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Un chef-d’œuvre dans la veine cubiste
Une toile marquée par le vécu
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Œuvre de Gérard Dechamps, peinture technique de cousage et craie
750,00 €Présentation de l’œuvre de Gérard Deschamps
Né en 1937 à Lyon, Gérard Deschamps est un artiste phare du mouvement du Nouveau Réalisme, célèbre pour ses panoplies qui marient objets du quotidien et expressions artistiques. Le Nouveau Réalisme, apparu à la fin des années 1950 en pleine période d’après-guerre, a été l’un des premiers mouvements qualifiés de « contemporain » dans le panorama artistique français. Les artistes de ce courant se sont distingués par leur utilisation innovante d’objets trouvés, qu’ils intégraient dans leurs œuvres pour incarner les réalités de la société de consommation.
L’œuvre de Deschamps que nous présentons ici est datée de 1981. Elle est emblématique du Nouveau Réalisme par son approche matérielle et conceptuelle. Il s’agit d’une peinture réalisée à partir de cousage et de craie, mesurant 60 x 60 cm avec son encadrement. Cette œuvre s’inscrit dans une période de transition pour l’artiste, qui, depuis le milieu des années 1980, a exploré de nouvelles directions en incorporant des couleurs fluorescentes et des textures innovantes dans ses panoplies. Il s’est intéressé à des thèmes modernes tels que le surf et les ballons de plage, enrichissant ainsi son répertoire visuel.
Deschamps est notamment reconnu pour ses « pneumostructures » plus récentes, qui continuent de repousser les limites de son art en jouant avec les formes et les matériaux de manière audacieuse et créative. Cependant, cette œuvre de 1981 se situe juste avant cette période de transformation, offrant un aperçu fascinant de son travail antérieur tout en préfigurant ses expérimentations futures.
Le Nouveau Réalisme, tel que théorisé par Raymond Hains, se caractérise par l’utilisation d’objets de consommation courante, lesquels sont réappropriés par les artistes pour créer des œuvres d’art qui interrogent et reflètent les réalités sociales et économiques de leur époque. Dans cette œuvre, Deschamps utilise la technique de cousage, qui implique l’assemblage de divers matériaux textiles. L’utilisation de la craie, quant à elle, introduit une dimension éphémère et tactile, contrastant avec la permanence des matériaux cousus.
L’approche de Deschamps se distingue par son habileté à transformer des objets ordinaires en artefacts artistiques chargés de signification. Chaque élément de l’œuvre, qu’il s’agisse des matériaux textiles ou de la craie, est choisi pour sa capacité à évoquer des aspects spécifiques de la culture contemporaine et de la société de consommation. Par cette technique, Deschamps ne se contente pas de représenter le réel ; il l’incarne et le transcende, offrant au spectateur une nouvelle manière de voir et de comprendre le monde qui l’entoure.
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Alexandre Thomas FRANCIA, huile sur toile à thème marin avec voiliers
400,00 €« Alexandre Thomas » pourrait être le nom d’un artiste français du XIXe siècle, mais sans plus de détails, il est difficile de donner une description précise de son œuvre. Cependant, en supposant qu’il s’agisse d’un peintre du 19e siècle, voici une présentation générale qui pourrait convenir à votre demande :
L’œuvre intitulée « Francia » semble incarner l’esprit de la marine française du XIXe siècle, capturant la majesté des voiliers et la vie animée le long des côtes. Cette huile sur toile offre un paysage maritime vivant, où les voiliers naviguent gracieusement sur les eaux, accompagnés d’une barque ornée de deux figures humaines.
Au cœur de cette composition, les voiliers se dressent fièrement, leurs voiles gonflées par le vent, évoquant un sentiment de liberté et d’aventure propre à l’époque des grandes découvertes maritimes. La lumière joue un rôle crucial dans la mise en valeur de chaque détail, baignant la scène dans une atmosphère chaleureuse et enveloppante. Les nuances de bleu et de vert évoquent la profondeur et la variété des eaux, tandis que les touches de blanc captent la lumière du soleil qui se reflète sur les vagues.
