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Très belle coupe « Bélier » de CRISTAL LALIQUE France
420,00 €La coupe « Bélier » de CRISTAL LALIQUE est une pièce emblématique de la cristallerie française, reconnue pour son élégance et sa finesse.
Cette coupe est le résultat d’un savoir-faire industriel exceptionnel, combinant des techniques de soufflage et de moulage du cristal blanc.
Le design de la coupe « Bélier » est marqué par une esthétique puissante et symbolique.
La tête de bélier, symbole de force et de détermination, est magnifiquement sculptée avec des détails précis, mettant en valeur les cornes enroulées et les traits expressifs de l’animal.
Le cristal blanc, d’une pureté éclatante, capte la lumière de manière subtile, ajoutant une dimension lumineuse à l’objet.
La fabrication de cette coupe repose sur un processus industriel rigoureux.
Le cristal est d’abord soufflé à la bouche par des maîtres verriers, puis moulé pour obtenir la forme désirée.
Chaque étape de ce processus nécessite une grande maîtrise technique pour garantir la qualité et la précision du produit final.
La coupe « Bélier » est signée « Lalique France » à la pointe, une marque de reconnaissance qui atteste de son authenticité et de son origine.
Cette signature est un gage de qualité et de savoir-faire, reflet de l’excellence de la maison Lalique.
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Emile Gallé, très belle bonbonnière en verre multicouche et dégagé à l’acide
1200,00 €Cette magnifique boîte bonbonnière en verre, datant de l’époque Art Nouveau circa 1900, est une véritable œuvre d’art signée par le célèbre maître verrier Émile Gallé.
La pièce se distingue par son décor raffiné de feuillages en multicouche, minutieusement gravé à l’acide, offrant une profondeur et une texture exceptionnelles.
Le verre utilisé pour cette bonbonnière est d’une qualité remarquable, capturant et diffusant la lumière de manière spectaculaire.
Même en lumière naturelle, la boîte émet une luminosité éclatante, grâce à la transparence et à la pureté du verre.
Les motifs de feuillages, inspirés par la nature, sont caractéristiques du style Art Nouveau, qui prône l’harmonie entre l’art et la nature.
Les feuilles et les tiges sont représentées avec une précision botanique, témoignant du souci du détail et de la maîtrise technique de Gallé.
La signature japonisante de Gallé ajoute une touche d’exotisme et de sophistication à cette pièce.
L’influence de l’art japonais, très en vogue à la fin du XIXe siècle, se ressent dans les courbes élégantes et les motifs stylisés des feuillages. Cette fusion entre les styles occidental et oriental est une des caractéristiques distinctives des créations de Gallé, qui cherchait à intégrer des éléments de différentes cultures dans ses œuvres.
La bonbonnière présente un diamètre de 15 cm, ce qui en fait une pièce de taille modeste mais néanmoins imposante par sa beauté et son raffinement.
Le travail de gravure à l’acide, une technique maîtrisée par Gallé, permet de créer des effets de relief et de transparence qui ajoutent à la richesse visuelle de l’objet.
Les différentes couches de verre, superposées et gravées, créent un jeu de lumière et d’ombres qui donne vie aux motifs végétaux.
Émile Gallé, figure emblématique de l’École de Nancy, était réputé pour son innovation et son savoir-faire dans le domaine de la verrerie.
Ses créations, souvent inspirées par la flore et la faune, sont des chefs-d’œuvre de l’Art Nouveau.
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Table console de style Louis XV, forme galbée, dessus marbre
750,00 €Cette table console de style Louis XV est un véritable chef-d’œuvre de l’artisanat, reflétant l’élégance et le raffinement caractéristiques de cette période.
Fabriquée au cours de la première moitié du XXe siècle, elle incarne parfaitement le renouveau des styles classiques dans l’ameublement contemporain de l’époque.
Le bois utilisé pour cette table est richement sculpté, mettant en valeur le savoir-faire des artisans.
Les motifs floraux et les volutes délicates qui ornent les pieds et la ceinture de la table témoignent d’une attention minutieuse aux détails.
Les quatre pieds cambrés, réunis par une entretoise centrale, ajoutent une touche de grâce et de légèreté à l’ensemble.
Cette entretoise est particulièrement remarquable, avec une grosse coquille sculptée qui en constitue le point focal.
Le dessus de la table est en marbre blanc, un matériau noble et intemporel qui apporte une touche de luxe et de sophistication.
Le marbre suit parfaitement le mouvement galbé de la ceinture, créant une harmonie visuelle entre les différents éléments de la table.
La surface lisse et polie du marbre contraste magnifiquement avec les sculptures complexes du bois, offrant un équilibre parfait entre simplicité et opulence.
La table est actuellement patinée dans une teinte foncée, ce qui lui confère un aspect antique et authentique.
Cependant, il est possible d’éclaircir cette patine pour obtenir une finition plus claire et plus contemporaine, selon les préférences esthétiques de l’acquéreur.
Cette flexibilité permet à la table de s’adapter à différents styles de décoration, qu’ils soient classiques ou modernes.
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VENDU
Pendulette type officier Hour Lavigne / L’Epée , mouvement mécanique
La pendulette de voyage HOUR LAVIGNE, successeurs de l’Epée, est un véritable chef-d’œuvre d’horlogerie qui allie élégance, fonctionnalité et précision.
Cette pendulette, souvent appelée « pendulette d’officier », est un témoignage de l’artisanat horloger du début du 20ème siècle, une époque où la précision mécanique et l’esthétique raffinée étaient des valeurs fondamentales.
Description Générale :
La pendulette se distingue par son boîtier en bronze, un matériau noble et résistant qui confère à l’objet une allure à la fois classique et robuste.
Le verre biseauté qui protège le cadran ajoute une touche de sophistication et permet une lecture claire et précise de l’heure.
La pendulette est accompagnée de sa clef, un élément essentiel pour remonter le mécanisme et régler l’heure.
Caractéristiques Techniques :
Le mouvement mécanique de cette pendulette est un exemple de l’ingéniosité horlogère de l’époque.
Il est équipé d’une fonction réveil, ce qui en fait un compagnon idéal pour les voyages.
La clef amovible permet de remonter le mécanisme avec précision, tandis que l’arrêt de sonnerie situé au sommet de la pendulette permet de désactiver le réveil si nécessaire.
Les aiguilles Breguet noires, finement ouvragées, contrastent élégamment avec le cadran blanc orné de chiffres romains.
Ce design classique et intemporel rend la pendulette non seulement fonctionnelle mais aussi esthétiquement plaisante.
Dimensions et Portabilité :
Avec des dimensions de 13 x 9 cm, cette pendulette est parfaitement adaptée pour les voyages.
Sa taille compacte permet de la transporter facilement, tout en offrant une lisibilité optimale.
Que ce soit sur une table de chevet dans une chambre d’hôtel ou sur un bureau lors d’un déplacement professionnel, cette pendulette trouve sa place partout.
Histoire et Héritage :
HOUR LAVIGNE, successeurs de l’Epée, est une maison horlogère renommée qui a su perpétuer la tradition d’excellence initiée par l’Epée. Fondée en 1755, l’Epée est l’une des plus anciennes manufactures horlogères suisses, connue pour ses créations innovantes et son savoir-faire artisanal.
HOUR LAVIGNE a repris cet héritage avec brio, en continuant à produire des pendulettes de haute qualité qui allient tradition et modernité.
Utilisation et Entretien :
Pour garantir la longévité et la précision de cette pendulette, il est essentiel de la remonter régulièrement à l’aide de la clef fournie.
Le mécanisme mécanique nécessite un entretien périodique pour assurer son bon fonctionnement.
Il est recommandé de faire vérifier la pendulette par un horloger qualifié tous les quelques années pour un nettoyage et une lubrification adéquats.
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Cheval de manège, attribué à Friedrich Heyn et datant d’environ 1910
2800,00 €Ce cheval de manège, attribué à Friedrich Heyn et datant d’environ 1910, est un magnifique exemple d’art forain allemand de la Neustadt du début du XXe siècle.
Il incarne l’élégance et la nostalgie des carrousels d’autrefois, témoins d’un art populaire précieux et d’un savoir-faire artisanal exceptionnel.
Sculpté en bois polychrome d’origine, ce cheval de manège témoigne d’une finition artisanale de haute qualité.
Chaque détail a été soigneusement travaillé pour offrir un rendu réaliste et expressif.
La hauteur de la pièce est de 117 cm, tandis que sa longueur atteint 103 cm, ce qui en fait une œuvre imposante et majestueuse.
La tête du cheval est particulièrement expressive, avec une gueule ouverte révélant des dents sculptées avec minutie.
Les yeux en sulfure ajoutent un réalisme saisissant, donnant l’impression que le cheval est prêt à s’élancer à tout moment.
Les membres sont chevillés, une technique traditionnelle de fabrication qui assure solidité et durabilité à la structure.
La queue, en crin véritable, conserve son authenticité et son charme, ajoutant une touche de réalisme supplémentaire.
Le harnachement est décoré de motifs géométriques en miroirs et d’éléments polychromes, soulignant le caractère festif et joyeux de l’objet. Ces décorations, typiques des manèges de l’époque, évoquent les fêtes foraines et les moments de plaisir partagés par les enfants et les adultes.
Chaque élément du harnachement a été conçu pour capter la lumière et attirer l’œil, créant un spectacle visuel éblouissant.
Malgré quelques usures dues au temps, telles qu’une oreille endommagée et la perte d’un étrier, la pièce reste en bon état général.
Ces signes de vieillissement ne font qu’ajouter à son charme et à son authenticité, racontant l’histoire de nombreuses années de service et de joie apportée aux visiteurs des fêtes foraines.
La patine actuelle de l’objet est un témoignage de son passé riche et en fait un objet de collection unique et précieux.
Quelques restaurations sont à prévoir pour lui rendre son éclat d’origine.
Une restauration minutieuse pourrait inclure la réparation de l’oreille endommagée, le remplacement de l’étrier manquant, et peut-être un léger polissage pour raviver les couleurs et les détails.
Cependant, il est important de préserver autant que possible la patine et les marques du temps, qui font partie intégrante de l’histoire de l’objet.
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Grand pichet en céramique, créé par Jean De Lespinasse dans les années 1950
480,00 €Ce très grand pichet en céramique, créé par Jean De Lespinasse dans les années 1950, est une pièce remarquable qui témoigne du savoir-faire et de l’esthétique unique de cet artiste.
Mesurant 30 cm de hauteur et 35 cm de diamètre à la panse, ce pichet impressionne par sa taille et sa présence imposante.
Jean De Lespinasse, céramiste français renommé, a su marquer son époque par ses créations audacieuses et innovantes.
Né en 1917 et décédé en 1995, il a laissé une empreinte indélébile dans le monde de la céramique, notamment grâce à ses œuvres monumentales et ses décors raffinés.
Ce pichet en est un parfait exemple, alliant une forme généreuse à un décor sophistiqué.
Le décor de ce pichet est particulièrement frappant.
Il se compose de motifs géométriques et floraux stylisés, exécutés avec une grande précision.
Les couleurs dominantes sont le noir, le blanc et l’or, créant un contraste saisissant qui attire immédiatement le regard.
Les motifs sont disposés en bandes verticales, alternant entre des formes arrondies et des lignes plus anguleuses, ce qui confère à l’ensemble une dynamique visuelle captivante.
La technique utilisée par Jean De Lespinasse pour ce pichet est tout aussi impressionnante.
La céramique est finement travaillée, avec une glaçure lisse et brillante qui met en valeur les détails du décor.
Les motifs sont probablement réalisés à l’aide de la technique de l’engobe, où une argile liquide colorée est appliquée sur la surface de la céramique avant la cuisson.
Cette méthode permet d’obtenir des couleurs vives et durables, qui résistent parfaitement au passage du temps.
L’anse du pichet est également un élément notable.
Elle est large et robuste, parfaitement adaptée à la taille de l’objet.
Sa forme arrondie et son épaisseur généreuse permettent une prise en main confortable, tout en ajoutant à l’esthétique générale de la pièce. L’anse est intégrée harmonieusement au corps du pichet, renforçant l’impression de solidité et de cohérence de l’ensemble.
Ce pichet n’est pas seulement un objet utilitaire, mais aussi une œuvre d’art à part entière.
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VENDU
Montre à gousset d’homme de Jaeger, en or massif, Lecoultre suisse
La montre à gousset présentée ici est un véritable trésor horloger, un témoignage de l’excellence et du raffinement des années 1940. Fabriquée par la prestigieuse marque Jaeger, cette montre de poche se distingue par son élégance intemporelle et sa qualité exceptionnelle.
Description Générale
Cette montre à gousset est conçue en or jaune 18 carats, un matériau noble qui confère à l’objet une valeur intrinsèque élevée.
Avec un diamètre de 44 cm, elle possède une taille généreuse qui la rend à la fois imposante et élégante.
Le poids brut de la montre est de 49 grammes, ce qui lui donne une sensation de solidité et de robustesse en main.
Mécanisme et Fonctionnement
Le mouvement de cette montre est un remontage manuel à 18 rubis, une caractéristique qui garantit une précision et une durabilité exceptionnelles.
Le mouvement suisse Lecoultre, réputé pour sa fiabilité et sa qualité, est en parfait état de fonctionnement, assurant une marche précise et fiable.
Esthétique et Design
Le cadran de cette montre est un chef-d’œuvre en soi.
Doré et argenté d’origine, il arbore un style art déco qui était très en vogue à la fin des années 1940.
Les aiguilles, probablement en or, ajoutent une touche de luxe supplémentaire à l’ensemble.
Le design du cadran, avec ses chiffres et ses index, est à la fois sobre et sophistiqué, reflétant l’esthétique raffinée de l’époque.
État et Usure
L’usure de cette montre est conforme à son âge et à son utilisation.
Les signes de vieillissement, tels que les légères rayures et les patines, ne font qu’ajouter à son charme et à son authenticité.
Ces marques du temps témoignent de son histoire et de son utilisation par ses précédents propriétaires.
La chaîne, d’une longueur de 41 cm et d’un poids net de 13,6 grammes, complète parfaitement l’ensemble.
Elle est non seulement fonctionnelle, permettant de porter la montre en toute sécurité, mais elle ajoute également une touche d’élégance supplémentaire.
Conclusion
En somme, cette montre à gousset Jaeger des années 1940 est bien plus qu’un simple instrument de mesure du temps.
C’est un objet de collection, un témoignage de l’art horloger suisse et un symbole de luxe et de raffinement.
Que ce soit pour un collectionneur passionné ou pour un amateur d’objets vintage, cette montre est un investissement qui traversera les générations, continuant à raconter son histoire et à charmer par sa beauté intemporelle.
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VENDU
Très grande sculpture bronze art nouveau, femmes nues à la cascade
Cette remarquable sculpture en bronze, datant du début du XXe siècle, illustre avec brio le talent artistique et l’imaginaire mythologique ou naturaliste de son créateur.
Avec une hauteur de 77 cm, cette œuvre imposante captive par son esthétique raffinée et sa patine médaille d’origine, qui lui confère une profondeur et un éclat particuliers.
Bien qu’elle présente des signes d’oxydation et d’encrassement, typiques d’un état de grenier, ces marques n’altèrent en rien sa qualité artistique et peuvent être corrigées par un nettoyage doux et minutieux.
Une scène aquatique dynamique
La sculpture représente une scène vibrante et immersive mettant en scène trois femmes nues dans un environnement aquatique.
La composition, d’une grande complexité, joue sur différents niveaux pour guider l’œil du spectateur à travers l’œuvre.
L’une des figures féminines est assise avec grâce au sommet d’un rocher, dominant la scène d’un air serein et majestueux.
Les deux autres femmes semblent quant à elles émerger ou glisser dans un torrent, leurs corps s’intégrant harmonieusement aux textures fluides de l’eau sculptée.
Détails minutieux et naturalisme
Un des points forts de cette œuvre réside dans l’extraordinaire finesse des détails.
Chaque élément a été réalisé avec un soin méticuleux, contribuant à enrichir l’ensemble de la composition.
Le socle, qui simule un environnement rocheux et aquatique, regorge de détails naturalistes tels que des coquillages, un poisson et une anguille qui semblent s’animer sous nos yeux.
Ces éléments accentuent l’idée que les trois figures féminines évoluent à proximité d’une cascade, dans une scène vibrante et presque tangible.
L’artiste a su capter le mouvement et l’interaction entre les figures humaines et leur environnement, créant un équilibre subtil entre sensualité et dynamisme.
Les textures des rochers, la fluidité de l’eau et la douceur des courbes féminines témoignent du talent exceptionnel du sculpteur, capable de donner vie au bronze avec une précision rare.
Une thématique évocatrice
Cette sculpture se distingue également par la richesse symbolique qu’elle dégage.
L’interaction entre les femmes et leur cadre aquatique pourrait suggérer une inspiration mythologique, évoquant par exemple des nymphes ou des naïades, figures classiques de la culture occidentale associées aux eaux et aux cascades.
Alternativement, elle pourrait s’inscrire dans un courant naturaliste, célébrant la beauté et l’harmonie de la nature.
Ce type de thématique, prisé au début du XXe siècle, reflète un intérêt marqué pour la fusion entre l’humain et le monde naturel, ainsi qu’une exploration de la sensualité et de la vitalité féminine.
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Hermann Haase-Ilsenburg (1869-1960), l’enlèvement d’Europe, sculpture bronze
2500,00 €Je vous présente une sculpture en bronze exceptionnelle, une création captivante qui illustre l’histoire mythique d’Europe, la belle princesse phénicienne enlevée par Zeus, le roi des dieux de l’Olympe » L’enlèvement d’Europe « .
Ce récit fascinant, parmi les plus célèbres de la mythologie gréco-romaine, a inspiré les artistes depuis des siècles.
Ici, cette légende prend vie dans une interprétation magistrale de l’artiste Hermann Haase-Ilsenburg (1869-1960), un sculpteur allemand renommé, particulièrement apprécié pour ses contributions remarquables dans le style Art déco primitif.
Un sujet mythologique intemporel
La légende d’Europe est un symbole puissant de transformation, de beauté et de mystère.
Dans ce mythe, Zeus se métamorphose en un majestueux taureau blanc pour approcher Europe, la séduire et l’emmener loin de son foyer. Cette scène dramatique, riche en symbolisme, a été maintes fois réinterprétée dans l’histoire de l’art, de la peinture à la sculpture en passant par la littérature et les arts décoratifs.
Hermann Haase s’inscrit dans cette tradition en offrant une version unique, marquée par une sensibilité contemporaine et une maîtrise technique exceptionnelle.
Une œuvre d’Art déco primitif
La sculpture reflète le style Art déco primitif, un mouvement qui conjugue l’élégance moderne et des influences inspirées des cultures anciennes.
Avec sa patine brune, la surface du bronze capte subtilement la lumière, mettant en valeur les détails soigneusement travaillés.
Chaque courbe et chaque expression traduisent la maîtrise artistique de Haase.
La figure repose sur un socle en marbre gris moucheté, ajoutant une base contrastée et raffinée à l’ensemble.
Ce choix de matériaux confère à la sculpture une stabilité et une sophistication qui enrichissent l’impact visuel global de l’œuvre.
Hermann Haase-Ilsenburg : un maître sculpteur
Hermann Haase-Ilsenburg, né en Allemagne en 1869 et décédé en 1960, a marqué le domaine de la sculpture par son talent exceptionnel et sa capacité à capturer l’émotion humaine à travers des formes matérielles.
Formé dans des académies d’art prestigieuses, il a développé un style personnel mêlant les influences classiques et modernes.
Son travail se distingue par une attention rigoureuse aux détails, une expressivité saisissante et un sens aigu de l’équilibre formel.
Il a consacré sa carrière à traduire des récits intemporels et des émotions universelles en œuvres d’art palpables, comme en témoigne cette pièce.
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VENDU
Paire de consoles d’appliques en bronze doré, mascarons, XIXe siècle
Ces superbes consoles d’appliques, datant de la fin du XIXᵉ siècle, incarnent le raffinement et l’élégance des arts décoratifs français de cette époque.
Réalisées en bronze doré et dotées d’un dessus en bois, elles se distinguent par leur travail d’ornementation richement détaillé et leur conception soignée, qui reflètent l’excellence artisanale de leur temps.
Un Design Élégant et Chargé d’Histoire
Ces pièces présentent une structure ajourée somptueusement travaillée, avec un décor ornemental dominé par un mascaron central, un motif souvent utilisé dans l’art classique pour symboliser la protection ou la puissance.
Le mascaron, finement sculpté, attire immédiatement l’attention et confère une présence imposante aux consoles tout en restant harmonieux avec le reste du design.
Les enroulements gracieux et les guirlandes de fleurs flanquant les consoles illustrent une abondance d’influences stylistiques.
On y perçoit un dialogue entre les inspirations rococo, avec leurs courbes délicates, et les échos néo-classiques, caractérisés par leur symétrie et leur équilibre.
Ce mélange stylistique est typique de la fin du XIXᵉ siècle, où l’éclectisme artistique atteignait son apogée.
Une Réalisation Technique Impressionnante
Le bronze doré utilisé pour ces appliques témoigne d’un savoir-faire exceptionnel.
La dorure, probablement réalisée selon la technique de dorure au mercure, confère aux pièces un éclat chaleureux et une durabilité remarquable.
Les reflets lumineux qui jouent sur la surface sculptée mettent en valeur chaque détail, accentuant la profondeur et le relief des motifs.
Le dessus en bois apporte une note de chaleur et de contraste avec le métal doré.
Cette association élégante de matériaux nobles rehausse la richesse visuelle des consoles tout en ajoutant une touche fonctionnelle, les rendant idéales pour exposer des objets décoratifs.
Dimensions et Proportions Idéales
Avec une largeur de 29,5 cm et une hauteur de 29 cm, ces consoles possèdent des proportions harmonieuses qui s’adaptent aisément à différents types d’intérieurs.
Leur taille les rend suffisamment imposantes pour servir de points focaux dans une pièce, tout en conservant une certaine discrétion, essentielle pour s’intégrer dans un ensemble décoratif plus vaste.
Une Utilisation Polyvalente
Conçues pour être fixées au mur, ces appliques s’adaptent parfaitement à une variété d’environnements.
Placées dans un salon, une entrée ou une chambre, elles peuvent servir de supports pour des objets précieux, tels que des vases, des sculptures ou des bougeoirs.
Leur style intemporel leur permet également de s’intégrer aussi bien dans des décors classiques que dans des espaces contemporains, apportant une touche d’opulence et d’histoire.
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Imposant lustre contemporain de style Art déco, pâte de verre et fer forgé
450,00 €Lustre contemporain de style Art Déco – Élégance et caractère intemporel
Je vous présente ce magnifique lustre contemporain de style Art Déco, une pièce unique qui marie élégance classique et savoir-faire artisanal. Ce luminaire imposant saura magnifier votre intérieur grâce à ses dimensions généreuses et son design raffiné, parfait pour ajouter une touche de sophistication à n’importe quel espace.
Un design inspiré par la nature et l’Art Déco
Ce lustre est une véritable œuvre d’art. Sa monture en fer forgé, finement travaillée, s’inspire des lignes et des motifs caractéristiques du style Art Déco, tout en y intégrant des éléments naturalistes.
Le décor en grappes de raisin, délicatement sculpté, évoque la richesse et la générosité de la nature, en harmonie avec les tendances décoratives des années 1920-1930.
Le fer forgé, robuste et durable, est patiné pour apporter une texture et une profondeur supplémentaires, renforçant l’authenticité de cette pièce.
Éclairage chaleureux grâce à la pâte de verre
Ce luminaire offre un éclairage subtil et chaleureux grâce à ses 3 tulipes et sa vasque centrale, toutes réalisées en pâte de verre.
Ce matériau noble, très prisé dans l’Art Déco, confère à ce lustre une lumière douce et diffuse, créant une atmosphère apaisante et accueillante dans votre intérieur.
Les motifs délicats dans la pâte de verre renforcent son caractère unique, transformant la lumière en une véritable expérience visuelle.
Des dimensions imposantes et une présence remarquable
Avec une hauteur impressionnante de 110 cm, ce lustre s’impose comme la pièce maîtresse d’une pièce à vivre, d’une salle à manger ou même d’un hall d’entrée.
Sa circonférence d’environ 76 cm offre une couverture lumineuse idéale, équilibrant parfaitement fonctionnalité et esthétique.
Qu’il soit suspendu dans un intérieur moderne ou un espace plus classique, il apporte une touche de grandeur et d’élégance.
Une fabrication artisanale pour une qualité exceptionnelle
Chaque détail de ce lustre témoigne d’un savoir-faire artisanal d’exception.
La structure en fer forgé est soigneusement façonnée, tandis que la pâte de verre est soufflée et modelée pour créer des pièces uniques.
Ce mélange harmonieux de matériaux robustes et raffinés garantit non seulement une longue durée de vie, mais également une esthétique intemporelle qui ne se démode jamais.
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VENDU
Joli miroir en laiton dit « de sorcière », circa 1950, style Louis XVI
Ce magnifique miroir dit « de sorcière », datant de la fabrication autour des années 1950, est une pièce remarquable qui conjugue élégance et tradition artisanale.
Avec son décor richement orné et son style Louis XVI, il évoque le raffinement intemporel des créations classiques tout en étant représentatif des réinterprétations du milieu du XXᵉ siècle.
Ses dimensions équilibrées et sa qualité de fabrication en font un objet aussi décoratif que fonctionnel, idéal pour agrémenter une variété d’intérieurs.
Un miroir bombé au charme unique
Le miroir présente un verre bombé, caractéristique des miroirs dits « de sorcière ».
Ce type de miroir, souvent associé aux XVIIIᵉ et XIXᵉ siècles, se distingue par sa surface convexe qui offre une vision élargie et légèrement déformée de l’espace.
Cela confère à la pièce une aura mystique et en fait un point focal captivant dans n’importe quelle pièce.
Ici, le diamètre du miroir bombé, mesuré à vue, est de 30 cm, une taille idéale pour capter la lumière et élargir visuellement un espace sans dominer le décor.
Un cadre raffiné dans le style Louis XVI
Le cadre, en laiton travaillé, s’inscrit dans une esthétique classique propre au style Louis XVI.
Il arbore des ornements minutieusement façonnés qui rappellent les codes décoratifs du XVIIIᵉ siècle, réinterprétés ici avec une maîtrise typique des productions d’après-guerre.
Parmi les éléments décoratifs figurent des flambeaux élégamment disposés sur le fronton supérieur.
Ces motifs symbolisent la lumière et la connaissance, renforçant l’idée d’un miroir comme source d’éclat et de clarté.
Des nœuds de rubans délicatement sculptés viennent compléter le décor, évoquant la douceur et l’harmonie souvent associées à l’art ornemental Louis XVI.
Des branchages et des feuillages stylisés, soigneusement agencés autour du cadre, ajoutent une touche organique, ancrant la pièce dans une esthétique naturaliste.
Enfin, une frise de perles souligne le contour du miroir, un détail emblématique des créations Louis XVI qui traduit un goût pour la symétrie et le raffinement.
Des proportions harmonieuses
Ce miroir atteint une hauteur totale de 57 cm, ce qui en fait une pièce d’une présence affirmée mais non envahissante.
