrement prisée au 17e siècle pour la fabrication d’objets de luxe. Sa teinte naturellement riche, variant du brun doré au noir profond, et ses motifs uniques créent un effet visuel à la fois somptueux et sophistiqué. Le coffret présente une belle patine, un indicateur de son âge et de son authenticité, ainsi que du soin avec lequel il a été conservé au fil des siècles.
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Coffre fort de Nuremberg ancien datant du XVIIe siècle en fer forgé
Voici un magnifique coffre-fort ancien en fer forgé, un véritable joyau provenant de Nuremberg et datant du 17e siècle. Témoignage d’une époque révolue, cet objet historique est exceptionnellement bien conservé et demeure en parfait état de fonctionnement. Avec des dimensions généreuses de 70 cm de longueur, 40 cm de largeur et 33 cm de hauteur, ce coffre-fort impressionne par sa robustesse et sa beauté.
Ce coffre-fort en fer forgé est une œuvre d’art à part entière, révélant la maîtrise artisanale des forgerons de Nuremberg du 17e siècle. Chaque détail, de la structure solide aux motifs décoratifs finement travaillés, illustre l’excellence de la fabrication de l’époque. La patine qui recouvre ce coffre ajoute une profondeur visuelle, témoignant de son ancienneté et de son authenticité. Ce fini patiné, résultat des années écoulées, confère au coffre une aura unique, le rendant encore plus précieux aux yeux des collectionneurs et des amateurs d’antiquités.
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Superbe présentoir de magasin, marque Siegel à Paris en laiton
Voici une magnifique et rare pièce d’antiquité : un présentoir de magasin en laiton datant d’environ 1925. Ce présentoir, signé par la prestigieuse maison Siegel Paris, est une véritable œuvre d’art qui se distingue par son design raffiné et son allure sophistiquée. Siegel Paris, connue pour son savoir-faire exceptionnel en matière de mobilier de luxe, a produit ce modèle unique qui est devenu aujourd’hui une rareté très prisée sur le marché des antiquités.
Ce présentoir se compose de trois étagères en verre biseauté, chacune soigneusement façonnée pour offrir non seulement une fonction pratique, mais également une esthétique élégante. Le verre biseauté ajoute une touche de raffinement et de brillance qui capte et reflète la lumière, créant ainsi une présentation visuelle attrayante pour les objets exposés. Les étagères sont réglables à la fois horizontalement et verticalement, offrant une flexibilité maximale pour l’affichage de divers articles de différentes tailles et formes.
Les dimensions du présentoir sont impressionnantes avec une hauteur totale de 118 cm, ce qui en fait une pièce de choix pour tout espace de vente cherchant à attirer l’attention. Sa taille imposante permet d’exposer une variété d’objets de manière élégante et organisée, tout en conservant une empreinte relativement compacte qui s’intègre facilement dans divers environnements.
Le cadre en laiton de ce présentoir est un véritable chef-d’œuvre de fabrication. Le laiton, connu pour sa durabilité et sa résistance à la corrosion, confère à la structure une longévité exceptionnelle tout en ajoutant une touche de luxe. La finition en laiton poli donne au présentoir une allure éclatante et attrayante qui s’harmonise parfaitement avec les étagères en verre.
Le piétement tripode est une caractéristique distinctive de ce présentoir, non seulement pour sa contribution à la stabilité de l’ensemble, mais aussi pour son design unique et élégant. Ce type de piétement est à la fois fonctionnel et décoratif, apportant une touche de sophistication supplémentaire à l’ensemble de la structure. La conception tripode assure une base solide et équilibrée, garantissant que le présentoir reste stable même lorsqu’il est chargé d’objets.
Le nom Siegel Paris est gravé sur ce présentoir, signe de son authenticité et de sa qualité supérieure. La maison Siegel Paris a une réputation bien établie pour la création de mobilier de luxe, et ce présentoir ne fait pas exception.
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Ensemble de luminaires par Flam & Luce pour Roche Bobois vers 1960
1600,00 €Ensemble de luminaires Flam & Luce pour Roche Bobois, vers 1960. Design vintage, élégance rare pour sublimer votre intérieur avec style.
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Paire de statues en marbre de Carrare, les baigneuses, d’après Falconet
Les sculptures en marbre de Carrare, d’une hauteur de 42 cm, représentent deux baigneuses inspirées des œuvres d’Étienne-Maurice Falconet. Elles incarnent l’élégance et la délicatesse du style rococo du XVIIIe siècle. Ces sculptures rappellent fortement la célèbre statue de Falconet, « Nymphe qui descend au bain » ou « La Baigneuse », présentée au Salon de 1757 et aujourd’hui exposée au Louvre.
Ces sculptures sont d’une pureté et d’une finesse remarquables, réalisées en marbre blanc de Carrare, un matériau prisé pour sa texture lisse et son éclat lumineux. Chaque détail est minutieusement sculpté, des traits du visage de la jeune fille à la courbe gracieuse de son corps. La statue représente une jeune femme nue, saisie dans un moment de douceur et d’intimité, alors qu’elle s’apprête à tester la température de l’eau avec son pied délicat. Sa posture est à la fois naturelle et empreinte de sensualité, caractéristique des œuvres de Falconet.
La main de la baigneuse repose légèrement sur une souche d’arbre enveloppée de feuillage, ajoutant une touche de nature à la scène et servant de point d’appui à la figure gracile. Ce détail accentue l’harmonie entre l’être humain et son environnement. La robe, entrelacée autour de sa cuisse, semble glisser doucement, suggérant le mouvement et la fluidité, un autre hommage à la maîtrise technique de Falconet.
Ces sculptures ne sont pas seulement des reproductions fidèles de l’œuvre originale, mais elles capturent également l’esprit du rococo, avec son accent sur l’intimité, la nature et la beauté féminine. La précision des détails, comme les plis de la robe, la texture de la peau et l’expression douce du visage, montrent le haut niveau de compétence des sculpteurs qui ont recréé ces œuvres. Chaque sculpture respire la grâce et la sensualité, créant une impression de légèreté et de douceur.
L’originalité et la rareté de ces sculptures en font des pièces particulièrement recherchées par les collectionneurs et les amateurs d’art. Il est rare de trouver ces sculptures vendues en paire, car elles sont souvent proposées à la pièce. Posséder une paire de ces œuvres permet d’apprécier pleinement l’équilibre et la symétrie qui sont si caractéristiques de l’art classique et rococo.
La qualité du marbre de Carrare ajoute une dimension supplémentaire à ces sculptures. Connue pour sa durabilité et son éclat, cette pierre a été utilisée par certains des plus grands sculpteurs de l’histoire, y compris Michel-Ange. Le choix de ce matériau pour recréer les baigneuses de Falconet témoigne du soin apporté à chaque aspect de ces œuvres.
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Glaneuse, importante sculpture en bronze de Henri Godet
850,00 €Henri Godet (1853-1937) est un sculpteur français de renom, élève de Mathurin Moreau, un autre sculpteur célèbre de la même époque. Godet a commencé à exposer ses œuvres au prestigieux Salon des Artistes Français à partir de 1883, où il a progressivement gagné en notoriété grâce à son talent et à son style distinctif. Sa maîtrise du bronze et sa capacité à capturer des scènes de la vie quotidienne avec une précision et une sensibilité exceptionnelles sont particulièrement remarquables.
L’une de ses œuvres notables est une sculpture en bronze représentant une glaneuse. Cette sculpture, de taille importante (58 cm), incarne la représentation réaliste et émotive de la vie rurale à la fin du XIXe siècle et au début du XXe siècle. La glaneuse, une figure symbolique de l’époque, représente les femmes qui, après la moisson, ramassaient les épis de blé oubliés pour subvenir aux besoins de leur famille. Cette scène humble et quotidienne est élevée à une forme d’art noble par Godet.
Le bronze est un matériau de prédilection pour les sculpteurs de cette époque en raison de sa durabilité et de sa capacité à rendre des détails fins. La sculpture de Godet ne fait pas exception. Elle est marquée par une patine brun foncé, une technique qui non seulement protège le métal mais ajoute également une profondeur visuelle à l’œuvre. La patine brun foncé confère à la sculpture une certaine gravité et une qualité intemporelle, renforçant ainsi l’impact visuel de la scène représentée.
Sur cette sculpture, on trouve le cachet de la pastille ‘Bronze Garanti’, ce qui atteste de l’authenticité et de la qualité de l’œuvre. Ce cachet, bien que légèrement visible, est un signe de la vérification et de l’assurance de la qualité dans le processus de fonderie. De plus, la sculpture est numérotée, ce qui indique qu’il s’agit probablement d’une édition limitée, augmentant ainsi sa valeur pour les collectionneurs.
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Œuvre de Gérard Dechamps, peinture technique de cousage et craie
750,00 €Découvrez une œuvre originale de Gérard Dechamps (1937) mêlant cousage, craie et peinture. Pièce unique d’exception pour collectionneurs passionnés.
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Table de Salle à Manger des Années 1930, rallonges à systèmes
450,00 €Table Art Déco en frêne des années 1930, plateau décor damier et rallonges ingénieuses à charnières : élégance, robustesse et fonctionnalité.
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Imposante sculpture en plâtre du faucon Horus des année 1950
650,00 €Sculpture en plâtre d’un faucon Horus, Égypte vers 1950. Pièce imposante au style muséal, idéale pour collectionneur ou décoration inspirée de l’Antiquité.
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Magnifique vase en porcelaine de Sèvres par Charles Fritz
Présentation d’un Vase Exceptionnel : Chef-d’œuvre Art Déco de Charles Fritz
Nous avons le plaisir de vous présenter un magnifique vase en porcelaine, un véritable joyau de l’époque Art Déco. Fabriqué dans les prestigieux ateliers de Sèvres en France, ce vase est une œuvre exceptionnelle de Charles Fritz, célèbre pour ses créations raffinées et son talent incomparable. Signé des initiales « CF » et daté de 1925, ce vase incarne parfaitement l’élégance et le style distinctif de cette période artistique.
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Porteur d’eau Tunisien par Jean Didier Debut (1824-1893)
900,00 €Porteur d’eau tunisien par Jean Didier (1824-1893) – Sculpture unique alliant tradition et art, disponible chez ABN Antiquités.