Au premier plan, une barque traditionnelle occupe une place centrale, transportant deux personnages dont les activités restent sujettes à interprétation. Peut-être s’agit-il de pêcheurs rentrant de leur journée en mer ou de navigateurs discutant des prochaines destinations à explorer. Leur présence ajoute une dimension humaine à la scène, invitant le spectateur à s’immerger davantage dans cet univers maritime.
En arrière-plan, des habitations côtières se dessinent, témoignant de la vie quotidienne des communautés riveraines. Ces maisons pittoresques évoquent un sentiment de familiarité et de chaleur, contrastant avec l’immensité de l’océan qui s’étend à perte de vue.
La signature discrète en bas à gauche de la toile atteste de l’authenticité de l’œuvre et de son attribution à Alexandre Thomas Francia, un artiste qui pourrait être associé à la tradition picturale française du XIXe siècle.
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Edouard John E. RAVEL est un artiste né en Suisse en 1847 et mort en 1920, HST scène de taverne
650,00 €Edouard John E. Ravel est un artiste suisse né en 1847 et décédé en 1920, dont l’œuvre évoque souvent des scènes de la vie quotidienne, souvent empreintes de réalisme et d’un soupçon de satire sociale. L’une de ses pièces les plus remarquables est une huile sur toile captivante représentant une scène de taverne, un instantané de la vie nocturne animée de l’époque. Cette œuvre, avec ses deux personnages tenant des verres de vin, l’un assis sur une chaise et l’autre sur un tonneau, capture l’ambiance et l’esprit de l’époque de manière saisissante.
La composition de l’œuvre de Ravel est remarquablement dynamique, avec une disposition des personnages qui crée un contraste visuel intéressant. Le choix de placer un personnage sur une chaise et l’autre sur un tonneau souligne également les différences sociales ou peut-être même symbolise l’idée que l’alcool peut affecter les individus de toutes les couches de la société. Les expressions des personnages, avec leur air bien alcoolisé, ajoutent une touche de réalisme et de comédie à la scène, invitant le spectateur à s’immerger dans l’atmosphère de la taverne.
L’utilisation de la lumière et de l’ombre dans cette œuvre est également remarquable. Ravel parvient à capturer l’éclairage tamisé et chaleureux des tavernes de l’époque, créant ainsi une atmosphère accueillante et intime. Les reflets dorés de la lumière sur les verres et l’encadrement en bois doré ajoutent une touche de luxe à la scène, tout en renforçant le contraste avec la pénombre environnante.
L’encadrement en bois doré, mentionné dans la description de l’œuvre, joue un rôle important dans la présentation de celle-ci. Il encadre la scène de manière élégante, ajoutant une touche de sophistication et mettant en valeur le travail de l’artiste. De plus, il renforce le lien entre l’œuvre et son époque, évoquant le style décoratif caractéristique de la fin du XIXe siècle.
En examinant cette œuvre, on peut également envisager les thèmes plus larges qu’elle aborde. La représentation de la consommation d’alcool et de ses effets peut être interprétée comme une réflexion sur les excès de la société de l’époque, ou même comme une critique subtile des inégalités sociales. De plus, la scène de la taverne peut être vue comme un microcosme de la vie urbaine et de ses interactions sociales, offrant ainsi un aperçu fascinant de la vie quotidienne à cette époque.
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Huile sur toile XIXe représentant un gentilhomme assis dans un fauteuil et portant des décorations.
380,00 €Le tableau en question est une pièce fascinante de l’art du XIXe siècle, capturant l’image d’un homme distingué, assis avec une aura de dignité dans un fauteuil. L’œuvre, une huile sur toile, semble avoir traversé les décennies avec grâce, conservant son éclat et sa signification au fil du temps.
Au centre de la composition se trouve le protagoniste, un gentilhomme d’âge mûr dont les cheveux grisonnants suggèrent une expérience et une sagesse accumulées au fil des ans. Son visage, sculpté par les ombres et les lumières, semble refléter une vie pleine d’histoires et de souvenirs. Son regard, bien que calme, dégage une certaine intensité, peut-être témoignage de son passé militaire, comme le suggèrent les médailles fièrement affichées sur sa veste noire.