Cette hauteur, combinée au diamètre du miroir bombé de 30 cm, offre des proportions équilibrées.
Il peut être suspendu au-dessus d’une cheminée, intégré dans un mur de cadres ou placé dans un vestibule pour apporter une note de distinction.
Une fabrication circa 1950
Bien que ce miroir s’inspire des créations Louis XVI, il a été fabriqué autour des années 1950.
Cette époque a vu un regain d’intérêt pour les styles historiques, souvent revisités avec des techniques modernes de production.
Le choix du laiton, à la fois durable et esthétique, témoigne de cette approche, tandis que le savoir-faire dont il est issu garantit une qualité exceptionnelle.
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VENDU
Magnifique grand pichet art nouveau en métal argenté vers 1900
Magnifique aiguière ancienne en métal argenté : une pièce d’exception
Je vous propose une superbe aiguière ancienne, également connue sous le nom de grand pichet, qui incarne le raffinement et l’élégance des arts décoratifs de son époque.
Réalisée en métal argenté de haute qualité, cette pièce exceptionnelle est une véritable œuvre d’art.
Ses finitions soignées et son design richement ornementé témoignent d’un savoir-faire artisanal remarquable.
Un design empreint de poésie et de raffinement
Cette aiguière est ornée de motifs floraux stylisés caractéristiques du mouvement Art Nouveau, un style artistique qui a marqué la fin du XIXᵉ et le début du XXᵉ siècle.
Les fleurs, délicatement sculptées, semblent jaillir de la surface métallique, évoquant une nature vivante et élégante.
Les frises de grecques qui entourent l’aiguière apportent une touche d’harmonie et d’équilibre, renforçant l’impression d’un objet à la fois fonctionnel et décoratif.
L’anse en forme de gargouille est un détail spectaculaire qui attire immédiatement l’attention.
Inspirée des créatures fantastiques qui ornent souvent les édifices gothiques, cette gargouille confère une dimension mystique et fascinante à l’aiguière.
Non seulement elle est impressionnante par son réalisme, mais elle est aussi pensée pour assurer une prise en main confortable et pratique.
Un objet rare et convoité
Avec ses 40,5 cm de hauteur, cette aiguière ne passe pas inaperçue.
Son imposante présence en fait un objet idéal pour agrémenter une table de réception, un buffet ou une vitrine de collection.
Les amateurs d’antiquités et les passionnés de décoration d’intérieur reconnaîtront immédiatement la valeur de cette pièce unique.
Les aiguières en métal argenté aussi finement travaillées sont aujourd’hui extrêmement rares, ce qui ajoute à l’intérêt de cet objet.
Ce pichet ancien se distingue par son état de conservation remarquable et sa qualité de fabrication, des caractéristiques recherchées par les collectionneurs exigeants.
Il s’agit d’une pièce qui saura trouver sa place dans les plus belles demeures et qui apportera une touche de prestige à n’importe quel intérieur.
Une opportunité à saisir à Rouen
Cette pièce d’exception est visible dans ma boutique située sur Rouen Rive Droite, au cœur d’un quartier reconnu pour son charme et ses trésors antiques.
Que vous soyez collectionneur, amateur d’art ou simplement à la recherche d’un cadeau unique et précieux, cette aiguière saura vous séduire. C’est une occasion rare de posséder un objet chargé d’histoire, témoin d’une époque révolue où l’artisanat et le souci du détail étaient au cœur de la création.
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Belle et ancienne aiguière en étain art nouveau signé de Noel Ruffier
580,00 €Noël Ruffier, sculpteur et orfèvre français actif à la fin du XIXᵉ siècle et au début du XXᵉ siècle, est connu pour ses créations alliant symbolisme et virtuosité technique.
Né en 1847, il s’inscrit dans le mouvement de l’Art Nouveau, qui privilégie l’expression organique, les motifs naturalistes et une vision esthétique souvent empreinte de mystère et de sensualité.
L’aiguière qu’il a créée, une pièce remarquable datant d’environ 1900, témoigne de ce style et de l’habilité de Ruffier à marier fonctionnalité et art sculptural.
**Description de l’œuvre**
L’aiguière, d’une hauteur de 39 cm, est réalisée en bronze avec une sculpture en relief en étain sur sa panse.
Elle adopte une forme saisissante et narrative : celle d’un *Kantor* ou d’un satyre, créature mythologique symbolisant souvent les instincts primaires et la séduction, tendant une embuscade à une belle femme endormie.
Ce choix iconographique évoque des thématiques classiques mêlées à l’imaginaire romantique de l’Art Nouveau.
La scène sculptée présente un contraste frappant entre la douceur paisible de la femme et l’énergie dynamique du satyre.
La femme, représentée dans une pose alanguie et vulnérable, incarne un idéal de beauté gracieuse, tandis que le satyre, caractérisé par des muscles tendus et un regard intense, exprime une tension dramatique.
Ces détails donnent vie à la composition et plongent l’observateur dans une scène théâtrale où le désir et le rêve se confondent.
L’aiguière n’est pas seulement une pièce fonctionnelle destinée à contenir un liquide ; elle s’impose comme un objet d’art à part entière.
Le mélange du bronze et de l’étain enrichit l’œuvre en apportant des textures variées.
Le bronze confère une robustesse et une patine qui accentuent la richesse visuelle, tandis que l’étain, utilisé pour la scène en relief, offre un contraste subtil et raffiné.
**Signature et authenticité**
La signature de Noël Ruffier figure sur la panse de l’aiguière, confirmant son attribution à l’artiste.
Ce détail témoigne de l’importance qu’il accordait à ses créations, qu’il voyait comme des œuvres uniques et précieuses.
Ruffier, bien que moins connu que certains de ses contemporains comme René Lalique ou Emile Gallé, partage leur ambition de repousser les limites des matériaux pour créer des objets empreints de poésie et d’une qualité technique irréprochable.
**Contexte artistique et symbolisme**
À travers cette aiguière, Ruffier reflète les aspirations de l’Art Nouveau, qui s’inspire des mythes antiques et de la nature tout en explorant des thèmes psychologiques et émotionnels.
Le choix du satyre, figure de la mythologie gréco-romaine, est emblématique.
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Très beau tableau cubiste signé de Marcel Mouillot, à restaurer
Une œuvre cubiste exceptionnelle signée Marcel Mouillot
Laissez-vous séduire par une pièce d’art remarquable, une huile sur toile cubiste signée par Marcel Mouillot et numérotée 178. Cette œuvre, aux dimensions de **54 x 64,5 cm**, incarne une vision unique et captivante : une terrasse surplombant un lac, où des voiliers évoluent paisiblement, entourés par des habitations accrochées à une falaise.
Un chef-d’œuvre dans la veine cubiste
Marcel Mouillot, artiste à la touche innovante et singulière, revisite dans cette toile les codes du cubisme. Les formes géométriques, les lignes fragmentées et les jeux de perspective s’unissent pour proposer une interprétation à la fois abstraite et émotionnelle du paysage. Le regard est guidé à travers des plans successifs : d’abord la terrasse, avec ses contours nets et modernes, puis le lac, animé par des voiliers esquissés dans des tonalités vives et lumineuses. Enfin, au loin, les habitations sur la falaise offrent un contraste saisissant avec leur solidité angulaire et leurs teintes plus sourdes.Les couleurs de cette œuvre jouent un rôle essentiel : des tons chauds et vibrants, mêlés à des nuances plus douces, créent une harmonie visuelle fascinante. Le lac est magnifiquement rendu avec des variations de bleus et de gris qui évoquent à la fois la profondeur et le mouvement de l’eau, tandis que les voiliers se distinguent par des touches claires et légères.
Une toile marquée par le vécu
Bien que cette pièce présente quelques **accidents** — des marques visibles du passage du temps ou d’incidents passés —, cela ne fait qu’ajouter à son authenticité et à son charme. Ces imperfections, loin de diminuer sa valeur, rappellent l’histoire de l’œuvre, sa vie antérieure et les mains par lesquelles elle est passée. Une restauration discrète pourrait être envisagée pour sublimer encore davantage sa beauté sans trahir son authenticité. -
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Belle et ancienne ménagère Christofle en métal argenté, modèle Marly
Belle Ménagère Ancienne en Métal Argenté – Maison Christofle – Modèle Marly
Découvrez une superbe ménagère ancienne en métal argenté, signée par la prestigieuse maison **Christofle**, symbole du raffinement à la française.
Ce service de table, au modèle **Marly**, incarne à la fois l’élégance classique et l’artisanat exceptionnel de cette maison réputée mondialement pour ses pièces intemporelles.
**Un modèle emblématique : Marly**
Créé en 1897, le modèle Marly est l’un des motifs les plus riches et les plus emblématiques de Christofle.Il doit son nom aux jardins du château de Marly, un lieu de villégiature royale célèbre pour sa beauté luxuriante.
Le design, inspiré du style rocaille, se distingue par des volutes florales et des ornements délicatement ciselés.
Ce décor raffiné, à la fois sobre et opulent, incarne l’art de vivre à la française et rehaussera vos tables d’un charme intemporel.
**Un service complet de 61 pièces**
Cette ménagère comprend un total de **61 pièces**, idéal pour recevoir en toute élégance jusqu’à 12 convives. Elle se compose des éléments suivants :
– **12 fourchettes de table**, parfaites pour savourer vos plats principaux.
– **12 grandes cuillères de table**, idéales pour les potages et les plats généreux.
– **12 grands couteaux**, aux lames en acier inoxydable pour une coupe précise.
– **12 petits couteaux**, conçus pour les entrées ou autres plats légers.
– **12 petites cuillères**, parfaites pour les desserts ou les boissons chaudes.
– **1 louche**, indispensable pour le service des soupes ou sauces.Chaque pièce porte le poinçon de la maison Christofle, garantissant l’authenticité et la qualité de fabrication.
**État général et entretien**
Ce service, bien que vintage, est en **bon état général**.Les couverts présentent une belle patine témoignant de leur histoire, mais nécessitent un léger nettoyage pour raviver tout leur éclat d’origine.
Un entretien soigneux permettra de sublimer leur métal argenté, connu pour sa durabilité et sa brillance intemporelle.
**Un coffret pratique et élégant**
L’ensemble est présenté dans un **coffret** conçu pour protéger les pièces et faciliter leur rangement.Ce coffret ajoute une touche de praticité tout en valorisant cette ménagère comme une pièce de collection.
**Une fabrication française d’exception**
Synonyme d’excellence, la maison Christofle incarne depuis le XIXe siècle le savoir-faire français dans l’orfèvrerie.Cette ménagère illustre parfaitement cette tradition, mariant esthétisme et fonctionnalité.
Posséder une pièce Christofle, c’est s’offrir un fragment de l’histoire de l’art de la table français.
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Tables gigognes en laiton et cuir des années 1950 par Jacques ADNET
Les tables basses gigognes de Jacques Adnet, conçues dans les années 50, sont une illustration parfaite de l’élégance sobre et de l’ingéniosité du design de cette époque. Adnet, connu pour son approche moderniste alliée à une grande sophistication matérielle, a créé un ensemble qui incarne l’esprit du milieu du XXe siècle, alliant fonctionnalité et esthétique raffinée.
Ces tables, conçues pour être modulables et polyvalentes, peuvent être disposées en diverses configurations, leur permettant de s’adapter aisément aux besoins et à la disposition d’un espace de vie.
Design et Matériaux
L’ensemble est composé de trois tables de tailles différentes qui s’emboîtent, d’où leur appellation de « tables gigognes ».Ce design est non seulement fonctionnel mais aussi astucieux, permettant un rangement facile et une grande flexibilité d’utilisation.
Ces tables sont en laiton patiné, travaillé pour imiter la texture et l’apparence du bambou, un choix de matériau et de finition qui témoigne de l’originalité de l’époque et du talent de Jacques Adnet.
Le laiton patiné confère à l’ensemble une teinte chaude et un aspect vieilli qui ajoute de la profondeur et de la richesse au design.
Le choix du laiton patiné façon bambou n’est pas anodin. Adnet, influencé par l’esthétique Art déco et le modernisme, cherche à introduire des matériaux naturels dans des formes épurées.
Le laiton patiné a été travaillé pour imiter le bambou, alliant ainsi le naturel au luxe, tout en offrant une solidité et une durabilité que le bambou réel n’aurait pas permis.
Cette technique de patine donne aux tables une apparence singulière, ajoutant une touche d’exotisme discrète tout en restant dans le cadre d’un design sophistiqué.
Les plateaux des tables sont recouverts d’un cuir noir, un autre choix emblématique de Jacques Adnet, souvent associé à ses créations.
Le cuir, matériau noble et durable, apporte une texture et une élégance supplémentaire à l’ensemble.
Le contraste entre le cuir noir profond et le laiton doré patiné crée un effet visuel saisissant, alliant sobriété et raffinement.
Aux quatre angles de chaque plateau, de petites pièces en laiton viennent renforcer la structure et ajoutent un détail esthétique subtil mais significatif, évoquant la qualité de fabrication et l’attention aux détails caractéristiques des créations d’Adnet.
État et Caractéristiques de l’Ensemble
Cet ensemble est en bon état vintage, et bien qu’il présente quelques traces du temps, cela ajoute à son charme et à son authenticité.Le cuir des plateaux, qui montre des marques d’usage, est le témoin de son histoire et de son vécu, offrant une patine naturelle qui témoigne du passage du temps.
Ces marques ne sont pas des défauts mais des traces d’authenticité qui renforcent la valeur vintage de l’ensemble.
De même, le laiton présente quelques zones d’oxydation, caractéristiques des matériaux en métal anciens qui réagissent naturellement avec l’environnement au fil des décennies.
Cette oxydation ne compromet en rien la solidité ou la stabilité des tables ; au contraire, elle ajoute une touche de charme et témoigne de l’ancienneté de la pièce, la rendant unique.
Les éléments en laiton patiné, tout en conservant une certaine brillance, montrent des signes naturels d’oxydation qui se manifestent par de petites variations de couleur sur la structure en bambou.
Cet aspect vieilli est recherché par les collectionneurs et amateurs de design vintage car il confère à l’ensemble un cachet historique tout en conservant l’élégance intemporelle qui fait la réputation des créations d’Adnet.
Absence de Restauration
Il est important de noter que cet ensemble n’a subi aucune restauration, ce qui en fait un témoignage authentique du design d’origine des années 50.L’absence de restauration garantit que chaque élément est d’origine, du laiton patiné au cuir noir, conservant ainsi toute la valeur historique et l’intégrité esthétique de l’ensemble.
Les collectionneurs et les amateurs de mobilier d’époque recherchent souvent des pièces non restaurées, car elles offrent un aperçu direct des matériaux et des techniques d’époque sans intervention moderne.
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Miniature ancienne, réalisée à la fin du XIXe siècle et signée par l’artiste J. Cavana
Cette délicate miniature du XIXe siècle, signée par l’artiste Jean Cavana, est un témoignage captivant de l’élégance de son époque. Réalisée vers la fin du siècle, elle représente une femme raffinée, probablement Marie Thérèse Blonel d’Haraucourt, une figure de la noblesse. Cavana, en mettant en avant chaque détail, des tissus sophistiqués de sa tenue aux subtiles variations des traits de son visage, démontre l’étendue de son talent. L’œuvre traduit avec finesse l’atmosphère et l’esthétique de la société aristocratique de l’époque.
Jean Cavana, né en Italie en 1830, s’est installé en France où il s’est rapidement distingué par son habileté à capturer l’essence de ses modèles dans des formats miniatures. Sa formation dans la lignée des maîtres classiques lui a permis de développer une technique précise, un savoir-faire qui a séduit les élites de son temps. Ces dernières recherchaient un artiste capable de figer sur des supports de petite taille non seulement l’apparence mais aussi la personnalité de ceux qu’il peignait. Cavana a ainsi su s’imposer comme un portraitiste de renom, en grande partie grâce à cette capacité à rendre les traits psychologiques visibles dans de si petits formats.
La carrière de Jean Cavana a été marquée par de nombreuses commandes provenant de la haute société, désireuse de posséder ces miniatures raffinées, symboles à la fois d’un statut social et d’un goût pour l’art. Cavana a d’ailleurs su tirer parti de cette demande croissante pour la miniature, un genre particulièrement prisé au XIXe siècle, époque où la photographie n’avait pas encore supplanté la peinture dans l’art du portrait. Ses œuvres se distinguent par une précision remarquable et une attention méticuleuse aux détails, qu’il s’agisse des vêtements, des textures ou des visages.
La maîtrise technique de Cavana ne s’arrête pas au portrait miniature. Au-delà de ce genre, il a exploré divers thèmes, s’essayant notamment au paysage, et ses œuvres dégagent souvent une certaine nostalgie. Ce sentiment, présent dans ses peintures, contribue à leur caractère unique et à leur profondeur. L’artiste semblait avoir une sensibilité particulière pour les moments suspendus dans le temps, qu’il capturait avec une délicatesse certaine.
Dans cette miniature spécifique, Cavana excelle en restituant l’élégance d’une dame de la noblesse, sans doute Marie Thérèse Blonel d’Haraucourt. La précision des plis de la robe, les jeux d’ombre et de lumière sur le visage, et la douceur du regard traduisent un travail minutieux et une grande habileté artistique. Ces caractéristiques témoignent de l’attention que l’artiste portait à chaque élément de ses compositions, révélant ainsi sa capacité à donner vie à ses sujets dans des formats si réduits.
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Miniature ancienne, réalisée à la fin du XIXe siècle et signée par l’artiste J. Cavana
Cette délicate miniature du XIXe siècle, signée par l’artiste Jean Cavana, est un témoignage captivant de l’élégance de son époque. Réalisée vers la fin du siècle, elle représente une femme raffinée, probablement Marie Thérèse Blonel d’Haraucourt, une figure de la noblesse. Cavana, en mettant en avant chaque détail, des tissus sophistiqués de sa tenue aux subtiles variations des traits de son visage, démontre l’étendue de son talent. L’œuvre traduit avec finesse l’atmosphère et l’esthétique de la société aristocratique de l’époque.
Jean Cavana, né en Italie en 1830, s’est installé en France où il s’est rapidement distingué par son habileté à capturer l’essence de ses modèles dans des formats miniatures. Sa formation dans la lignée des maîtres classiques lui a permis de développer une technique précise, un savoir-faire qui a séduit les élites de son temps. Ces dernières recherchaient un artiste capable de figer sur des supports de petite taille non seulement l’apparence mais aussi la personnalité de ceux qu’il peignait. Cavana a ainsi su s’imposer comme un portraitiste de renom, en grande partie grâce à cette capacité à rendre les traits psychologiques visibles dans de si petits formats.
La carrière de Jean Cavana a été marquée par de nombreuses commandes provenant de la haute société, désireuse de posséder ces miniatures raffinées, symboles à la fois d’un statut social et d’un goût pour l’art. Cavana a d’ailleurs su tirer parti de cette demande croissante pour la miniature, un genre particulièrement prisé au XIXe siècle, époque où la photographie n’avait pas encore supplanté la peinture dans l’art du portrait. Ses œuvres se distinguent par une précision remarquable et une attention méticuleuse aux détails, qu’il s’agisse des vêtements, des textures ou des visages.
La maîtrise technique de Cavana ne s’arrête pas au portrait miniature. Au-delà de ce genre, il a exploré divers thèmes, s’essayant notamment au paysage, et ses œuvres dégagent souvent une certaine nostalgie. Ce sentiment, présent dans ses peintures, contribue à leur caractère unique et à leur profondeur. L’artiste semblait avoir une sensibilité particulière pour les moments suspendus dans le temps, qu’il capturait avec une délicatesse certaine.
Dans cette miniature spécifique, Cavana excelle en restituant l’élégance d’une dame de la noblesse, sans doute Marie Thérèse Blonel d’Haraucourt. La précision des plis de la robe, les jeux d’ombre et de lumière sur le visage, et la douceur du regard traduisent un travail minutieux et une grande habileté artistique. Ces caractéristiques témoignent de l’attention que l’artiste portait à chaque élément de ses compositions, révélant ainsi sa capacité à donner vie à ses sujets dans des formats si réduits.
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Miniature ancienne, réalisée à la fin du XIXe siècle et signée par l’artiste J. Cavana
Cette délicate miniature du XIXe siècle, signée par l’artiste Jean Cavana, est un témoignage captivant de l’élégance de son époque. Réalisée vers la fin du siècle, elle représente une femme raffinée, probablement Marie Thérèse Blonel d’Haraucourt, une figure de la noblesse. Cavana, en mettant en avant chaque détail, des tissus sophistiqués de sa tenue aux subtiles variations des traits de son visage, démontre l’étendue de son talent. L’œuvre traduit avec finesse l’atmosphère et l’esthétique de la société aristocratique de l’époque.
Jean Cavana, né en Italie en 1830, s’est installé en France où il s’est rapidement distingué par son habileté à capturer l’essence de ses modèles dans des formats miniatures. Sa formation dans la lignée des maîtres classiques lui a permis de développer une technique précise, un savoir-faire qui a séduit les élites de son temps. Ces dernières recherchaient un artiste capable de figer sur des supports de petite taille non seulement l’apparence mais aussi la personnalité de ceux qu’il peignait. Cavana a ainsi su s’imposer comme un portraitiste de renom, en grande partie grâce à cette capacité à rendre les traits psychologiques visibles dans de si petits formats.
La carrière de Jean Cavana a été marquée par de nombreuses commandes provenant de la haute société, désireuse de posséder ces miniatures raffinées, symboles à la fois d’un statut social et d’un goût pour l’art. Cavana a d’ailleurs su tirer parti de cette demande croissante pour la miniature, un genre particulièrement prisé au XIXe siècle, époque où la photographie n’avait pas encore supplanté la peinture dans l’art du portrait. Ses œuvres se distinguent par une précision remarquable et une attention méticuleuse aux détails, qu’il s’agisse des vêtements, des textures ou des visages.
La maîtrise technique de Cavana ne s’arrête pas au portrait miniature. Au-delà de ce genre, il a exploré divers thèmes, s’essayant notamment au paysage, et ses œuvres dégagent souvent une certaine nostalgie. Ce sentiment, présent dans ses peintures, contribue à leur caractère unique et à leur profondeur. L’artiste semblait avoir une sensibilité particulière pour les moments suspendus dans le temps, qu’il capturait avec une délicatesse certaine.
Dans cette miniature spécifique, Cavana excelle en restituant l’élégance d’une dame de la noblesse, sans doute Marie Thérèse Blonel d’Haraucourt. La précision des plis de la robe, les jeux d’ombre et de lumière sur le visage, et la douceur du regard traduisent un travail minutieux et une grande habileté artistique. Ces caractéristiques témoignent de l’attention que l’artiste portait à chaque élément de ses compositions, révélant ainsi sa capacité à donner vie à ses sujets dans des formats si réduits.
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Miniature ancienne, réalisée à la fin du XIXe siècle et signée par l’artiste J. Cavana
Cette délicate miniature du XIXe siècle, signée par l’artiste Jean Cavana, est un témoignage captivant de l’élégance de son époque. Réalisée vers la fin du siècle, elle représente une femme raffinée, probablement Marie Thérèse Blonel d’Haraucourt, une figure de la noblesse. Cavana, en mettant en avant chaque détail, des tissus sophistiqués de sa tenue aux subtiles variations des traits de son visage, démontre l’étendue de son talent. L’œuvre traduit avec finesse l’atmosphère et l’esthétique de la société aristocratique de l’époque.
Jean Cavana, né en Italie en 1830, s’est installé en France où il s’est rapidement distingué par son habileté à capturer l’essence de ses modèles dans des formats miniatures. Sa formation dans la lignée des maîtres classiques lui a permis de développer une technique précise, un savoir-faire qui a séduit les élites de son temps. Ces dernières recherchaient un artiste capable de figer sur des supports de petite taille non seulement l’apparence mais aussi la personnalité de ceux qu’il peignait. Cavana a ainsi su s’imposer comme un portraitiste de renom, en grande partie grâce à cette capacité à rendre les traits psychologiques visibles dans de si petits formats.
La carrière de Jean Cavana a été marquée par de nombreuses commandes provenant de la haute société, désireuse de posséder ces miniatures raffinées, symboles à la fois d’un statut social et d’un goût pour l’art. Cavana a d’ailleurs su tirer parti de cette demande croissante pour la miniature, un genre particulièrement prisé au XIXe siècle, époque où la photographie n’avait pas encore supplanté la peinture dans l’art du portrait. Ses œuvres se distinguent par une précision remarquable et une attention méticuleuse aux détails, qu’il s’agisse des vêtements, des textures ou des visages.
La maîtrise technique de Cavana ne s’arrête pas au portrait miniature. Au-delà de ce genre, il a exploré divers thèmes, s’essayant notamment au paysage, et ses œuvres dégagent souvent une certaine nostalgie. Ce sentiment, présent dans ses peintures, contribue à leur caractère unique et à leur profondeur. L’artiste semblait avoir une sensibilité particulière pour les moments suspendus dans le temps, qu’il capturait avec une délicatesse certaine.
Dans cette miniature spécifique, Cavana excelle en restituant l’élégance d’une dame de la noblesse, sans doute Marie Thérèse Blonel d’Haraucourt. La précision des plis de la robe, les jeux d’ombre et de lumière sur le visage, et la douceur du regard traduisent un travail minutieux et une grande habileté artistique. Ces caractéristiques témoignent de l’attention que l’artiste portait à chaque élément de ses compositions, révélant ainsi sa capacité à donner vie à ses sujets dans des formats si réduits.
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Miniature ancienne, réalisée à la fin du XIXe siècle et signée par l’artiste J. Cavana
Cette délicate miniature du XIXe siècle, signée par l’artiste Jean Cavana, est un témoignage captivant de l’élégance de son époque. Réalisée vers la fin du siècle, elle représente une femme raffinée, probablement Marie Thérèse Blonel d’Haraucourt, une figure de la noblesse. Cavana, en mettant en avant chaque détail, des tissus sophistiqués de sa tenue aux subtiles variations des traits de son visage, démontre l’étendue de son talent. L’œuvre traduit avec finesse l’atmosphère et l’esthétique de la société aristocratique de l’époque.
Jean Cavana, né en Italie en 1830, s’est installé en France où il s’est rapidement distingué par son habileté à capturer l’essence de ses modèles dans des formats miniatures. Sa formation dans la lignée des maîtres classiques lui a permis de développer une technique précise, un savoir-faire qui a séduit les élites de son temps. Ces dernières recherchaient un artiste capable de figer sur des supports de petite taille non seulement l’apparence mais aussi la personnalité de ceux qu’il peignait. Cavana a ainsi su s’imposer comme un portraitiste de renom, en grande partie grâce à cette capacité à rendre les traits psychologiques visibles dans de si petits formats.
La carrière de Jean Cavana a été marquée par de nombreuses commandes provenant de la haute société, désireuse de posséder ces miniatures raffinées, symboles à la fois d’un statut social et d’un goût pour l’art. Cavana a d’ailleurs su tirer parti de cette demande croissante pour la miniature, un genre particulièrement prisé au XIXe siècle, époque où la photographie n’avait pas encore supplanté la peinture dans l’art du portrait. Ses œuvres se distinguent par une précision remarquable et une attention méticuleuse aux détails, qu’il s’agisse des vêtements, des textures ou des visages.
