• Sculpture en marbre de Adolfo Sipriani, Cupidon, 59 cm, signé, début XXeSculpture en marbre de Adolfo Sipriani, Cupidon, 59 cm, signé, début XXe

    Sculpture en marbre de Adolfo Sipriani, Cupidon, 59 cm, signé, début XXe

    2800,00 
    Sculpture en marbre signée Adolfo Cipriani, représentant Cupidon. Belle pièce début XXe, finement travaillée, hauteur 59 cm. Authenticité garantie.
  • Grand miroir en bois doré, richement sculpté de dragon ailés, époque XIXe siècleGrand miroir en bois doré, richement sculpté de dragon ailés, époque XIXe siècle

    Grand miroir en bois doré, richement sculpté de dragon ailés, époque XIXe siècle

    950,00 
    Grand miroir XIXe en bois doré sculpté de dragons ailés, pièce rare et spectaculaire pour une décoration raffinée et pleine de caractère.
  • Commode galbée de style Louis XV en bois de placage et marqueterie, début XXeCommode galbée de style Louis XV en bois de placage et marqueterie, début XXe

    Commode galbée de style Louis XV en bois de placage et marqueterie, début XXe

    850,00 
    Élégante commode galbée Louis XV en marqueterie et bois de placage, début XXe, aux lignes raffinées et détails soignés pour une déco classique
  • Buffet à hauteur d'appui en bois de placage, style Napoléon III, bronzes, époque XXe siècleBuffet à hauteur d'appui en bois de placage, style Napoléon III, bronzes, époque XXe siècle

    Buffet à hauteur d’appui en bois de placage, style Napoléon III, bronzes, époque XXe siècle

    580,00 
    Buffet en bois de placage, style Napoléon III avec ornements en bronze, datant du XXe siècle. Élégance et caractère pour une décoration raffinée.
  • Buffet à hauteur d'appui Napoléon III, en palissandre et marqueterie florale, XIXe siècleBuffet à hauteur d'appui Napoléon III, en palissandre et marqueterie florale, XIXe siècle

    Buffet à hauteur d’appui Napoléon III, en palissandre et marqueterie florale, XIXe siècle

    890,00 
    Buffet d’appui Napoléon III en palissandre, marqueterie florale. Élégance du XIXe siècle, parfait pour sublimer un intérieur raffiné.
  • Corps de poupée Jumeau, taille 6, sans la tête mais avec vêtements et perruque, tampon rougeCorps de poupée Jumeau, taille 6, sans la tête mais avec vêtements et perruque, tampon rouge

    Corps de poupée Jumeau, taille 6, sans la tête mais avec vêtements et perruque, tampon rouge

    120,00 
    Corps de poupée Jumeau taille 6 sans tête, avec vêtements et perruque. Belle pièce ancienne avec tampon rouge, idéale pour collection ou restauration.
  • Sculpture en bronze de la Diane de Gabies, ornée d'une patine brune, époque XIXe siècle.Sculpture en bronze de la Diane de Gabies, ornée d'une patine brune, époque XIXe siècle.

    Sculpture en bronze de la Diane de Gabies, ornée d’une patine brune, époque XIXe siècle, 85 cm

    2400,00 
    Sculpture en bronze de Diane de Gabies, patine brune, époque XIXe, 85 cm. Élégance classique et raffinement pour collectionneurs et amateurs d’art.
  • Eric Lindgren cache pot en verre soufflé 1990 vintage glassworkEric Lindgren cache pot en verre soufflé 1990 vintage glasswork

    Eric Lindgren cache pot en verre soufflé 1990 vintage glasswork

    250,00 
    Cache-pot vintage en verre soufflé par Eric Lindgren, création unique de 1990. Pièce décorative rare pour les amateurs de design et d’art verrier.
  • Mme Le MIRE, grand tableau peint sur panneau de faïence, daté 1919, étude d'arbresMme Le MIRE, grand tableau peint sur panneau de faïence, daté 1919, étude d'arbres

    Mme Le MIRE, grand tableau peint sur panneau de faïence, daté 1919, étude d’arbres