La tenue du gentilhomme est sobre et élégante, typique de l’élite de l’époque. Il est vêtu de noir, accentuant son air de dignité et de sérieux, tandis qu’une chemise blanche impeccable apporte une touche de luminosité à son apparence. Chaque détail de sa tenue semble être choisi avec soin, renforçant son statut social et son autorité.
Le cadre qui entoure la toile est tout aussi remarquable que son contenu. Fabriqué à partir de bois doré, il porte les marques du temps passé, avec des traces d’usure qui témoignent de son ancienneté. Les fissures et les imperfections ajoutent une dimension supplémentaire à l’œuvre, évoquant une histoire riche et complexe qui dépasse le simple cadre de la peinture.
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Belle œuvre religieuse du XVIIe, huile sur panneau représentant le christ sur sa croix avec Marie Madeleine à ses pieds
1600,00 €« L’Adoration du Christ par Marie Madeleine » est une œuvre religieuse du XVIIe siècle, capturée dans une huile sur panneau, représentant le Christ sur sa croix avec Marie Madeleine à ses pieds. Cette pièce emblématique, par ses dimensions imposantes et son sujet poignant, incarne l’essence même de l’art sacré de l’époque baroque.
Au cœur de cette composition se trouve le Christ, figure centrale de la foi chrétienne. Il est représenté dans toute sa majesté et sa souffrance, cloué sur la croix, les stigmates de la crucifixion marquant son corps. Son visage est empreint de calme et de résignation, exprimant à la fois la douleur physique et la paix spirituelle. Les détails anatomiques soigneusement rendus et l’utilisation habile de la lumière et de l’ombre ajoutent une profondeur émotionnelle à sa représentation, capturant l’attention du spectateur et évoquant une réflexion sur le sacrifice divin.
À ses pieds se tient Marie Madeleine, une figure emblématique du Nouveau Testament, souvent associée à la repentance et à la dévotion. Son expression est empreinte de chagrin et de désolation alors qu’elle contemple son Seigneur crucifié. Sa présence apporte une dimension humaine à la scène, soulignant la compassion et l’amour inconditionnel qui entourent l’événement central du christianisme.
La composition de l’œuvre est soigneusement orchestrée pour susciter une réaction émotionnelle profonde chez le spectateur. Les lignes diagonales de la croix et les expressions faciales des personnages dirigent le regard vers le Christ, accentuant ainsi son importance centrale dans la narration visuelle. La palette de couleurs, dominée par des tons sombres et riches en symbolisme, crée une atmosphère de solennité et de sacré, renforçant l’impact émotionnel de la scène.
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Magnifique tableau marine signé François Nardi ( 1861-1936 )
Magnifique tableau représentant une vue de Venise.
François Nardi est un artiste contemporain français connu pour ses peintures inspirées de paysages urbains, notamment ses représentations de Venise.
Nardi est né dans une famille d’artistes et a développé son talent dès son plus jeune âge.
Il a étudié les beaux-arts à Paris avant de se lancer dans une carrière artistique prolifique.
Cette huile sur toile est en très bon état
Dimensions : Hauteur 63 cm et Largeur 71 cm
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Nicolas François CHIFFLART ( 1925-1901 ) Huile sur panneau, sous bois et lac
Le tableau que vous décrivez, œuvre de Nicolas François Chifflard, semble capturer la beauté sereine d’un sous-bois en bordure d’un lac animé par la présence gracieuse de voiliers. Cette pièce d’art, réalisée à l’aide de la technique de l’huile sur panneau, évoque un sentiment de tranquillité et d’harmonie avec la nature.
Dès le premier regard, l’observateur est transporté dans un paysage idyllique où les couleurs et les formes se mêlent pour créer une scène envoûtante. Les tons verdoyants du sous-bois contrastent avec les reflets chatoyants du lac, tandis que les voiliers dansent gracieusement sur les eaux calmes, ajoutant une touche de mouvement et de grâce à la composition.
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Edmund Mahlknecht (1820-1903 ) tableau huile sur toile représentant des vaches, brebis et mouton
6500,00 €Le tableau que je vous présente est une œuvre d’art d’une valeur et d’une beauté exceptionnelles, réalisée par le célèbre peintre autrichien Edmund Mahlknecht. Ce peintre, renommé pour son talent et sa maîtrise de la technique, a créé une scène saisissante qui capture la vie rurale avec une précision et une sensibilité remarquables.