La maîtrise technique de Cavana ne s’arrête pas au portrait miniature. Au-delà de ce genre, il a exploré divers thèmes, s’essayant notamment au paysage, et ses œuvres dégagent souvent une certaine nostalgie. Ce sentiment, présent dans ses peintures, contribue à leur caractère unique et à leur profondeur. L’artiste semblait avoir une sensibilité particulière pour les moments suspendus dans le temps, qu’il capturait avec une délicatesse certaine.
Dans cette miniature spécifique, Cavana excelle en restituant l’élégance d’une dame de la noblesse, sans doute Marie Thérèse Blonel d’Haraucourt. La précision des plis de la robe, les jeux d’ombre et de lumière sur le visage, et la douceur du regard traduisent un travail minutieux et une grande habileté artistique. Ces caractéristiques témoignent de l’attention que l’artiste portait à chaque élément de ses compositions, révélant ainsi sa capacité à donner vie à ses sujets dans des formats si réduits.
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Miniature ancienne, réalisée à la fin du XIXe siècle et signée par l’artiste J. Cavana
Cette délicate miniature du XIXe siècle, signée par l’artiste Jean Cavana, est un témoignage captivant de l’élégance de son époque. Réalisée vers la fin du siècle, elle représente une femme raffinée, probablement Marie Thérèse Blonel d’Haraucourt, une figure de la noblesse. Cavana, en mettant en avant chaque détail, des tissus sophistiqués de sa tenue aux subtiles variations des traits de son visage, démontre l’étendue de son talent. L’œuvre traduit avec finesse l’atmosphère et l’esthétique de la société aristocratique de l’époque.
Jean Cavana, né en Italie en 1830, s’est installé en France où il s’est rapidement distingué par son habileté à capturer l’essence de ses modèles dans des formats miniatures. Sa formation dans la lignée des maîtres classiques lui a permis de développer une technique précise, un savoir-faire qui a séduit les élites de son temps. Ces dernières recherchaient un artiste capable de figer sur des supports de petite taille non seulement l’apparence mais aussi la personnalité de ceux qu’il peignait. Cavana a ainsi su s’imposer comme un portraitiste de renom, en grande partie grâce à cette capacité à rendre les traits psychologiques visibles dans de si petits formats.
La carrière de Jean Cavana a été marquée par de nombreuses commandes provenant de la haute société, désireuse de posséder ces miniatures raffinées, symboles à la fois d’un statut social et d’un goût pour l’art. Cavana a d’ailleurs su tirer parti de cette demande croissante pour la miniature, un genre particulièrement prisé au XIXe siècle, époque où la photographie n’avait pas encore supplanté la peinture dans l’art du portrait. Ses œuvres se distinguent par une précision remarquable et une attention méticuleuse aux détails, qu’il s’agisse des vêtements, des textures ou des visages.
La maîtrise technique de Cavana ne s’arrête pas au portrait miniature. Au-delà de ce genre, il a exploré divers thèmes, s’essayant notamment au paysage, et ses œuvres dégagent souvent une certaine nostalgie. Ce sentiment, présent dans ses peintures, contribue à leur caractère unique et à leur profondeur. L’artiste semblait avoir une sensibilité particulière pour les moments suspendus dans le temps, qu’il capturait avec une délicatesse certaine.
Dans cette miniature spécifique, Cavana excelle en restituant l’élégance d’une dame de la noblesse, sans doute Marie Thérèse Blonel d’Haraucourt. La précision des plis de la robe, les jeux d’ombre et de lumière sur le visage, et la douceur du regard traduisent un travail minutieux et une grande habileté artistique. Ces caractéristiques témoignent de l’attention que l’artiste portait à chaque élément de ses compositions, révélant ainsi sa capacité à donner vie à ses sujets dans des formats si réduits.
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Miniature ancienne, réalisée à la fin du XIXe siècle et signée par l’artiste J. Cavana
Cette délicate miniature du XIXe siècle, signée par l’artiste Jean Cavana, est un témoignage captivant de l’élégance de son époque. Réalisée vers la fin du siècle, elle représente une femme raffinée, probablement Marie Thérèse Blonel d’Haraucourt, une figure de la noblesse. Cavana, en mettant en avant chaque détail, des tissus sophistiqués de sa tenue aux subtiles variations des traits de son visage, démontre l’étendue de son talent. L’œuvre traduit avec finesse l’atmosphère et l’esthétique de la société aristocratique de l’époque.
Jean Cavana, né en Italie en 1830, s’est installé en France où il s’est rapidement distingué par son habileté à capturer l’essence de ses modèles dans des formats miniatures. Sa formation dans la lignée des maîtres classiques lui a permis de développer une technique précise, un savoir-faire qui a séduit les élites de son temps. Ces dernières recherchaient un artiste capable de figer sur des supports de petite taille non seulement l’apparence mais aussi la personnalité de ceux qu’il peignait. Cavana a ainsi su s’imposer comme un portraitiste de renom, en grande partie grâce à cette capacité à rendre les traits psychologiques visibles dans de si petits formats.
La carrière de Jean Cavana a été marquée par de nombreuses commandes provenant de la haute société, désireuse de posséder ces miniatures raffinées, symboles à la fois d’un statut social et d’un goût pour l’art. Cavana a d’ailleurs su tirer parti de cette demande croissante pour la miniature, un genre particulièrement prisé au XIXe siècle, époque où la photographie n’avait pas encore supplanté la peinture dans l’art du portrait. Ses œuvres se distinguent par une précision remarquable et une attention méticuleuse aux détails, qu’il s’agisse des vêtements, des textures ou des visages.
La maîtrise technique de Cavana ne s’arrête pas au portrait miniature. Au-delà de ce genre, il a exploré divers thèmes, s’essayant notamment au paysage, et ses œuvres dégagent souvent une certaine nostalgie. Ce sentiment, présent dans ses peintures, contribue à leur caractère unique et à leur profondeur. L’artiste semblait avoir une sensibilité particulière pour les moments suspendus dans le temps, qu’il capturait avec une délicatesse certaine.
Dans cette miniature spécifique, Cavana excelle en restituant l’élégance d’une dame de la noblesse, sans doute Marie Thérèse Blonel d’Haraucourt. La précision des plis de la robe, les jeux d’ombre et de lumière sur le visage, et la douceur du regard traduisent un travail minutieux et une grande habileté artistique. Ces caractéristiques témoignent de l’attention que l’artiste portait à chaque élément de ses compositions, révélant ainsi sa capacité à donner vie à ses sujets dans des formats si réduits.
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Miniature ancienne, réalisée à la fin du XIXe siècle et signée par l’artiste J. Cavana
Cette délicate miniature du XIXe siècle, signée par l’artiste Jean Cavana, est un témoignage captivant de l’élégance de son époque. Réalisée vers la fin du siècle, elle représente une femme raffinée, probablement Marie Thérèse Blonel d’Haraucourt, une figure de la noblesse. Cavana, en mettant en avant chaque détail, des tissus sophistiqués de sa tenue aux subtiles variations des traits de son visage, démontre l’étendue de son talent. L’œuvre traduit avec finesse l’atmosphère et l’esthétique de la société aristocratique de l’époque.
Jean Cavana, né en Italie en 1830, s’est installé en France où il s’est rapidement distingué par son habileté à capturer l’essence de ses modèles dans des formats miniatures. Sa formation dans la lignée des maîtres classiques lui a permis de développer une technique précise, un savoir-faire qui a séduit les élites de son temps. Ces dernières recherchaient un artiste capable de figer sur des supports de petite taille non seulement l’apparence mais aussi la personnalité de ceux qu’il peignait. Cavana a ainsi su s’imposer comme un portraitiste de renom, en grande partie grâce à cette capacité à rendre les traits psychologiques visibles dans de si petits formats.
La carrière de Jean Cavana a été marquée par de nombreuses commandes provenant de la haute société, désireuse de posséder ces miniatures raffinées, symboles à la fois d’un statut social et d’un goût pour l’art. Cavana a d’ailleurs su tirer parti de cette demande croissante pour la miniature, un genre particulièrement prisé au XIXe siècle, époque où la photographie n’avait pas encore supplanté la peinture dans l’art du portrait. Ses œuvres se distinguent par une précision remarquable et une attention méticuleuse aux détails, qu’il s’agisse des vêtements, des textures ou des visages.
La maîtrise technique de Cavana ne s’arrête pas au portrait miniature. Au-delà de ce genre, il a exploré divers thèmes, s’essayant notamment au paysage, et ses œuvres dégagent souvent une certaine nostalgie. Ce sentiment, présent dans ses peintures, contribue à leur caractère unique et à leur profondeur. L’artiste semblait avoir une sensibilité particulière pour les moments suspendus dans le temps, qu’il capturait avec une délicatesse certaine.
Dans cette miniature spécifique, Cavana excelle en restituant l’élégance d’une dame de la noblesse, sans doute Marie Thérèse Blonel d’Haraucourt. La précision des plis de la robe, les jeux d’ombre et de lumière sur le visage, et la douceur du regard traduisent un travail minutieux et une grande habileté artistique. Ces caractéristiques témoignent de l’attention que l’artiste portait à chaque élément de ses compositions, révélant ainsi sa capacité à donner vie à ses sujets dans des formats si réduits.
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Miniature ancienne, réalisée à la fin du XIXe siècle et signée par l’artiste J. Cavana
Cette délicate miniature du XIXe siècle, signée par l’artiste Jean Cavana, est un témoignage captivant de l’élégance de son époque. Réalisée vers la fin du siècle, elle représente une femme raffinée, probablement Marie Thérèse Blonel d’Haraucourt, une figure de la noblesse. Cavana, en mettant en avant chaque détail, des tissus sophistiqués de sa tenue aux subtiles variations des traits de son visage, démontre l’étendue de son talent. L’œuvre traduit avec finesse l’atmosphère et l’esthétique de la société aristocratique de l’époque.
Jean Cavana, né en Italie en 1830, s’est installé en France où il s’est rapidement distingué par son habileté à capturer l’essence de ses modèles dans des formats miniatures. Sa formation dans la lignée des maîtres classiques lui a permis de développer une technique précise, un savoir-faire qui a séduit les élites de son temps. Ces dernières recherchaient un artiste capable de figer sur des supports de petite taille non seulement l’apparence mais aussi la personnalité de ceux qu’il peignait. Cavana a ainsi su s’imposer comme un portraitiste de renom, en grande partie grâce à cette capacité à rendre les traits psychologiques visibles dans de si petits formats.
La carrière de Jean Cavana a été marquée par de nombreuses commandes provenant de la haute société, désireuse de posséder ces miniatures raffinées, symboles à la fois d’un statut social et d’un goût pour l’art. Cavana a d’ailleurs su tirer parti de cette demande croissante pour la miniature, un genre particulièrement prisé au XIXe siècle, époque où la photographie n’avait pas encore supplanté la peinture dans l’art du portrait. Ses œuvres se distinguent par une précision remarquable et une attention méticuleuse aux détails, qu’il s’agisse des vêtements, des textures ou des visages.
La maîtrise technique de Cavana ne s’arrête pas au portrait miniature. Au-delà de ce genre, il a exploré divers thèmes, s’essayant notamment au paysage, et ses œuvres dégagent souvent une certaine nostalgie. Ce sentiment, présent dans ses peintures, contribue à leur caractère unique et à leur profondeur. L’artiste semblait avoir une sensibilité particulière pour les moments suspendus dans le temps, qu’il capturait avec une délicatesse certaine.
Dans cette miniature spécifique, Cavana excelle en restituant l’élégance d’une dame de la noblesse, sans doute Marie Thérèse Blonel d’Haraucourt. La précision des plis de la robe, les jeux d’ombre et de lumière sur le visage, et la douceur du regard traduisent un travail minutieux et une grande habileté artistique. Ces caractéristiques témoignent de l’attention que l’artiste portait à chaque élément de ses compositions, révélant ainsi sa capacité à donner vie à ses sujets dans des formats si réduits.
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Rare fauteuil pivotant ancien de Paquebot, Le France, Le Normandie
850,00 €Ce rare fauteuil de paquebot incarne toute la splendeur et le raffinement des voyages maritimes de l’âge d’or des transatlantiques, comme ceux qui ont équipé des navires légendaires tels que le *Titanic* et le *Normandie*.
Véritable pièce de collection, ce fauteuil est un hommage aux lignes élégantes et aux matériaux nobles que l’on retrouvait dans les intérieurs de ces navires prestigieux.
Conception et matériaux nobles
Ce fauteuil impressionne dès le premier regard par sa boiserie massive et finement sculptée, qui révèle un travail artisanal d’exception.
Les détails gravés dans le bois témoignent d’un savoir-faire riche et minutieux, sans doute réalisé par des ébénistes spécialisés, formés à produire des meubles pour les espaces de première classe.
Contrairement aux sièges standards, la partie supérieure de ce fauteuil est taillée dans un unique morceau de bois, ce qui permet une continuité parfaite et un design harmonieux, renforcé par les accoudoirs qui semblent faire corps avec l’ensemble.
Cette approche monobloc n’était réservée qu’aux mobiliers les plus exclusifs de l’époque, destinés à des espaces luxueux.
L’assise est revêtue d’un cuir bordeaux qui complète le bois sculpté, ajoutant une touche de confort et d’élégance supplémentaire.
Cette couleur profonde contraste harmonieusement avec la structure en bois, tout en évoquant l’atmosphère feutrée et distinguée des salons de première classe des grands paquebots.
Le cuir, en plus d’être d’une grande qualité, est légèrement patiné, ce qui ajoute encore au charme de cette pièce historique.
Mécanisme pivotant et fixation au sol
Le fauteuil est également doté d’un mécanisme pivotant, permettant à l’occupant de se tourner sans effort, offrant à l’origine la possibilité d’admirer le panorama marin ou de participer aux conversations avec plus d’aisance.
Ce pivotement était un luxe rare, réservé aux sièges les plus prestigieux de ces paquebots.
Ce fauteuil a été conçu pour être fixé au sol, avec une base en fonte solidement ancrée en son centre, offrant ainsi une stabilité inégalée.
La base en fonte elle-même est sculptée, avec des motifs qui ajoutent encore à la beauté et au caractère de la pièce.
Au niveau des pieds, sous l’emplacement de fixation, des protections en caoutchouc ont été ajoutées pour éviter d’endommager les parquets, même lorsque le fauteuil est solidement vissé au sol.
Ces protections sont amovibles, ce qui permet de les retirer aisément si nécessaire.
Cet ajout montre que les concepteurs ont non seulement pris en compte l’esthétique, mais aussi le souci de préserver les matériaux précieux environnants.
Historique et hypothèse d’utilisation
Bien que nous ne connaissions pas avec certitude le navire auquel ce fauteuil était destiné, sa conception, sa qualité et son luxe laissent fortement supposer qu’il équipait les salons ou cabines de première classe d’un paquebot célèbre.
Les premiers transatlantiques se distinguaient par une décoration somptueuse et un confort exceptionnel pour attirer une clientèle fortunée, et ce fauteuil incarne parfaitement cet esprit.
Sa construction robuste et son allure imposante suggèrent qu’il pourrait avoir appartenu à un paquebot de renom, où chaque détail était soigneusement pensé pour garantir un confort et un prestige sans égal.
Un fauteuil polyvalent et intemporel
Aujourd’hui, ce fauteuil rare peut être intégré dans un espace moderne ou classique.
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Paire de chandelier candélabre en cristal de Baccarat, Hauteur 56 cm
1600,00 €Grande Paire de Candélabres en Cristal de Baccarat
Ces superbes candélabres en cristal de Baccarat, mesurant 56 cm de hauteur, incarnent l’élégance et l’artisanat du 19e siècle, période où le savoir-faire de Baccarat en matière de verrerie et de cristal atteint des sommets inégalés.
Avec leurs trois bras de lumière gracieux et un assemblage de pendeloques étincelantes, ces pièces illuminent non seulement par leur fonction, mais également par leur esthétique, en témoignant de l’expertise et du prestige de la cristallerie française.
La présence de la marque Baccarat au revers confirme leur authenticité, offrant ainsi aux amateurs de beaux objets une opportunité d’acquérir une œuvre véritablement emblématique de cet atelier de renommée mondiale.
Description et Détails Techniques
Chaque candélabre de cette paire repose sur une monture en métal ornée, qui ajoute un contraste subtil et raffiné au cristal éclatant.
Les bras de lumière, habillés de pendeloques, projettent une luminosité qui magnifie les surfaces environnantes, rappelant l’atmosphère chaleureuse des salons aristocratiques et des demeures nobles du passé.
Les pampilles, ou « pendeloques », suspendues aux bras de lumière, créent un jeu de reflets fascinant qui attire naturellement le regard.
En examinant de plus près, quelques détails montrent que ces candélabres ont traversé les âges.
Certaines pampilles, fragiles par nature, sont manquantes ; néanmoins, il est possible de retrouver des pampilles d’époque qui pourront parfaitement compléter l’ensemble et rétablir son intégrité visuelle.
De plus, l’une des coupelles a été recollée, mais le travail de réparation a été fait avec soin, sans altérer l’harmonie globale du candélabre.
Enfin, parmi les deux bobèches qui accueillent les bougies, l’une présente quelques égrenures, témoins de son utilisation et de son passage à travers le temps, tandis que l’autre est restée intacte.
La Signature Baccarat : Tradition et Excellence
Baccarat, fondée en 1764 sous le règne de Louis XV, est devenue synonyme de cristal de luxe et d’excellence française.
Reconnaissable à son éclat inégalé et à sa qualité exceptionnelle, chaque pièce de Baccarat est le résultat de plusieurs centaines d’années d’expertise transmise de génération en génération.
La marque Baccarat, visible au revers de ces candélabres, assure aux collectionneurs la provenance et l’authenticité de ces pièces.
Cette signature est un gage de qualité qui rappelle les nombreuses commandes prestigieuses de Baccarat au fil de l’histoire, des tables royales aux maisons de la haute société européenne.
L’histoire de Baccarat est ponctuée de collaborations artistiques, et la maison est également reconnue pour avoir constamment innové dans ses designs et ses techniques de production, créant des œuvres qui marient tradition et modernité.
Ces candélabres, bien que d’une autre époque, sont représentatifs de cette capacité unique de Baccarat à concevoir des objets intemporels, qui continuent de captiver par leur sophistication et leur beauté.
Un Témoignage du Passé
L’intérêt particulier pour cette paire réside dans la dualité entre leur caractère intact et les petites imperfections qu’ils portent, comme des marques du temps.
Ce type de pièces suscite un charme unique et raconte une histoire ; il est possible d’imaginer ces candélabres illuminant des salles de réception somptueuses, témoins muets de conversations élégantes et de soirées fastueuses.
Leur acquisition invite le collectionneur non seulement à posséder un objet précieux, mais également à faire revivre une époque où l’art de la table était élevé au rang de cérémonie.
Posséder cette paire de candélabres en cristal Baccarat, c’est offrir une seconde vie à un vestige du passé et l’inscrire dans une nouvelle histoire.
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Miniature ancienne, réalisée à la fin du XIXe siècle et signée par l’artiste J. Cavana
Cette délicate miniature du XIXe siècle, signée par l’artiste J. Cavana, est une représentation saisissante de l’élégance et du raffinement propres à son époque. L’œuvre illustre une femme gracieuse, dont l’allure et les traits sont immortalisés avec une précision remarquable. La minutie apportée à la réalisation de cette miniature est évidente, des plis soyeux de la robe aux teintes subtiles du visage de la dame. Chaque détail témoigne de l’expertise de Cavana, qui parvient à capturer non seulement l’apparence physique de son sujet, mais aussi une certaine aura, une présence presque palpable, malgré la petite taille du support.
Jean Cavana, né en 1830 en Italie, est un artiste qui a su se forger une place de choix dans le milieu artistique français de la fin du XIXe siècle. Il s’est installé en France, où son talent pour la miniature l’a rapidement fait connaître. Formé dans la lignée des grands maîtres, Cavana a acquis une maîtrise technique exceptionnelle qui lui permettait de traduire avec finesse les émotions et les caractéristiques de ses modèles. Sa renommée a grandi au fil des ans, notamment grâce aux nombreuses commandes qu’il recevait de la part de la haute société, qui voyait en lui un peintre capable de saisir l’essence de ses contemporains avec une rare justesse.
Cavana s’est distingué par son art de la miniature, un genre particulièrement prisé au XIXe siècle, car il permettait d’immortaliser les traits des personnes dans des formats réduits, souvent sous forme de portraits intimes. Il était capable de retranscrire à la perfection les moindres détails, de la texture des étoffes aux expressions faciales les plus subtiles, apportant à chaque portrait une profondeur psychologique singulière. La précision de son pinceau lui permettait de transformer de simples portraits en véritables témoignages visuels de l’âme de ses modèles.
Mais si Cavana est principalement reconnu pour ses miniatures, il ne s’est pas limité à ce genre. Son œuvre s’étendait également à d’autres domaines, comme le paysage ou des scènes plus complexes, où il exprimait son goût pour la beauté et la mélancolie. Ses créations, empreintes d’une certaine nostalgie, invitent à la contemplation et à la réflexion, révélant une sensibilité artistique raffinée. Il utilisait la miniature pour célébrer non seulement la beauté physique, mais aussi l’esprit et la personnalité des personnes qu’il représentait. Ainsi, chaque œuvre qu’il réalisait devenait un hommage à son époque et à la tradition du portrait intime, dont il s’est fait le maître incontesté.
La miniature en question est un exemple parfait de son savoir-faire. L’élégance et la grâce du sujet, rehaussées par la finesse de l’exécution, sont autant de preuves du talent exceptionnel de Cavana.
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Miniature ancienne, réalisée à la fin du XIXe siècle et signée par l’artiste J. Cavana
Cette délicate miniature du XIXe siècle, signée par l’artiste Jean Cavana, est un témoignage captivant de l’élégance de son époque. Réalisée vers la fin du siècle, elle représente une femme raffinée, probablement Marie Thérèse Blonel d’Haraucourt, une figure de la noblesse. Cavana, en mettant en avant chaque détail, des tissus sophistiqués de sa tenue aux subtiles variations des traits de son visage, démontre l’étendue de son talent. L’œuvre traduit avec finesse l’atmosphère et l’esthétique de la société aristocratique de l’époque.
Jean Cavana, né en Italie en 1830, s’est installé en France où il s’est rapidement distingué par son habileté à capturer l’essence de ses modèles dans des formats miniatures. Sa formation dans la lignée des maîtres classiques lui a permis de développer une technique précise, un savoir-faire qui a séduit les élites de son temps. Ces dernières recherchaient un artiste capable de figer sur des supports de petite taille non seulement l’apparence mais aussi la personnalité de ceux qu’il peignait. Cavana a ainsi su s’imposer comme un portraitiste de renom, en grande partie grâce à cette capacité à rendre les traits psychologiques visibles dans de si petits formats.
La carrière de Jean Cavana a été marquée par de nombreuses commandes provenant de la haute société, désireuse de posséder ces miniatures raffinées, symboles à la fois d’un statut social et d’un goût pour l’art. Cavana a d’ailleurs su tirer parti de cette demande croissante pour la miniature, un genre particulièrement prisé au XIXe siècle, époque où la photographie n’avait pas encore supplanté la peinture dans l’art du portrait. Ses œuvres se distinguent par une précision remarquable et une attention méticuleuse aux détails, qu’il s’agisse des vêtements, des textures ou des visages.
La maîtrise technique de Cavana ne s’arrête pas au portrait miniature. Au-delà de ce genre, il a exploré divers thèmes, s’essayant notamment au paysage, et ses œuvres dégagent souvent une certaine nostalgie. Ce sentiment, présent dans ses peintures, contribue à leur caractère unique et à leur profondeur. L’artiste semblait avoir une sensibilité particulière pour les moments suspendus dans le temps, qu’il capturait avec une délicatesse certaine.
Dans cette miniature spécifique, Cavana excelle en restituant l’élégance d’une dame de la noblesse, sans doute Marie Thérèse Blonel d’Haraucourt. La précision des plis de la robe, les jeux d’ombre et de lumière sur le visage, et la douceur du regard traduisent un travail minutieux et une grande habileté artistique. Ces caractéristiques témoignent de l’attention que l’artiste portait à chaque élément de ses compositions, révélant ainsi sa capacité à donner vie à ses sujets dans des formats si réduits.
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Belle et ancienne lampe à pétrole en bronze doré, attribué à Georges Leleu
850,00 €La grande lampe à pétrole en bronze massif que je vous présentes est une pièce d’exception, à la fois par sa richesse sculpturale et par son appartenance à l’époque de l’Art nouveau, un mouvement artistique qui a marqué la fin du XIXe siècle et le début du XXe.
Attribuée à Georges Leleu, artiste et créateur reconnu pour ses œuvres dans le domaine des arts décoratifs, cette lampe se distingue par son design floral raffiné et son exécution minutieuse.
La lampe, haute de 47 cm, est un exemple remarquable de la fusion entre fonctionnalité et esthétisme, deux principes chers aux créateurs de l’Art nouveau.
L’Art nouveau, dont l’influence s’est propagée dans toute l’Europe entre 1890 et 1910, était caractérisé par l’utilisation de formes naturelles et organiques.
Ce style visait à rompre avec les traditions académiques et à intégrer la beauté dans les objets du quotidien. Les créateurs de cette époque, qu’ils soient architectes, peintres ou artisans, cherchaient à fondre l’art dans la vie quotidienne.
La lampe en question s’inscrit pleinement dans cette démarche, en alliant l’aspect utilitaire d’un éclairage à pétrole avec une recherche artistique poussée.
Georges Leleu, bien qu’étant moins connu que certains de ses contemporains comme Emile Gallé ou Hector Guimard, a laissé une empreinte dans le domaine des arts décoratifs.
Sa maîtrise du bronze et sa capacité à retranscrire la nature dans ses créations font de lui un créateur typique de l’Art nouveau. La lampe attribuée à Leleu présente un riche motif floral, gravé dans le bronze massif, qui semble presque en mouvement, comme si les fleurs se déployaient au contact de la lumière.
La technique de sculpture du bronze, maîtrisée ici avec un soin particulier, témoigne du savoir-faire artisanal propre à cette époque. Les lignes souples et sinueuses des motifs floraux, emblématiques de l’Art nouveau, viennent adoucir la robustesse du bronze.
On y retrouve également un travail de ciselure remarquable, notamment dans les détails des pétales et des tiges, qui accentue le relief et la profondeur des motifs.
Cette dualité entre la solidité du matériau et la légèreté des formes est caractéristique des objets d’art de cette période.
Cette lampe ne se distingue pas seulement par son esthétique, mais aussi par son mode d’éclairage.
Fonctionnant à l’origine au pétrole, ce type de lampe était très répandu avant l’avènement de l’électricité dans les foyers.
Les lampes à pétrole étaient non seulement des objets pratiques, mais aussi des symboles de modernité et de confort à la fin du XIXe siècle. En tant qu’objet décoratif, elles étaient souvent réalisées avec un soin tout particulier, afin de s’intégrer harmonieusement dans les intérieurs bourgeois de l’époque.
Le design floral de la lampe fait écho aux mouvements artistiques qui cherchaient à réhabiliter les éléments naturels dans les objets quotidiens.