    900,00 
    Tableau unique peint sur faïence par Mme Le Mire, daté de 1919. Belle étude d’arbres, œuvre signée et authentique à découvrir chez ABN Antiquités.
  • Lustre XIXe en laiton et bronze, Napoléon III, éclairant par 6 tulipes et un globe central

    Lustre XIXe en laiton et bronze, Napoléon III, éclairant par 6 tulipes et un globe central

    480,00 
    Lustre XIXe en laiton et bronze style Napoléon III, éclairage par 6 tulipes et un globe central. Élégance antique pour intérieur raffiné.
  • Service de verres en cristal de DAUM, modèle KIM, de 55 pièces

    Grand service de verres en cristal de DAUM, modèle KIM, comportant 55 pièces

    450,00 
    Élégant service Daum modèle Kim : 55 pièces en cristal, design années 50, signé et en excellent état. Parfait pour les amateurs de verrerie vintage
  • VENDU
    Boîte à gants en bois noirci Napoléon III avec incrustations de laiton, de nacre et écaille de tortue, XIXe siècleBoîte à gants en bois noirci Napoléon III avec incrustations de laiton, de nacre et écaille de tortue, XIXe siècle

    Boîte à gants en bois noirci Napoléon III avec incrustations de laiton, de nacre et écaille de tortue, XIXe siècle

    450,00 
    Élégante boîte à gants Napoléon III en bois noirci, ornée de laiton, nacre et écaille de tortue. XIXe siècle, rare objet d’art décoratif.
  • Vase art déco en bronze massif de Alfredo Biagini (1886-1952 ), décor de lionnes

    Vase art déco en bronze massif de Alfredo Biagini (1886-1952 ), décor de lionnes

    1250,00 
    Vase Art Déco en bronze massif par Alfredo Biagini (1886-1952), décor de lionnes. Pièce rare et élégante, idéale pour collectionneur.
  • Tableau du XIXe siècle, huile sur toile, décor d’intérieur d’un village animés

    Tableau du XIXe siècle, huile sur toile, décor d’intérieur d’un village animés

    380,00 
    Tableau XIXe siècle, huile sur toile. Scène de village animée avec riche décor intérieur
  • Vase Lalique France, décor de biches, couleur fumé, hauteur 17.3 cmVase Lalique France, décor de biches, couleur fumé, hauteur 17.3 cm

    Vase Lalique France, décor de biches, couleur fumé, hauteur 17.3 cm

    650,00 
    Vase Lalique France en verre fumé, décor de biches élégantes. Hauteur 17,3 cm. Pièce rare et raffinée pour collectionneur ou amateur d’art.
  • Paravent quatre feuilles en laque à décor polychromeParavent quatre feuilles en laque à décor polychrome

    Paravent quatre feuilles en laque à décor polychrome, époque XXe siècle

    680,00 

    Ce paravent à quatre feuilles est une pièce remarquable, alliant artisanat traditionnel et esthétique polyvalente. Chaque feuille est recouverte de laque, offrant un décor polychrome qui captive par sa beauté et sa diversité. D’un côté, le paravent est orné de branches fleuries où des grues et divers oiseaux évoluent gracieusement sur un fond doré à…

  • Beau et grand miroir XIXe siècle de style Louis XIII en bois sculpté et doré à la feuille d'or et miroir au mercureBeau et grand miroir XIXe siècle de style Louis XIII en bois sculpté et doré à la feuille d'or et miroir au mercure

    Beau et grand miroir XIXe siècle de style Louis XIII en bois sculpté et doré à la feuille d’or

    950,00 
     Beau et grand miroir XIXe siècle de style Louis XIII en bois sculpté, doré à la feuille d’or : élégance, authenticité et présence majestueuse pour toute pièce.
  • Grand lustre XIXe en porcelaine Italienne de Capodimonte, décor floralGrand lustre XIXe en porcelaine Italienne de Capodimonte, décor floral

    Grand lustre XIXe en porcelaine Italienne de Capodimonte, décor floral

    950,00 
    Grand lustre italien XIXe en porcelaine de Capodimonte à décor floral raffiné – une pièce d’exception pour sublimer vos intérieurs d’art et d’élégance.
  • Grand guéridon violonné d'époque Louis Philippe en acajou XIXe siècleGrand guéridon violonné d'époque Louis Philippe en acajou XIXe siècle