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Buffet de chasse style Bressan, dessus marbre, XIXe siècle
1800,00 €Buffet de chasse style Bressan XIXe siècle, avec dessus marbre, alliant charme rustique et élégance pour sublimer votre intérieur vintage.
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Grande statue en bois sculpté de la fin du XVIIe siècle représente Saint François de Sales
3500,00 €La grande statue en bois sculpté représentant Saint François de Sales, datant de la fin du XVIIe siècle, est un chef-d’œuvre de l’art sacré baroque. Mesurant 176 cm de hauteur, elle incarne l’essence même de la dévotion religieuse et de l’artisanat raffiné de cette époque.
Contexte Historique et Artistique
La fin du XVIIe siècle marque une période prolifique pour l’art religieux en Europe. Le style baroque, avec son goût pour le dramatique, l’émotionnel et le détaillé, était prédominant. Les statues de saints étaient couramment commandées par les églises et les monastères pour inspirer les fidèles et embellir les lieux de culte. Cette statue de Saint François de Sales s’inscrit parfaitement dans ce contexte, reflétant à la fois la piété et la magnificence artistique de l’époque.
Description de la Statue
La sculpture en bois de 176 cm représente Saint François de Sales, une figure éminente de l’Église catholique né le 21 août 1567. Connu pour sa douceur, sa patience et son éloquence, il a été un modèle de dévotion et de réforme spirituelle. La statue capture cette essence avec une précision remarquable.
Le visage de Saint François est sculpté avec une expression de sérénité et de contemplation, ses yeux légèrement baissés comme s’il était plongé dans une prière silencieuse. Ses traits sont finement détaillés, chaque ride et courbe du visage reflétant l’expérience et la sagesse accumulées au cours de sa vie. La chevelure et la barbe sont minutieusement travaillées, chaque mèche semblant presque réelle, ajoutant à la vivacité de la sculpture.
Vêtements et Symbolisme
Les vêtements de Saint François de Sales sont sculptés avec un soin particulier, chaque pli et drapé du tissu ajoutant à la richesse visuelle de la statue. Il est représenté en habit épiscopal, rappelant son statut de Prince-Évêque de Genève. La crosse épiscopale qu’il tient dans sa main gauche et la mitre posée à ses pieds sont des symboles de son autorité et de son rôle au sein de l’Église.
L’artiste a également incorporé des éléments symboliques dans la sculpture. Un livre ouvert dans sa main droite rappelle les nombreux écrits de Saint François, notamment « Introduction à la vie dévote », une œuvre majeure de spiritualité chrétienne. La présence de ce livre souligne son rôle en tant qu’auteur et théologien, dont les enseignements ont profondément influencé la pratique religieuse.
Technique et Artisanat
Le bois sculpté est un matériau exigeant, nécessitant une grande habileté et une connaissance approfondie de ses propriétés. La sculpture de cette statue témoigne d’un savoir-faire exceptionnel. L’artiste a utilisé des techniques de taille directe, sculptant directement dans le bloc de bois pour créer des détails précis et des textures réalistes. La finition polie et la patine ajoutent une dimension de profondeur et de vieillissement, conférant à la statue une aura de vénérabilité.
Conclusion
Cette statue de Saint François de Sales de la fin du XVIIe siècle est une pièce maîtresse de l’art sacré baroque. Elle incarne non seulement la dévotion religieuse mais aussi l’excellence artistique de son temps. À travers sa taille imposante, ses détails minutieux et son symbolisme riche, elle continue d’inspirer et de captiver ceux qui la contemplent, rappelant la vie et l’œuvre d’un des saints les plus respectés de l’Église catholique.
Cependant, l’usure du temps n’a pas épargné cette œuvre d’art. Plusieurs parties de la statue montrent des signes d’endommagement, notamment dus à l’infestation par les mythes. Ces insectes xylophages ont creusé dans le bois, affaiblissant la structure de certaines zones. En observant attentivement, on peut noter des trous et des cavités, particulièrement visibles sur les surfaces les moins exposées, comme par exemple à l’arrière.
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Lampe à décor de personnages à l’antique en marbre et bronze XIXe
1350,00 €Lampe décorative antique en marbre et bronze du XIXe siècle, ornée de personnages classiques. Élégance et histoire pour sublimer votre intérieur.
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Imposante garniture de cheminée XIXe en bronze de Moreau
Description de la garniture de cheminée
La garniture de cheminée est une pièce exceptionnelle comprenant une pendule en bronze patiné et une paire de candélabres assortis. Cette garniture se distingue par la richesse de ses détails et son exécution raffinée, signée par Mathurin Moreau, célèbre sculpteur français du XIXe siècle, né en 1822 et décédé en 1912.
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Belle pendule cage de style Empire, Chardon à Paris
Pendule de Style Empire et Napoléon III
Élégance et Luminosité : Un Héritage du XXe Siècle
Cette pendule élégante et lumineuse incarne l’excellence du style Empire et Napoléon III, combinant sophistication et artisanat de haute qualité. Conçue au XXe siècle, elle est un témoignage raffiné de l’art horloger et de la décoration d’intérieur inspirée par les époques glorieuses de l’histoire française.
Architecture et Design
La structure de la pendule est remarquable, constituée d’une cage en laiton doré qui encadre avec élégance quatre surfaces vitrées. Les vitres, en verre épais et finement biseauté, ajoutent une touche de brillance et de transparence, permettant une vue claire sur le mécanisme interne. Cette conception assure non seulement une protection optimale, mais également une présentation esthétique de l’horloge. Les deux portes, situées à l’avant et à l’arrière, offrent un accès facile pour les réglages et l’entretien, tout en préservant la symétrie et l’harmonie visuelle.
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Sculpture « Mephistopheles » par Alfredo Morelli en marbre et bronze
12500,00 €Sculpture : Tête d’homme ou le Diable par Alfredo Morelli
La sculpture en question est une œuvre intrigante et complexe réalisée par l’artiste Alfredo Morelli, actif à Florence au XIXe siècle. Elle représente une tête d’homme ou peut-être le visage du diable, une dualité qui invite à la réflexion sur la nature humaine et le mal. L’œuvre est composée de plusieurs matériaux : le visage est en bronze, le capuchon en marbre rouge, et les yeux sont en verre de couleur rouge, ajoutant une dimension inquiétante et mystique à la pièce. La sculpture repose sur un socle en marbre noir chiné, de forme trapézoïdale, qui confère à l’ensemble une stabilité visuelle et physique tout en accentuant l’élégance de la composition.
L’œuvre porte la signature gravée « Morelli – Florence » au dos, ainsi qu’un titre. Alfredo Morelli est un sculpteur reconnu pour son travail méticuleux et expressif. Il a étudié à l’Institut d’Art de Florence, un établissement prestigieux où il a perfectionné son art et acquis les compétences nécessaires pour créer des œuvres d’une grande qualité technique et esthétique.
En 1885, alors qu’il est encore étudiant, Morelli participe aux expositions d’Anvers et de Haarlem, où il obtient une mention, soulignant déjà la reconnaissance de son talent par la critique internationale. Cette participation à des événements artistiques de renom témoigne de son engagement dans le monde de l’art et de son désir de se mesurer aux autres artistes de son époque.
En 1898, Morelli prend part au deuxième concours pour la création d’un monument dédié à Rossini à Santa Croce, à Florence. Bien que les détails sur l’issue de ce concours ne soient pas précisés, sa participation démontre son implication continue dans des projets ambitieux et prestigieux. Le concours pour le monument à Rossini aurait été une excellente plateforme pour exhiber son talent et son sens de la monumentalité.
Pour ceux qui souhaitent approfondir leurs connaissances sur Alfredo Morelli et son œuvre, plusieurs références bibliographiques sont disponibles. Parmi elles, le livre de Sissi publié en 1989, les travaux de Capelli et Soldani de 1994, ainsi que l’ouvrage de Panzetta de la même année. Ces textes offrent un éclairage précieux sur la carrière et les œuvres de Morelli, fournissant un contexte historique et artistique essentiel à la compréhension de sa contribution au monde de la sculpture.
Les dimensions de cette sculpture sont également notables : elle mesure 42 cm de hauteur, une taille qui la rend imposante et remarquablement détaillée pour une sculpture de cette nature. Les matériaux utilisés — bronze, marbre rouge et noir, et verre rouge — sont choisis avec soin pour créer une harmonie visuelle et tactile, tout en évoquant des sensations variées. Le contraste entre le bronze et le marbre, ainsi que la vive couleur des yeux en verre, attire et retient l’attention du spectateur, suscitant une réflexion sur les thèmes de la dualité et de l’apparence.
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Superbe cache pot ancien en grès vernissé XIXe siècle, décor de Chilongs et Lohans
Le cache-pot en porcelaine de Chine datant du XIXe siècle que vous présentez est une pièce remarquable qui incarne la richesse de l’art céramique chinois de cette époque. Avec ses dimensions précises de 20 cm de hauteur, 28 cm de diamètre à la panse, et 14 cm de diamètre au col, cette œuvre présente une silhouette harmonieuse et bien proportionnée, propice à la contemplation et à l’appréciation de ses détails décoratifs sophistiqués.
L’élément central du décor est constitué de huit Lohans, figures vénérées dans la tradition bouddhiste chinoise. Les Lohans, ou Arhats en sanskrit, sont des disciples de Bouddha ayant atteint l’illumination. Ils sont souvent représentés dans l’art chinois comme des figures ascétiques, aux expressions empreintes de sagesse et de tranquillité. Sur ce cache-pot, chaque Lohan est finement détaillé, illustrant des postures méditatives ou engageant des gestes symboliques, mettant en évidence la maîtrise technique et artistique des artisans de l’époque.
Le fond bleu sur lequel les Lohans se détachent ajoute une profondeur et une richesse visuelle à l’ensemble. Le bleu, souvent associé à la noblesse et à la spiritualité en Chine, crée un contraste saisissant avec les figures des Lohans, qui semblent presque émaner de la surface du pot. Cette couleur, obtenue à partir de cobalt, était très prisée et souvent réservée aux pièces de haute qualité.