Les artistes de l’Art nouveau considéraient la nature comme une source d’inspiration infinie, et les motifs végétaux, floraux ou animaliers étaient souvent stylisés pour orner des meubles, des lampes et d’autres objets décoratifs.
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Pierre Gilles, joli lustre art déco vers 1930 en bronze et verre moulé
850,00 €Ce lustre Art déco, datant des années 1930, est un exemple saisissant de l’élégance et du raffinement caractéristiques de cette période. Conçu en bronze et en verre moulé pressé, il se distingue non seulement par la qualité de ses matériaux, mais aussi par les signatures prestigieuses qu’il porte : celle de Pierre Gilles sur le globe central et celle de J. Robert sur les trois tulipes. Ces deux créateurs étaient des figures marquantes du design français, reconnues pour leur contribution à l’Art déco, un mouvement artistique qui a profondément influencé le monde de l’art et du design durant l’entre-deux-guerres.
Pierre Gilles, dont l’atelier était situé au 27 rue Esquirol, dans le 13e arrondissement de Paris, a su capturer l’essence de l’Art déco dans ses créations. Ce style se caractérisait par des lignes géométriques, des formes épurées et l’utilisation de matériaux luxueux, souvent inspirés par les progrès industriels de l’époque. Le lustre que nous présentons incarne parfaitement ces principes, avec ses formes géométriques élégantes et son utilisation innovante du verre moulé, un matériau qui permettait de créer des effets de lumière sophistiqués tout en offrant une grande résistance.
Le verre moulé pressé utilisé pour les abat-jour de ce lustre est d’une épaisseur notable, soulignant la solidité de l’ensemble tout en diffusant une lumière douce et chaleureuse. Cette technique, qui consiste à presser du verre fondu dans un moule pour lui donner une forme précise, était très populaire à l’époque en raison de la qualité et de la précision qu’elle permettait d’obtenir. Les trois tulipes en verre moulé, signées par J. Robert, sont suspendues à un luminaire en bronze nickelé, un matériau qui, en plus d’ajouter une touche de sophistication, assure la robustesse et la longévité de l’objet.
Le bronze nickelé, avec sa finition brillante, contraste harmonieusement avec la texture du verre, créant un équilibre visuel qui est l’une des signatures de l’Art déco. La hauteur totale de 77 cm de ce lustre lui donne une présence imposante, idéale pour mettre en valeur une grande pièce ou un hall d’entrée. Cette dimension généreuse permet également au lustre de diffuser la lumière de manière optimale, éclairant l’espace de manière uniforme tout en mettant en valeur les détails architecturaux environnants.
Le choix de Pierre Gilles et J. Robert d’allier le bronze nickelé au verre moulé pressé n’est pas anodin. Ce mariage de matériaux illustre parfaitement l’esprit de l’Art déco, qui cherchait à créer des objets à la fois fonctionnels et esthétiques, capables de résister à l’épreuve du temps tout en restant intemporels dans leur design. Le lustre, dans son état d’origine, témoigne du savoir-faire exceptionnel de ses créateurs, ainsi que de l’importance accordée à la qualité et à la durabilité.
En somme, ce lustre Art déco est bien plus qu’un simple luminaire. C’est une œuvre d’art, un témoignage de l’ingéniosité et de l’esthétique du début du XXe siècle. Pour les collectionneurs et amateurs d’art, il représente une pièce unique, alliant histoire, design et artisanat, et s’inscrit parfaitement dans toute collection ou intérieur recherchant à capturer l’essence de l’Art déco.
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VENDU
Coffret de 12 porte couteaux en métal chromé de Benjamin Rabier
Cet ensemble de douze porte-couteaux en métal argenté, inspiré par les célèbres Fables de La Fontaine, constitue une œuvre remarquable de l’époque Art déco. Créés par Benjamin Rabier (1869-1939), un artiste français de renom, ces porte-couteaux sont non seulement des objets d’art, mais aussi des témoignages d’une époque où l’élégance et le raffinement se reflétaient jusque dans les moindres détails du quotidien.
Benjamin Rabier, né en 1869, est souvent considéré comme l’un des précurseurs de la bande dessinée moderne. Il est particulièrement connu pour ses illustrations animalières, qui ont su capturer l’imaginaire populaire grâce à leur vivacité et leur humour subtil. Rabier a travaillé pour de nombreux journaux et éditeurs, et ses dessins ont marqué plusieurs générations. L’une de ses créations les plus célèbres est « La Vache qui rit », un logo emblématique qui est toujours utilisé aujourd’hui.
Rabier avait une affinité particulière pour les animaux, qu’il parvenait à humaniser sans pour autant leur faire perdre leur essence. Cette capacité se retrouve dans les illustrations qu’il a réalisées pour les Fables de La Fontaine, où chaque animal devient un personnage à part entière, doté de caractéristiques expressives et souvent humoristiques. Il a ainsi contribué à rendre ces fables, déjà populaires, encore plus accessibles et vivantes pour le grand public.
Les douze porte-couteaux de cet ensemble sont chacun une représentation minutieuse des animaux des fables de La Fontaine, signée « Benjamin Rabier » en creux sur la base. Ces petites sculptures traduisent la finesse du travail de l’artiste, qui a su donner vie aux histoires de La Fontaine à travers des figures telles que la Cigale et la Fourmi, le Corbeau et le Renard, ou encore le Loup et l’Agneau. Chaque porte-couteau raconte une histoire, capturant l’essence même des leçons morales que La Fontaine a voulu transmettre à travers ses récits.
Le choix de l’argenté pour ces objets n’est pas anodin. L’orfèvre Dilecta, reconnu pour la qualité de son travail durant la période Art déco, a collaboré avec Rabier pour créer des pièces qui allient esthétique et fonctionnalité. Le poinçon d’orfèvre apposé sur chaque porte-couteau atteste de la qualité du métal utilisé et du savoir-faire artisanal mis en œuvre. La période Art déco, avec son goût pour les lignes épurées et l’élégance sobre, se reflète parfaitement dans ces porte-couteaux qui allient tradition et modernité.
Les dimensions des porte-couteaux, variant entre 8 cm et 10 cm de longueur pour une largeur d’environ 2,5 cm, en font des objets à la fois pratiques et décoratifs.
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Grand mannequin articulé d’attraction foraine, automate vers 1980
1200,00 €Le grand mannequin de foire des années 1980, souvent placé à l’entrée d’attractions telles que les châteaux hantés, est un exemple fascinant d’automate conçu pour captiver l’attention et créer une expérience immersive dès l’abord d’une attraction. Mesurant environ 180 cm, ce mannequin se distingue non seulement par sa taille, mais aussi par sa capacité à interagir avec les passants, offrant une dimension interactive et presque humaine à ce qui aurait autrement pu être un simple décor.
Vêtu d’un costume élégant, peut-être inspiré des tenues formelles du XIXe siècle avec un chapeau haut de forme, l’automate possédait une allure à la fois imposante et accueillante. Son rôle n’était pas simplement décoratif. Il était conçu pour saluer les visiteurs, les complimenter sur leur apparence, et les inviter à pénétrer dans l’attraction. Cette interaction verbale, bien que simple, ajoutait une couche de personnalisation à l’expérience foraine, donnant aux visiteurs le sentiment d’être reconnus et accueillis personnellement.
L’automate était équipé de mécanismes permettant des mouvements articulés, une caractéristique qui, à l’époque, témoignait de l’ingéniosité des fabricants. La tête et les yeux du mannequin pouvaient bouger, suivant les visiteurs ou les fixant lorsqu’il leur adressait la parole. Ces mouvements, bien que limités comparés aux standards d’aujourd’hui, conféraient à l’automate une présence quasi vivante, renforçant l’atmosphère mystérieuse et immersive du château hanté ou de toute autre attraction où il se trouvait.
L’utilisation de tels automates dans les foires et parcs d’attractions des années 1980 s’inscrivait dans une tradition plus large de l’animation mécanique, un art qui remonte à plusieurs siècles. Toutefois, les modèles des années 1980, comme celui-ci, étaient souvent plus sophistiqués grâce aux avancées technologiques de l’époque. Les enregistrements sonores et les mécanismes de mouvement étaient plus fiables et réalistes, permettant à ces automates de fonctionner de manière plus fluide et convaincante.
Ces automates n’étaient pas seulement des objets d’animation, mais aussi des pièces d’ingénierie complexe, nécessitant un entretien régulier pour rester en bon état de fonctionnement. Avec le temps, et surtout avec l’évolution des technologies numériques et des effets spéciaux, ces mannequins mécaniques ont progressivement disparu des foires, remplacés par des dispositifs plus modernes et interactifs. Toutefois, leur rareté actuelle sur le marché de la brocante en fait des objets de collection très prisés, particulièrement lorsqu’ils sont en état de marche.
Aujourd’hui, il est de plus en plus difficile de trouver des automates de cette époque en bon état, surtout ceux qui ont conservé leur capacité à parler et à bouger. Le fait qu’ils soient encore fonctionnels ajoute une valeur significative, non seulement en tant qu’objets historiques, mais aussi en tant que témoins d’une période spécifique de l’histoire des foires. Ils représentent une époque où l’innovation technique se mêlait à l’art de la mise en scène pour créer des expériences inoubliables pour le public.
La popularité actuelle de la culture vintage et rétro a contribué à la redécouverte de ces automates, avec un regain d’intérêt pour les objets qui rappellent l’enfance de nombreux adultes d’aujourd’hui. Les collectionneurs et passionnés cherchent à retrouver ces pièces pour leur valeur esthétique, historique, et émotionnelle. En outre, ces automates incarnent une forme de technologie ancienne qui, bien qu’obsolète à certains égards, continue de fasciner par son ingéniosité et son charme.
Le grand mannequin de foire des années 1980, lorsqu’il est conservé et présenté dans des collections privées ou des expositions, évoque une époque où la technologie et l’artisanat se combinaient pour donner vie à des créations uniques.
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Belle table basse ronde en laiton de la maison Baguès, deux plateaux
650,00 €Belle Table Basse Ronde de Baguès : Élégance Intemporelle du XXe Siècle
La maison Baguès, synonyme de luxe et de raffinement, propose une somptueuse table basse de forme ronde, qui illustre parfaitement l’élégance intemporelle du mobilier du XXe siècle. Cette pièce distinctive, véritable chef-d’œuvre de décoration intérieure, se caractérise par une structure en laiton et deux plateaux en verre, conjuguant harmonieusement des matériaux nobles et un design raffiné.
Structure en Laiton : Éclat et Robustesse
Le laiton, un alliage précieux de cuivre et de zinc, est réputé pour sa durabilité et son apparence luxueuse. Dans cette table basse, la structure en laiton n’est pas seulement un choix esthétique mais également une déclaration de qualité et de solidité. Les artisans de Baguès ont façonné ce métal avec une précision exceptionnelle, créant une structure délicate mais robuste, capable de traverser les décennies sans perdre de son éclat ni de sa stabilité.
Les finitions en laiton poli confèrent à la table une brillance subtile qui capte la lumière de manière exquise, rehaussant ainsi son attrait visuel. Cette brillance est accentuée par les formes élégantes et arrondies de la structure, qui apportent une sensation de fluidité et de mouvement à l’ensemble. Les pieds de la table, finement travaillés, ajoutent une touche de sophistication supplémentaire, témoignant de l’attention portée aux moindres détails par les artisans de Baguès.
Plateaux en Verre : Transparence et Modernité
Cette table basse se distingue également par ses deux plateaux en verre, qui ajoutent une dimension de transparence et de légèreté. Le verre, matériau noble par excellence, apporte une touche de modernité tout en conservant une esthétique intemporelle. Les plateaux sont méticuleusement polis pour offrir une surface lisse et brillante, idéale pour mettre en valeur les objets décoratifs ou les livres disposés dessus.
Les deux niveaux de plateaux offrent une fonctionnalité supplémentaire. Le plateau supérieur, spacieux, est parfait pour y poser des magazines, des vases ou des tasses de café, tandis que le plateau inférieur offre un espace de rangement discret pour d’autres objets, permettant de garder la surface principale dégagée et ordonnée. Cette conception à deux niveaux est non seulement pratique, mais elle ajoute également une dimension visuelle intéressante, créant un jeu de perspectives et de reflets.Conception et Fabrication Artisanale
La maison Baguès est reconnue pour son savoir-faire artisanal et ses créations de haute qualité. Chaque table basse est le fruit d’un travail minutieux, où chaque détail est soigneusement pensé et réalisé. La combinaison de laiton et de verre n’est pas seulement esthétique mais aussi technique, nécessitant une précision et une maîtrise parfaite des matériaux.
Les artisans de Baguès utilisent des techniques traditionnelles, transmises de génération en génération, pour garantir la perfection de chaque pièce. Le processus de fabrication comprend plusieurs étapes, allant de la sélection des matériaux à l’assemblage final, chaque étape étant réalisée avec une attention particulière aux détails. Cette approche artisanale garantit que chaque table basse est unique, portant la signature de l’excellence et de l’authenticité.
Un Mobilier Intemporel
La table basse ronde de Baguès est plus qu’un simple meuble; c’est une œuvre d’art qui traverse le temps. Son design intemporel permet de l’intégrer aussi bien dans un intérieur classique que contemporain, apportant à chaque fois une touche de raffinement. Cette pièce s’inscrit parfaitement dans l’héritage de la maison Baguès, connue pour ses créations élégantes et ses techniques de fabrication traditionnelles.
Posséder une telle table, c’est s’offrir un morceau d’histoire du design et de l’artisanat français. Chaque élément de cette table, du laiton aux plateaux en verre, raconte une histoire de passion et de savoir-faire, reflet d’une époque où le mobilier était conçu pour durer et pour être admiré.
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Magnifique œuvre de Clément Serveau (1886-1972) La robe Crétoise
2800,00 €Clément Serveau, né en 1886 et décédé en 1972, est un peintre français renommé pour ses portraits réalistes empreints de sensibilité. Son œuvre « La robe Crétoise, » une huile sur panneau réalisée en 1935, illustre magnifiquement son talent. Cette peinture, mesurant 65 x 54 cm, est une démonstration éclatante de la maîtrise technique de Serveau et de sa capacité à capturer l’essence de ses sujets avec une précision remarquable.
« La robe Crétoise » présente une femme vêtue d’une robe traditionnelle crétoise, riche en détails et en textures. Les plis du tissu et les motifs brodés sont rendus avec une finesse extraordinaire, témoignant de l’attention méticuleuse de l’artiste aux particularités culturelles du costume. La lumière, subtilement appliquée, met en valeur la texture de la robe et la douceur de la peau du modèle, créant un contraste saisissant avec le fond sombre. Cela confère à la composition une profondeur et une dimension supplémentaires, attirant l’œil du spectateur vers le visage expressif de la femme.
Le portrait montre une expression empreinte de douceur et de réflexion, capturant non seulement l’apparence physique du modèle mais aussi une profondeur psychologique. L’attention de Serveau aux détails anatomiques, comme la délicatesse des mains et la complexité des traits du visage, ajoute une dimension de réalisme qui rend le sujet presque tangible. La femme semble plongée dans ses pensées, ce qui ajoute une narration silencieuse à l’œuvre, invitant les spectateurs à imaginer son histoire et ses émotions.
La signature de Clément Serveau et la date de création, clairement visibles en bas de l’œuvre, attestent de son authenticité. Serveau, qui a traversé plusieurs courants artistiques au cours de sa carrière, reste fidèle à un style réaliste tout en intégrant des éléments impressionnistes dans ses jeux de lumière et ses palettes de couleurs. Cette peinture reflète cette synthèse artistique, où la précision du trait se marie harmonieusement avec une approche plus libre et expressive de la couleur.
Clément Serveau est souvent célébré pour sa capacité à immortaliser la beauté intemporelle de ses sujets tout en capturant l’esprit de l’époque. « La robe Crétoise » n’échappe pas à cette règle.
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Ensemble de 4 Moineaux en Cristal Lalique France, par Marc Lalique
Ensemble de 4 moineaux en cristal de la maison Lalique, signé en sur le devant de la terrasse, fabrication de la période de Marc Lalique.
Marc Lalique (1900-1977), fils de René Lalique, a su perpétuer et enrichir l’héritage de la célèbre maison Lalique, fondée par son père en 1888. René Lalique, maître-verrier et joaillier de renommée mondiale, était connu pour ses créations Art Nouveau et Art Déco. Marc, ayant grandi dans cet environnement artistique, a naturellement été imprégné de l’expertise et de la vision de son père, qu’il a su adapter et transformer avec son propre style et ses innovations techniques.
Après la mort de René Lalique en 1945, Marc a pris les rênes de l’entreprise familiale. L’une de ses premières grandes contributions a été la transition de la production Lalique vers le cristal. Avant cette époque, les créations Lalique étaient principalement en verre. Marc a compris que le cristal offrait de nouvelles possibilités en termes de pureté, de brillance et de subtilité des détails. Cette transition a marqué un tournant décisif pour la maison Lalique, consolidant sa réputation de créateur de pièces de luxe d’une qualité inégalée.
Les moineaux en cristal, un des thèmes récurrents et iconiques de la maison Lalique, illustrent parfaitement la vision de Marc. Sous sa direction, la maison a continué à produire des œuvres d’une beauté saisissante et d’une qualité exceptionnelle, alliant des techniques de soufflage et de taille de cristal héritées de son père à des innovations modernes. Chaque moineau est sculpté avec une minutie exemplaire, capturant la légèreté et la délicatesse de l’oiseau, tout en jouant avec la transparence et la luminosité du cristal. La signature sur le devant de la terrasse témoigne de l’authenticité et de la qualité de l’œuvre.
Marc Lalique n’a pas seulement maintenu l’excellence de la maison, il a aussi su la faire évoluer. Sous sa direction, Lalique a étendu sa gamme de produits pour inclure des luminaires, des vases, des flacons de parfum et des objets décoratifs, tout en continuant à produire des bijoux de haute qualité. Il a également collaboré avec des designers et des artistes de renom, élargissant ainsi l’influence et l’attrait de la marque.
La période de Marc Lalique est souvent considérée comme une époque d’innovation et de consolidation. Ses créations ont su capter l’esprit de leur temps tout en restant fidèles aux principes esthétiques et techniques de la maison Lalique. Ses œuvres sont aujourd’hui très recherchées par les collectionneurs et les amateurs d’art, témoignant de leur valeur artistique et historique.
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Deux meubles vintage rares de la marque Canson Meuble, en bois
Deux Meubles Vintage de la Marque Canson : Une Rareté pour les Amateurs de Design
Vous avez l’opportunité d’acquérir deux meubles vintage d’exception de la prestigieuse marque Canson. Ces pièces uniques en bois sont conçues pour répondre à des besoins de rangement spécifiques tout en apportant une touche esthétique indéniable à votre intérieur. Voici en détail ce que ces meubles peuvent offrir.
Caractéristiques et Fonctionnalités
Chaque meuble est équipé de cinq tiroirs spacieux, idéaux pour le rangement de feuilles au format Raisin (50 x 65 cm). Ces tiroirs permettent de stocker entre 500 et 600 feuilles selon le grammage du papier. Ce large espace de rangement est parfait pour les artistes, les architectes ou toute personne ayant besoin de conserver des documents de grande taille en parfait état.
Les dimensions de chaque meuble sont les suivantes : une hauteur de 38 cm, une largeur de 72,5 cm, et une profondeur de 57 cm. Ces mesures compactes permettent aux meubles de s’intégrer facilement dans divers espaces de votre maison ou de votre bureau.
Esthétique et Polyvalence
Le design vintage de ces meubles en bois ajoute une touche d’élégance rétro à n’importe quelle pièce. Leur finition soignée et leur allure intemporelle les rendent parfaits pour des usages variés. Outre leur fonction première de rangement de papier, ces meubles peuvent être détournés en éléments de décoration uniques.
Par exemple, en tant que tables de chevet, ils apporteront une note de charme et de caractère à votre chambre. Leurs tiroirs peuvent accueillir non seulement du papier, mais également des livres, des accessoires, ou tout autre objet que vous souhaitez garder à portée de main. De même, placés dans un salon, ils peuvent servir de tables d’appoint ou de rangements élégants pour divers objets de décoration.
Un Investissement Durable
Investir dans ces meubles Canson, c’est choisir la durabilité et la qualité. La marque Canson est reconnue pour son expertise et son engagement envers des produits de haute qualité. Le bois utilisé pour ces meubles est robuste et résistant, garantissant une longévité remarquable. Ce sont des pièces qui ne se démodent pas et qui peuvent même prendre de la valeur avec le temps, grâce à leur caractère vintage et leur rareté.
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Série complète de 12 porte-couteaux YER en verre dans sa boîte d’origine
250,00 €Je propose une série complète de 12 porte-couteaux YER, soigneusement conservés dans leur boîte d’origine, datant des années 1930. Ces porte-couteaux en verre moulé sont une œuvre d’art raffinée de la marque française YER, nommée d’après la vallée de la rivière Yerre dans l’Essonne. Ils incarnent un savoir-faire d’époque et un design intemporel qui ravira les amateurs de pièces de collection et les passionnés de décoration vintage.
La série se compose de douze porte-couteaux, chacun mesurant environ 10 cm. Chaque pièce présente un motif distinctif représentant un animal, apportant ainsi une touche de charme et de diversité à votre table. Les motifs inclus sont deux canards, deux chiens, deux poissons, deux oiseaux de paradis, deux escargots et deux écureuils. Ces animaux sont sculptés avec une précision remarquable, chaque détail du design reflétant l’excellence artisanale de YER. La qualité du verre moulé permet de capturer des détails fins et des textures variées, donnant vie aux animaux représentés.
Les porte-couteaux sont en parfait état, sans fissures, éclats ou autres imperfections, ce qui témoigne de leur conservation minutieuse au fil des décennies. Le verre est transparent, brillant et opaque, avec une finition lisse qui accentue les détails sculptés. Chaque pièce est non seulement fonctionnelle pour maintenir les couteaux en place, mais aussi esthétiquement plaisante, ajoutant une touche de sophistication à toute présentation de table.
La boîte d’origine, également en excellent état, complète cette série de manière élégante. Elle est conçue pour protéger les porte-couteaux tout en les exposant de manière raffinée. Le design de la boîte reflète le style de l’époque, avec une attention particulière aux détails qui la rend aussi précieuse que les porte-couteaux eux-mêmes.
Les porte-couteaux YER des années 1930 sont devenus des pièces de collection recherchées, non seulement pour leur beauté mais aussi pour leur rareté. En effet, la marque YER est reconnue pour sa production limitée et son engagement envers la qualité, ce qui confère à chaque pièce une valeur accrue. Cette série complète représente donc une opportunité unique d’acquérir un ensemble d’objets historiques et décoratifs.
En possédant cette série de porte-couteaux, vous ne faites pas seulement l’acquisition de pièces fonctionnelles pour vos repas, mais vous investissez également dans un morceau d’histoire du design français. Ils sont parfaits pour les collectionneurs d’objets vintage, les amateurs de verrerie ancienne ou toute personne cherchant à ajouter une touche d’élégance à ses réceptions.
En résumé, cette série de porte-couteaux YER est une pièce rare qui allie l’élégance du design des années 1930 à une qualité de fabrication exceptionnelle. En parfait état et conservée dans sa boîte d’origine, elle constitue une opportunité précieuse pour enrichir une collection ou embellir une table avec un charme d’antan. Ne laissez pas passer cette chance d’acquérir un ensemble de porte-couteaux qui raconte une histoire et ajoute une touche de sophistication à chaque repas.
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Sculpture en plâtre, œuvre remarquable inspirée du sculpteur Jean-Baptiste Pigalle
120,00 €Le buste en plâtre blanc intitulé « La Rieuse » est une œuvre inspirée du sculpteur français Jean-Baptiste Pigalle, un maître du XVIIIe siècle réputé pour ses créations expressives et délicates. Cette pièce particulière, mesurant 33 cm de hauteur et 25,5 cm de largeur, capture l’essence du style rococo, avec une attention méticuleuse aux détails et une exécution raffinée.
Description Physique et Esthétique
« La Rieuse » représente une jeune femme arborant un sourire éclatant, caractéristique de l’allégresse et de la vivacité de l’époque rococo. La sculpture en plâtre blanc permet une clarté et une netteté des traits, rendant justice à l’habileté de Pigalle à capturer l’émotion humaine. Les cheveux de la femme sont délicatement sculptés, tombant en boucles légères et naturelles qui encadrent son visage rayonnant. La signature sous un bras ajoute une touche d’authenticité et de valeur historique à la pièce, indiquant l’origine et le respect envers l’œuvre originale de Pigalle.
Contexte Historique
Jean-Baptiste Pigalle (1714-1785) était un sculpteur de renom durant le règne de Louis XV et Louis XVI, ayant reçu des commandes de la cour royale et d’éminentes figures de l’époque. Son style, souvent associé au rococo, se distingue par une fluidité et une expressivité qui captivent l’essence humaine. « La Rieuse » s’inscrit parfaitement dans ce cadre, illustrant non seulement les compétences techniques de Pigalle mais aussi son talent à véhiculer une émotion pure à travers le medium du plâtre.
Technique et Exécution
Le choix du plâtre comme matériau de ce buste n’est pas anodin. Le plâtre permet une finesse des détails et une légèreté visuelle qui mettent en valeur la grâce et la spontanéité du sujet. La technique de Pigalle, bien que traditionnelle, était innovante pour son temps, combinant des influences classiques avec une sensibilité moderne. La finition lisse et la précision des traits montrent une maîtrise parfaite de la sculpture en plâtre, où chaque courbe et chaque expression sont rendues avec une délicatesse inégalée.
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Maisons J.L. Coquet et Jaune de Chrome, jolie service de table porcelaine
Le service de table que nous vous présentons est une véritable œuvre d’art en porcelaine écrue, fabriquée à Saint-Léonard de Noblat, à quelques kilomètres de Limoges, une région mondialement renommée pour la qualité exceptionnelle de sa porcelaine. Ce service a été minutieusement créé par J.L. Coquet et Jaune de Chrome, deux artisans dont le talent et le savoir-faire ont su donner naissance à une collection d’une pureté inégalée.
Chaque pièce de ce service se distingue par un décor perlé et floral, témoignant d’une originalité des formes et d’une délicatesse des finitions qui sont la signature des créateurs. La porcelaine utilisée est d’une blancheur éclatante et d’une qualité supérieure, reflet d’un artisanat raffiné et d’une recherche constante de perfection.
La manufacture où ce service a été produit a été labellisée Entreprise du Patrimoine Vivant (EPV) depuis 2010. Ce label, décerné par le Ministère de l’Économie, des Finances et de l’Industrie, est une marque de reconnaissance qui distingue les entreprises françaises pour l’excellence de leurs savoir-faire artisanaux et industriels. Il souligne l’engagement de la manufacture à préserver et à perpétuer des techniques traditionnelles tout en innovant pour offrir des produits de qualité supérieure.
Le service de table est composé de 57 pièces, soigneusement pensées pour répondre à tous les besoins d’un repas raffiné et élégant.
Voici la composition détaillée de ce service :
– Une soupière : Idéale pour servir des potages et des soupes, cette pièce maîtresse attire tous les regards avec son design sophistiqué.
– Deux raviers : Parfaits pour présenter des entrées ou des accompagnements, ces raviers ajoutent une touche d’élégance à votre table.