Cette peinture, exécutée à l’huile sur toile, nous transporte dans un paysage bucolique où la nature est magnifiée. Au centre de la composition, nous découvrons un fermier, figurant en taille réelle, qui se tient debout dans une prairie verdoyante. Ses vaches, brebis et mouton paissent paisiblement à ses côtés, créant une atmosphère de quiétude et de sérénité. Le choix des couleurs et des nuances, typique du style de Mahlknecht, confère à la scène une luminosité envoûtante, où chaque détail est sublimé par la lumière du jour.
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Peinture ancienne, époque fin XIXe, scène érotique
250,00 €Laissez-moi vous présenter une ancienne peinture datant de la fin du XIXe siècle, une époque où l’art était souvent un moyen d’explorer des thèmes sociaux et émotionnels de manière subtile, parfois même provocante. Cette pièce particulière offre une représentation légèrement érotique, un sujet qui a toujours fasciné les artistes à travers les âges, mais qui était souvent traité avec une certaine retenue à cette époque.
La peinture capture une scène qui semble jouer sur les frontières du désir et de l’intimité, avec une sensibilité et une esthétique qui lui sont propres. Les personnages, bien qu’ils puissent sembler conventionnels à première vue, sont présentés dans des poses suggestives et des expressions qui évoquent une certaine tension sexuelle ou émotionnelle. L’artiste semble avoir capturé un moment intime et privé, peut-être même un instant fugace de passion ou de désir.
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Magnifique, huile sur toile, représentant Robert, Le Lorrain, cadre en bois sculpté XVIIe
L’œuvre présentée est une magnifique huile sur toile représentant Robert Le Lorrain, un sculpteur baroque français né en 1666 et décédé en 1743. Cette peinture, datant du début du XIXe siècle, est une création remarquable qui capture la finesse et la grandeur de cet artiste.
Le tableau est exécuté dans le style caractéristique de Hubert Drouais, un peintre renommé né en 1699 et décédé en 1767 à Paris. Drouais était réputé pour ses portraits et ses miniatures, et dans cette œuvre, il rend hommage à Le Lorrain avec une attention particulière à la précision et à la grâce.
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Très beau tableau religieux peint, huile sur panneau de bois, époque XVIIe siècle
2500,00 €Le tableau que je vais vous présenter est une magnifique pièce d’art ancien, imprégnée d’une aura religieuse captivante. Datant du XVIIe siècle, cette œuvre est une peinture à l’huile exécutée avec une maîtrise exceptionnelle sur un panneau de bois. Son état de conservation remarquable permet de plonger dans l’histoire avec une clarté et une intensité impressionnantes, comme si le temps n’avait pas altéré sa splendeur.
La scène religieuse représentée dans ce tableau est d’une grande richesse visuelle et symbolique. Les couleurs, toujours éclatantes malgré les siècles écoulés, transportent le spectateur dans un monde où la foi et la dévotion prennent vie. Chaque détail est minutieusement travaillé, chaque personnage est sculpté avec une précision qui témoigne du talent incontestable de l’artiste.
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Adolphe Joseph Thomas Monticelli ( 18824-1886 ) Peinture huile sur panneau acajou, scène de dames
Le tableau que je suis sur le point de vous présenter est une magnifique œuvre attribuée à Adolphe Joseph Thomas Monticelli, un artiste dont le nom résonne dans les cercles artistiques du 19e siècle. Né en 1824 et décédé en 1886, Monticelli était réputé pour sa maîtrise de la peinture à l’huile et son style expressif et coloré.
Cette pièce captivante dépeint une scène charmante mettant en scène cinq dames en train de discuter dans un parc luxuriant. L’atmosphère tranquille du parc, enveloppée de verdure et de lumière, contraste avec l’animation des conversations entre les femmes, capturant ainsi un moment de vie sociale et d’échange.
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Jean Baptiste Louis GUY ? Huile sur panneau, combat de deux bouledogues
950,00 €Le tableau que je vais vous présenter est une véritable pièce d’art ancien, capturant un moment intense et dynamique : le combat de deux bouledogues, une scène qui résonne avec l’authenticité des époques révolues.