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Important aquarium ancien en porcelaine de Chine, vers 1900, décor de dragon à griffes
Vase en Porcelaine de Chine, Époque 1900
Description Générale
Ce vase ou aquarium ancien en porcelaine de Chine, datant de l’époque vers 1900, est une pièce remarquable et imposante par ses dimensions et son ornementation. Il se distingue par son décor somptueux de dragons et de nuages, un thème récurrent dans l’art chinois, symbolisant le pouvoir, la force et la chance.
Dimensions et Proportions
Ce vase mesure 35 cm de hauteur, une taille considérable qui en fait un élément central dans une collection ou une décoration intérieure. La panse du vase a un diamètre impressionnant de 44 cm, ce qui lui confère une présence imposante et élégante. Le col, légèrement plus étroit avec un diamètre de 41,5 cm, harmonise les proportions de l’ensemble et met en valeur le travail de décoration.
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Art d’Asie, imposant vase de Thianqung, en porcelaine de Chine, époque XXe
Description et Caractéristiques
Ce vase en porcelaine de Chine Thianqung, daté du XXe siècle, est une pièce exceptionnelle tant par sa taille que par la qualité de son décor. D’une hauteur impressionnante de 63 cm et d’un diamètre de panse de 41 cm, ce vase se distingue par ses proportions généreuses et son allure majestueuse.
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Lampe contemporaine en laiton massif patiné, décor femme drapée, obus en pâte de verre Tief
La lampe contemporaine en laiton massif patiné qui se dresse avec une élégance intemporelle est bien plus qu’un simple luminaire; c’est une œuvre d’art captivante qui fusionne la fonctionnalité et l’esthétique avec une harmonie envoutante. À première vue, elle intrigue par son allure délicate, mais au fur et à mesure que l’on s’en approche, son charme se révèle de plus en plus captivant.
Le laiton massif, choisi comme matériau principal, offre une base solide et luxueuse à cette pièce. Sa patine subtile confère une profondeur et une richesse supplémentaires à la structure, évoquant le passage du temps et l’authenticité de son artisanat. Chaque détail, chaque courbe, semble avoir été méticuleusement pensé et exécuté, témoignant du savoir-faire exceptionnel de son créateur.
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Lampe champignon contemporaine en pâte de verre jaune nuancé ambre, Hauteur 58 cm
280,00 €Lampe champignon contemporaine en pâte de verre jaune ambré, hauteur 58 cm. Élégance et design unique pour illuminer votre intérieur avec style.
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Lampe champignon contemporaine, piétement fer forgé et obus en verre orange nuancé de bleu dans le style art déco
Dans le monde du design luminaire contemporain, la lampe champignon de style art déco est une pièce à la fois emblématique et intemporelle. Avec son piétement en fer forgé délicatement orné de motifs floraux et son obus en verre orange nuancé de bleu, elle incarne à la fois l’élégance rétro et la modernité audacieuse.
L’art déco, mouvement artistique né dans les années 1920, est célèbre pour son mariage harmonieux entre formes géométriques, motifs floraux et matériaux luxueux. Cette lampe champignon contemporaine capture parfaitement l’esprit de cette époque faste, tout en apportant une touche de fraîcheur et d’originalité.
Le piétement en fer forgé de la lampe est une œuvre d’art à part entière. Sculpté avec finesse, il présente des motifs de roses et de feuillages qui évoquent la nature dans toute sa splendeur. La couleur noire du fer forgé contraste magnifiquement avec l’obus en verre, créant un équilibre visuel saisissant.
L’obus en verre est le cœur de la lampe champignon. Avec un diamètre de 23 cm, il offre un espace généreux pour diffuser une lumière douce et chaleureuse. La nuance orange nuancée de bleu crée un effet de dégradé subtil, ajoutant une dimension artistique à l’éclairage ambiant.
La signature de Tief, célèbre designer contemporain, apposée sur cette lampe champignon, témoigne de son excellence et de son savoir-faire. Tief est reconnu dans le monde entier pour ses créations innovantes et son sens unique du style. Cette lampe ne fait pas exception, elle est le fruit d’une collaboration entre tradition et modernité, entre artisanat et technologie.
Avec une hauteur de 50 cm, cette lampe champignon est parfaitement proportionnée pour s’intégrer dans n’importe quel espace.
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Lampe champignon contemporaine, piétement fer forgé et obus en verre orange nuancé
280,00 €Lampe champignon contemporaine avec pied en fer forgé et abat-jour en verre orange nuancé, parfaite pour une déco vintage élégante et chaleureuse.
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Lampe champignon contemporaine en verre transparent à décor craquelé
280,00 €Lampe champignon en verre transparent décor craquelé, design contemporain élégant, parfaite pour sublimer votre intérieur avec une touche unique.
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Lampe champignon en pâte de verre signé Tief, sur fond orange nuancé de bleu, Hauteur 60 cm
La lampe champignon est une pièce d’art et d’éclairage qui fusionne l’esthétique contemporaine avec la tradition artisanale. Fabriquée à partir de pâte de verre, elle incarne l’élégance et l’innovation, tout en conservant un lien profond avec le savoir-faire ancestral du travail du verre. Signée par le renommé artiste Tief, cette lampe transcende les frontières entre l’art et la fonctionnalité, offrant une expérience visuelle et lumineuse unique.
L’œuvre se présente sur un fond orange nuancé de bleu, une combinaison de couleurs qui évoque à la fois la chaleur et la fraîcheur, la lumière du soleil couchant se mêlant aux nuances apaisantes de l’océan. Cette palette chromatique ajoute une dimension de dynamisme et de vitalité à l’ensemble, capturant l’attention et invitant à la contemplation.
La lampe mesure une hauteur imposante de 60 centimètres, lui conférant une présence majestueuse qui domine l’espace environnant. Son obus, avec un diamètre de 35 centimètres, évoque la forme d’un champignon, suggérant la croissance organique et la nature éphémère de la beauté. Cette forme distinctive crée une esthétique envoûtante qui capte la lumière de manière unique, projetant des ombres douces et évocatrices dans son environnement.
Le piétement de la lampe, avec un diamètre de 23 centimètres, offre un équilibre visuel parfait à l’ensemble, ancrant l’œuvre avec élégance et stabilité. Sa conception délicate et épurée complète harmonieusement la silhouette audacieuse de l’obus, créant ainsi une union parfaite entre fonctionnalité et beauté artistique.
Chaque détail de cette lampe révèle le dévouement et le talent de l’artiste. La texture subtile de la pâte de verre, avec ses variations délicates et ses imperfections délibérées, témoigne du processus artisanal complexe qui a donné naissance à cette œuvre d’art.
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lustre contemporain de Tief en bronze massif et en cristaux de verre
Le lustre en bronze massif doré et cristaux de verre que je vais vous présenter est bien plus qu’un simple luminaire. C’est une œuvre d’art contemporaine qui fusionne habilement tradition et modernité, offrant à la fois une esthétique luxueuse et une fonctionnalité remarquable.
Chaque détail de ce lustre témoigne du savoir-faire exceptionnel de ses créateurs. Commençons par sa structure en bronze massif doré, qui lui confère une allure majestueuse et intemporelle. Le bronze, métal noble par excellence, est travaillé avec une précision méticuleuse pour créer des formes élégantes et des finitions impeccables.
Les cristaux de verre ajoutent une dimension de luxe supplémentaire à ce lustre. Chaque cristal est sélectionné avec soin pour sa clarté et sa brillance, puis taillé et poli à la perfection. Les fleurs de verre, assemblées à la main, apportent une touche de délicatesse et de raffinement, créant un contraste saisissant avec la robustesse du bronze.
Ce lustre se distingue également par son design contemporain et innovant. Contrairement aux lustres traditionnels, celui-ci éclaire par plusieurs points, grâce à ses quatre bras ornés de boules en verre. Cette disposition permet une répartition uniforme de la lumière dans la pièce, créant une atmosphère chaleureuse et accueillante.
Le modèle Veronese, du nom du célèbre sculpteur italien du XVIe siècle, est une véritable ode à l’élégance et à la sophistication. Avec ses dimensions imposantes – 70 cm de hauteur et 60 cm de largeur – ce lustre ne passe pas inaperçu et devient rapidement le point focal de n’importe quelle pièce.
En termes de fonctionnalité, ce lustre est équipé de douze ampoules de 25 watts, offrant un éclairage doux et agréable. Que ce soit dans un salon, une salle à manger ou même un hall d’entrée, ce lustre apporte une touche d’éclat et de glamour à tout environnement.
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Belle et grande lampe champignon en pâte de verre Gallé contemporain
La lampe champignon à poser contemporaine que je vais vous présenter est véritablement une pièce remarquable. Avec une hauteur imposante de 63 cm et un diamètre de l’obus atteignant 36 cm, elle ne passe pas inaperçue. Mais ce qui la distingue vraiment, c’est son design exceptionnel et son exécution méticuleuse.
Dès le premier regard, on est captivé par le décor enchanteur qui enveloppe la lampe. Un paysage de montagne, réalisé en multicouche de pâte de verre, s’étend sur sa surface. Chaque détail est finement travaillé, chaque nuance capturant la beauté des reliefs et des nuances de la nature. C’est comme si l’on pouvait presque sentir l’air frais des sommets et entendre le murmure des ruisseaux. Cette représentation artistique transporte le spectateur dans un monde de poésie et de contemplation.
Une caractéristique qui ne passe pas inaperçue est la signature discrète mais significative qui orne cette lampe. Elle ajoute une touche de valeur à cette pièce déjà remarquable.
Ce qui rend cette lampe encore plus spéciale, c’est son harmonie avec le style et l’esthétique d’Émile Gallé, le célèbre maître verrier et designer français. Les lignes élégantes, les motifs floraux délicats et l’utilisation judicieuse de la pâte de verre rappellent incontestablement l’influence de ce grand artiste. Cela confère à la lampe une aura de sophistication et de raffinement même avec son petit défaut de cuisson qui se trouve a son pied, tout en lui rendant hommage à travers un style intemporel.
Ce modèle incarne l’essence même de l’artisanat d’art. Chaque aspect, de sa conception à sa réalisation, est le fruit d’un travail méticuleux et passionné. Chaque couche de verre est soigneusement superposée pour créer une profondeur et une texture uniques. Chaque nuance est choisie avec précision pour capturer l’atmosphère et l’émotion du paysage représenté. Le résultat final est une œuvre d’art fonctionnelle, une lampe qui éclaire non seulement l’espace, mais aussi l’âme de ceux qui la contemplent.