– Deux grands plats : Ces plats spacieux sont parfaits pour servir des plats principaux ou des assortiments de fromages.
– Douze assiettes creuses à potage : Conçues pour les soupes et les potages, ces assiettes creuses allient fonctionnalité et esthétique.
– Dix-neuf assiettes plates à fromage ou dessert : Polies et élégantes, ces assiettes sont idéales pour les desserts ou les assortiments de fromages.
– Vingt grandes assiettes : Parfaites pour les plats principaux, elles complètent harmonieusement ce service de table. -
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Grand buste en plâtre ancien, Jean de La Fontaine, 77 cm, début XXe
Grand Buste en Plâtre Ancien de Jean de La Fontaine
Ce grand buste en plâtre, datant du début du XXe siècle, représente l’une des figures les plus illustres de la littérature française : Jean de La Fontaine. D’une hauteur impressionnante d’environ 80 cm, cette œuvre dégage une présence imposante et majestueuse qui capte immédiatement l’attention.
Jean de La Fontaine : Une Figure Éminente
Jean de La Fontaine (1621-1695) est surtout connu pour ses fables, des récits allégoriques mettant en scène des animaux pour transmettre des leçons morales et philosophiques. Ses œuvres, parmi lesquelles « Le Corbeau et le Renard » et « La Cigale et la Fourmi », font partie intégrante du patrimoine culturel français et ont influencé de nombreuses générations. La Fontaine a su capturer l’essence de la nature humaine avec une simplicité et une élégance littéraire qui demeurent inégalées.
Description et Analyse Artistique
Le buste en plâtre capture La Fontaine dans une posture classique, souvent attribuée aux grands penseurs et écrivains. Les détails minutieusement sculptés reflètent le talent et la dextérité de l’artiste anonyme qui a su donner vie à ce personnage historique.
– Expression Faciale : Le visage de La Fontaine est finement sculpté, avec une expression sereine mais contemplative. Ses yeux semblent perdus dans une réflexion profonde, évoquant l’image du poète philosophe en pleine méditation.
– Chevelure et Détails Vestimentaires : La chevelure, abondante et bouclée, est représentative des portraits classiques de La Fontaine, conférant un aspect à la fois réaliste et idéalisé. Les plis de son vêtement sont rendus avec une grande précision, soulignant le soin apporté à chaque détail.
– Matériau : Le plâtre, matériau souvent utilisé au début du XXe siècle pour la réalisation de bustes et de sculptures, permet un niveau de détail élevé tout en étant plus accessible que le marbre ou le bronze. Bien que plus fragile, le plâtre donne une texture douce et une finition lisse qui accentuent les traits du visage et les courbes du vêtement.
Contexte Historique et Artistique
Au début du XXe siècle, la France connaît un renouveau artistique, avec un intérêt croissant pour les grands auteurs et figures historiques du passé. Les bustes en plâtre de personnalités littéraires deviennent des objets de décoration prisés, symboles de culture et d’érudition.
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Belle commode marqueterie importé d’Egypte de style Empire du XXe siècle
Commode de style Empire du XXe siècle
Origine et Style
Cette commode, importée d’Égypte, est un magnifique exemple de mobilier de style Empire du XXe siècle. Le style Empire, qui a prospéré sous le règne de Napoléon Bonaparte au début du XIXe siècle, est caractérisé par son opulence et ses références à l’art et à l’architecture de l’Antiquité, notamment égyptienne. Bien que cette commode soit du XXe siècle, elle conserve fidèlement les éléments stylistiques de l’époque Empire, soulignant un renouveau de l’intérêt pour ce style classique.Matériaux et Construction
Fabriquée en bois de plaquage, cette commode présente un éclat et une finesse qui témoignent de la qualité du travail artisanal de l’époque. Le bois de plaquage utilisé confère à la pièce une apparence luxueuse et durable. La commode s’ouvre par quatre tiroirs, offrant un espace de rangement généreux et pratique.Décoration et Marqueterie
L’un des éléments les plus remarquables de cette commode est sa décoration en marqueterie. Les deux grands tiroirs centraux sont ornés d’un motif délicat représentant un flambeau et une couronne de laurier. Ces symboles étaient couramment utilisés dans le style Empire pour évoquer la victoire, la gloire et l’immortalité, rappelant les triomphes de l’Antiquité classique.Ornements en Bronze
Les ornements en bronze ajoutent une dimension supplémentaire de grandeur et de sophistication à cette commode. De chaque côté, deux figures égyptiennes assises et allongées sont magnifiquement sculptées, illustrant l’influence de l’Égyptomanie qui a marqué le style Empire. Ces figures symbolisent la fascination pour l’Égypte ancienne, ravivée par les campagnes napoléoniennes en Égypte et les découvertes archéologiques de cette époque.Les montants de la commode sont également gainés de bronze, ajoutant à la robustesse et à l’élégance de la pièce. Les pieds, quant à eux, se terminent en pattes de lion, un autre motif récurrent dans le style Empire. Les pattes de lion symbolisent la force et la puissance, et leur inclusion dans le design de cette commode renforce son apparence majestueuse.
Plateau en Marbre
Le dessus de la commode est surmonté d’un épais plateau en marbre vert de mer. Ce marbre, avec ses nuances de vert profond, ajoute une touche de couleur et de luxe à l’ensemble. Le marbre vert de mer était prisé pour son aspect raffiné et sa durabilité, et il complète parfaitement les tons riches du bois et les reflets dorés des ornements en bronze. -
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Paire de lustres à pampilles de cristal, 10 lumières, milieu XXe siècle
Paire de Lustres à Pampilles de Cristal, Milieu du XXe Siècle
Cette paire de lustres à pampilles de cristal, datant du milieu du XXe siècle, incarne le charme et l’élégance classique de cette époque. Chaque lustre éclaire somptueusement par dix lumières, offrant une illumination généreuse et diffusée à travers un agencement magnifique de pampilles en cristal. Ces pièces maîtresses décoratives sont non seulement des sources de lumière mais aussi des œuvres d’art, reflet d’un savoir-faire minutieux et d’une esthétique raffinée.
Design et Matériaux
Ces lustres se distinguent par leur abondance de pampilles en cristal, qui captent et réfractent la lumière avec une brillance éclatante. Chaque pampille est soigneusement taillée pour maximiser l’effet scintillant, créant une danse de lumière et d’ombres qui transforme l’atmosphère de toute pièce. Le choix des matériaux, en particulier le cristal de haute qualité, assure non seulement une clarté optique exceptionnelle mais également une durabilité sur plusieurs décennies.
Structure et Éclairage
La structure de chaque lustre est robuste, conçue pour supporter le poids des pampilles sans compromettre l’élégance visuelle. Chacun des dix bras est finement travaillé, permettant de soutenir les ampoules qui, une fois allumées, diffusent une lumière douce et chaleureuse à travers les pampilles. Les bras se courbent gracieusement vers le haut, rappelant le style classique des lustres d’antan tout en intégrant des éléments de design du milieu du XXe siècle.
Élément Distinctif: Les Boules Taillées en Diamant
Un des aspects les plus distinctifs de ces lustres est la présence de deux boules taillées en diamant sur chaque pièce. Ces boules, situées stratégiquement pour maximiser leur impact visuel, ajoutent une dimension supplémentaire de luxe et de sophistication. La taille en diamant de ces boules permet une réfringence exceptionnelle, projetant des éclats de lumière dans toutes les directions et accentuant encore la beauté globale des lustres.
Époque et Style
Le milieu du XXe siècle a vu une fusion de styles traditionnels et modernes, et ces lustres en sont un parfait exemple. Ils marient le faste et l’opulence des lustres classiques avec une touche de modernité propre à cette période. Les lignes fluides et les courbes gracieuses des bras, combinées à l’utilisation prolifique de pampilles en cristal, témoignent d’une époque où le souci du détail et l’artisanat étaient au cœur de la production des luminaires.
Impact Décoratif
Installés dans un grand hall, une salle à manger somptueuse ou un salon élégant, ces lustres deviennent immédiatement le point focal de la pièce. Leur capacité à transformer un espace avec une lumière scintillante et une présence imposante est inégalée.
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Grand trumeau en bois rechampi et bois sculpté doré, décor romantique
Le grand miroir trumeau de style Louis XV, datant du début du XXe siècle, est un véritable chef-d’œuvre d’artisanat qui incarne l’élégance et le raffinement de l’époque. Ce miroir, mesurant 180 cm de hauteur et 115 cm de largeur, est une pièce majestueuse qui capte l’attention et ajoute une touche de splendeur à n’importe quel intérieur.
Ce trumeau est composé de bois rechampi et de bois sculpté doré, une combinaison qui témoigne du savoir-faire exceptionnel des artisans de l’époque. Le bois rechampi, souvent utilisé pour donner une apparence usée et patinée, ajoute une profondeur et une richesse visuelle au cadre du miroir. Cette technique consiste à appliquer une couche de peinture ou de dorure de manière à laisser apparaître les couches inférieures, créant ainsi un effet de vieillissement élégant et sophistiqué. La dorure sculptée, quant à elle, rehausse le tout avec des détails minutieusement travaillés, apportant une luminosité et une richesse incomparables.
La partie inférieure du trumeau est ornée d’un beau miroir. Ce miroir, probablement en verre mercuré, reflète non seulement la lumière mais aussi l’histoire et le style du début du XXe siècle. Les contours du miroir sont finement sculptés, présentant des motifs floraux et des arabesques typiques du style Louis XV, caractérisé par ses courbes sinueuses et son ornementation délicate.
Sur la partie supérieure du trumeau, une jolie peinture à l’huile sur panneau ajoute une dimension artistique et narrative à l’ensemble. Cette scène romantique, typique des œuvres de l’époque, dépeint probablement une scène bucolique ou galante, mettant en scène des personnages élégamment vêtus dans un paysage idyllique. Les couleurs de la peinture, tout en douceur et en harmonie, complètent parfaitement la dorure et le bois rechampi du cadre. Les détails de la peinture, tels que les expressions des personnages et les éléments du paysage, témoignent d’une grande maîtrise technique et artistique.
L’ensemble de ce trumeau est non seulement un miroir fonctionnel mais aussi une œuvre d’art à part entière. Chaque élément, du bois sculpté à la peinture à l’huile, contribue à créer une pièce harmonieuse et équilibrée. Le style Louis XV, avec ses influences rococo, se manifeste pleinement dans les courbes gracieuses et les détails ornés de ce miroir, évoquant une époque de luxe et de sophistication.
En intégrant ce miroir trumeau dans un intérieur, on ajoute une touche de l’histoire et du patrimoine français. Il peut être placé dans un salon, une chambre ou un hall d’entrée, où il apportera immédiatement une sensation de grandeur et de raffinement.
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Ours blanc de Pierre Chenet, épreuve en bronze patinée vert, XXe
Cette épreuve en bronze à patine brun vert nuancé représente un ours blanc en balade, une création emblématique de l’artiste sculpteur Pierre Chenet. La pièce, une fonte d’édition, porte la signature de l’auteur et a été réalisée par lui-même dans sa fonderie d’art située à Apt. Pierre Chenet est un artiste reconnu pour ses œuvres animalières, et cette sculpture est une parfaite illustration de son talent et de son expertise dans ce domaine.
Pierre Chenet, né au XXe siècle, est un sculpteur français de renommée internationale. Il possède une fonderie d’art à Apt, où il réalise lui-même ses sculptures. Chenet est particulièrement connu pour ses représentations animalières. Ses œuvres captent l’essence des animaux avec une précision et une sensibilité qui témoignent de sa profonde compréhension de la nature. L’ours blanc en bronze est l’une de ses nombreuses créations qui illustre parfaitement cette maîtrise.
L’œuvre est réalisée en bronze, un matériau noble et durable qui permet une grande finesse de détails. Pierre Chenet excelle dans l’art de la patine, un procédé complexe qui consiste à appliquer une couche superficielle sur le bronze pour lui donner une couleur et une texture particulières. La patine brun vert nuancé de cette sculpture donne à l’ours une apparence à la fois réaliste et intemporelle, ajoutant une profondeur et une richesse visuelle à l’œuvre.
Bien que les éditions en bronze soient nombreuses, chaque pièce réalisée par Pierre Chenet est unique grâce à sa patine particulière. Chenet applique une patine différente à chaque sculpture, ce qui confère à chacune d’entre elles un caractère distinct. Cette approche assure que, même dans une série d’œuvres similaires, chaque sculpture est une pièce unique en son genre. Pour cette épreuve d’ours blanc, la patine brun vert nuancé accentue les lignes et les textures de la sculpture, mettant en valeur les détails et les expressions de l’animal.
L’œuvre mesure 34,5 cm de largeur et 17 cm de hauteur, des dimensions qui permettent d’apprécier pleinement le travail minutieux de l’artiste. Elle est en bon état général, un témoignage de la qualité du bronze utilisé et du savoir-faire de Pierre Chenet en matière de conservation des sculptures.
Cette sculpture a été réalisée au cours du XXe siècle, une période durant laquelle Pierre Chenet a perfectionné son art et s’est établi comme un maître dans le domaine de la sculpture animalière. Les œuvres de cette époque sont particulièrement prisées par les collectionneurs et les amateurs d’art en raison de leur qualité et de leur originalité.
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Taureau en pleine action, épreuve en bronze massif à patine vert nuancée
L’œuvre que nous vous présentons est une épreuve en bronze à patine brun vert nuancé, représentant un taureau en pleine action, prêt à charger. Cette sculpture dynamique et pleine de vie est l’œuvre de Pierre Chenet, un sculpteur renommé qui possède toujours sa propre fonderie d’art à Apt, en France.
Pierre Chenet est particulièrement connu pour ses œuvres animalières, qu’il réalise avec une grande maîtrise technique et artistique. Son expertise dans l’art de la patine est indéniable, et chaque pièce en bronze qu’il crée bénéficie d’une patine unique qui confère à chacune un caractère particulier et inimitable. Bien que les éditions en bronze soient nombreuses, cette capacité à offrir à chaque sculpture une finition singulière fait toute la différence dans son travail.
Cette épreuve-ci est signée et réalisée par l’auteur lui-même, attestant de l’authenticité et de la qualité de l’œuvre. La patine brun vert nuancé de ce taureau en charge accentue les détails et les lignes de la sculpture, mettant en valeur la puissance et la détermination de l’animal. Le taureau est représenté dans un moment de grande intensité, prêt à bondir, les muscles tendus et l’expression féroce. Cette représentation réaliste et énergique témoigne du talent de Chenet pour capturer l’essence et l’esprit des animaux dans ses sculptures.
L’œuvre date du XXe siècle et est en bon état général, ce qui témoigne de la qualité de la fonte et de la durabilité des matériaux utilisés. Les dimensions de la sculpture sont de 41 cm de largeur et de 28 cm de hauteur, ce qui en fait une pièce imposante mais équilibrée, capable d’attirer le regard et d’animer l’espace dans lequel elle est exposée.
La fonderie de Pierre Chenet, toujours en activité à Apt, est un lieu où l’art et la technique se rencontrent pour donner naissance à des œuvres d’exception. En tant qu’artiste, Chenet met un point d’honneur à superviser et à participer directement à la création de ses pièces, de la conception à la réalisation finale. Cela garantit non seulement la qualité de chaque œuvre, mais également sa singularité.
Cette sculpture de taureau en pleine action est donc une pièce remarquable pour plusieurs raisons. Elle illustre le talent de Pierre Chenet pour capturer la vitalité et la force des animaux, sa maîtrise de la patine qui rend chaque pièce unique, et son engagement personnel dans chaque étape du processus de création.
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Bronze à patine brun vert nuancé, buste d’un homme dénudé et musclé
L’épreuve en bronze à patine brun vert nuancé représente le buste d’un homme dénudé et musclé. Cette sculpture captivante est une fonte d’édition, signée et réalisée par Pierre Chenet, un artiste renommé. Chenet possède une fonderie d’art à Apt, où il se consacre principalement à la création d’œuvres animalières. Cependant, cette pièce montre sa capacité à capturer la beauté et la force du corps humain avec une grande précision et sensibilité.
Pierre Chenet est un maître dans l’art de la patine, et bien que ses éditions en bronze soient nombreuses, il confère à chaque pièce une patine particulière, rendant chacune unique. La patine brun vert nuancé de cette sculpture apporte une profondeur et une richesse de ton qui accentuent les détails de la musculature et les contours du visage. La technique de patine utilisée par Chenet donne à cette œuvre une apparence vivante et dynamique, reflétant la lumière de manière subtile et élégante.
Cette sculpture date du XXe siècle et est en bon état général, ce qui témoigne de la qualité et de la durabilité du travail de Chenet. Le buste a des dimensions imposantes avec une largeur de 17 cm, une hauteur de 48 cm et une profondeur de 15 cm. Ces dimensions, associées à la qualité de la patine et à la précision des détails, lui confèrent une présence majestueuse et impressionnante. La musculature est finement travaillée, chaque courbe et chaque saillie sont rendues avec un réalisme saisissant. L’expression du visage est également remarquablement détaillée, capturant une intensité et une sérénité qui ajoutent à l’impact visuel de la pièce.
Pierre Chenet, bien que principalement connu pour ses sculptures animalières, démontre à travers ce buste son talent polyvalent. Il est capable de capturer non seulement l’essence des animaux, mais aussi la beauté et la force du corps humain. Cette œuvre est un excellent exemple de sa capacité à transposer son expertise en sculpture animalière à la représentation humaine, en maintenant un niveau de détail et de réalisme exceptionnel.
La patine brun vert nuancé choisie par Chenet pour cette sculpture est particulièrement réussie. Elle apporte une richesse de couleur qui met en valeur les détails de la sculpture tout en ajoutant une dimension de profondeur et de texture.
La patine est appliquée avec une grande maîtrise, créant des variations subtiles de couleur et de ton qui rendent chaque pièce unique. Cela témoigne du savoir-faire artisanal de Chenet et de son engagement à créer des œuvres d’art uniques et de haute qualité.
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Bureau en capucin ou bureau à culbute de style Louis XV, époque début du XXe siècle
Le bureau capucin est un meuble à transformation, caractérisé par un plateau qui se rabat pour révéler un gradin de forme circulaire. Ce gradin rappelle le capuchon de l’ordre religieux des Capucins, d’où le meuble tire son nom. Ce type de meuble est également désigné sous le nom de « secrétaire à culbute » ou « bureau en capucin ».
Le secrétaire à culbute se présente comme une table de salon élégante. Son plateau, lorsqu’il est relevé, forme une table de lecture. Une tigette métallique maintient le plateau en position, et le bord du plateau est conçu pour retenir des ouvrages ou des partitions. Le gradin, qui peut être en forme de capuchon de moine, se rétracte astucieusement dans le plateau. Grâce à un bouton poussoir situé sur le flanc du meuble, le dos d’âne se libère et culbute sous le plateau, transformant la table en écritoire. Ce dos d’âne comprend souvent un compartiment secret et des tiroirs. Parfois, un écran de tissu peut être relevé à l’arrière du meuble, ajoutant une touche de mystère et de fonctionnalité.
Ce type de meuble fit son apparition au milieu du XVIIIe siècle, une époque marquée par le goût des Lumières pour les meubles transformables et les mécanismes ingénieux. Cette période voyait la curiosité et l’innovation se refléter dans le mobilier, où les meubles devaient non seulement être esthétiques mais aussi multifonctionnels. Des exemples notables de cette tendance incluent des commodes se transformant en lit pour femme de chambre, des tables à la Bourgogne, et d’autres meubles à secrets dotés de mécanismes de serrures complexes.
Le succès des bureaux capucin, ou secrétaires à culbute, atteignit son apogée dans les années 1750 et 1760. Cette popularité peut être attribuée à Antoine Gaudreaux (vers 1680-1751), l’inventeur du premier secrétaire en dos d’âne, livré pour Marie Leszczynska à Fontainebleau en 1733. Ce meuble innovant combinait élégance, praticité et ingéniosité mécanique, capturant l’essence de l’époque. L’importance de ces meubles est également soulignée par Roubo, qui en a détaillé la construction dans son Encyclopédie publiée en 1774.
Plusieurs exemplaires de secrétaires à culbute sont conservés aujourd’hui, témoignant de leur importance historique et artistique.
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Lustre à cascade de cristaux triedri de Venini vers 1960
Voici un lustre Venini datant de 1960, caractérisé par des pendentifs de type trilobe de deux tailles, couleur transparent. Ce chef-d’œuvre, une cascade avec cristaux Triedri de Venini, est une pièce unique attribuée grâce à des documents d’archives, tels que des catalogues vintage et des documents de designers. La monture en laiton doré ajoute une touche d’élégance à ce luminaire exceptionnel.
Contexte Historique
Venini, l’entreprise de verre italienne de renommée mondiale, remonte à 1921. Elle fut fondée par Paolo Venini, un avocat milanais, et Giacomo Cappellin, un antiquaire vénitien. Leur collaboration initiale donna naissance à la fabrique de verre Cappellin Venini & C. sur l’île de Murano, sous la direction artistique de Vittorio Zecchin. L’entreprise se spécialisa d’abord dans la production de gobelets, cruches, et vases de style Renaissance.
Évolution et Innovations
En 1925, après une séparation entre les fondateurs, Paolo Venini créa la Vetri Soffiati Muranesi Venini & C., avec Napoleone Martinuzzi comme directeur artistique. Venini devint rapidement un symbole de l’art du verre coloré et des éclairages contemporains. De 1927 à 1932, Venini explora de nouvelles techniques comme le pasta vitrea (verre opaque), le vetro incamiciato (verre feuilleté), et le vetro pulegoso (verre bulle), innovant ainsi des formes très expérimentales pour l’époque.
Expositions et Collaborations
La renommée de Venini grandit grâce à des expositions dans des foires nationales, notamment la Biennale de Venise et la Triennale de Milan. Des collaborations avec des designers de renom comme Gio Ponti, Pietro Chiesa et Emilio Lancia permirent à Venini de promouvoir le design moderne à travers l’association Il Labirinto.
Influence de Carlo Scarpa
En 1932, la direction artistique fut confiée aux architectes Tomaso Buzzi et Carlo Scarpa, qui apportèrent une vision moderniste passionnante. Scarpa, en particulier, se concentra sur l’interaction de la lumière avec le verre, développant des techniques novatrices telles que le battuto (verre battu), le tessuto (verre à lignes), le granulare (verre à petites granules), et le murina (verre à motifs).
Après la Seconde Guerre Mondiale
Venini continua de collaborer avec des designers de renom tels que BBPR, Fulvio Bianconi, Roberto Menghi, Tobia Scarpa, Massimo Vignelli, et Tapio Wirkkala. Après la mort de Paolo Venini en 1959, son entreprise fut dirigée par son gendre Ludovico Diaz De Santillan, puis par sa fille Laura dans les années 1970.
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Joseph d’Aste, superbe statue de l’enfant Bacchus en marbre blanc
2200,00 €Une Œuvre Magnifique : L’Enfant Bacchus de Joseph d’Aste
Introduction
La sculpture de l’Enfant Bacchus, une œuvre en marbre blanc signée par Joseph d’Aste, est une pièce exceptionnelle qui attire l’œil par sa beauté et sa finesse. Né en 1181 et décédé en 1945, d’Aste a laissé derrière lui un héritage artistique impressionnant, et cette sculpture en est un témoignage remarquable. Haute de 51 cm, elle repose sur un socle aux teintes éclatantes de jaune, bordeaux et blanc, ajoutant une touche de vivacité et de contraste à la pureté du marbre.
Description de l’Œuvre
La sculpture représente Bacchus enfant, le dieu romain du vin et des festivités, avec une expressivité et une vivacité qui captivent immédiatement l’observateur. Dans une main, l’enfant Bacchus tient une coupe, symbole de célébration et de délices dionysiaques. Dans l’autre main, il tient son vêtement délicatement drapé, qui porte une grappe de raisin, emblème de l’abondance et de la fertilité.
Détails du Socle
Le socle de la sculpture, avec ses couleurs mouchetées de jaune, de bordeaux et de blanc, offre un contraste saisissant avec le marbre blanc immaculé de la statue. Les nuances vives du socle rehaussent l’éclat et la délicatesse de la figure en marbre, tout en apportant une dimension supplémentaire à l’ensemble de l’œuvre. Cette base soigneusement choisie et colorée semble souligner l’importance de la sculpture tout en la mettant subtilement en valeur.
Expression et Posture
L’expression du jeune Bacchus est d’une douceur et d’une innocence désarmantes, capturant parfaitement la joie insouciante de l’enfance divine. Sa posture, à la fois gracieuse et naturelle, témoigne de la maîtrise de d’Aste dans le rendu des formes humaines et de la vitalité. Chaque détail, des boucles de ses cheveux aux plis de son vêtement, est exécuté avec une précision minutieuse, révélant le talent exceptionnel de l’artiste.
Signification Symbolique
L’Enfant Bacchus, tenant une coupe et des raisins, symbolise la jeunesse, la vitalité et l’abondance. Cette représentation d’un dieu souvent associé à l’excès et à la joie de vivre, mais ici en version enfantine, offre une interprétation fraîche et touchante de la mythologie classique. Elle rappelle également l’importance de la nature et des cycles de croissance, des thèmes chers à d’Aste et souvent présents dans ses œuvres.
L’Héritage de Joseph d’Aste
Joseph d’Aste, dont la vie s’étend sur plusieurs siècles, a su marier tradition et innovation dans ses créations.
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Superbe présentoir de magasin, marque Siegel à Paris en laiton
Voici une magnifique et rare pièce d’antiquité : un présentoir de magasin en laiton datant d’environ 1925. Ce présentoir, signé par la prestigieuse maison Siegel Paris, est une véritable œuvre d’art qui se distingue par son design raffiné et son allure sophistiquée. Siegel Paris, connue pour son savoir-faire exceptionnel en matière de mobilier de luxe, a produit ce modèle unique qui est devenu aujourd’hui une rareté très prisée sur le marché des antiquités.
Ce présentoir se compose de trois étagères en verre biseauté, chacune soigneusement façonnée pour offrir non seulement une fonction pratique, mais également une esthétique élégante. Le verre biseauté ajoute une touche de raffinement et de brillance qui capte et reflète la lumière, créant ainsi une présentation visuelle attrayante pour les objets exposés. Les étagères sont réglables à la fois horizontalement et verticalement, offrant une flexibilité maximale pour l’affichage de divers articles de différentes tailles et formes.
Les dimensions du présentoir sont impressionnantes avec une hauteur totale de 118 cm, ce qui en fait une pièce de choix pour tout espace de vente cherchant à attirer l’attention. Sa taille imposante permet d’exposer une variété d’objets de manière élégante et organisée, tout en conservant une empreinte relativement compacte qui s’intègre facilement dans divers environnements.
Le cadre en laiton de ce présentoir est un véritable chef-d’œuvre de fabrication. Le laiton, connu pour sa durabilité et sa résistance à la corrosion, confère à la structure une longévité exceptionnelle tout en ajoutant une touche de luxe. La finition en laiton poli donne au présentoir une allure éclatante et attrayante qui s’harmonise parfaitement avec les étagères en verre.