Dès le premier regard, l’œil est captivé par la vivacité des chiens représentés. Leur posture agressive et leurs expressions féroces témoignent de l’intensité du conflit qui les oppose. Chaque muscle tendu, chaque dent découvrant, le détail de la représentation est saisissant, témoignant d’un talent artistique indéniable.
Le tableau que je vais vous présenter est une véritable pièce d’art ancien, capturant un moment intense et dynamique : le combat de deux bouledogues, une scène qui résonne avec l’authenticité des époques révolues.
Dès le premier regard, l’œil est captivé par la vivacité des chiens représentés. Leur posture agressive et leurs expressions féroces témoignent de l’intensité du conflit qui les oppose. Chaque muscle tendu, chaque dent découvrant, le détail de la représentation est saisissant, témoignant d’un talent artistique indéniable.
Cadre : Hauteur 52 cm, Largeur 60.5 cm, Profondeur 6 cm
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Peinture du XIXe siècle, Fort ou Baie de Saint-Malo par temps d’orage
1450,00 €Imaginez-vous transporté au XIXe siècle, dans un petit atelier baigné de lumière tamisée par des volets mi-clos. Au centre, trône un tableau majestueux qui semble capturer l’essence même de l’océan en furie. C’est une œuvre d’art intemporelle, une fenêtre ouverte sur le passé, représentant deux voiliers luttant contre les éléments déchaînés de la baie de Saint-Malo.
La scène se déroule dans un tableau de dimensions généreuses, où chaque détail est soigneusement peint à l’huile sur une toile robuste. Les couleurs, initialement vibrantes, se fondent maintenant dans une palette de gris et de bleus sombres, évoquant la violence de la tempête qui gronde au loin. Les voiliers, jadis fiers et majestueux, sont désormais des silhouettes fantomatiques se découpant contre le ciel en colère.
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huile sur toile Paul Michel Dupuy (1869-1949)
L’œuvre « Famille à la plage » de Paul Michel Dupuy (1869-1949) est une pièce remarquable de la période impressionniste française. Cette huile sur toile captive le spectateur par sa représentation vivante et chaleureuse d’une scène familiale sur le littoral. Dupuy, connu pour son talent à capturer la lumière et l’atmosphère des paysages côtiers, déploie ici tout son savoir-faire pour transmettre une atmosphère de détente et de bonheur estival.
L’artiste choisit le thème classique de la plage et de la famille pour cette œuvre, un sujet intemporel qui a fasciné de nombreux peintres à travers les siècles. Cependant, ce qui distingue Dupuy, c’est sa capacité à saisir l’instant précis où le soleil embrasse la scène, créant des jeux de lumière et d’ombre qui confèrent une profondeur et une vie remarquables à la toile.
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Tableau HST portrait d’une dame, époque XIXe siècle
La beauté intemporelle d’une peinture ancienne réside souvent dans sa capacité à capturer l’essence d’une époque révolue, à figer l’instant dans une étreinte immortelle. Tel est le cas de cette remarquable œuvre du XIXe siècle, une huile sur toile qui dépeint avec une finesse exquise le portrait d’une dame énigmatique.
Dès le premier regard, l’observateur est saisi par la qualité exceptionnelle de cette peinture. Les traits du visage sont rendus avec une précision remarquable, chaque détail contribuant à composer une figure à la fois élégante et mystérieuse. Les yeux, en particulier, semblent capter la lumière d’une manière qui confère à la toile une vie presque palpable.
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Tableau du début du XIXe siècle, femme dans sa cuisine, HST
Laissez-moi vous présenter une magnifique pièce d’art qui capture l’essence et la vie domestique du début du XIXe siècle : une superbe huile sur toile ancienne. Cette œuvre, empreinte de charme et d’histoire, dépeint une scène intime et quotidienne mettant en scène une femme vaquant à ses tâches culinaires.
Au premier regard, votre attention est captivée par la femme centrale de la composition, affairée à sa cuisine. Elle tient dans sa main un coq mort, un symbole traditionnel de la ferme et de la nourriture fraîche. Ce détail ajoute une dimension de réalisme et de ruralité à la scène, évoquant peut-être la fraîcheur des aliments préparés à la maison.