    Grand guéridon violonné d’époque Louis Philippe en acajou XIXe siècle

    280,00 
    Superbe guéridon « Violonne » Louis-Philippe en acajou massif du XIXᵉ siècle : table ronde élégante, idéale pour sublimer votre intérieur d’un charme authentique.
  • Petit Bureau secrétaire Napoléon III en Acajou, 19ème SièclePetit Bureau secrétaire Napoléon III en Acajou, 19ème Siècle

    Petit Bureau secrétaire Napoléon III en Acajou, 19ème Siècle

    460,00 
    Petit bureau secrétaire Napoléon III en acajou massif, intérieur en érable, cuir à fleuron, serrures d’origine. Élégance XIXe pour intérieurs raffinés.
  • Vitrine argentier de style Louis XVI, vers 1900, en bois de placage et marqueterieVitrine argentier de style Louis XVI, vers 1900, en bois de placage et marqueterie

    Vitrine argentier de style Louis XVI, vers 1900, en bois de placage et marqueterie

    380,00 
    Découvrez cette élégante vitrine / argentier de style Louis XVI (\~1900), en bois plaqué et marqueterie, parfaite pour sublimer vos objets d’art avec raffinement.
  • Console, table de chasse en bois rechampi sculpté, ouvrant par deux tiroirs en ceintureConsole, table de chasse en bois rechampi sculpté, ouvrant par deux tiroirs en ceinture

    Console, table de chasse en bois rechampi sculpté, ouvrant par deux tiroirs en ceinture

    750,00 
    Découvrez notre console chasse : élégante table en bois sculpté, rechampi, dotée de deux tiroirs centraux. Parfaite pour sublimer votre intérieur unique.
  • Lustre en bronze massif à bras mouvementés, XIXe, tulipes opalescentesLustre en bronze massif à bras mouvementés, XIXe, tulipes opalescentes

    Lustre en bronze massif à bras mouvementés, XIXe, tulipes opalescentes

    380,00 
    Lustre en bronze massif XIXe, 6 bras mouvementés & tulipes opalescentes. Élégance antique, raffinement ciselé pour sublimer salons et intérieurs de charme.
  • VENDU
    Exceptionnelle et importante soupière en argent massif, orfèvrerie Têtard Frères, environ 5200 grammesExceptionnelle et importante soupière en argent massif, orfèvrerie Têtard Frères, environ 5200 grammes

    Exceptionnelle et importante soupière en argent massif, orfèvrerie Têtard Frères

    9500,00 
    Exceptionnelle soupière en argent massif Têtard Frères, style Empire, décor cygnes, poids 5 200 g. Rare pièce d’orfèvrerie française, état remarquable.
  • Paul Schaan (1857-1924) : La Fontaine Médicis au Jardin du Luxembourg. Huile sur toile

    Paul Schaan (1857-1924) : La Fontaine Médicis au Jardin du Luxembourg. Huile sur toile

    2400,00 
    Huile sur toile de Paul Schaan (1857‑1924) capturant avec finesse la Fontaine Médicis et sa végétation automnale au cœur du Jardin du Luxembourg, Paris.
  • Garniture de cheminée style Louis XVI en bronze doré et marbre blancGarniture de cheminée style Louis XVI en bronze doré et marbre blanc

    Garniture de cheminée comprenant la pendule et paire d’amours de style Louis XVI

    1600,00 
    Garniture de cheminée Louis XVI : pendule élégante et paire d’amours, alliance de finesse et style néo-classique pour sublimer votre intérieur.
  • Salon époque restauration en acajou massif et placage, recouvert de tapisserie, époque XIXe siècleSalon époque restauration en acajou massif et placage, recouvert de tapisserie, époque XIXe siècle

    Salon de 5 pièces époque Restauration XIXe siècle en acajou

    680,00 
    Salon de 5 pièces en acajou, époque Restauration (XIXe siècle) : élégance, raffinement et authenticité pour sublimer votre intérieur.
  • Boîte de forme ovale en cristal moulé opalescente à décor de feuilles de vignesBoîte de forme ovale en cristal moulé opalescente à décor de feuilles de vignes