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Important lampe champignon à poser en pâte de verre multicouche à décor de glycine
La lampe que je m’apprête à vous présenter est bien plus qu’un simple luminaire. Elle incarne l’essence même de l’art et du design contemporain, tout en rendant hommage à l’esthétique intemporelle et raffinée qui a marqué l’histoire de l’art décoratif. Avec ses dimensions imposantes, une hauteur de 80 cm et un diamètre d’obus de 45 cm, elle occupe l’espace avec une présence majestueuse, captant immédiatement l’attention de quiconque pose les yeux sur elle.
Ce qui distingue cette lampe, c’est son caractère exceptionnel, façonné par des mains expertes et imprégné d’une sensibilité artistique unique. Son décor de glycines, réalisé en multicouche et en pâte de verre, est une véritable œuvre d’art en soi. Chaque détail est méticuleusement travaillé pour capturer la beauté délicate de ces fleurs grimpantes, offrant une profondeur visuelle et une richesse de nuances qui évoquent la sensation de se promener dans un jardin en fleurs.
La lampe porte fièrement une signature, un témoignage de son origine. Cette signature évoque irrésistiblement le nom d’Emile Gallé, le maître verrier français dont le travail a marqué l’ère de l’Art Nouveau. L’influence de Gallé est palpable dans chaque courbe gracieuse, dans chaque détail minutieux de cette pièce, rappelant les chefs-d’œuvre intemporels créés par le célèbre artiste.
Ce modèle est bien plus qu’un simple luminaire. C’est une pièce de collection rare, un trésor convoité par les connaisseurs et les amateurs d’art du monde entier. Sa rareté réside non seulement dans son design exceptionnel, mais aussi dans sa capacité à transcender les époques, à rester pertinente et captivante pour les générations futures.
Lorsque cette lampe est allumée, elle crée une ambiance enchanteresse, diffusant une lumière douce et chaleureuse qui baigne son environnement dans une aura de beauté et de mystère.
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Lampe à poser contemporaine, piétement bronze et abat jour pâte de verre
La lampe à poser contemporaine que nous avons sous les yeux est bien plus qu’un simple luminaire fonctionnel ; elle incarne l’élégance, le raffinement et l’art du design. Avec une monture en bronze doré, cette pièce évoque à la fois le classicisme intemporel et une touche de modernité subtile. D’une hauteur de 54 cm, elle domine avec présence et assurance tout en conservant une taille pratique pour s’intégrer harmonieusement dans divers environnements.
L’élément le plus remarquable de cette lampe réside dans sa base tripode, où chaque jambe est finement sculptée pour représenter une tête de lion majestueuse. Ces détails exquis ajoutent une dimension de caractère et de puissance à l’esthétique globale de la lampe, capturant l’attention et suscitant l’admiration à chaque regard.
L’abat-jour de cette lampe à poser est une œuvre d’art en soi. Délicatement orné de motifs floraux et de grappes de raisins en pâte de verre, dans une teinte mordorée subtile, il diffuse une lumière chaleureuse et tamisée, créant une atmosphère enchanteresse dans n’importe quelle pièce. La combinaison de la luminosité dorée du bronze et de la teinte riche et profonde de l’abat-jour crée un jeu subtil de lumière et d’ombre, ajoutant une dimension supplémentaire à son charme visuel.
Chaque détail de cette lampe à poser a été soigneusement pensé et exécuté avec un savoir-faire exceptionnel. Chaque courbe, chaque ligne, chaque motif témoigne du talent artisanal de ceux qui l’ont créée. Cette lampe n’est pas seulement un objet utilitaire, mais une pièce de conversation, une œuvre d’art qui attire l’attention et suscite l’admiration de tous ceux qui la contemplent.
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Lampe contemporaine de type champignon, piétement bronze, obus en verre nuancé
La lampe à poser de type champignon est bien plus qu’un simple luminaire fonctionnel ; c’est une œuvre d’art à part entière qui éclaire votre espace avec élégance et style. Chaque élément de cette lampe est minutieusement conçu pour captiver l’attention et évoquer l’esthétique raffinée de l’époque Art Déco, tout en apportant une touche contemporaine à votre intérieur.
Le piétement en bronze à patine brune est le premier élément qui attire le regard. Cette matière noble confère à la lampe une robustesse intemporelle, tandis que la patine brune ajoute une profondeur subtile à sa couleur, lui conférant une aura de sophistication. Mais ce qui rend ce piétement vraiment unique, ce sont les détails exquis de fleurs stylisées qui l’ornent. Ces motifs floraux évoquent le glamour et l’opulence des années 1920 et 1930, période où l’Art Déco a prospéré, tout en offrant une touche de fraîcheur et de modernité.
L’abat-jour en verre est le complément parfait à ce piétement exquis. Fabriqué à partir de verre de qualité, cet abat-jour présente une palette de couleurs nuancées qui évoquent un coucher de soleil dans un ciel d’été. Les teintes orange et bleu se fondent harmonieusement, créant une ambiance chaleureuse et apaisante dans n’importe quelle pièce. La forme de champignon de l’abat-jour ajoute une touche ludique à l’ensemble, tout en assurant une diffusion douce et uniforme de la lumière.
Ce qui distingue cette lampe à poser, c’est son mariage harmonieux entre le passé et le présent. Bien que ses motifs et son piétement évoquent l’opulence et le glamour de l’ère Art Déco, son design global est résolument contemporain. En intégrant des éléments classiques dans un contexte moderne, cette lampe devient bien plus qu’un simple accessoire d’éclairage ; elle devient une pièce maîtresse qui enrichit votre décor et stimule les conversations.
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Alexandre Thomas FRANCIA, huile sur toile à thème marin avec voiliers
400,00 €Huile sur toile d’Alexandre Thomas Francia (1815-1884) représentant des voiliers en mer. Œuvre romantique de qualité, signée et authentifiée.
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Edouard John E. RAVEL est un artiste né en Suisse en 1847 et mort en 1920, HST scène de taverne
650,00 €Découvrez l’œuvre d’Édouard John E. Ravel, artiste suisse né en 1847, présenté par ABN Antiquités, expert en art et antiquités authentiques.
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Etagère en plâtre imitant le bois, à décor d’un bouffon du roi jouant de la musique, début XXe
L’étagère ancienne que je m’apprête à vous présenter est bien plus qu’un simple meuble. C’est un témoignage vivant d’une époque révolue, une pièce d’art à part entière qui évoque le charme et l’élégance d’un passé lointain. Imaginez-vous transporté dans les couloirs d’un château médiéval, où les fêtes et les réjouissances étaient monnaie courante, où les bouffons du roi divertissaient la cour avec leur esprit vif et leur talent musical. Cette étagère en plâtre imitant le bois, représentant un bouffon du roi jouant de la musique, est un véritable trésor artistique.
Le plâtre polychrome qui compose cette pièce lui confère une apparence presque vivante. Chaque détail, chaque pli de la tenue du bouffon, chaque note de musique gravée dans les airs semble figé dans le temps, capturant l’énergie et la jovialité de l’époque. Malgré les années qui ont passé, cette étagère est dans un bon état général, préservant ainsi son caractère authentique et sa valeur historique.
Avec ses dimensions modestes, une hauteur de 58 cm et une largeur de 38 cm, cette étagère peut facilement s’intégrer dans n’importe quel espace, qu’il s’agisse d’un salon, d’une bibliothèque ou même d’un bureau. Elle apporte une touche de raffinement et d’originalité à n’importe quelle pièce, tout en suscitant la curiosité et l’admiration de ceux qui la contemplent.
Mais au-delà de son aspect esthétique, cette étagère raconte une histoire. Elle nous rappelle une époque où l’art et la musique étaient au cœur de la vie quotidienne, où les artistes et les bouffons étaient vénérés pour leur capacité à émerveiller et à divertir. En possédant une telle pièce, vous devenez le gardien d’un morceau de passé, un lien tangible avec une époque révolue mais jamais oubliée.
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Huile sur toile XIXe représentant un gentilhomme assis dans un fauteuil et portant des décorations.
380,00 €Le tableau en question est une pièce fascinante de l’art du XIXe siècle, capturant l’image d’un homme distingué, assis avec une aura de dignité dans un fauteuil. L’œuvre, une huile sur toile, semble avoir traversé les décennies avec grâce, conservant son éclat et sa signification au fil du temps.
Au centre de la composition se trouve le protagoniste, un gentilhomme d’âge mûr dont les cheveux grisonnants suggèrent une expérience et une sagesse accumulées au fil des ans. Son visage, sculpté par les ombres et les lumières, semble refléter une vie pleine d’histoires et de souvenirs. Son regard, bien que calme, dégage une certaine intensité, peut-être témoignage de son passé militaire, comme le suggèrent les médailles fièrement affichées sur sa veste noire.
La tenue du gentilhomme est sobre et élégante, typique de l’élite de l’époque. Il est vêtu de noir, accentuant son air de dignité et de sérieux, tandis qu’une chemise blanche impeccable apporte une touche de luminosité à son apparence. Chaque détail de sa tenue semble être choisi avec soin, renforçant son statut social et son autorité.
Le cadre qui entoure la toile est tout aussi remarquable que son contenu. Fabriqué à partir de bois doré, il porte les marques du temps passé, avec des traces d’usure qui témoignent de son ancienneté. Les fissures et les imperfections ajoutent une dimension supplémentaire à l’œuvre, évoquant une histoire riche et complexe qui dépasse le simple cadre de la peinture.
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Belle œuvre religieuse du XVIIe, huile sur panneau représentant le christ sur sa croix avec Marie Madeleine à ses pieds
1600,00 €Œuvre religieuse XVIIe, huile sur panneau représentant le Christ en croix avec Marie-Madeleine à ses pieds. Authentique et chargée d’histoire.