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Joli portrait d’un gentleman , huile sur toile anonyme du XVIIIe
550,00 €L’huile sur toile ancienne du XVIIIe siècle que je vous présente est une véritable pièce de musée, dépeignant un portrait élégant d’un gentilhomme. Cette œuvre, exquise dans sa finesse et sa beauté, offre un aperçu fascinant de l’art et de la culture de l’époque.
Dès le premier regard, on est frappé par la qualité de la peinture. Le portrait est réalisé avec une maîtrise exceptionnelle, capturant les traits du sujet avec une précision remarquable. Chaque détail est méticuleusement travaillé, des lignes délicates du visage à la texture des vêtements. Le talent de l’artiste est manifeste dans la façon dont il a su rendre la personnalité et le caractère du gentilhomme, insufflant vie et expression à la toile.
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Louis Émile Pinel de Grandchamp (1831-1894) Magnifique portrait de femme, HST
1400,00 €Louis Émile Pinel de Grandchamp (1831-1894) était un peintre français renommé du XIXe siècle, célèbre pour ses magnifiques portraits de femmes captivantes. Né en 1831 à Paris, il manifesta dès son plus jeune âge un talent inné pour l’art, ce qui le conduisit à étudier à l’École des Beaux-Arts de Paris, où il fut remarqué pour son habileté et sa sensibilité artistique.
Grandchamp était un maître dans l’art de capturer la beauté et la grâce féminines dans ses œuvres. Ses portraits de femmes sont empreints d’une élégance intemporelle et d’une profondeur émotionnelle qui révèlent son talent exceptionnel pour la représentation de la féminité. Il avait une manière unique de saisir l’essence même de ses modèles, en leur conférant une aura de mystère et de grâce qui les distinguaient.
Cette belle peinture est très bien encadrée,
cadre ovale en bois doré de style Louis XVI avec le nœud en ruban en guise de fronton.
Cette ensemble qui est dans un état très satisfaisant, mesure : Hauteur 90 cm et Largeur 69 cm
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Huile sur panneau de bois, femme au panier, signé LP, Jean Baptiste Le Prince ?
950,00 €Très belle et ancienne œuvre peint sur panneau de bois, époque XVIIIe siècle, représentant une femme portant un panier.
Cette peinture est signé LP, peut être pour Jean Baptiste Le Prince ?? en tout cas cela ressemble a ses œuvres.
Il y a une écriture a l’arrière ou l’on voit écrit Le Prince, mais l’on ne voit pas la suite …
« L’Huile sur panneau de bois, Femme au panier », signée LP, est une œuvre énigmatique et captivante souvent attribuée à Jean Baptiste Le Prince, un maître français du XVIIIe siècle. Ce tableau présente une femme, probablement paysanne, tenant un panier, dans un cadre pastoral. Les détails minutieux de la scène, la luminosité et la douceur des tons utilisés témoignent du talent et de la sensibilité de l’artiste.
Jean Baptiste Le Prince, né en 1734 à Metz, était connu pour ses peintures de scènes de genre et de paysages, ainsi que pour ses gravures. Il était particulièrement influencé par le courant rococo et ses œuvres se caractérisent souvent par une atmosphère de douceur et de tranquillité. Dans cette œuvre, la femme au panier semble capturée dans un moment de contemplation tranquille, peut-être après avoir cueilli des fleurs des champs ou des fruits. Son visage, bien que détaillé, conserve une certaine aura de mystère, invitant le spectateur à interpréter ses pensées et ses émotions. La composition est équilibrée, avec la femme placée au centre de la toile, encadrée par un paysage verdoyant et paisible.
Les dimensions: Œuvre: hauteur 13.5 cm, Largeur 10.5 cm Cadre : Hauteur 34 cm, Largeur 31 cm Poids total 1320 gr
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Jean JANNEL, jeune femme dénudée 1930 nue, huile sur toile
1200,00 €« L’Étendue », une œuvre emblématique de Jean Jannel, capte la grâce intemporelle d’une femme nue allongée. Avec une maîtrise exquise de la forme et de la lumière, Jannel donne vie à la féminité dans toute sa délicatesse et sa sensualité. La pose allongée de la femme crée une ambiance de quiétude et d’harmonie, tandis que son corps nu révèle une vulnérabilité et une beauté authentique.