    Boîte de forme ovale en cristal moulé opalescente à décor de feuilles de vignes

    80,00 
    Élégante boîte ovale en cristal opalescent moulé, décor feuilles de vigne – raffinée, artisanale et idéale pour bijoux ou objets précieux
  • Charmante petite bibliothèque vitrine, typique de l'époque Napoléon III vers 1850

    Charmante petite bibliothèque vitrine, typique de l’époque Napoléon III vers 1850

    590,00 
    Charmante petite bibliothèque vitrine Napoléon III, vers 1850 : élégante, richement sculptée, parfaite pour exposer livres et objets précieux avec raffinement.
  • Miroir ancien en bois et stuc doré, de style Louis XV, hauteur 145 cm, fronton à coquille, miroir biseauté, XIXe siècleMiroir ancien en bois et stuc doré, de style Louis XV, hauteur 145 cm, fronton à coquille, miroir biseauté, XIXe siècle

    Miroir ancien en bois et stuc doré, de style Louis XV, hauteur 145 cm, fronton à coquille, miroir biseauté, XIXe siècle

    480,00 
    Miroir ancien Louis XV en bois et stuc doré, époque Napoléon III (vers 1850). Élégance du XIXe siècle pour une déco raffinée.
  • Pendule romantique en biscuit et porcelaine, Grignon Meusnier à Paris, XIXe sièclePendule romantique en biscuit et porcelaine, Grignon Meusnier à Paris, XIXe siècle

    Pendule romantique en porcelaine et biscuit, Marquis et Marquise à la fontaine, XIXe siècle

    1250,00 
    Pendule romantique en porcelaine et biscuit XIXᵉ siécle, marquis et marquise à la fontaine : finesse des détails, couleurs vives et mécanisme en parfait état.
  • L'offrande à l'amour, biscuit de porcelaine d'après Louis-Simon Boizot (1743-1809)L'offrande à l'amour, biscuit de porcelaine d'après Louis-Simon Boizot (1743-1809)

    L’offrande à l’amour, biscuit de porcelaine d’après Louis-Simon Boizot (1743-1809)

    650,00 
    Offrez vous ou offrez un trésor d’amour : biscuit de porcelaine “L’offrande à l’Amour”, d’après Louis Simon Boizot (1743‑1809), élégance et émotion éternelle.
  • VENDU
    Cave à liqueur ancienne en bois de placage et marqueterie, cristal gravé à l'acide, XIXeCave à liqueur ancienne en bois de placage et marqueterie, cristal gravé à l'acide, XIXe

    Cave à liqueur ancienne en bois de placage et marqueterie, cristal gravé à l’acide, XIXe

    750,00 
    Cave à liqueur XIXᵉ en bois de placage & marqueterie, flacons cristal gravé à l’acide, décor frise grecque. Élégance Napoléon III, pièce unique.
  • Très belle jardinière de table XIXe siècle en bois de placage et ornement en bronze doré estampillée FMTrès belle jardinière de table XIXe siècle en bois de placage et ornement en bronze doré estampillée FM

    Très belle jardinière de table XIXe siècle en bois de placage et ornement en bronze doré estampillée FM

    850,00 
    Élégante jardinière de table XIXe en bois de placage, bronze doré, estampillée FM. Objet raffiné pour collectionneur ou décoration d’exception.
  • Joli lampadaire en laiton doré de 157 cm, en forme de palmier, signé Maison Jansen. Sculpté avec finesse, il éclaire par 3 points, apportant élégance et charme.Joli lampadaire en laiton doré de 157 cm, en forme de palmier, signé Maison Jansen. Sculpté avec finesse, il éclaire par 3 points, apportant élégance et charme.