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Pendule borne en bronze doré style Empire Charles X, début XIXe siècle
La pendule borne de style Empire Charles X, datant de la période 1824-1830, est une pièce d’une élégance intemporelle, incarnant le raffinement et le savoir-faire artisanal caractéristiques de l’époque. Réalisée en bronze doré, cette pendule est une véritable œuvre d’art, symbole de l’opulence et du goût artistique qui ont marqué le début du XIXe siècle.
Au sommet de la pendule se trouve une vasque à anses, ajoutant une touche de majesté à son design. Délicatement ornée d’un tore de laurier et de fleurettes, elle témoigne du souci du détail et de l’esthétique propre au style Empire. Ces motifs, emblématiques de l’époque, évoquent la grandeur de l’Antiquité et la gloire de l’Empire romain, des thèmes qui étaient chers aux artistes et artisans de cette période.
Le mouvement à fil qui anime cette pendule est une prouesse technique pour l’époque, témoignant de l’ingéniosité des horlogers de l’époque. Ce type de mouvement, caractérisé par sa précision et sa fiabilité, était très prisé à l’époque et était souvent utilisé dans les horloges de prestige.
Le cadran de la pendule, bien que partiellement effacé par le passage du temps, conserve tout son charme et sa beauté. Indiquant les heures en chiffres romains, il évoque l’élégance classique et intemporelle qui caractérise le style Empire. Malgré son aspect patiné, le cadran continue de témoigner de la richesse de l’histoire de cette pendule et de son importance dans le contexte de l’art et de l’horlogerie du XIXe siècle.
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Lampe de bureau art nouveau en bronze massif doré, tulipe en pâte de verre signé Muller Frères
La lampe de bureau ou de commode en bronze doré massif est une pièce exquise qui incarne l’élégance intemporelle et l’artisanat méticuleux du début du XXe siècle. Cette lampe, avec son design raffiné et son esthétique Art Nouveau, est une fusion parfaite de fonctionnalité et de beauté artistique. D’une hauteur imposante, elle attire immédiatement le regard avec son piédestal richement orné de motifs de feuillage finement ciselés, créant une harmonieuse symphonie de formes organiques et de lignes fluides.
Le bronze doré, utilisé avec habileté par les artisans de l’époque de la fin du XIXe siècle, confère à cette lampe une aura de luxe et de sophistication. Ce matériau noble, par sa finition dorée, crée un contraste saisissant avec la tulipe en pâte de verre qui surmonte la douille. Cette tulipe, signée Muller Frères, est une œuvre d’art en elle-même. La transparence délicate du verre combinée aux nuances subtiles de couleur crée un jeu de lumière envoûtant lorsqu’elle est illuminée, ajoutant une touche de magie à l’espace environnant.
Le bras en arc de la lampe, typique du style Art Nouveau, est à la fois fonctionnel et esthétique. Sa courbe gracieuse évoque le mouvement fluide de la nature, tandis que la tête de la douille est orientable, permettant ainsi de diriger la lumière selon les besoins. Cette fonctionnalité témoigne de l’ingéniosité des concepteurs de l’époque, qui ont su marier l’esthétique à la praticité avec une finesse incomparable.
L’ensemble de la lampe dégage une aura de romantisme et de mystère, transportant les observateurs dans une époque révolue où l’art et l’artisanat étaient célébrés avec passion. Chaque détail, qu’il s’agisse des motifs floraux délicats du piédestal ou des lignes élégantes du bras de la lampe, témoigne du savoir-faire exceptionnel des artisans qui l’ont créée.
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Important bague dôme en or gris formant chevalière pavé de diamants
La bague que je vais vous présenter est bien plus qu’un simple bijou ; c’est une pièce d’art exquise, un symbole de luxe et d’élégance. Fabriquée en or gris 18 carats, cette bague dôme forme une chevalière majestueuse, évoquant à la fois la tradition et la modernité.
Dès le premier regard, on est captivé par son design saisissant. Le dôme, épaillé de godrons, crée une texture riche et tactile qui attire l’œil et invite à l’exploration. Chaque détail est méticuleusement travaillé, témoignant du savoir-faire exceptionnel des artisans qui ont donné vie à cette pièce.
Ce qui rend cette bague encore plus remarquable, ce sont les 31 diamants qui ornent son dôme. Ces pierres précieuses scintillantes, d’un poids total d’environ 0,20 carats chacune, ajoutent une touche de glamour et de brillance à l’ensemble. Leur disposition soigneusement étudiée crée un jeu de lumière envoûtant, faisant de cette bague un véritable joyau.
En plus de sa beauté éblouissante, cette bague offre également un confort exceptionnel. Avec une taille de doigt de 58, elle est parfaitement ajustée pour assurer un port agréable et sécurisé.
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Armoire Normande en chêne joliment sculpté du XIXe siècle
L’armoire normande du XIXe siècle incarne une pièce de mobilier emblématique de l’artisanat et du design français de cette époque. Taillée dans le robuste chêne, cette armoire sculptée présente une esthétique remarquable et une qualité de fabrication qui témoignent du savoir-faire traditionnel transmis de génération en génération.
Dès le premier regard, l’œil est captivé par la finesse des détails sculptés qui ornent chaque centimètre de cette pièce. Sur la traverse supérieure, un motif délicat de panier fleuri évoque la nature dans toute sa splendeur. Les artisans qui ont façonné cette armoire ont su capturer la beauté éphémère des fleurs dans un élan de pérennité, conférant ainsi à cette pièce une élégance intemporelle.
Les portes de l’armoire sont encadrées par un entourage sculpté de la monnaie du pape, un motif botanique classique qui ajoute une subtile touche de sophistication à l’ensemble. Ce choix de décor témoigne non seulement du goût esthétique de l’époque, mais aussi de l’attachement à la nature et à ses symboles.
La corniche droite qui couronne l’armoire confère une majesté supplémentaire à l’ensemble, tandis que les pieds en forme de coquilles apportent une note de fantaisie et d’originalité. Ces détails architecturaux soulignent le caractère unique de cette pièce et en font un exemple exceptionnel du style normand du XIXe siècle.
À l’intérieur, des étagères offrent un espace généreux pour ranger et organiser les vêtements, la vaisselle ou tout autre objet précieux.
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Masque de faune en grès émaillé polychrome, hauteur 23 cm
Le Masque de Faune en grès émaillé polychrome, d’une hauteur de 23 cm et d’une largeur de 18,5 cm, incarne une pièce d’art fascinante imprégnée de mystère et de symbolisme. Au-delà de sa simple forme, ce masque révèle une histoire complexe et intrigante à travers chaque trait minutieusement sculpté et chaque nuance de couleur vibrante.
Dès le premier regard, l’observateur est captivé par l’expression saisissante du visage. Les traits du faune, mi-humain mi-animal, sont rendus avec une maîtrise artistique remarquable. Les yeux, profonds et énigmatiques, semblent refléter les secrets de l’âme de cette créature mythique. La bouche entrouverte évoque une émotion intense, peut-être un rire malicieux ou un cri de jubilation. Chaque détail, des narines délicatement ciselées aux sourcils arqués, contribue à donner vie à cette figure mythologique.
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Antoine Louis Barye, bel éléphant en bronze a patine brune et verdâtre, XIXe siècle
L’éléphant de Barye en bronze à patine brune est une œuvre emblématique de l’artiste français Antoine-Louis Barye, un sculpteur du XIXe siècle célèbre pour ses représentations animalières. Cette pièce magnifique, avec ses dimensions imposantes et sa patine caractéristique, incarne à la fois la force majestueuse de l’éléphant et le talent artistique exceptionnel de Barye.
Antoine-Louis Barye, né en 1795, était un sculpteur renommé de son époque, reconnu pour sa capacité à capturer la vitalité et la grâce des animaux dans ses œuvres. L’éléphant de Barye est l’une de ses créations les plus célèbres, réalisée avec un souci méticuleux du détail et une compréhension profonde de l’anatomie de l’éléphant.
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Ours couché en bronze massif a patine brune, signé de Barye
L’ours couché de Barye en bronze à patine brune est une œuvre d’art qui incarne la majesté et la force de la nature capturée dans un matériau durable et noble. Créé par le célèbre sculpteur français Antoine-Louis Barye au 19e siècle, cet ours couché est un exemple éloquent de son talent pour représenter la vie sauvage avec un réalisme saisissant.
Antoine-Louis Barye, né en 1795, était un sculpteur renommé de son époque, reconnu pour son habileté à capturer l’anatomie et le mouvement des animaux dans ses œuvres. Son intérêt pour la zoologie et ses études approfondies des animaux sauvages ont influencé son travail, lui permettant de créer des sculptures qui semblent prendre vie sous ses mains expertes.
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Jolie bague de la maison Mauboussin en argent, or et diamant
La bague Mauboussin, une œuvre d’art à la fois délicate et audacieuse, incarne l’essence même de l’élégance. Forgée à partir d’un mariage harmonieux entre l’argent 925 millièmes, l’or 750 millièmes et des diamants scintillants, cette création de la célèbre maison de joaillerie Kiff And Kiss ne manque pas de captiver les regards et d’inspirer l’admiration.
Au cœur de cette pièce d’exception réside une pierre précieuse éblouissante : un diamant HSI. Symbole de pureté et d’éternité, ce diamant, choisi avec soin, apporte une touche de lumière inégalée à l’ensemble de la bague. Sa qualité, marquée par sa couleur et sa clarté, promet une brillance éclatante qui sublimera le doigt de celle qui aura le privilège de la porter.
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SAXOPHONE ALTO MAURICE BOISTE SÉRIE ARTISTE dans son coffret
Le saxophone alto Maurice Boiste de la série Artiste, un instrument de musique de renom, incarne l’essence même de l’art et de l’artisanat. Avec ses caractéristiques remarquables et son héritage de qualité, cet instrument captivant est bien plus qu’un simple outil pour produire des notes mélodieuses ; il représente une fusion harmonieuse entre la tradition et l’innovation.
Le saxophone alto, d’une importance capitale dans le monde de la musique, est apprécié pour sa sonorité riche et sa polyvalence. Le modèle de la série Artiste de Maurice Boiste élève cet instrument à de nouveaux sommets, grâce à une attention méticuleuse aux détails et à une fabrication de haute qualité. Chaque composant, chaque courbe est soigneusement travaillé pour garantir une performance exceptionnelle.