À travers ses traits expressifs et son utilisation subtile des nuances, Jannel parvient à capturer l’essence même de la féminité, offrant une méditation visuelle sur la grâce et la sensualité. L’œuvre transcende le temps et l’espace, invitant le spectateur à contempler la beauté intemporelle du corps féminin et à se perdre dans la contemplation de sa forme divine.
« L’Étendue » témoigne du talent exceptionnel de Jean Jannel pour capturer la quintessence de la beauté humaine à travers son art, faisant de cette œuvre une pièce remarquable dans le panorama de la représentation artistique de la femme nue.
Dimensions du châssis : Longueur 81 cm et Hauteur 46 cm
Jules Jannel était un artiste peintre français du 19e siècle, reconnu pour ses paysages pittoresques et ses scènes de la vie quotidienne. Né en 1849 à Paris, Jannel a développé un style distinctif caractérisé par des coups de pinceau audacieux et une palette de couleurs vibrantes. Ses œuvres capturaient souvent la beauté de la nature, avec des paysages ruraux, des champs de fleurs et des vues panoramiques qui évoquaient un sentiment de calme et de sérénité.
Influencé par les impressionnistes de son époque, Jannel utilisait la lumière et la couleur pour créer des atmosphères lumineuses et émotionnellement évocatrices. Ses peintures étaient souvent empreintes de nostalgie, évoquant une époque révolue ou des scènes intimes de la vie quotidienne.
Malgré sa relative discrétion dans les cercles artistiques de son époque, Jannel a gagné en reconnaissance au fil du temps pour son talent et son œuvre inspirante.
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Huile sur panneau XIXe siècle, Gentilhomme, attribué à Quentin Metsys
L’œuvre « Huile sur panneau XIXe siècle, Gentilhomme, suiveur de Quentin Metsys » est une peinture captivante qui reflète l’esthétique et le style artistique du XIXe siècle, tout en rendant hommage au maître flamand Quentin Metsys du XVIe siècle.
Cette peinture est à la fois une imitation et une interprétation personnelle de l’œuvre de Metsys, réalisée par un artiste anonyme du XIXe siècle.
Dimension total : Hauteur 38 cm et Largeur 31 cm
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Huile sur toile d’un portrait de Merville, signé Marcel Baschet
1400,00 €L’œuvre « Huile sur toile d’un portrait de Merville » signée par Marcel Baschet est une pièce captivante de la peinture française du XIXe siècle.
Marcel Baschet (1862-1941) était un peintre français prolifique, connu pour ses portraits et ses scènes de genre.
Son style se caractérise par une maîtrise impressionnante de la lumière et des détails, ainsi qu’une sensibilité dans la représentation des émotions humaines.
Dimension : Hauteur châssis : 63 cm et largeur 48 cm
Encadrement hauteur 91 cm et largeur 77 cmEn très bon état général, juste quelques accident sur le stuc doré
Dans ce portrait de Merville, Baschet déploie tout son talent pour capturer l’essence même de son sujet. La toile révèle un personnage mystérieux et fascinant, dont le regard semble transcender le temps. Baschet utilise habilement les contrastes de lumière et d’ombre pour accentuer les traits du visage de Merville, créant ainsi une atmosphère envoûtante qui attire immédiatement l’attention du spectateur.
Le choix du sujet, Merville, reste énigmatique, laissant place à l’interprétation. Il est possible que Merville ait été une figure importante de son époque, peut-être un aristocrate, un artiste ou même un membre de la famille de Baschet lui-même. Quelle que soit son identité, Baschet parvient à lui conférer une présence saisissante à travers son pinceau habile.
Le portrait de Merville est rendu avec une attention méticuleuse aux détails. Chaque pli de sa tenue, chaque reflet dans ses yeux, est soigneusement étudié et exécuté avec précision. Baschet parvient à capturer non seulement l’apparence physique de son sujet, mais aussi sa personnalité et son caractère, donnant ainsi vie à l’œuvre de manière remarquable.