    Joli lampadaire en laiton doré, forme de palmier, style Jansen, circa 1970/80

    1800,00 
    Élégant lampadaire en laiton doré en forme de palmier, idéal pour une déco vintage et chic. Pièce unique disponible sur ABN Antiquités.
  • Pied de lampe palmier, bronze & laiton, années 70, style Maison Charles & Hollywood Regency, H 66 cm, éclaire par 4 ampoules. Élégance vintage assurée !Pied de lampe palmier, bronze & laiton, années 70, style Maison Charles & Hollywood Regency, H 66 cm, éclaire par 4 ampoules. Élégance vintage assurée !

    Lampe palmier dans le goût de la maison Charles, bronze et laiton

    1250,00 
    Lampe palmier en bronze et laiton, style Maison Charles. Élégance vintage et lumière chaleureuse pour sublimer votre intérieur
  • VENDU
    Théodore LEGRAS (1839-1916) – Vase Art Nouveau spectaculaire, dégagé à l’acide, orné d’un décor marin raffiné d’algues et coquillages. Élégance et finesse.Théodore LEGRAS (1839-1916) – Vase Art Nouveau spectaculaire, dégagé à l’acide, orné d’un décor marin raffiné d’algues et coquillages. Élégance et finesse.

    Théodore Legras, important vase a décor dégagé à l’acide d’algues et coquillages

    2400,00 
    Vase signé Théodore Legras, décor dégagé à l’acide d’algues et coquillages, pièce unique d’antiquité d’exception sur ABN Antiquités.
  • Très belle et ancienne coupe Empire DLG de Pierre-Philippe Thomire, décor de cygneTrès belle et ancienne coupe Empire DLG de Pierre-Philippe Thomire, décor de cygne

    Très belle et ancienne coupe Empire DLG de Pierre-Philippe Thomire, décor de cygne

    2600,00 
    Très belle coupe Empire ancienne signée Pierre-Philippe Thomire, décor cygne élégant. Pièce rare d’antiquité pour collectionneurs et amateurs d’art.
  • Belle pendule époque Empire thème des arts et des sciences avec UranieBelle pendule époque Empire thème des arts et des sciences avec Uranie

    Belle pendule époque Empire thème des arts et des sciences avec Uranie

    1650,00 
    Pendule Empire en bronze doré, illustrant Uranie, muse de l’astronomie. Élégance néoclassique, sphère armillaire et lunette astronomique
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    Coupe Tazza troubadour romantique bronze doré bacchus vin érotisme 19eCoupe Tazza troubadour romantique bronze doré bacchus vin érotisme 19e

    Coupe Tazza troubadour romantique bronze doré bacchus vin érotisme 19e

    Coupe Tazza Troubadour en bronze doré, design Bacchus et érotisme, élégance romantique pour sublimer votre décoration vintage et art classique.
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    Coupe en cristal de Lalique modèle Honfleur à décor de feuilles dépoliesCoupe en cristal de Lalique modèle Honfleur à décor de feuilles dépolies

    Coupe en cristal de Lalique modèle Honfleur à décor de feuilles dépolies

    Découvrez l’élégante coupe en cristal Lalique « Honfleur » (1945), ornée de feuilles dépolies, signée et authentifiée, idéale pour collection ou déco raffinée.
  • Très belle coupe « Bélier » de CRISTAL LALIQUE FranceTrès belle coupe « Bélier » de CRISTAL LALIQUE France

    Très belle coupe « Bélier » de CRISTAL LALIQUE France

    420,00 
    Très belle coupe Bélier en cristal Lalique France, élégance et artisanat d’exception pour sublimer votre décoration.
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    Superbe sculpture de qualité, grand aigle royal aux ailes déployéesSuperbe sculpture de qualité, grand aigle royal aux ailes déployées

    Superbe sculpture de qualité, grand aigle royal aux ailes déployées

    Magnifique sculpture d’aigle royal aux ailes déployées, pièce de qualité exceptionnelle pour collectionneur ou décoration raffinée.
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    Tableau Représentant François-henri De Montmorency-bouteville, Duc De Piney-luxembourg XIXeTableau Représentant François-henri De Montmorency-bouteville, Duc De Piney-luxembourg XIXe

    Tableau Représentant François-henri De Montmorency-bouteville, Duc De Piney-luxembourg XIXe