Le piétement tripode est une caractéristique distinctive de ce présentoir, non seulement pour sa contribution à la stabilité de l’ensemble, mais aussi pour son design unique et élégant. Ce type de piétement est à la fois fonctionnel et décoratif, apportant une touche de sophistication supplémentaire à l’ensemble de la structure. La conception tripode assure une base solide et équilibrée, garantissant que le présentoir reste stable même lorsqu’il est chargé d’objets.
Le nom Siegel Paris est gravé sur ce présentoir, signe de son authenticité et de sa qualité supérieure. La maison Siegel Paris a une réputation bien établie pour la création de mobilier de luxe, et ce présentoir ne fait pas exception.
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Ensemble de luminaires par Flam & Luce pour Roche Bobois vers 1960
1600,00 €Présentation d’un Ensemble de Luminaires Flam & Luce pour Roche Bobois
L’ensemble de luminaires que nous avons ici comprend un grand lampadaire et une paire de lampes, conçus par Flam & Luce pour la prestigieuse marque Roche Bobois. Datant probablement des années 1960-1970, ces pièces se distinguent par un design sophistiqué et l’utilisation de matériaux de haute qualité, typiques de l’époque.
Description des Pièces :
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Grand Lampadaire :
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Matériaux : Le pied du lampadaire est fabriqué en bois exotique, peut-être du palissandre, un matériau apprécié pour sa durabilité et son allure luxueuse. Ce bois confère au lampadaire une présence imposante et élégante.
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Abat-jour : L’abat-jour en tissu écru, de forme trapézoïdale, diffuse une lumière douce et agréable, créant une ambiance chaleureuse et invitante. Le contraste entre le bois sombre et le tissu clair accentue l’aspect raffiné du design.
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Dimensions : Ce lampadaire de grande taille attire immédiatement l’attention, devenant un point focal dans n’importe quelle pièce. Sa hauteur impressionnante et sa silhouette élancée ajoutent une touche de grandeur et de modernité.
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Paire de Lampes :
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Matériaux : Les pieds des deux lampes sont également en bois exotique, assurant une continuité esthétique avec le lampadaire. Le choix de ce matériau reflète l’importance accordée à la qualité et à la durabilité.
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Abat-jour : Les abat-jours en tissu écru, similaires à ceux du lampadaire, garantissent une diffusion uniforme de la lumière, créant une ambiance cohérente et harmonieuse dans la pièce. La forme géométrique des abat-jours ajoute une touche de modernité.
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Dimensions : Ces lampes, de taille plus modeste que le lampadaire, sont idéales pour une utilisation sur des tables de chevet, des buffets ou des bureaux. Leur design compact et élégant les rend polyvalentes et faciles à intégrer dans divers espaces.
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Caractéristiques Distinctives
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Style Vintage : L’ensemble reflète parfaitement l’esthétique des années 60 et 70, une période marquée par une exploration audacieuse des formes et des matériaux. Les lignes géométriques et l’utilisation de bois exotique sont caractéristiques de cette époque.
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Qualité de Fabrication : La collaboration entre Flam & Luce et Roche Bobois est synonyme de qualité exceptionnelle. Les matériaux soigneusement sélectionnés et la précision dans la fabrication témoignent du savoir-faire artisanal.
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État de Conservation : Malgré leur âge, ces luminaires semblent avoir été bien entretenus. Leur état de conservation exceptionnel en fait des objets de collection prisés, capables d’ajouter une valeur esthétique et historique à tout intérieur.
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Marque Réputée : Roche Bobois est une marque emblématique dans le domaine du design d’intérieur. Posséder des pièces de cette marque, en particulier celles issues de collaborations avec des designers renommés comme Flam & Luce, est un gage de sophistication et de bon goût.
Utilisation et Intégration
Cet ensemble de luminaires est idéal pour les amateurs de design vintage et les collectionneurs. Il peut être intégré dans divers styles de décoration intérieure, du moderne au classique, en passant par l’éclectique. Voici quelques suggestions d’intégration :
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Salon : Le grand lampadaire peut être placé dans un coin de salon, à côté d’un canapé ou d’un fauteuil, pour créer un coin lecture élégant et lumineux. Les petites lampes peuvent être disposées sur des tables d’appoint pour un éclairage d’ambiance subtil.
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Œuvre de Gérard Dechamps, peinture technique de cousage et craie
750,00 €Présentation de l’œuvre de Gérard Deschamps
Né en 1937 à Lyon, Gérard Deschamps est un artiste phare du mouvement du Nouveau Réalisme, célèbre pour ses panoplies qui marient objets du quotidien et expressions artistiques. Le Nouveau Réalisme, apparu à la fin des années 1950 en pleine période d’après-guerre, a été l’un des premiers mouvements qualifiés de « contemporain » dans le panorama artistique français. Les artistes de ce courant se sont distingués par leur utilisation innovante d’objets trouvés, qu’ils intégraient dans leurs œuvres pour incarner les réalités de la société de consommation.
L’œuvre de Deschamps que nous présentons ici est datée de 1981. Elle est emblématique du Nouveau Réalisme par son approche matérielle et conceptuelle. Il s’agit d’une peinture réalisée à partir de cousage et de craie, mesurant 60 x 60 cm avec son encadrement. Cette œuvre s’inscrit dans une période de transition pour l’artiste, qui, depuis le milieu des années 1980, a exploré de nouvelles directions en incorporant des couleurs fluorescentes et des textures innovantes dans ses panoplies. Il s’est intéressé à des thèmes modernes tels que le surf et les ballons de plage, enrichissant ainsi son répertoire visuel.
Deschamps est notamment reconnu pour ses « pneumostructures » plus récentes, qui continuent de repousser les limites de son art en jouant avec les formes et les matériaux de manière audacieuse et créative. Cependant, cette œuvre de 1981 se situe juste avant cette période de transformation, offrant un aperçu fascinant de son travail antérieur tout en préfigurant ses expérimentations futures.
Le Nouveau Réalisme, tel que théorisé par Raymond Hains, se caractérise par l’utilisation d’objets de consommation courante, lesquels sont réappropriés par les artistes pour créer des œuvres d’art qui interrogent et reflètent les réalités sociales et économiques de leur époque. Dans cette œuvre, Deschamps utilise la technique de cousage, qui implique l’assemblage de divers matériaux textiles. L’utilisation de la craie, quant à elle, introduit une dimension éphémère et tactile, contrastant avec la permanence des matériaux cousus.
L’approche de Deschamps se distingue par son habileté à transformer des objets ordinaires en artefacts artistiques chargés de signification. Chaque élément de l’œuvre, qu’il s’agisse des matériaux textiles ou de la craie, est choisi pour sa capacité à évoquer des aspects spécifiques de la culture contemporaine et de la société de consommation. Par cette technique, Deschamps ne se contente pas de représenter le réel ; il l’incarne et le transcende, offrant au spectateur une nouvelle manière de voir et de comprendre le monde qui l’entoure.
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Table de Salle à Manger des Années 1930, rallonges à systèmes
450,00 €Présentation d’une Table de Salle à Manger des Années 1930
Description Générale
Cette table de salle à manger, datant des années 1930, est une pièce exemplaire du style Art Déco. Probablement réalisée en frêne, elle incarne l’élégance et la sophistication de cette période, se distinguant par son design raffiné et ses fonctionnalités ingénieuses. Avec ses deux rallonges à chaque extrémité, cette table offre une grande flexibilité pour accueillir plus de convives, tout en maintenant une esthétique cohérente et élégante.
Matériaux et Construction
Le frêne, connu pour sa robustesse et son grain distinct, a été choisi pour la fabrication de cette table, conférant à la pièce une durabilité remarquable et une beauté naturelle. Le plateau est orné d’un décor de damier, un motif typique de l’Art Déco, apportant une touche de sophistication et de modernité. Ce motif géométrique est non seulement esthétiquement plaisant mais aussi emblématique de l’ère, rappelant l’influence des mouvements artistiques contemporains tels que le Cubisme.
Fonctionnalité et Ingéniosité
L’une des caractéristiques les plus remarquables de cette table est son système de rallonges. Les deux rallonges, situées à chaque extrémité, sont des abattants qui se replient discrètement sous le plateau principal grâce à un ingénieux système de charnières. Ce mécanisme permet une manipulation facile et rapide, transformant la table d’une taille compacte à une grande surface de réception en quelques mouvements simples. Lorsqu’elles ne sont pas utilisées, les rallonges se replient harmonieusement, ne perturbant en rien l’esthétique globale de la table.
Design et Influence
Le piétement de la table rappelle le style de Jules Leleu, un designer de renom de l’époque, connu pour ses créations élégantes et ses lignes épurées. Les pieds de cette table, solides et finement travaillés, ajoutent une stabilité remarquable tout en conservant une légèreté visuelle. Leur design reflète une attention particulière aux détails et une maîtrise artisanale exceptionnelle, caractéristiques typiques des œuvres de Leleu.
Contexte Historique et Esthétique
Le style Art Déco, prédominant dans les années 1930, se caractérise par ses formes géométriques, ses motifs audacieux et son utilisation de matériaux luxueux. Cette table incarne parfaitement ces éléments, combinant esthétique et fonctionnalité de manière harmonieuse. L’utilisation du frêne et du décor de damier souligne l’importance de la qualité des matériaux et de l’innovation dans le design de mobilier de cette époque.
Les années 1930 furent une période de transition et de modernisation dans le design, où les influences du mouvement moderne se mêlaient aux traditions artisanales. Cette table de salle à manger reflète cette dualité, mêlant l’élégance intemporelle du bois et du travail artisanal à des solutions pratiques et modernes pour répondre aux besoins changeants des foyers de l’époque.
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Imposante sculpture du faucon Horus des année 1950
650,00 €La grande sculpture en question est un moulage en plâtre réalisé vers 1950, représentant le faucon Horus avec une patine blanche et un aspect géométrique prononcé. Ce type de sculpture était probablement vendu à la sortie du Louvre dans les années 50, témoignant de l’intérêt grandissant pour l’art et la culture de l’Égypte ancienne en Europe à cette époque.
Le faucon Horus, divinité majeure dans la mythologie égyptienne, symbolise le pouvoir royal et la protection divine. Souvent représenté sous la forme d’un faucon ou d’un homme à tête de faucon, Horus est le fils d’Osiris et d’Isis, et est connu pour avoir vaincu Seth, l’usurpateur du trône. Dans cette œuvre, les formes géométriques et la patine blanche apportent une dimension moderne tout en respectant les canons esthétiques de l’art égyptien traditionnel. Les traits stylisés et épurés reflètent une interprétation contemporaine, adaptée aux goûts artistiques de l’après-guerre.
La sculpture, mesurant 57 cm de hauteur, impressionne par sa présence imposante et sa qualité de réalisation. Le plâtre, matériau choisi pour cette sculpture, confère à l’œuvre une certaine lourdeur et robustesse, accentuant son caractère monumental malgré une taille relativement modeste. La patine blanche, soigneusement appliquée, donne à la sculpture une apparence de pierre, renforçant l’illusion d’une œuvre ancienne et noble.
Dans les années 50, les moulages en plâtre étaient populaires comme souvenirs, permettant aux amateurs d’art de posséder une réplique d’œuvres emblématiques. Les visiteurs du Louvre, séduits par les trésors égyptiens exposés, pouvaient ainsi emporter chez eux une pièce rappelant leur visite. Ce faucon Horus, par sa qualité et son esthétique, aurait été un choix prisé.
La qualité de cette sculpture réside non seulement dans son matériau et sa patine, mais aussi dans la précision de ses détails. Les lignes nettes et les angles précis montrent une maîtrise technique remarquable. Le poids de la sculpture, dû au plâtre dense, ajoute une sensation de solidité et de permanence, contrastant avec la fragilité apparente du plâtre.
L’intérêt pour l’Égypte ancienne dans les années 50 était en grande partie stimulé par les découvertes archéologiques et les expositions muséales. Le Louvre, avec ses collections riches et variées, jouait un rôle clé dans la diffusion de cette passion. Les sculptures comme ce faucon Horus permettaient de démocratiser l’accès à l’art égyptien, rendant les symboles et les histoires de cette civilisation millénaire accessibles à un public plus large.
Aujourd’hui, cette sculpture en plâtre du faucon Horus reste un témoignage fascinant de cette époque. Elle incarne à la fois une admiration pour l’art ancien et une interprétation moderne de ses formes.
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Magnifique vase en porcelaine de Sèvres par Charles Fritz
Présentation d’un Vase Exceptionnel : Chef-d’œuvre Art Déco de Charles Fritz
Nous avons le plaisir de vous présenter un magnifique vase en porcelaine, un véritable joyau de l’époque Art Déco. Fabriqué dans les prestigieux ateliers de Sèvres en France, ce vase est une œuvre exceptionnelle de Charles Fritz, célèbre pour ses créations raffinées et son talent incomparable. Signé des initiales « CF » et daté de 1925, ce vase incarne parfaitement l’élégance et le style distinctif de cette période artistique.
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Belle pendule cage de style Empire, Chardon à Paris
Pendule de Style Empire et Napoléon III
Élégance et Luminosité : Un Héritage du XXe Siècle
Cette pendule élégante et lumineuse incarne l’excellence du style Empire et Napoléon III, combinant sophistication et artisanat de haute qualité. Conçue au XXe siècle, elle est un témoignage raffiné de l’art horloger et de la décoration d’intérieur inspirée par les époques glorieuses de l’histoire française.
Architecture et Design
La structure de la pendule est remarquable, constituée d’une cage en laiton doré qui encadre avec élégance quatre surfaces vitrées. Les vitres, en verre épais et finement biseauté, ajoutent une touche de brillance et de transparence, permettant une vue claire sur le mécanisme interne. Cette conception assure non seulement une protection optimale, mais également une présentation esthétique de l’horloge. Les deux portes, situées à l’avant et à l’arrière, offrent un accès facile pour les réglages et l’entretien, tout en préservant la symétrie et l’harmonie visuelle.
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Superbe cache pot ancien en grès vernissé XIXe siècle, décor de Chilongs et Lohans
Le cache-pot en porcelaine de Chine datant du XIXe siècle que vous présentez est une pièce remarquable qui incarne la richesse de l’art céramique chinois de cette époque. Avec ses dimensions précises de 20 cm de hauteur, 28 cm de diamètre à la panse, et 14 cm de diamètre au col, cette œuvre présente une silhouette harmonieuse et bien proportionnée, propice à la contemplation et à l’appréciation de ses détails décoratifs sophistiqués.
L’élément central du décor est constitué de huit Lohans, figures vénérées dans la tradition bouddhiste chinoise. Les Lohans, ou Arhats en sanskrit, sont des disciples de Bouddha ayant atteint l’illumination. Ils sont souvent représentés dans l’art chinois comme des figures ascétiques, aux expressions empreintes de sagesse et de tranquillité. Sur ce cache-pot, chaque Lohan est finement détaillé, illustrant des postures méditatives ou engageant des gestes symboliques, mettant en évidence la maîtrise technique et artistique des artisans de l’époque.
Le fond bleu sur lequel les Lohans se détachent ajoute une profondeur et une richesse visuelle à l’ensemble. Le bleu, souvent associé à la noblesse et à la spiritualité en Chine, crée un contraste saisissant avec les figures des Lohans, qui semblent presque émaner de la surface du pot. Cette couleur, obtenue à partir de cobalt, était très prisée et souvent réservée aux pièces de haute qualité.
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Important aquarium ancien en porcelaine de Chine, vers 1900, décor de dragon à griffes
Vase en Porcelaine de Chine, Époque 1900
Description Générale
Ce vase ou aquarium ancien en porcelaine de Chine, datant de l’époque vers 1900, est une pièce remarquable et imposante par ses dimensions et son ornementation. Il se distingue par son décor somptueux de dragons et de nuages, un thème récurrent dans l’art chinois, symbolisant le pouvoir, la force et la chance.
Dimensions et Proportions
Ce vase mesure 35 cm de hauteur, une taille considérable qui en fait un élément central dans une collection ou une décoration intérieure. La panse du vase a un diamètre impressionnant de 44 cm, ce qui lui confère une présence imposante et élégante. Le col, légèrement plus étroit avec un diamètre de 41,5 cm, harmonise les proportions de l’ensemble et met en valeur le travail de décoration.
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Art d’Asie, imposant vase de Thianqung, en porcelaine de Chine, époque XXe
Description et Caractéristiques
Ce vase en porcelaine de Chine Thianqung, daté du XXe siècle, est une pièce exceptionnelle tant par sa taille que par la qualité de son décor. D’une hauteur impressionnante de 63 cm et d’un diamètre de panse de 41 cm, ce vase se distingue par ses proportions généreuses et son allure majestueuse.
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Lampe contemporaine en laiton massif patiné, décor femme drapée, obus en pâte de verre Tief
La lampe contemporaine en laiton massif patiné qui se dresse avec une élégance intemporelle est bien plus qu’un simple luminaire; c’est une œuvre d’art captivante qui fusionne la fonctionnalité et l’esthétique avec une harmonie envoutante. À première vue, elle intrigue par son allure délicate, mais au fur et à mesure que l’on s’en approche, son charme se révèle de plus en plus captivant.
Le laiton massif, choisi comme matériau principal, offre une base solide et luxueuse à cette pièce. Sa patine subtile confère une profondeur et une richesse supplémentaires à la structure, évoquant le passage du temps et l’authenticité de son artisanat. Chaque détail, chaque courbe, semble avoir été méticuleusement pensé et exécuté, témoignant du savoir-faire exceptionnel de son créateur.
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Lampe champignon contemporaine en pâte de verre jaune nuancé ambre, Hauteur 58 cm
280,00 €La lampe champignon contemporaine en pâte de verre jaune nuancé ambre est une œuvre d’art à la fois fonctionnelle et esthétique, captivant le regard avec son éclat chaleureux et sa forme organique. Du haut de ses 58 cm, elle se dresse majestueusement, éclairant l’espace qui l’entoure de sa lumière douce et envoûtante.
Fabriquée avec expertise et souci du détail, cette lampe est le fruit d’un travail minutieux de manipulation de la pâte de verre, un matériau réputé pour sa beauté et sa versatilité. La couleur jaune nuancé ambre confère à cette pièce une aura de sophistication et de raffinement, évoquant les teintes chaleureuses d’un coucher de soleil d’été.
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Lampe champignon contemporaine, piétement fer forgé et obus en verre orange nuancé de bleu dans le style art déco
280,00 €Dans le monde du design luminaire contemporain, la lampe champignon de style art déco est une pièce à la fois emblématique et intemporelle. Avec son piétement en fer forgé délicatement orné de motifs floraux et son obus en verre orange nuancé de bleu, elle incarne à la fois l’élégance rétro et la modernité audacieuse.
L’art déco, mouvement artistique né dans les années 1920, est célèbre pour son mariage harmonieux entre formes géométriques, motifs floraux et matériaux luxueux. Cette lampe champignon contemporaine capture parfaitement l’esprit de cette époque faste, tout en apportant une touche de fraîcheur et d’originalité.
Le piétement en fer forgé de la lampe est une œuvre d’art à part entière. Sculpté avec finesse, il présente des motifs de roses et de feuillages qui évoquent la nature dans toute sa splendeur. La couleur noire du fer forgé contraste magnifiquement avec l’obus en verre, créant un équilibre visuel saisissant.
L’obus en verre est le cœur de la lampe champignon. Avec un diamètre de 23 cm, il offre un espace généreux pour diffuser une lumière douce et chaleureuse. La nuance orange nuancée de bleu crée un effet de dégradé subtil, ajoutant une dimension artistique à l’éclairage ambiant.
La signature de Tief, célèbre designer contemporain, apposée sur cette lampe champignon, témoigne de son excellence et de son savoir-faire. Tief est reconnu dans le monde entier pour ses créations innovantes et son sens unique du style. Cette lampe ne fait pas exception, elle est le fruit d’une collaboration entre tradition et modernité, entre artisanat et technologie.
Avec une hauteur de 50 cm, cette lampe champignon est parfaitement proportionnée pour s’intégrer dans n’importe quel espace.
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Lampe champignon contemporaine, piétement fer forgé et obus en verre orange nuancé
280,00 €La lampe champignon contemporaine, avec son mariage harmonieux entre éléments artistiques et fonctionnels, incarne à merveille l’esthétique raffinée de l’Art Déco. À première vue, elle évoque une époque de glamour et d’innovation, tout en s’intégrant parfaitement dans les intérieurs modernes et élégants.
Le contraste saisissant entre le piétement en fer forgé et l’obus en verre orange nuancé de bleu crée une dynamique visuelle captivante. Le piétement, d’une hauteur de 46 cm, est travaillé avec une finesse remarquable, orné de motifs floraux inspirés de la nature. Les roses et les feuillages en tôle, peints en noir profond, ajoutent une touche d’élégance et de romantisme à la structure, tout en soulignant l’artisanat exceptionnel qui a présidé à sa conception.
L’obus en verre, d’un diamètre généreux de 29 cm, est le joyau de cette lampe. Sa teinte orange nuancée de bleu rappelle les cieux crépusculaires d’une soirée d’été, évoquant des sensations de chaleur et de sérénité. La combinaison de ces couleurs crée une ambiance chaleureuse et accueillante, parfaite pour éclairer et décorer tout espace de vie.
L’aspect fonctionnel de cette lampe n’est pas en reste. Son design champignon offre une diffusion de la lumière douce et homogène, idéale pour créer une atmosphère intimiste et relaxante. Que ce soit dans un salon, une chambre à coucher ou un bureau, cette lampe saura apporter une touche de sophistication à n’importe quel décor.
En plus de son esthétique remarquable, cette lampe champignon contemporaine témoigne d’une qualité de fabrication irréprochable. Chaque détail a été soigneusement pensé et réalisé pour garantir une durabilité et une fiabilité à toute épreuve.
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Lampe champignon contemporaine en verre transparent à décor craquelé
280,00 €La lampe champignon contemporaine en verre transparent à décor craquelé et bullé est une pièce d’éclairage qui fusionne l’esthétique moderne avec une touche organique et artistique. Avec une hauteur impressionnante de 43 cm et un diamètre d’obus de 31 cm, cette lampe se démarque par sa présence imposante et son design captivant.
Dès le premier regard, le verre transparent de haute qualité attire l’attention, permettant une vue claire de l’intérieur de la lampe. Ce matériau offre une transparence qui donne à la lampe une légèreté visuelle, tout en ajoutant une profondeur et une brillance à son apparence globale. La texture craquelée et bullée ajoute une dimension supplémentaire à cette pièce, créant un jeu de lumière fascinant lorsque la lampe est allumée.
Le design en forme de champignon de cette lampe est à la fois élégant et ludique. Inspirée par la nature, sa silhouette évoque la douce courbure d’un champignon, apportant une touche d’originalité à tout espace de vie. Cette forme organique contraste magnifiquement avec les lignes épurées et contemporaines du reste de la lampe, créant un équilibre harmonieux entre tradition et modernité.
L’éclairage de cette lampe est également remarquable. Grâce à sa conception en verre transparent, la lumière est diffusée de manière douce et uniforme dans toute la pièce, créant une ambiance chaleureuse et accueillante. Que ce soit utilisée comme source lumineuse principale dans un salon ou comme lampe d’appoint dans une chambre, cette lampe champignon contemporaine ajoute une touche de sophistication à tout intérieur.
La taille généreuse de cette lampe en fait un point focal instantané dans n’importe quelle pièce. Que ce soit sur une table d’appoint dans le salon, sur une commode dans la chambre à coucher ou même sur un bureau dans un bureau, cette lampe ne passe pas inaperçue. Son design unique et son éclat subtil en font une pièce de conversation qui attire le regard et suscite l’admiration.
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Lampe champignon en pâte de verre signé Tief, sur fond orange nuancé de bleu, Hauteur 60 cm
La lampe champignon est une pièce d’art et d’éclairage qui fusionne l’esthétique contemporaine avec la tradition artisanale. Fabriquée à partir de pâte de verre, elle incarne l’élégance et l’innovation, tout en conservant un lien profond avec le savoir-faire ancestral du travail du verre. Signée par le renommé artiste Tief, cette lampe transcende les frontières entre l’art et la fonctionnalité, offrant une expérience visuelle et lumineuse unique.
L’œuvre se présente sur un fond orange nuancé de bleu, une combinaison de couleurs qui évoque à la fois la chaleur et la fraîcheur, la lumière du soleil couchant se mêlant aux nuances apaisantes de l’océan. Cette palette chromatique ajoute une dimension de dynamisme et de vitalité à l’ensemble, capturant l’attention et invitant à la contemplation.
La lampe mesure une hauteur imposante de 60 centimètres, lui conférant une présence majestueuse qui domine l’espace environnant. Son obus, avec un diamètre de 35 centimètres, évoque la forme d’un champignon, suggérant la croissance organique et la nature éphémère de la beauté. Cette forme distinctive crée une esthétique envoûtante qui capte la lumière de manière unique, projetant des ombres douces et évocatrices dans son environnement.
Le piétement de la lampe, avec un diamètre de 23 centimètres, offre un équilibre visuel parfait à l’ensemble, ancrant l’œuvre avec élégance et stabilité. Sa conception délicate et épurée complète harmonieusement la silhouette audacieuse de l’obus, créant ainsi une union parfaite entre fonctionnalité et beauté artistique.
Chaque détail de cette lampe révèle le dévouement et le talent de l’artiste. La texture subtile de la pâte de verre, avec ses variations délicates et ses imperfections délibérées, témoigne du processus artisanal complexe qui a donné naissance à cette œuvre d’art.
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lustre contemporain de Tief en bronze massif et en cristaux de verre
Le lustre en bronze massif doré et cristaux de verre que je vais vous présenter est bien plus qu’un simple luminaire. C’est une œuvre d’art contemporaine qui fusionne habilement tradition et modernité, offrant à la fois une esthétique luxueuse et une fonctionnalité remarquable.
Chaque détail de ce lustre témoigne du savoir-faire exceptionnel de ses créateurs. Commençons par sa structure en bronze massif doré, qui lui confère une allure majestueuse et intemporelle. Le bronze, métal noble par excellence, est travaillé avec une précision méticuleuse pour créer des formes élégantes et des finitions impeccables.
Les cristaux de verre ajoutent une dimension de luxe supplémentaire à ce lustre. Chaque cristal est sélectionné avec soin pour sa clarté et sa brillance, puis taillé et poli à la perfection. Les fleurs de verre, assemblées à la main, apportent une touche de délicatesse et de raffinement, créant un contraste saisissant avec la robustesse du bronze.
Ce lustre se distingue également par son design contemporain et innovant. Contrairement aux lustres traditionnels, celui-ci éclaire par plusieurs points, grâce à ses quatre bras ornés de boules en verre. Cette disposition permet une répartition uniforme de la lumière dans la pièce, créant une atmosphère chaleureuse et accueillante.
Le modèle Veronese, du nom du célèbre sculpteur italien du XVIe siècle, est une véritable ode à l’élégance et à la sophistication. Avec ses dimensions imposantes – 70 cm de hauteur et 60 cm de largeur – ce lustre ne passe pas inaperçu et devient rapidement le point focal de n’importe quelle pièce.
En termes de fonctionnalité, ce lustre est équipé de douze ampoules de 25 watts, offrant un éclairage doux et agréable. Que ce soit dans un salon, une salle à manger ou même un hall d’entrée, ce lustre apporte une touche d’éclat et de glamour à tout environnement.