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Saxo Weltklang est la marque « populaire » utilisé par B&S pendant la période RDA.
Saxo Weltklang, une marque emblématique de l’époque de la RDA, porte l’héritage d’une période musicale et politique mouvementée. Fabriquée par B&S, cette ligne de saxophones est devenue synonyme de qualité et de fiabilité dans le monde de la musique. Un des modèles les plus remarquables de cette gamme est le saxophone alto Weltklang Solist, qui incarne l’excellence artisanale et sonore de la marque.
L’histoire de Saxo Weltklang est étroitement liée à celle de la République démocratique allemande (RDA), où elle était la marque « populaire » de B&S. Durant cette période, l’Allemagne était divisée en deux États distincts, chacun avec sa propre histoire, culture et économie. Malgré les défis politiques et économiques, les artisans de B&S ont réussi à créer des instruments de musique de haute qualité qui ont su conquérir les cœurs des musiciens, tant en Allemagne qu’à l’étranger.
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étrange sculpture contemporaine sur bois représentant une demi femme, signé BER
La sculpture en bois que vous décrivez incarne l’étrangeté et la mystère dans sa forme et sa conception. Elle ne se contente pas d’être une simple représentation artistique, mais elle évoque des sentiments profonds et des questions sur son origine et sa signification.
À première vue, cette sculpture semble défier les lois de la physique, car elle représente une demi-femme qui semble fusionner avec le mur sur lequel elle est accrochée. Cette intégration harmonieuse avec le mur donne l’impression que la sculpture transcende les limites du monde matériel pour entrer dans un autre royaume, peut-être même l’au-delà. L’absence de tête, de jambes et de pieds crée une sorte de dissonance visuelle qui attire immédiatement l’attention du spectateur et le pousse à réfléchir à la signification de cette forme incomplète.
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Très belle et ancienne armoire de mariage Normande en chêne massif XIXe siècles
Dans les sombres recoins de l’histoire, où le passé et l’artisanat se marient pour créer des pièces d’une beauté intemporelle, repose une armoire de mariage normande en chêne massif doré, témoin silencieux du XIXe siècle. Chaque trait, chaque courbe sculptée raconte une histoire, une époque où le mariage de l’art et de la fonctionnalité donnait naissance à des chefs-d’œuvre d’une splendeur inégalée.
Au premier regard, l’armoire se dresse majestueusement, une sentinelle de l’histoire, avec ses lignes généreuses et ses détails finement travaillés. Le chêne massif doré, patiné par le temps, ajoute une aura de noblesse à cette pièce remarquable. Mais ce n’est qu’un avant-goût de la richesse qui se cache dans ses moindres recoins.
Au sommet trône un bouquet de fleurs sculpté, une déclaration éternelle de romance et de fécondité, rappelant la célébration de l’amour qui a donné naissance à cette pièce. Chaque pétale, chaque feuille semble figé dans le temps, capturant l’essence même de la nature dans toute sa splendeur.
Mais ce n’est pas seulement l’amour qui est célébré ici ; l’armoire regorge de symboles de la vie rurale normande. Des attributs de chasse sont finement intégrés dans le bois, témoignant de la passion pour la nature et la tradition. Des paysans vaquent à leurs occupations quotidiennes, immortalisés dans des détails minutieux, rappelant la simplicité et la beauté de la vie à la campagne.
La corniche à chapeau de gendarme couronne l’armoire avec élégance, ajoutant une touche de grandeur à son allure imposante. Chaque détail, chaque motif semble avoir été façonné avec une précision méticuleuse, témoignant du savoir-faire inégalé des artisans qui ont donné vie à cette œuvre d’art.
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Sculpture en marbre de carrare art nouveau signé LEBRUN » le reve » portrait de femme
800,00 €Sculpture en marbre de Carrare Art Nouveau signée Lebrun, « Le Rêve » : portrait féminin élégant et raffiné, œuvre unique à découvrir.
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Belle vitrine ancienne vers 1900, en noyer massif de style Louis XVI
La vitrine que je vais décrire incarne l’essence même du style Louis XVI, avec son élégance intemporelle et ses détails raffinés. Fabriquée vers 1900 en noyer massif, elle est un témoignage exquis du savoir-faire artisanal de l’époque. Chaque élément de cette pièce respire le luxe et la sophistication.
Dès le premier regard, on est captivé par la beauté de sa structure. Les lignes droites et équilibrées, caractéristiques du style Louis XVI, confèrent à la vitrine une harmonie parfaite. Le noyer massif utilisé pour sa construction offre une richesse visuelle incomparable, avec ses nuances chaudes et ses veinures délicates qui ajoutent une profondeur fascinante à l’ensemble.
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Grand plat signé D’Avesn en verre opalescent représentant l’oiseau du Paradis
680,00 €Grand plat en verre opalescent signé D’Avesn, décor Oiseau du Paradis. Élégance et rareté pour collectionneurs et amateurs d’art vintage.
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Sculpture en Bronze de Barye représentant le lion et l’antilope
La sculpture de Barye représentant un lion et une antilope est un chef-d’œuvre emblématique de l’art animalier du XIXe siècle.
Créée par Antoine-Louis Barye, un sculpteur français renommé,
cette œuvre incarne la fascination de l’époque pour la représentation naturaliste des animaux et la maîtrise technique de l’artiste.
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Figurine ‘Tintin Ski’ – Inspirée des Cartes Neige réalisées par Hergé, boite et certificat
La figurine « Tintin Ski » est une pièce remarquable qui ravira les amateurs et les collectionneurs de l’univers de Tintin. Inspirée des Cartes Neige dessinées par Hergé pour les fêtes de fin d’année 1942-1943, cette pièce capture toute l’essence et le dynamisme du célèbre reporter.
Faisant partie de la collection « Classique » et portant la référence 45930, cette figurine en résine polychrome a été minutieusement sculptée par Marie Leblon et réalisée à la main par Leblon-Delienne pour Moulinsart en 2002. Cette collaboration entre des artisans talentueux garantit une qualité et une fidélité exceptionnelles à l’œuvre originale d’Hergé.
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Statuette Tintin, L’étoile mystérieuse Source: Hergé / L’étoile mystérieuse, coffret et certificat
La statuette de Tintin représentant une scène de l’album « L’étoile mystérieuse » de Hergé est une pièce emblématique de la collection dédiée au célèbre reporter. Cette statuette, référencée sous le numéro 45993, a été produite en l’an 2009, offrant ainsi aux fans une nouvelle occasion de plonger dans l’univers captivant de Tintin.
Mesurant une hauteur de 13 cm, cette reproduction fidèle capture l’intrigue et l’essence même de l’aventure dans laquelle Tintin se lance. Réalisée en résine, cette statuette présente une qualité de fabrication remarquable qui met en valeur chaque détail. La peinture polychrome, appliquée à la main, confère à l’ensemble une apparence authentique et vivante, donnant vie aux personnages et aux décors de l’histoire.
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Statuette Tintin sortant de potiche Collection Images Mythiques, boite et certificat
La statuette de Tintin sortant de la potiche est une pièce remarquable de la collection Images Mythiques, inspirée par l’œuvre intemporelle d’Hergé et plus précisément du tome Le Lotus Bleu, page 55. Cette œuvre captivante est une reproduction fidèle d’un moment emblématique de l’aventure de Tintin, capturant l’intrigue et l’essence même de son univers.
Produite en 2008, cette statuette incarne une fusion exquise entre la résine et la porcelaine, offrant une combinaison harmonieuse de durabilité et de finesse. Avec une hauteur impressionnante de 33,5 cm, elle capture toute l’attention et l’imagination de ceux qui la contemplent.
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Statuette Tintin Plongeur 32 cm – Collection Nostalgie, coffret et certificat
La statuette Tintin Plongeur, une pièce remarquable de la Collection Nostalgie, évoque l’héritage intemporel de l’œuvre de Hergé à travers une incarnation artistique captivante. Cette œuvre emblématique, une réminiscence directe de l’illustration originale de l’artiste pour des sous-verres datant de 1944, célèbre le génie créatif de son créateur et le centenaire de sa naissance en 2007.
D’une hauteur imposante de 33 cm, cette statuette capture l’essence même de l’aventurier intrépide Tintin dans un rôle peu conventionnel, celui d’un plongeur explorant les mystères des profondeurs marines. Réalisée en résine de haute qualité, chaque détail de la sculpture est méticuleusement conçu pour refléter fidèlement l’esthétique distinctive de Hergé.
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Théodore-Joseph-Napoléon Jacques, dit Napoléon Jacques ( 1804-1876) marchand de poissons
La sculpture de Théodore-Joseph-Napoléon Jacques, surnommé Napoléon Jacques, est une pièce remarquable qui incarne à la fois le talent artistique et l’artisanat exceptionnel de ce sculpteur français du XIXe siècle. Né le 12 mai 1804 à Paris et décédé le 28 mars 1876, Napoléon Jacques a laissé un héritage durable dans le domaine de la sculpture, avec des œuvres qui continuent de susciter l’admiration et l’intérêt des amateurs d’art et des collectionneurs.
Cette sculpture en bronze doré représente un marchand de poissons, capturant un instant de la vie quotidienne dans une composition figée dans le temps. La qualité de l’exécution est superbe, témoignant du savoir-faire et de la maîtrise technique de l’artiste. Chaque détail est minutieusement travaillé, depuis les expressions du visage jusqu’aux plis des vêtements, en passant par la texture réaliste des poissons eux-mêmes.
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Magnifique tableau marine signé François Nardi ( 1861-1936 )
Magnifique tableau représentant une vue de Venise.
François Nardi est un artiste contemporain français connu pour ses peintures inspirées de paysages urbains, notamment ses représentations de Venise.
Nardi est né dans une famille d’artistes et a développé son talent dès son plus jeune âge.
Il a étudié les beaux-arts à Paris avant de se lancer dans une carrière artistique prolifique.
Cette huile sur toile est en très bon état
Dimensions : Hauteur 63 cm et Largeur 71 cm
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Lampe bouillotte en laiton doré massif et abat-jour en tôle peinte XXe
La lampe bouillotte en laiton doré et massif que je vous présente est véritablement une pièce d’exception, à la fois élégante et intemporelle. Datant du XXe siècle, elle incarne le raffinement et le savoir-faire artisanal de cette époque. Sa qualité remarquable se manifeste à travers chaque détail, faisant d’elle un objet de décoration et d’éclairage d’une rare beauté.