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Belle et grande lampe champignon en pâte de verre Gallé contemporain
La lampe champignon à poser contemporaine que je vais vous présenter est véritablement une pièce remarquable. Avec une hauteur imposante de 63 cm et un diamètre de l’obus atteignant 36 cm, elle ne passe pas inaperçue. Mais ce qui la distingue vraiment, c’est son design exceptionnel et son exécution méticuleuse.
Dès le premier regard, on est captivé par le décor enchanteur qui enveloppe la lampe. Un paysage de montagne, réalisé en multicouche de pâte de verre, s’étend sur sa surface. Chaque détail est finement travaillé, chaque nuance capturant la beauté des reliefs et des nuances de la nature. C’est comme si l’on pouvait presque sentir l’air frais des sommets et entendre le murmure des ruisseaux. Cette représentation artistique transporte le spectateur dans un monde de poésie et de contemplation.
Une caractéristique qui ne passe pas inaperçue est la signature discrète mais significative qui orne cette lampe. Elle ajoute une touche de valeur à cette pièce déjà remarquable.
Ce qui rend cette lampe encore plus spéciale, c’est son harmonie avec le style et l’esthétique d’Émile Gallé, le célèbre maître verrier et designer français. Les lignes élégantes, les motifs floraux délicats et l’utilisation judicieuse de la pâte de verre rappellent incontestablement l’influence de ce grand artiste. Cela confère à la lampe une aura de sophistication et de raffinement même avec son petit défaut de cuisson qui se trouve a son pied, tout en lui rendant hommage à travers un style intemporel.
Ce modèle incarne l’essence même de l’artisanat d’art. Chaque aspect, de sa conception à sa réalisation, est le fruit d’un travail méticuleux et passionné. Chaque couche de verre est soigneusement superposée pour créer une profondeur et une texture uniques. Chaque nuance est choisie avec précision pour capturer l’atmosphère et l’émotion du paysage représenté. Le résultat final est une œuvre d’art fonctionnelle, une lampe qui éclaire non seulement l’espace, mais aussi l’âme de ceux qui la contemplent.
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Important lampe champignon à poser en pâte de verre multicouche à décor de glycine
La lampe que je m’apprête à vous présenter est bien plus qu’un simple luminaire. Elle incarne l’essence même de l’art et du design contemporain, tout en rendant hommage à l’esthétique intemporelle et raffinée qui a marqué l’histoire de l’art décoratif. Avec ses dimensions imposantes, une hauteur de 80 cm et un diamètre d’obus de 45 cm, elle occupe l’espace avec une présence majestueuse, captant immédiatement l’attention de quiconque pose les yeux sur elle.
Ce qui distingue cette lampe, c’est son caractère exceptionnel, façonné par des mains expertes et imprégné d’une sensibilité artistique unique. Son décor de glycines, réalisé en multicouche et en pâte de verre, est une véritable œuvre d’art en soi. Chaque détail est méticuleusement travaillé pour capturer la beauté délicate de ces fleurs grimpantes, offrant une profondeur visuelle et une richesse de nuances qui évoquent la sensation de se promener dans un jardin en fleurs.
La lampe porte fièrement une signature, un témoignage de son origine. Cette signature évoque irrésistiblement le nom d’Emile Gallé, le maître verrier français dont le travail a marqué l’ère de l’Art Nouveau. L’influence de Gallé est palpable dans chaque courbe gracieuse, dans chaque détail minutieux de cette pièce, rappelant les chefs-d’œuvre intemporels créés par le célèbre artiste.
Ce modèle est bien plus qu’un simple luminaire. C’est une pièce de collection rare, un trésor convoité par les connaisseurs et les amateurs d’art du monde entier. Sa rareté réside non seulement dans son design exceptionnel, mais aussi dans sa capacité à transcender les époques, à rester pertinente et captivante pour les générations futures.
Lorsque cette lampe est allumée, elle crée une ambiance enchanteresse, diffusant une lumière douce et chaleureuse qui baigne son environnement dans une aura de beauté et de mystère.
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Lampe à poser contemporaine, piétement bronze et abat jour pâte de verre
La lampe à poser contemporaine que nous avons sous les yeux est bien plus qu’un simple luminaire fonctionnel ; elle incarne l’élégance, le raffinement et l’art du design. Avec une monture en bronze doré, cette pièce évoque à la fois le classicisme intemporel et une touche de modernité subtile. D’une hauteur de 54 cm, elle domine avec présence et assurance tout en conservant une taille pratique pour s’intégrer harmonieusement dans divers environnements.
L’élément le plus remarquable de cette lampe réside dans sa base tripode, où chaque jambe est finement sculptée pour représenter une tête de lion majestueuse. Ces détails exquis ajoutent une dimension de caractère et de puissance à l’esthétique globale de la lampe, capturant l’attention et suscitant l’admiration à chaque regard.
L’abat-jour de cette lampe à poser est une œuvre d’art en soi. Délicatement orné de motifs floraux et de grappes de raisins en pâte de verre, dans une teinte mordorée subtile, il diffuse une lumière chaleureuse et tamisée, créant une atmosphère enchanteresse dans n’importe quelle pièce. La combinaison de la luminosité dorée du bronze et de la teinte riche et profonde de l’abat-jour crée un jeu subtil de lumière et d’ombre, ajoutant une dimension supplémentaire à son charme visuel.
Chaque détail de cette lampe à poser a été soigneusement pensé et exécuté avec un savoir-faire exceptionnel. Chaque courbe, chaque ligne, chaque motif témoigne du talent artisanal de ceux qui l’ont créée. Cette lampe n’est pas seulement un objet utilitaire, mais une pièce de conversation, une œuvre d’art qui attire l’attention et suscite l’admiration de tous ceux qui la contemplent.
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Lampe contemporaine de type champignon, piétement bronze, obus en verre nuancé
450,00 €La lampe à poser de type champignon est bien plus qu’un simple luminaire fonctionnel ; c’est une œuvre d’art à part entière qui éclaire votre espace avec élégance et style. Chaque élément de cette lampe est minutieusement conçu pour captiver l’attention et évoquer l’esthétique raffinée de l’époque Art Déco, tout en apportant une touche contemporaine à votre intérieur.
Le piétement en bronze à patine brune est le premier élément qui attire le regard. Cette matière noble confère à la lampe une robustesse intemporelle, tandis que la patine brune ajoute une profondeur subtile à sa couleur, lui conférant une aura de sophistication. Mais ce qui rend ce piétement vraiment unique, ce sont les détails exquis de fleurs stylisées qui l’ornent. Ces motifs floraux évoquent le glamour et l’opulence des années 1920 et 1930, période où l’Art Déco a prospéré, tout en offrant une touche de fraîcheur et de modernité.
L’abat-jour en verre est le complément parfait à ce piétement exquis. Fabriqué à partir de verre de qualité, cet abat-jour présente une palette de couleurs nuancées qui évoquent un coucher de soleil dans un ciel d’été. Les teintes orange et bleu se fondent harmonieusement, créant une ambiance chaleureuse et apaisante dans n’importe quelle pièce. La forme de champignon de l’abat-jour ajoute une touche ludique à l’ensemble, tout en assurant une diffusion douce et uniforme de la lumière.
Ce qui distingue cette lampe à poser, c’est son mariage harmonieux entre le passé et le présent. Bien que ses motifs et son piétement évoquent l’opulence et le glamour de l’ère Art Déco, son design global est résolument contemporain. En intégrant des éléments classiques dans un contexte moderne, cette lampe devient bien plus qu’un simple accessoire d’éclairage ; elle devient une pièce maîtresse qui enrichit votre décor et stimule les conversations.
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Une bouteille de Puligny-Montrachet, Champ Canet, château de Meursault, récolte 1997
150,00 €La bouteille de Puligny-Montrachet, Cham Canet, du Château de Meursault, récolte 1997, comte de Moucheron, en Côte d’Or, France, est bien plus qu’une simple bouteille de vin blanc. C’est une capsule temporelle, un voyage à travers les vignobles légendaires de la Bourgogne, incarnant des siècles d’histoire et d’expertise viticole.
La région de Puligny-Montrachet est réputée dans le monde entier pour ses vins blancs d’exception, et cette bouteille incarne parfaitement cet héritage. Cham Canet, provenant du prestigieux Château de Meursault, est une expression remarquable de ce terroir unique.
La récolte de 1997 a été une année mémorable en Bourgogne, marquée par des conditions climatiques idéales qui ont permis aux raisins de mûrir parfaitement, offrant une qualité exceptionnelle. Ce millésime a été célébré pour sa richesse, sa complexité et sa capacité à vieillir avec élégance, des caractéristiques que l’on retrouve sans aucun doute dans chaque gorgée de ce vin.
Dès le premier regard, cette bouteille captive avec son étiquette élégante, portant le sceau du Château de Meursault, symbole de tradition et d’excellence. Son contenu, un vin d’un jaune doré profond, scintille à la lumière, promettant une expérience sensorielle inoubliable.
Au nez, le Puligny-Montrachet, Cham Canet, révèle un bouquet envoûtant de fleurs blanches, d’agrumes et de fruits à noyau mûrs, évoquant les journées ensoleillées passées dans les vignobles bourguignons. Des notes subtiles de noisette et de beurre frais ajoutent une dimension supplémentaire, témoignant du vieillissement en fûts de chêne français.
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Une bouteille de Puligny-Montrachet, Champ Canet, château de Meursault, récolte 1997
150,00 €La bouteille que je vous décris, un Puligny-Montrachet Cham Canet du Château de Meursault, récolte 1997, est un véritable trésor du terroir français. Son étiquette évoque déjà l’histoire et la tradition profondément enracinées dans la région viticole de la Côte-d’Or, une région renommée pour ses vins d’exception.
Le Puligny-Montrachet est une appellation prestigieuse de Bourgogne, célèbre pour ses vins blancs élégants et complexes. Cham Canet est un des climats particuliers de cette appellation, offrant souvent des vins d’une grande finesse et d’une remarquable expressivité. Issu du Château de Meursault, un domaine historique jouissant d’une réputation enviable dans la région, ce vin incarne l’excellence et le savoir-faire traditionnel transmis de génération en génération.
La récolte de 1997, une année marquée par des conditions météorologiques particulières, a donné naissance à des vins singuliers, reflétant le caractère unique de ce millésime. Le comte de Moucheron, dont le nom figure sur l’étiquette, est peut-être le propriétaire ou le bienfaiteur de cette parcelle spécifique, ajoutant une touche d’histoire aristocratique à ce vin déjà empreint de noblesse.
Lorsqu’on verse ce Puligny-Montrachet dans le verre, sa couleur dorée évoque les reflets du soleil couchant sur les vignobles de la Bourgogne. Au nez, des arômes subtils de fruits blancs mûrs, de fleurs blanches et de notes boisées se mêlent harmonieusement, annonçant une expérience sensorielle riche et envoûtante.
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Une bouteille de Puligny-Montrachet, Champ Canet, château de Meursault, récolte 1997
150,00 €Le nom « Puligny-Montrachet » évoque immédiatement des images de raffinement et d’excellence dans le monde du vin. Parmi les plus prestigieuses appellations de Bourgogne, cette région est réputée pour ses vins blancs exceptionnels, et la bouteille de Puligny-Montrachet Cham Canet du Château de Meursault, récolte 1997, incarne parfaitement cet héritage viticole remarquable.
Datant de 1997, cette bouteille possède une histoire qui a mûri avec le temps, révélant les caractéristiques uniques de son millésime. Le millésime 1997 en Bourgogne a été marqué par des conditions météorologiques spécifiques, qui ont contribué à produire des vins d’une grande complexité et d’une élégance rare.
Le vignoble de Puligny-Montrachet est renommé pour ses sols calcaires et argilo-calcaires, ainsi que pour son exposition idéale au soleil, offrant des conditions optimales pour la culture du Chardonnay, cépage emblématique de la région. Ce terroir exceptionnel se reflète dans chaque gorgée de ce vin, exprimant la pureté et la finesse du terroir bourguignon.
Le nom « Cham Canet » évoque un lieu-dit spécifique ou une parcelle de vigne où les raisins sont cultivés, ajoutant une dimension supplémentaire à la signification de cette bouteille. C’est une expression unique du terroir, capturant l’essence même de Puligny-Montrachet.
Le Château de Meursault, avec son histoire riche remontant à des siècles, est un nom respecté dans le monde du vin. En tant que producteur de vins de qualité depuis des générations, le château incarne l’engagement envers l’excellence et la tradition, ce qui se traduit par chaque bouteille qui porte son étiquette.
Le comte de Moucheron, dont le nom est associé à cette bouteille, ajoute une touche d’élégance aristocratique à l’ensemble. C’est une référence à la noblesse qui a longtemps été liée au vin, renforçant le prestige de cette cuvée particulière.
En ouvrant cette bouteille de Puligny-Montrachet Cham Canet 1997, on peut s’attendre à une expérience sensorielle envoûtante. À travers sa couleur dorée et lumineuse, ses arômes envoûtants de fleurs blanches, de fruits à chair blanche mûrs et de nuances minérales, ce vin transporte celui qui le déguste dans un voyage gustatif inoubliable.
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Etagère en plâtre imitant le bois, à décor d’un bouffon du roi jouant de la musique, début XXe
L’étagère ancienne que je m’apprête à vous présenter est bien plus qu’un simple meuble. C’est un témoignage vivant d’une époque révolue, une pièce d’art à part entière qui évoque le charme et l’élégance d’un passé lointain. Imaginez-vous transporté dans les couloirs d’un château médiéval, où les fêtes et les réjouissances étaient monnaie courante, où les bouffons du roi divertissaient la cour avec leur esprit vif et leur talent musical. Cette étagère en plâtre imitant le bois, représentant un bouffon du roi jouant de la musique, est un véritable trésor artistique.
Le plâtre polychrome qui compose cette pièce lui confère une apparence presque vivante. Chaque détail, chaque pli de la tenue du bouffon, chaque note de musique gravée dans les airs semble figé dans le temps, capturant l’énergie et la jovialité de l’époque. Malgré les années qui ont passé, cette étagère est dans un bon état général, préservant ainsi son caractère authentique et sa valeur historique.
Avec ses dimensions modestes, une hauteur de 58 cm et une largeur de 38 cm, cette étagère peut facilement s’intégrer dans n’importe quel espace, qu’il s’agisse d’un salon, d’une bibliothèque ou même d’un bureau. Elle apporte une touche de raffinement et d’originalité à n’importe quelle pièce, tout en suscitant la curiosité et l’admiration de ceux qui la contemplent.
Mais au-delà de son aspect esthétique, cette étagère raconte une histoire. Elle nous rappelle une époque où l’art et la musique étaient au cœur de la vie quotidienne, où les artistes et les bouffons étaient vénérés pour leur capacité à émerveiller et à divertir. En possédant une telle pièce, vous devenez le gardien d’un morceau de passé, un lien tangible avec une époque révolue mais jamais oubliée.
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coffret en carton à décor galuchat, comprenant une carafe et 2 verres en cristal de Baccarat avec son contenue Sempé 1939
300,00 €Dans un raffinement exquis, ce coffret en carton revêt un décor galuchat, évoquant l’élégance intemporelle et la sophistication. Au sein de ce coffret, symbole de luxe et de tradition, reposent une carafe et deux verres en cristal, tous issus de la prestigieuse maison Baccarat, renommée pour son artisanat d’exception depuis des siècles.
La carafe, pièce maîtresse de cet ensemble, incarne l’harmonie parfaite entre la finesse du cristal et la sobriété du design. Ses lignes épurées captivent le regard et révèlent toute la pureté du matériau. Chaque détail, minutieusement travaillé par les artisans de Baccarat, témoigne d’un savoir-faire ancestral transmis de génération en génération. Elle offre une contenance généreuse, parfaitement adaptée pour accueillir un breuvage d’exception.
Les deux verres qui l’accompagnent sont de véritables joyaux de cristal. Leurs courbes délicates épousent parfaitement la paume de la main, offrant une expérience sensorielle incomparable à chaque dégustation. Taillés avec une précision remarquable, ils captent la lumière et révèlent toute la brillance caractéristique du cristal Baccarat. Chaque gorgée devient ainsi un moment de pur enchantement, où le plaisir des sens se marie à l’art de la dégustation.
Cependant, ce coffret témoigne également d’une histoire, celle de son contenu : l’armagnac Sempé 1939. Ce précieux liquide, chargé d’histoire et de caractère, incarne l’essence même de la tradition et de l’authenticité. Issu d’une année emblématique, il évoque des souvenirs lointains et des moments privilégiés, prêt à être partagé avec ceux qui sauront en apprécier la rareté.
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Important bague dôme en or gris formant chevalière pavé de diamants
La bague que je vais vous présenter est bien plus qu’un simple bijou ; c’est une pièce d’art exquise, un symbole de luxe et d’élégance. Fabriquée en or gris 18 carats, cette bague dôme forme une chevalière majestueuse, évoquant à la fois la tradition et la modernité.
Dès le premier regard, on est captivé par son design saisissant. Le dôme, épaillé de godrons, crée une texture riche et tactile qui attire l’œil et invite à l’exploration. Chaque détail est méticuleusement travaillé, témoignant du savoir-faire exceptionnel des artisans qui ont donné vie à cette pièce.
Ce qui rend cette bague encore plus remarquable, ce sont les 31 diamants qui ornent son dôme. Ces pierres précieuses scintillantes, d’un poids total d’environ 0,20 carats chacune, ajoutent une touche de glamour et de brillance à l’ensemble. Leur disposition soigneusement étudiée crée un jeu de lumière envoûtant, faisant de cette bague un véritable joyau.
En plus de sa beauté éblouissante, cette bague offre également un confort exceptionnel. Avec une taille de doigt de 58, elle est parfaitement ajustée pour assurer un port agréable et sécurisé.
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Masque de faune en grès émaillé polychrome, hauteur 23 cm
Le Masque de Faune en grès émaillé polychrome, d’une hauteur de 23 cm et d’une largeur de 18,5 cm, incarne une pièce d’art fascinante imprégnée de mystère et de symbolisme. Au-delà de sa simple forme, ce masque révèle une histoire complexe et intrigante à travers chaque trait minutieusement sculpté et chaque nuance de couleur vibrante.
Dès le premier regard, l’observateur est captivé par l’expression saisissante du visage. Les traits du faune, mi-humain mi-animal, sont rendus avec une maîtrise artistique remarquable. Les yeux, profonds et énigmatiques, semblent refléter les secrets de l’âme de cette créature mythique. La bouche entrouverte évoque une émotion intense, peut-être un rire malicieux ou un cri de jubilation. Chaque détail, des narines délicatement ciselées aux sourcils arqués, contribue à donner vie à cette figure mythologique.
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Paire de pots à gingembres, pots couverts en porcelaine de chine, XXe siècle
350,00 €Les pots à gingembre en porcelaine de Chine du XXe siècle sont de véritables trésors artistiques qui reflètent l’élégance et le raffinement de l’artisanat chinois. Ces pots couverts, ornés de décors en camaïeu bleu de fleurs, incarnent l’essence même de la tradition et de la finesse de la porcelaine chinoise.
La porcelaine de Chine est réputée dans le monde entier pour sa qualité exceptionnelle et son esthétique exquise. Depuis des siècles, les artisans chinois ont maîtrisé l’art subtil de la fabrication de la porcelaine, créant des pièces uniques qui allient beauté et fonctionnalité. Les pots à gingembre sont parmi les pièces les plus emblématiques de la porcelaine chinoise, utilisés à l’origine pour stocker et conserver le gingembre, une épice précieuse dans la cuisine chinoise et asiatique.
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Jolie bague de la maison Mauboussin en argent, or et diamant
La bague Mauboussin, une œuvre d’art à la fois délicate et audacieuse, incarne l’essence même de l’élégance. Forgée à partir d’un mariage harmonieux entre l’argent 925 millièmes, l’or 750 millièmes et des diamants scintillants, cette création de la célèbre maison de joaillerie Kiff And Kiss ne manque pas de captiver les regards et d’inspirer l’admiration.
Au cœur de cette pièce d’exception réside une pierre précieuse éblouissante : un diamant HSI. Symbole de pureté et d’éternité, ce diamant, choisi avec soin, apporte une touche de lumière inégalée à l’ensemble de la bague. Sa qualité, marquée par sa couleur et sa clarté, promet une brillance éclatante qui sublimera le doigt de celle qui aura le privilège de la porter.
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SAXOPHONE ALTO MAURICE BOISTE SÉRIE ARTISTE dans son coffret
400,00 €Le saxophone alto Maurice Boiste de la série Artiste, un instrument de musique de renom, incarne l’essence même de l’art et de l’artisanat. Avec ses caractéristiques remarquables et son héritage de qualité, cet instrument captivant est bien plus qu’un simple outil pour produire des notes mélodieuses ; il représente une fusion harmonieuse entre la tradition et l’innovation.
Le saxophone alto, d’une importance capitale dans le monde de la musique, est apprécié pour sa sonorité riche et sa polyvalence. Le modèle de la série Artiste de Maurice Boiste élève cet instrument à de nouveaux sommets, grâce à une attention méticuleuse aux détails et à une fabrication de haute qualité. Chaque composant, chaque courbe est soigneusement travaillé pour garantir une performance exceptionnelle.
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Saxo Weltklang est la marque « populaire » utilisé par B&S pendant la période RDA.
250,00 €Saxo Weltklang, une marque emblématique de l’époque de la RDA, porte l’héritage d’une période musicale et politique mouvementée. Fabriquée par B&S, cette ligne de saxophones est devenue synonyme de qualité et de fiabilité dans le monde de la musique. Un des modèles les plus remarquables de cette gamme est le saxophone alto Weltklang Solist, qui incarne l’excellence artisanale et sonore de la marque.
L’histoire de Saxo Weltklang est étroitement liée à celle de la République démocratique allemande (RDA), où elle était la marque « populaire » de B&S. Durant cette période, l’Allemagne était divisée en deux États distincts, chacun avec sa propre histoire, culture et économie. Malgré les défis politiques et économiques, les artisans de B&S ont réussi à créer des instruments de musique de haute qualité qui ont su conquérir les cœurs des musiciens, tant en Allemagne qu’à l’étranger.
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étrange sculpture contemporaine sur bois représentant une demi femme, signé BER
La sculpture en bois que vous décrivez incarne l’étrangeté et la mystère dans sa forme et sa conception. Elle ne se contente pas d’être une simple représentation artistique, mais elle évoque des sentiments profonds et des questions sur son origine et sa signification.
À première vue, cette sculpture semble défier les lois de la physique, car elle représente une demi-femme qui semble fusionner avec le mur sur lequel elle est accrochée. Cette intégration harmonieuse avec le mur donne l’impression que la sculpture transcende les limites du monde matériel pour entrer dans un autre royaume, peut-être même l’au-delà. L’absence de tête, de jambes et de pieds crée une sorte de dissonance visuelle qui attire immédiatement l’attention du spectateur et le pousse à réfléchir à la signification de cette forme incomplète.
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Grand plat signé D’Avesn en verre opalescent représentant l’oiseau du Paradis
680,00 €Le plat « Oiseau du Paradis » par D’Avesn est une œuvre d’art verrier emblématique,
imprégnée de l’essence même de l’Art Déco.
Créé par le maître verrier français, Maurice Marinot, dans les années 1920,
ce plat incarne l’élégance et la sophistication de cette période artistique.
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Magnifique tableau marine signé François Nardi ( 1861-1936 )
Magnifique tableau représentant une vue de Venise.
François Nardi est un artiste contemporain français connu pour ses peintures inspirées de paysages urbains, notamment ses représentations de Venise.
Nardi est né dans une famille d’artistes et a développé son talent dès son plus jeune âge.
Il a étudié les beaux-arts à Paris avant de se lancer dans une carrière artistique prolifique.
Cette huile sur toile est en très bon état
Dimensions : Hauteur 63 cm et Largeur 71 cm
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Lampe bouillotte en laiton doré massif et abat-jour en tôle peinte XXe
350,00 €La lampe bouillotte en laiton doré et massif que je vous présente est véritablement une pièce d’exception, à la fois élégante et intemporelle. Datant du XXe siècle, elle incarne le raffinement et le savoir-faire artisanal de cette époque. Sa qualité remarquable se manifeste à travers chaque détail, faisant d’elle un objet de décoration et d’éclairage d’une rare beauté.
Conçue pour illuminer avec grâce et style, cette lampe est équipée de deux ampoules qui diffusent une lumière douce et chaleureuse. Son abat-jour en tôle peinte ajoute une touche de charme supplémentaire, avec sa particularité remarquable : il est pivotant, offrant ainsi la possibilité de diriger la lumière selon vos besoins et vos envies. De plus, la hauteur de l’abat-jour est réglable, ce qui permet d’adapter l’éclairage à différents contextes et ambiances.
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Porte perruque ou porte chapeau en porcelaine de Chine XXe siècle
Le vase Maotong en porcelaine de Chine, de la famille rose, est une pièce remarquable à bien des égards. Doté d’une élégante forme hexagonale et de charmeur, il est bien plus qu’un simple récipient décoratif. Ses ouvertures polylobées sur les côtés ajoutent une dimension de sophistication à son allure générale.
Ce qui distingue immédiatement ce vase, ce sont ses riches décorations. Les paysages fleuris qui l’ornent captivent instantanément le regard, évoquant des scènes de tranquillité et de beauté naturelle. Mais ce n’est pas tout. Ce vase regorge également d’enfants joyeux, chacun accompagné de pots de fleurs colorés, ajoutant une touche de vie et d’innocence à son esthétique déjà captivante.
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Porte perruque ou porte chapeau en porcelaine de Chine XXe siècle
Le vase Maotong en porcelaine de Chine de la famille rose est bien plus qu’un simple récipient. C’est une pièce d’art qui transcende les frontières du fonctionnel pour devenir une expression vivante de l’esthétique et de la culture chinoise. Avec ses dimensions imposantes et son design hexagonal orné d’ouvertures polylobées sur les côtés, ce vase capture l’imagination dès le premier regard.
La porcelaine de Chine, renommée pour sa finesse et sa beauté, est ici magnifiée dans la tradition de la famille rose. Cette technique de décoration, caractérisée par l’utilisation de couleurs vives et lumineuses, trouve son apogée dans ce vase où les teintes chatoyantes éclatent avec une intensité captivante. Les paysages fleuris qui s’étirent sur sa surface invitent au voyage, tandis que les personnages qui l’animent semblent raconter des histoires anciennes.
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Magnifique lustre à corbeille et pendeloques à Goutte d’eau de couleur
Le lustre corbeille ancien est bien plus qu’un simple luminaire. C’est une pièce de caractère qui allie l’opulence du passé avec l’éclat intemporel de l’élégance. Avec ses 12 points de lumière et ses 6 portes-bougies, il offre une luminosité somptueuse tout en diffusant une ambiance chaleureuse et accueillante dans n’importe quel espace qu’il occupe.
La monture en bronze et laiton confère à ce lustre une solidité et une noblesse indéniables. Ces matériaux précieux ont traversé les époques, témoignant de la qualité artisanale et de la durabilité des pièces d’antan. Ils ajoutent également une touche de raffinement et de sophistication à l’ensemble, rappelant les époques où le luxe était synonyme de magnificence.
Orné de pendeloques ou pampilles à goutte d’eau de couleur, ce lustre ne se contente pas d’éclairer l’espace, il le transforme en un spectacle visuel captivant. Les pendeloques, avec leurs reflets chatoyants, captent la lumière et la diffusent en mille éclats scintillants, créant ainsi une atmosphère enchanteresse et féérique. Chaque goutte d’eau semble suspendue dans l’air, ajoutant une dimension de mystère et de magie à l’ensemble.
Les rubans de perles qui finalisent l’élégance de ce lustre ajoutent une touche de délicatesse et de finesse. Leur disposition soigneusement pensée et leur brillance subtile viennent parfaire l’ensemble, créant un contraste harmonieux avec la robustesse de la monture en bronze et laiton. Ces détails délicats témoignent du souci du détail et du savoir-faire artisanal qui ont présidé à la création de cette pièce d’exception.
En termes de dimensions, ce lustre corbeille ancien affiche des proportions imposantes qui en font un véritable point focal dans n’importe quelle pièce.
Avec une hauteur de 90 cm et un diamètre de 52 cm, il occupe l’espace avec prestance et élégance, sans pour autant l’écraser. Sa présence imposante est équilibrée par sa grâce et sa beauté intemporelle, en faisant une pièce maîtresse dans la décoration d’intérieur.
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Grand vase ancien en biscuit de porcelaine et monture en bronze doré
Le vase fuseau en biscuit de porcelaine que je m’apprête à vous présenter est une pièce d’une élégance saisissante, témoignant du raffinement artistique et de l’artisanat exquis de la fin du XIXe au début du XXe siècle. Avec une hauteur imposante de 51 cm, il occupe majestueusement l’espace, captant instantanément l’attention de quiconque pose les yeux sur lui.
Le décor de ce vase est tout simplement enchanteur. Sur sa surface, une scène en relief attire le regard : une femme, représentée avec une grâce intemporelle, est assise sur un char tiré par des puttis ou angelots. Ces derniers, joufflus et ailés, ajoutent une touche de fantaisie à la composition, évoquant une ambiance à la fois mythologique et céleste. Chaque détail est minutieusement sculpté dans la porcelaine, témoignant du savoir-faire exceptionnel des artisans qui ont donné vie à cette œuvre.
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Danny LANE ( Attribué ) belle grande lampe en plaquettes de verres des années 1980
480,00 €Danny Lane, artiste et designer américain, a marqué le paysage du design contemporain avec ses créations uniques, dont une lampe remarquable datant de circa 1980. Cette lampe, mesurant 60 cm de hauteur, est un exemple éblouissant de son travail, composée de plaquettes de verre taillé et montée avec des fils de fer. Bien que cette pièce ne soit pas directement attribuée à Lane, elle reflète parfaitement son esthétique distinctive et son engagement envers l’innovation dans l’utilisation du verre comme matériau.
Né à Londres en 1955, Danny Lane a été initié au travail du verre coloré par Patrick Reyntiens, un artiste renommé dans ce domaine. Inspiré par le visionnaire Cecil Collins et formé aux Beaux-Arts à la Byam Shaw School of Art et à la Central School of Art and Design, Lane a rapidement développé sa propre vision du design, où l’art et l’architecture se fusionnent harmonieusement.
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Grande sculpture ancienne en régule signé Auguste Moreau.
La majesté figée dans le temps, l’élégance immortalisée dans le bronze – voici la Grande Statue de l’Ange Cupidon, une œuvre captivante du célèbre sculpteur Auguste Moreau. Cette pièce exquise, sculptée dans du régule avec une patine brune, incarne la quintessence de la beauté et de la grâce dans l’art sculptural.
Au premier regard, l’Ange Cupidon se révèle comme un jeune homme d’une grande prestance, ses ailes déployées lui conférant une aura de puissance et de liberté. Il tient dans sa main une flèche, prête à être décochée vers les cœurs des amoureux. Cette posture saisissante, figée pour l’éternité, capture l’instant précis où l’amour prend son envol, où les destins se croisent et où les passions s’enflamment.
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Miroir ancien en verre de Murano, Vénitien, XXe siècle
Le miroir en verre de Murano, une pièce d’une élégance intemporelle, incarne l’artisanat vénitien dans toute sa splendeur. Avec ses parecloses délicatement ciselées et ses décors gravés, il évoque le savoir-faire ancestral des maîtres verriers de l’île de Murano, où se perpétue depuis des siècles une tradition artisanale incomparable.
Chaque détail de ce miroir est une ode à la beauté et à la délicatesse. Les parecloses, ces fines bordures qui encadrent le miroir, sont travaillées avec une minutie exquise, ajoutant une touche de raffinement à l’ensemble. Les décors gravés, quant à eux, témoignent du talent des artisans qui ont su insuffler vie et élégance à ce miroir. Les motifs floraux, d’une finesse remarquable, confèrent une aura de romantisme et de poésie à cette pièce d’exception.
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Double applique ressort chromée de Andréa Lazzari, pour Marosini, Italie 1960
L’applique « Double Applique Ressort Chromé » conçue par le designer Andrea Lazzari et éditée par Marosini incarne parfaitement l’esthétique et le design des années 60/70. Symbole d’une époque où l’innovation et la créativité étaient au cœur de la conception industrielle, cette pièce allie fonctionnalité et élégance dans un équilibre subtil qui en fait un objet d’admiration intemporel.
Fabriquée en Italie, cette applique témoigne du savoir-faire artisanal et de l’excellence des matériaux qui caractérisent souvent la production italienne. En acier inoxydable et agrémentée de ressorts chromés, elle incarne à la fois la solidité et la finesse, mariant la robustesse des matériaux avec une esthétique raffinée et avant-gardiste.
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Rare série de 5 appliques de Murano Borek Sipek ( 1949-2016 ) Forme de fleurs
950,00 €La série de cinq appliques vintage que je vous présente est véritablement une pièce rare et magnifique, imprégnée d’un charme intemporel. Conçues par le célèbre artiste Borek Sipek à Murano, ces appliques sont bien plus que de simples luminaires. Elles incarnent une fusion élégante entre l’art et la fonctionnalité, capturant l’essence même de l’esthétique vintage tout en conservant une modernité subtile.
Ce qui distingue ces appliques, ce sont leurs formes délicates de fleurs qui évoquent une douce poésie visuelle. Chaque détail, minutieusement travaillé, témoigne du savoir-faire artisanal et de la créativité de leur créateur. Les pétales s’ouvrent avec grâce, capturant la lumière de manière éclatante et diffusant une ambiance chaleureuse et accueillante dans n’importe quel espace.
Fabriquées avec soin, ces appliques sont complètes, avec leur monture en laiton doré qui ajoute une touche de luxe et de raffinement à leur design. Les tulipes en verre de couleurs ajoutent une dimension supplémentaire à leur beauté, offrant une palette de nuances sublimes qui illuminent l’espace environnant d’une lueur enchanteresse.
Bien que ces pièces soient vintage, elles sont en excellent état, témoignant de leur qualité exceptionnelle et de leur durabilité. Bien sûr, comme tout objet ancien, elles portent les traces du temps, mais cela ajoute à leur charme et à leur caractère authentique. Une seule fleur a été légèrement restaurée, avec un pétale recollé de manière experte, imperceptible à l’œil, préservant ainsi l’intégrité et la beauté de l’ensemble.
Les dimensions de ces appliques sont parfaites pour s’adapter à une variété d’espaces. Avec une hauteur de 16,5 cm et un diamètre de patères de 8,5 cm, elles occupent juste assez d’espace pour attirer l’attention sans être imposantes. Les tulipes ont une largeur d’environ 13 à 14 cm, offrant une présence visuelle impressionnante tout en restant délicatement proportionnées.
Il convient de noter que ces appliques seront livrées sans le câblage blanc, qui est disponible au magasin pour brancher les luminaires. Cela permet une installation facile et personnalisée selon les besoins spécifiques de chaque espace, tout en préservant l’intégrité et l’authenticité de ces pièces uniques.
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Cube en résine avec inclusions d’appareils médicaux des années 1970
60,00 €Le cube en résine que je vous présente est bien plus qu’un simple objet décoratif. Il est un véritable témoignage des avancées médicales et technologiques des années 70, capturant l’essence même de cette époque dans un assemblage unique d’appareils médicaux miniatures. Mesurant une hauteur imposante de 9.5 cm et une largeur de 10 cm, ce cube est à la fois une pièce d’exposition et une fenêtre sur le passé.
Dès le premier regard, on est frappé par la diversité des inclusions qui parsèment la résine. Des seringues, des capsules, des ampoules et d’autres appareils médicaux sont figés dans un état intemporel, semblant presque prêts à être utilisés à nouveau. Chaque détail, chaque élément, raconte une histoire propre, évoquant les avancées médicales de cette époque et l’espoir qu’elles ont suscité.
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Muller Frères Lunéville – Tulipes en « pâte de verre » laiteuse à décor nuage.
La beauté éternelle et l’élégance intemporelle d’une pièce d’art décoratif peuvent transcender les époques et les styles. Tel est le cas de cette superbe tulipe de lampe, lustre ou applique, une création à la fois belle et ancienne qui respire le charme et le raffinement. Fabriquée à partir de pâte de verre, elle présente un décor marmoréen qui évoque un éclat délicat et une texture saisissante. Cependant, ce n’est pas seulement son apparence qui impressionne, mais aussi son pedigree artistique. Signée du prestigieux nom « Muller Frères Lunéville », cette pièce incarne l’essence même du savoir-faire artisanal français.
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Muller Frères Lunéville – Tulipes en « pâte de verre » laiteuse à décor nuage.
45,00 €La lampe tulipe antique est bien plus qu’un simple objet d’éclairage ; elle est une pièce d’histoire, de beauté et de savoir-faire artisanal. Créée par les célèbres Muller Frères de Lunéville, cette pièce en pâte de verre à l’éclat marmoréen évoque une époque révolue où l’artisanat était célébré pour sa finesse et son art.
La pâte de verre, technique méticuleuse et exigeante, confère à cette tulipe une texture et une luminosité uniques. Chaque détail, chaque veinure marbrée, semble capturer la lumière de manière éthérée, créant une ambiance chaleureuse et enveloppante dans n’importe quelle pièce où elle est placée. Cette technique, développée par les maîtres verriers de l’époque, donne à la tulipe une élégance intemporelle, lui permettant de traverser les âges sans perdre de sa splendeur.
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Muller Frères Lunéville – Tulipes en « pâte de verre » laiteuse à décor nuage.
45,00 €La tulipe de lampe, lustre ou applique que je vous présente aujourd’hui est véritablement un trésor ancien, un témoignage de l’artisanat et du savoir-faire exceptionnel de l’époque. Fabriquée en pâte de verre, elle arbore un décor marmoréen qui lui confère une élégance intemporelle. Mais ce n’est pas tout, elle porte également la prestigieuse signature « Muller Frères Lunéville », ajoutant ainsi une dimension historique et une valeur supplémentaire à cet objet.
Imaginons là, suspendue à un lustre majestueux, ou illuminant délicatement une table d’appoint. Sa beauté réside dans ses détails subtils, dans la finesse de sa fabrication et dans l’histoire qu’elle porte. Les tulipes de verre, avec leur transparence et leurs motifs délicats, ont toujours eu une place spéciale dans la décoration intérieure, apportant une touche de raffinement et de lumière à n’importe quel espace.
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Vase ancien en cristal taillé en pierreries et côte plate
60,00 €Le début du XXe siècle a été une période de raffinement artistique et d’innovation dans de nombreux domaines, y compris dans l’art de la verrerie. C’est dans ce contexte que s’inscrit ce magnifique vase en cristal taillé, un véritable trésor de l’artisanat de l’époque. Avec une hauteur imposante de 28,5 cm et des dimensions précises qui témoignent de son élégance, ce vase incarne l’essence même du luxe et de la sophistication.
Dès le premier regard, la qualité exceptionnelle de cet objet saute aux yeux. Son épaisseur, remarquable, confère une solidité et une présence qui en font un véritable joyau de cristal. Chaque détail semble avoir été soigneusement pensé et exécuté, témoignant du savoir-faire incomparable des artisans de l’époque.
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Vase en verre marmoréen signé Waltersperger, verrerie de Normandie
80,00 €Le vase en verre épais de Normandie est bien plus qu’un simple objet décoratif ; il incarne l’élégance intemporelle et le savoir-faire artisanal raffiné qui caractérisent l’artisanat verrier de la région. Avec ses caractéristiques distinctives, il se présente comme une pièce maîtresse dans tout intérieur, capturant le regard et stimulant l’imagination.
Tout d’abord, son apparence visuelle est saisissante. Le verre épais, symbole de solidité et de durabilité, est un témoignage de l’expertise des artisans verriers de Normandie. La couleur mouchetée marmoréenne rosâtre confère au vase une aura de mystère et de sophistication. C’est une teinte qui évoque à la fois la délicatesse des pétales de rose et la profondeur des pierres précieuses, créant ainsi une esthétique captivante et polyvalente qui s’adapte à différents styles de décoration intérieure.
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Inna MOSHKOVA, Jeune femme en costume traditionnel russe, aquarelle
450,00 €Inna Moshkova est une artiste russe née en 1975, dont le talent s’exprime à travers des œuvres empreintes de la richesse culturelle et historique de son pays. Parmi ses réalisations, une aquarelle sur papier se distingue particulièrement, tant par sa technique délicate que par la profondeur de son sujet.
Cette aquarelle représente une jeune femme vêtue d’un costume traditionnel russe du XVIIIe siècle, capturant ainsi l’essence même de l’histoire et de la tradition russes. Dans cette œuvre, Moshkova rend hommage à l’esthétique et à l’élégance intemporelles de ce vêtement, mettant en lumière la finesse des détails et la grâce naturelle de son modèle.
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Très beau et grand verre ancien en cristal, taillé a côtes plates
60,00 €Ce verre en cristal taillé est bien plus qu’un simple récipient : c’est une œuvre d’art qui incarne l’élégance intemporelle et le raffinement artisanal. Sa forme ballon évoque un style classique et sophistiqué, caractéristique des pièces produites à la fin du XIXe et au début du XXe siècle, une période où l’artisanat était à son apogée.
Dès le premier regard, on est captivé par sa beauté. Chaque facette de ce verre semble refléter la lumière d’une manière unique, mettant en valeur la délicatesse de ses contours taillés à la perfection. Son pied, taillé en huit côtes plates, ajoute une dimension supplémentaire à sa splendeur. Cette technique de taille complexe témoigne du savoir-faire des artisans qui l’ont façonné, leur maîtrise des techniques traditionnelles du travail du cristal.
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Joli vase en verre multicouche dégagé a l’acide, signé DAUM Nancy, vers 1900
Le vase que nous avons sous les yeux incarne l’essence même de l’artisanat de la verrerie de la fin du XIXe siècle. D’une élégance intemporelle, il invite à un voyage dans l’univers délicat et raffiné de la production Daum Nancy, une maison qui a su marquer son époque par son savoir-faire incomparable.
De petit format, ce vase ne se contente pas d’être un simple objet utilitaire, mais il devient une véritable œuvre d’art. Sa taille réduite lui confère une certaine intimité, une proximité presque tactile qui invite à l’admiration minutieuse de ses détails. Pourtant, malgré sa modestie en taille, il se distingue par son caractère exceptionnel, véritable joyau de l’artisanat verrier.
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Tourisme au bord du lac. Tapisserie sur soie, daté 1905
150,00 €La tapisserie sur soie lyonnaise représentant le tourisme au bord du lac, datée de 1905, est une pièce remarquable qui capture l’essence même d’une époque révolue. Avec des dimensions imposantes de 33 cm de hauteur sur 43 cm de largeur, elle offre une scène riche en détails et en émotions, mettant en vedette un couple élégant accompagné de leur chauffeur, se déplaçant dans une voiture à carrosserie tonneau. Cette œuvre d’art tissée à la main dans l’atelier lyonnais reflète à la fois la maîtrise technique des artisans de l’époque et l’esthétique luxueuse qui caractérisait le début du 20e siècle.
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Grand vase en verre multicouche et dégagé à l’acide, signé Gallé en camée
Le vase que vous décrivez semble être une pièce vraiment remarquable, à la fois en termes d’esthétique et d’histoire. Datant de l’époque Art Nouveau vers 1900, il incarne l’élégance et l’innovation artistique de cette période fascinante de l’histoire de l’art.
L’utilisation du verre multicouche et de la technique de gravure à l’acide témoigne du savoir-faire artisanal exceptionnel de l’époque. Ces méthodes permettaient aux artisans de créer des œuvres d’une beauté et d’une complexité remarquables. Le fait que le vase soit décoré d’un paysage lacustre, avec un dégradé de couleurs orange, marron, vert jaune et une belle transparence, évoque immédiatement une atmosphère de nature paisible et harmonieuse. Ces couleurs chaudes et nuancées semblent inviter à la contemplation et à la méditation, transportant le spectateur dans un monde de tranquillité et de sérénité.
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Gravure couleur d’après DALI, Erotic Lily, signé et numéroté
La gravure intitulée « Erotic Lily » sur papier de style japonais, en couleur, d’après l’œuvre de Salvador Dalí, offre une fusion captivante de l’érotisme et de la floraison artistique. Dalí, connu pour son exploration audacieuse de l’inconscient et son penchant pour le surréalisme, a créé une œuvre qui transcende les limites de la réalité et de l’imagination. Cette gravure, signée et numérotée à la main, incarne l’essence même de son génie artistique.
L’utilisation du papier japonais ajoute une dimension supplémentaire à cette pièce, évoquant la délicatesse et la finesse de la culture japonaise tout en offrant un support de qualité pour la reproduction de l’œuvre de Dalí. Les couleurs vives et riches utilisées dans la gravure captent l’attention et invitent le spectateur à plonger dans un monde où les frontières entre le réel et le fantastique s’effacent.
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Gravure couleur d’après DALI, Cactus, les béquilles, signé et numéroté
La proposition est une description détaillée d’une gravure sur papier de style japonais, en couleur, inspirée par l’œuvre de Salvador Dalí. La pièce est signée et numérotée à la main, ce qui lui confère une certaine authenticité et valeur. Elle représente un cactus avec ses béquilles, une image qui évoque peut-être la symbolique de la force et de la résilience.
L’élément de numérotation (24/350) suggère qu’il s’agit d’une édition limitée, ce qui peut être attrayant pour les collectionneurs d’art. Le fait que la gravure soit en couleur ajoute de la richesse visuelle à l’œuvre, capturant probablement l’imagerie distinctive et surréaliste souvent associée au travail de Dalí.
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Gravure couleur d’après DALI, Erotic Lily, signé et numéroté
La gravure intitulée « Erotic Lily » d’après Salvador Dalí est une pièce remarquable à bien des égards. Créée dans un style qui reflète l’influence de l’art japonais, elle offre une fusion unique entre l’esthétique surréaliste emblématique de Dalí et les techniques artistiques traditionnelles de l’Extrême-Orient. La combinaison de ces deux influences crée une œuvre captivante qui attire l’œil et captive l’imagination.
L’utilisation de la couleur dans cette gravure est particulièrement frappante. Dalí était un maître de la palette, et cela se reflète dans chaque nuance et teinte utilisée dans « Erotic Lily ». Les couleurs vives et vibrantes attirent instantanément l’attention du spectateur, les transportant dans un monde où la réalité et le rêve se confondent. Chaque élément de la composition semble être soigneusement choisi pour susciter une réponse émotionnelle chez celui qui regarde, renforçant ainsi l’impact global de l’œuvre.
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Gravure couleur d’après DALI, roses et tiroirs, signé et numéroté
La proposition d’une belle gravure sur papier de style japonais, en couleur et inspirée par l’art de Dali, est véritablement captivante. Imaginez-vous contempler cette œuvre, ses couleurs vibrantes et son esthétique exquise, le tout signé et numéroté à la main, ce qui ajoute une touche d’authenticité et de valeur à cette pièce artistique unique.
La représentation de « Narcisse Telephonans inondis » offre un aperçu fascinant de l’imagination débordante de Dali. À travers cette gravure, on peut s’attendre à découvrir un mélange intrigant de symbolisme, de surréalisme et de détails minutieux qui caractérisent le style distinctif de l’artiste. Peut-être que dans cette interprétation, les éléments surréalistes de Dali se combinent avec des éléments japonais pour créer une fusion artistique des cultures et des idées.
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Gravure couleur d’après DALI, Cactus, les béquilles, signé et numéroté
La gravure que vous décrivez semble capturer l’esthétique saisissante de l’art de Salvador Dalí d’une manière véritablement remarquable. Avec une telle précision et un tel détail, elle transporte le spectateur dans l’univers unique de ce maître du surréalisme.
Dès le premier regard, l’œuvre semble être une fusion de cultures artistiques, avec son support en papier rappelant le style japonais, offrant ainsi une toile parfaite pour la vision excentrique de Dalí. Les couleurs vives et vibrantes, caractéristiques de son style distinctif, éclatent sur la page, capturant l’imagination et invitant à une exploration plus approfondie.
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Gravure couleur d’après DALI, fleur et montre, signé et numéroté
La description que je vous fournis est celle d’une pièce artistique remarquable. Une gravure sur papier de style japonais, colorée, d’après Salvador Dalí, signée et numérotée à la main. La combinaison de ces éléments évoque une œuvre d’une grande valeur artistique et historique.
Lorsque l’on évoque Salvador Dalí, l’imaginaire se tourne instantanément vers un monde surréaliste, où la réalité et le rêve se confondent dans un tourbillon de couleurs et de formes étranges. Dalí, célèbre pour ses peintures, ses sculptures et ses écrits, a marqué le monde de l’art du XXe siècle par son génie créatif et son approche unique de l’expression artistique.
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Gravure couleur d’après DALI, fleur et pécheur, signé et numéroté
La proposition que vous fait concerne une belle gravure sur papier de style japonais, en couleur, basée sur une œuvre de Salvador Dalí. La pièce est signée et numérotée à la main, et représente une fleur et un pécheur. La gravure est une édition limitée, numérotée 200 sur 350.
Salvador Dalí, un des artistes les plus emblématiques du mouvement surréaliste, est célèbre pour ses œuvres aux images oniriques et aux perspectives déformées. Ses peintures souvent fantastiques et énigmatiques offrent un terrain fertile pour l’interprétation et la réflexion.
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Joli coffret en métal entièrement en émaux cloisonnés, début XXe
Le coffret en métal argenté que je vous décris est bien plus qu’un simple objet. C’est un véritable trésor artistique, un témoignage tangible de l’artisanat et de l’esthétique d’une époque révolue. Ses dimensions modestes ne font que renforcer son charme, car elles témoignent de la minutie et du souci du détail de son créateur.
Imaginons le, posé sur une étagère ou une commode, captant la lumière et attirant le regard par sa beauté intemporelle. Sa forme rectangulaire, classique mais élégante, est le parfait écrin pour mettre en valeur les détails exquis de son décor émaillé.
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Guéridon style baroque en bois sculpté, style vénitien, XXe
450,00 €Le guéridon ancien en bois sculpté que je vous présente est un véritable chef-d’œuvre de l’artisanat de la fin du XIXe au début du XXe siècle. Ce magnifique meuble incarne à la fois l’élégance du style baroque italien et la finesse de la sculpture sur bois de l’époque.
Au centre de l’attention se trouve le plateau, soutenu par la figure majestueuse d’un Triton. Cette créature mythologique, mi-homme mi- poisson, est représentée en ronde-bosse avec une précision remarquable. Ce Triton, d’une allure presque céleste, évoque l’esthétique divine de la Renaissance italienne. Sa présence confère une aura de mystère et de majesté au guéridon.
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joli pastel ancien, portrait d’une jeune et belle femme
450,00 €Le tableau que je vais vous présenter est une œuvre remarquable à bien des égards. Il s’agit d’un portrait d’une jeune femme d’une beauté saisissante, réalisé avec la technique délicate du pastel.
Le pastel est une technique picturale qui remonte à des siècles, mais qui a atteint son apogée au cours des siècles derniers. Il consiste en l’utilisation de bâtonnets de couleur composés de pigments, d’une charge et d’un liant. Cette technique offre une palette de couleurs riche et vibrante, ainsi qu’une texture veloutée et douce qui confère une profondeur et une luminosité particulières aux œuvres.
La réalisation d’un portrait au pastel est un défi artistique en soi. La manipulation précise des bâtonnets pour capturer les nuances subtiles de la peau, des cheveux et des traits du visage nécessite une grande habileté et une attention méticuleuse aux détails. Chaque coup de pastel est stratégiquement placé pour exprimer la personnalité et la beauté du sujet.
Ce portrait en particulier dépeint une jeune femme dont la grâce et la délicatesse sont capturées avec une étonnante précision. Son visage est empreint d’une douceur envoûtante, ses yeux reflètent une profondeur d’âme et ses traits sont modelés avec une finesse remarquable. Chaque nuance de couleur est parfaitement équilibrée pour créer un effet de réalisme saisissant.
Les dimensions du tableau, avec une largeur de 36.5 cm et une hauteur de 44 cm, ajoutent à son charme. Ces proportions permettent une appréciation détaillée de chaque aspect du portrait, des plus grands traits aux plus infimes détails, tout en conservant une harmonie visuelle.
En contemplant cette œuvre, on ne peut s’empêcher d’être captivé par la beauté intemporelle de la jeune femme et par le talent exceptionnel de l’artiste qui a su la capturer avec tant de finesse. Ce portrait en pastel est bien plus qu’une simple représentation visuelle ; c’est une exploration de la beauté et de l’émotion humaine, figées dans le temps pour l’éternité.
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Importante commode coiffeuse ancienne de style Louis XV en placage de noyer
La commode de type coiffeuse que je m’apprête à vous présenter incarne à la fois la grandeur du style Louis XV et l’élégance intemporelle du mobilier d’époque. Datant de circa 1900, cette pièce remarquable en placage de noyer a su traverser les décennies avec une prestance et un charme qui lui sont propres.
Dès le premier regard, on est captivé par ses piétements gracieux en forme de coquilles, caractéristiques du style Louis XV, qui confèrent à cette commode une allure à la fois majestueuse et délicate. Avec une largeur de 146 cm, une profondeur de 64 cm et une hauteur d’environ 205 cm, elle impose sa présence avec une élégance imposante.
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Chambre à coucher de style Louis XV en placage de noyer, vers 1900
Entrez dans l’ambiance intemporelle d’une chambre à coucher d’époque, datant du début du XXe siècle, où le charme du passé se mêle à la qualité intemporelle du mobilier en placage de noyer. Au cœur de cette pièce, trône majestueusement une armoire imposante, véritable symbole de l’artisanat d’antan.
L’armoire, véritable pièce maîtresse de cet ensemble, s’ouvre avec grâce par le biais de deux portes ornées de miroirs, ajoutant une touche d’élégance et de luminosité à l’espace. Mais elle cache également un secret : un tiroir dissimulé dans sa base, révélant la minutie et l’ingéniosité des artisans qui l’ont conçue. À l’intérieur, trois étagères simples et une étagère dotée d’un tiroir offrent un espace de rangement généreux pour les précieux trésors de son propriétaire.
Lit :Literie en 130 x 190 cm