Conçue pour illuminer avec grâce et style, cette lampe est équipée de deux ampoules qui diffusent une lumière douce et chaleureuse. Son abat-jour en tôle peinte ajoute une touche de charme supplémentaire, avec sa particularité remarquable : il est pivotant, offrant ainsi la possibilité de diriger la lumière selon vos besoins et vos envies. De plus, la hauteur de l’abat-jour est réglable, ce qui permet d’adapter l’éclairage à différents contextes et ambiances.
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Porte perruque ou porte chapeau en porcelaine de Chine XXe siècle
Le vase Maotong en porcelaine de Chine, de la famille rose, est une pièce remarquable à bien des égards. Doté d’une élégante forme hexagonale et de charmeur, il est bien plus qu’un simple récipient décoratif. Ses ouvertures polylobées sur les côtés ajoutent une dimension de sophistication à son allure générale.
Ce qui distingue immédiatement ce vase, ce sont ses riches décorations. Les paysages fleuris qui l’ornent captivent instantanément le regard, évoquant des scènes de tranquillité et de beauté naturelle. Mais ce n’est pas tout. Ce vase regorge également d’enfants joyeux, chacun accompagné de pots de fleurs colorés, ajoutant une touche de vie et d’innocence à son esthétique déjà captivante.
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Porte perruque ou porte chapeau en porcelaine de Chine XXe siècle
Le vase Maotong en porcelaine de Chine de la famille rose est bien plus qu’un simple récipient. C’est une pièce d’art qui transcende les frontières du fonctionnel pour devenir une expression vivante de l’esthétique et de la culture chinoise. Avec ses dimensions imposantes et son design hexagonal orné d’ouvertures polylobées sur les côtés, ce vase capture l’imagination dès le premier regard.
La porcelaine de Chine, renommée pour sa finesse et sa beauté, est ici magnifiée dans la tradition de la famille rose. Cette technique de décoration, caractérisée par l’utilisation de couleurs vives et lumineuses, trouve son apogée dans ce vase où les teintes chatoyantes éclatent avec une intensité captivante. Les paysages fleuris qui s’étirent sur sa surface invitent au voyage, tandis que les personnages qui l’animent semblent raconter des histoires anciennes.
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Paire de candélabres chandeliers bougeoirs en bronze doré au mercure XIXe siècle
Dans l’éclatante ambiance des fêtes et des rassemblements distingués du XIXe siècle, ces candélabres majestueux se dressent comme des témoins intemporels du raffinement et de l’opulence. Fabriqués à partir de bronze massif et dorés au mercure, ils portent l’héritage d’une époque où l’artisanat atteignait des sommets de perfection et où la beauté était une exigence.
Chaque détail de ces pièces exquises est un hommage à l’art et à l’esthétique de leur époque. Leurs lignes élégantes, leurs volutes gracieuses et leur décor orné d’oiseaux évoquent un sentiment de grâce et d’harmonie. Ces candélabres ne sont pas simplement des objets fonctionnels, mais des œuvres d’art en elles-mêmes, capturant l’essence de leur époque avec une finesse remarquable.
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Grand médaillon en bronze représentant Jeanne d’Arc, par Henri CHAPU / Barbedienne
Le médaillon représentant Jeanne d’Arc, conçu par le talentueux sculpteur Henri Chapu en collaboration avec le fondeur renommé Ferdinand Barbedienne, incarne une œuvre d’une beauté saisissante et d’une signification profonde. Créé entre les années 1833 et 1891, ce chef-d’œuvre artistique a été façonné dans un bronze massif à la patine délicatement chocolatée, lui conférant une aura de noblesse et de durabilité.
Henri Chapu, artiste français de renom du XIXe siècle, est réputé pour son style néo-classique et sa capacité à capturer la grâce et l’émotion dans ses œuvres. Son partenariat avec Ferdinand Barbedienne, un fondeur de bronze célèbre pour son savoir-faire exceptionnel, a donné naissance à des pièces d’art d’une qualité et d’une élégance incomparables.
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Magnifique lustre à corbeille et pendeloques à Goutte d’eau de couleur
Le lustre corbeille ancien est bien plus qu’un simple luminaire. C’est une pièce de caractère qui allie l’opulence du passé avec l’éclat intemporel de l’élégance. Avec ses 12 points de lumière et ses 6 portes-bougies, il offre une luminosité somptueuse tout en diffusant une ambiance chaleureuse et accueillante dans n’importe quel espace qu’il occupe.
La monture en bronze et laiton confère à ce lustre une solidité et une noblesse indéniables. Ces matériaux précieux ont traversé les époques, témoignant de la qualité artisanale et de la durabilité des pièces d’antan. Ils ajoutent également une touche de raffinement et de sophistication à l’ensemble, rappelant les époques où le luxe était synonyme de magnificence.
Orné de pendeloques ou pampilles à goutte d’eau de couleur, ce lustre ne se contente pas d’éclairer l’espace, il le transforme en un spectacle visuel captivant. Les pendeloques, avec leurs reflets chatoyants, captent la lumière et la diffusent en mille éclats scintillants, créant ainsi une atmosphère enchanteresse et féérique. Chaque goutte d’eau semble suspendue dans l’air, ajoutant une dimension de mystère et de magie à l’ensemble.
Les rubans de perles qui finalisent l’élégance de ce lustre ajoutent une touche de délicatesse et de finesse. Leur disposition soigneusement pensée et leur brillance subtile viennent parfaire l’ensemble, créant un contraste harmonieux avec la robustesse de la monture en bronze et laiton. Ces détails délicats témoignent du souci du détail et du savoir-faire artisanal qui ont présidé à la création de cette pièce d’exception.
En termes de dimensions, ce lustre corbeille ancien affiche des proportions imposantes qui en font un véritable point focal dans n’importe quelle pièce.
Avec une hauteur de 90 cm et un diamètre de 52 cm, il occupe l’espace avec prestance et élégance, sans pour autant l’écraser. Sa présence imposante est équilibrée par sa grâce et sa beauté intemporelle, en faisant une pièce maîtresse dans la décoration d’intérieur.
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paire de statuettes ancienne en biscuit de porcelaine polychrome, fin XIXe
Les statuettes anciennes en biscuit de porcelaine polychrome, représentant un couple de paysans, sont des trésors de l’art décoratif du XIXe siècle. Leur taille imposante et leur polychromie bien conservée témoignent de leur qualité et de leur importance historique. Ces pièces captivantes sont des témoins précieux de l’artisanat de l’époque, offrant un aperçu fascinant de la vie quotidienne et des valeurs esthétiques de cette période.
La finesse et le détail des sculptures révèlent l’habileté remarquable des artisans qui les ont créées. Chaque pli de vêtement, chaque expression faciale, est méticuleusement travaillé pour capturer l’essence même de la vie rurale. Ces statuettes ne sont pas seulement des objets décoratifs, mais aussi des récits visuels qui transportent les spectateurs dans un monde révolu.
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Grand vase ancien en biscuit de porcelaine et monture en bronze doré
Le vase fuseau en biscuit de porcelaine que je m’apprête à vous présenter est une pièce d’une élégance saisissante, témoignant du raffinement artistique et de l’artisanat exquis de la fin du XIXe au début du XXe siècle. Avec une hauteur imposante de 51 cm, il occupe majestueusement l’espace, captant instantanément l’attention de quiconque pose les yeux sur lui.
Le décor de ce vase est tout simplement enchanteur. Sur sa surface, une scène en relief attire le regard : une femme, représentée avec une grâce intemporelle, est assise sur un char tiré par des puttis ou angelots. Ces derniers, joufflus et ailés, ajoutent une touche de fantaisie à la composition, évoquant une ambiance à la fois mythologique et céleste. Chaque détail est minutieusement sculpté dans la porcelaine, témoignant du savoir-faire exceptionnel des artisans qui ont donné vie à cette œuvre.
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Nicolas François CHIFFLART ( 1925-1901 ) Huile sur panneau, sous bois et lac
Le tableau que vous décrivez, œuvre de Nicolas François Chifflard, semble capturer la beauté sereine d’un sous-bois en bordure d’un lac animé par la présence gracieuse de voiliers. Cette pièce d’art, réalisée à l’aide de la technique de l’huile sur panneau, évoque un sentiment de tranquillité et d’harmonie avec la nature.
Dès le premier regard, l’observateur est transporté dans un paysage idyllique où les couleurs et les formes se mêlent pour créer une scène envoûtante. Les tons verdoyants du sous-bois contrastent avec les reflets chatoyants du lac, tandis que les voiliers dansent gracieusement sur les eaux calmes, ajoutant une touche de mouvement et de grâce à la composition.
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Magnifique paire de bougeoirs avec personnages et fleurs en porcelaine de Paris XIXe
Les bougeoirs en porcelaine de Paris du XIXe siècle sont une manifestation magnifique de l’artisanat et du design de cette époque. Ces pièces exquises, ornées de décors évoquant le style du XVIIIe siècle, captivent par leur élégance intemporelle et leur raffinement.
Fabriqués en porcelaine de Paris, ces bougeoirs incarnent l’excellence et le savoir-faire des artisans de l’époque. Chaque détail est méticuleusement travaillé, des personnages représentés dans le style du XVIIIe siècle à la signature distinctive de Paris, qui atteste de leur origine et de leur qualité.
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Danny LANE ( Attribué ) belle grande lampe en plaquettes de verres des années 1980
480,00 €Grande lampe vintage des années 1980 attribuée à Danny Lane, en plaquettes de verre, pièce unique pour une déco élégante et artistique.
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Grande sculpture ancienne en régule signé Auguste Moreau.
La majesté figée dans le temps, l’élégance immortalisée dans le bronze – voici la Grande Statue de l’Ange Cupidon, une œuvre captivante du célèbre sculpteur Auguste Moreau. Cette pièce exquise, sculptée dans du régule avec une patine brune, incarne la quintessence de la beauté et de la grâce dans l’art sculptural.
Au premier regard, l’Ange Cupidon se révèle comme un jeune homme d’une grande prestance, ses ailes déployées lui conférant une aura de puissance et de liberté. Il tient dans sa main une flèche, prête à être décochée vers les cœurs des amoureux. Cette posture saisissante, figée pour l’éternité, capture l’instant précis où l’amour prend son envol, où les destins se croisent et où les passions s’enflamment.
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Miroir ancien en verre de Murano, Vénitien, XXe siècle
Le miroir en verre de Murano, une pièce d’une élégance intemporelle, incarne l’artisanat vénitien dans toute sa splendeur. Avec ses parecloses délicatement ciselées et ses décors gravés, il évoque le savoir-faire ancestral des maîtres verriers de l’île de Murano, où se perpétue depuis des siècles une tradition artisanale incomparable.
Chaque détail de ce miroir est une ode à la beauté et à la délicatesse. Les parecloses, ces fines bordures qui encadrent le miroir, sont travaillées avec une minutie exquise, ajoutant une touche de raffinement à l’ensemble. Les décors gravés, quant à eux, témoignent du talent des artisans qui ont su insuffler vie et élégance à ce miroir. Les motifs floraux, d’une finesse remarquable, confèrent une aura de romantisme et de poésie à cette pièce d’exception.
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Grand coucou en bois sculpté de la forêt noire fin XIXe 94 cm
Le coucou en bois sculpté de la Forêt Noire, datant de la fin du XIXe siècle, est bien plus qu’une simple horloge ; c’est un symbole vivant de l’artisanat traditionnel et de l’ingéniosité des horlogers de cette région emblématique d’Allemagne. Mesurant une impressionnante hauteur de 94 cm, cette pièce remarquable est un témoignage de l’excellence et du dévouement des artisans qui l’ont créée.
L’horloge coucou de la Forêt Noire est un véritable trésor de l’histoire horlogère. Son mécanisme complexe, minutieusement conçu et fabriqué à la main, reflète l’expertise technique de l’époque. Chaque composant, des engrenages aux poids, est méticuleusement ajusté pour assurer un fonctionnement fluide et précis. Malgré son âge, cette horloge continue de fonctionner parfaitement, témoignant de la qualité durable de son artisanat.
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Double applique ressort chromée de Andréa Lazzari, pour Marosini, Italie 1960
L’applique « Double Applique Ressort Chromé » conçue par le designer Andrea Lazzari et éditée par Marosini incarne parfaitement l’esthétique et le design des années 60/70. Symbole d’une époque où l’innovation et la créativité étaient au cœur de la conception industrielle, cette pièce allie fonctionnalité et élégance dans un équilibre subtil qui en fait un objet d’admiration intemporel.
Fabriquée en Italie, cette applique témoigne du savoir-faire artisanal et de l’excellence des matériaux qui caractérisent souvent la production italienne. En acier inoxydable et agrémentée de ressorts chromés, elle incarne à la fois la solidité et la finesse, mariant la robustesse des matériaux avec une esthétique raffinée et avant-gardiste.
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Rare série de 5 appliques de Murano Borek Sipek ( 1949-2016 ) Forme de fleurs
1250,00 €Série rare de 5 appliques en porcelaine en forme de fleurs, élégantes et uniques. Parfait pour collectionneurs et amateurs d’antiquités raffinées.
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Muller Frères Lunéville – Tulipes en « pâte de verre » laiteuse à décor nuage.
45,00 €Tulipe Muller Frères Lunéville en pâte de verre laiteuse, décor tulipes et nuages. Élégance et art déco pour une pièce d’exception à découvrir.
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Muller Frères Lunéville – Tulipes en « pâte de verre » laiteuse à décor nuage.
45,00 €La tulipe de lampe, lustre ou applique que je vous présente aujourd’hui est véritablement un trésor ancien, un témoignage de l’artisanat et du savoir-faire exceptionnel de l’époque. Fabriquée en pâte de verre, elle arbore un décor marmoréen qui lui confère une élégance intemporelle. Mais ce n’est pas tout, elle porte également la prestigieuse signature « Muller Frères Lunéville », ajoutant ainsi une dimension historique et une valeur supplémentaire à cet objet.
Imaginons là, suspendue à un lustre majestueux, ou illuminant délicatement une table d’appoint. Sa beauté réside dans ses détails subtils, dans la finesse de sa fabrication et dans l’histoire qu’elle porte. Les tulipes de verre, avec leur transparence et leurs motifs délicats, ont toujours eu une place spéciale dans la décoration intérieure, apportant une touche de raffinement et de lumière à n’importe quel espace.
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Très beau et ancien grand verre gobelet en cristal taillé XIXe siècle
60,00 €Très beau et ancien grand gobelet en cristal taillé du XIXe siècle, pièce d’exception pour collectionneurs et amateurs d’art verrier.
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salon 5 pièces, époque Charles X, époque XIXe siècle, palissandre & citronnier
Entrez dans l’élégance intemporelle d’un salon remarquable, où chaque pièce raconte une histoire de style et d’époque. Ce somptueux ensemble de trois pièces, dans le magnifique style Charles X, évoque l’artisanat raffiné et le luxe discret qui caractérisent cette période de l’histoire du mobilier français.
Le salon, réalisé en palissandre marqueté de filets et de rinceaux de citronnier, est une véritable œuvre d’art. Chaque détail, de la conception des meubles à la finesse des motifs incrustés, témoigne du savoir-faire exceptionnel des artisans du XIXe siècle. Le mariage harmonieux du palissandre et du citronnier crée une palette de couleurs chaleureuse et subtile, offrant un contraste élégant et une richesse visuelle.
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Burette à huile verseuse ancienne verre soufflé glass XVIIIème siècle
Cette magnifique burette à huile ou verseuse en verre soufflé du XVIIIe siècle est un véritable trésor historique et artistique. Son apparence délicate et son état relativement bien préservé en font un objet d’une grande valeur et d’un intérêt particulier pour les collectionneurs et les amateurs d’art ancien.
Fabriquée au cours du XVIIIe siècle, une période marquée par l’artisanat et l’élégance dans la conception des objets utilitaires, cette burette incarne le savoir-faire artisanal de l’époque. Le verre soufflé, technique qui consiste à souffler de l’air dans du verre en fusion pour lui donner forme, a été utilisé pour créer cette pièce d’une beauté intemporelle.
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Burette à huile en verre moulé et soufflé 18e Siècle
La burette à huile en verre soufflé que vous décrivez est un exemple fascinant de l’artisanat du verre du 18e siècle. À travers ses caractéristiques distinctives, elle nous offre un aperçu captivant de la manière dont les objets du quotidien étaient conçus et fabriqués à cette époque.
Tout d’abord, la forme globulaire de la burette, avec son long col évasé, évoque un sens de l’élégance et de la fonctionnalité. Cette conception semble avoir été soigneusement réfléchie pour faciliter le versement de l’huile tout en conservant une esthétique attrayante. Le col évasé aurait également permis un remplissage facile de la burette, tandis que la forme globulaire aurait pu offrir une certaine stabilité lorsqu’elle était posée sur une surface plane.
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Burette à huile en verre moulé et soufflé 18e Siècle
La burette à huile en verre soufflé que vous décrivez est une pièce remarquable, non seulement par sa fonctionnalité, mais aussi par son esthétique et son histoire. Fabriquée au cours du 18e siècle, elle incarne l’artisanat méticuleux et la sophistication de l’époque.
Sa forme globulaire à long col évasé suggère une attention particulière portée à l’équilibre visuel et à l’ergonomie. Le choix d’un verre soufflé pour sa fabrication indique une méthode de production traditionnelle, où chaque pièce était créée individuellement par un maître verrier expérimenté. Cette technique confère à la burette une qualité unique, avec des variations subtiles dans la forme et la texture qui témoignent du processus de fabrication à la main.
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Grande sculpture en bronze « Mignon » d’Eugène Aizelin, 1880
Eugène Antoine Aizelin (1821-1902) était un sculpteur français dont l’œuvre a laissé une marque significative dans le monde de l’art du XIXe siècle. Né à Paris, Aizelin a développé un talent précoce pour la sculpture et a étudié à l’École des Beaux-Arts de Paris, où il a été élève d’Auguste Dumont et de Jules Ramey. Son style a été influencé par le mouvement néo-classique, mais il a également incorporé des éléments du réalisme dans ses œuvres, les dotant d’une certaine vivacité et d’une sensibilité particulière.
L’une de ses grandes sculptures en bronze les plus remarquables est « Mignon », qui représente une paysanne assise se reposant avec sa petite guitare. Cette pièce captivante capture un moment d’intimité et de tranquillité, où la figure féminine semble être plongée dans ses pensées tout en prenant un moment de repos. La posture délicate de la paysanne et la présence de la guitare évoquent un sentiment de grâce et de douceur.
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Sculpture française en bronze d’Eugène Aizelin représentant Psyché par la fonderie F. Barbedienne
Eugène Aizelin, un sculpteur français né en 1821 et décédé en 1902, demeure une figure emblématique de l’art sculptural du XIXe siècle. Son œuvre témoigne d’une maîtrise exceptionnelle de la forme, de la composition et de l’expression, faisant de lui l’un des artistes les plus remarquables de son époque.
La sculpture antique en bronze « Psyché », réalisée par Aizelin, incarne à elle seule l’excellence de son talent. Réalisée en 1863, cette pièce magnifique capture l’essence même de la mythologie grecque à travers la figure mythique de Psyché, une jeune femme d’une beauté incomparable.
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Joli vase en verre multicouche dégagé a l’acide, signé DAUM Nancy, vers 1900
Le vase que nous avons sous les yeux incarne l’essence même de l’artisanat de la verrerie de la fin du XIXe siècle. D’une élégance intemporelle, il invite à un voyage dans l’univers délicat et raffiné de la production Daum Nancy, une maison qui a su marquer son époque par son savoir-faire incomparable.
De petit format, ce vase ne se contente pas d’être un simple objet utilitaire, mais il devient une véritable œuvre d’art. Sa taille réduite lui confère une certaine intimité, une proximité presque tactile qui invite à l’admiration minutieuse de ses détails. Pourtant, malgré sa modestie en taille, il se distingue par son caractère exceptionnel, véritable joyau de l’artisanat verrier.