    2200,00 
    Tableau XIXᵉ représentant François Henri de Montmorency‑Bouteville, duc de Piney Luxembourg – œuvre élégante et historique à découvrir.
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    Chambre photo-Hall à Paris avec objectif Dérogy N°1 Paris LondreChambre photo-Hall à Paris avec objectif Dérogy N°1 Paris Londre

    Chambre photo-Hall à Paris avec objectif Dérogy N°1 Paris Londre

    550,00 
    Découvrez la Chambre Photo Hall à Paris équipée d’un objectif Derogy n°1, offrant des clichés élégants entre Paris et Londres. Parfait pour collectionneurs.
  • Vase Majolica Palissy, datant de l'époque victorienne vers 1890Vase Majolica Palissy, datant de l'époque victorienne vers 1890

    Vase Majolica Palissy, datant de l’époque victorienne vers 1890

    580,00 
    Vase Majolica Palissy victorien vers 1890, pièce unique en faïence colorée. Découvrez cet objet d’art rare sur ABN Antiquités.
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    Emile Gallé, très belle bonbonnière en verre multicouche et dégagé à l'acideEmile Gallé, très belle bonbonnière en verre multicouche et dégagé à l'acide

    Emile Gallé, très belle bonbonnière en verre multicouche et dégagé à l’acide

    Bonbonnière Art Nouveau signée Émile Gallé, verre multicouche gravé à l’acide, circa 1900 – raffinement botanique, élégance et luxe artisanal.
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    Pendulette type officier Hour Lavigne / L’Epée , mouvement mécaniquePendulette type officier Hour Lavigne / L’Epée , mouvement mécanique

    Pendulette type officier Hour Lavigne / L’Epée , mouvement mécanique

    La pendulette de voyage HOUR LAVIGNE, successeurs de l’Epée, est un véritable chef-d’œuvre d’horlogerie qui allie élégance, fonctionnalité et précision.
    Cette pendulette, souvent appelée « pendulette d’officier », est un témoignage de l’artisanat horloger du début du 20ème siècle, une époque où la précision mécanique et l’esthétique raffinée étaient des valeurs fondamentales.
    Description Générale :
    La pendulette se distingue par son boîtier en bronze, un matériau noble et résistant qui confère à l’objet une allure à la fois classique et robuste.
    Le verre biseauté qui protège le cadran ajoute une touche de sophistication et permet une lecture claire et précise de l’heure.
    La pendulette est accompagnée de sa clef, un élément essentiel pour remonter le mécanisme et régler l’heure.
    Caractéristiques Techniques :
    Le mouvement mécanique de cette pendulette est un exemple de l’ingéniosité horlogère de l’époque.
    Il est équipé d’une fonction réveil, ce qui en fait un compagnon idéal pour les voyages.
    La clef amovible permet de remonter le mécanisme avec précision, tandis que l’arrêt de sonnerie situé au sommet de la pendulette permet de désactiver le réveil si nécessaire.
    Les aiguilles Breguet noires, finement ouvragées, contrastent élégamment avec le cadran blanc orné de chiffres romains.
    Ce design classique et intemporel rend la pendulette non seulement fonctionnelle mais aussi esthétiquement plaisante.
    Dimensions et Portabilité :
    Avec des dimensions de 13 x 9 cm, cette pendulette est parfaitement adaptée pour les voyages.
    Sa taille compacte permet de la transporter facilement, tout en offrant une lisibilité optimale.
    Que ce soit sur une table de chevet dans une chambre d’hôtel ou sur un bureau lors d’un déplacement professionnel, cette pendulette trouve sa place partout.
    Histoire et Héritage :
    HOUR LAVIGNE, successeurs de l’Epée, est une maison horlogère renommée qui a su perpétuer la tradition d’excellence initiée par l’Epée. Fondée en 1755, l’Epée est l’une des plus anciennes manufactures horlogères suisses, connue pour ses créations innovantes et son savoir-faire artisanal.
    HOUR LAVIGNE a repris cet héritage avec brio, en continuant à produire des pendulettes de haute qualité qui allient tradition et modernité.
    Utilisation et Entretien :
    Pour garantir la longévité et la précision de cette pendulette, il est essentiel de la remonter régulièrement à l’aide de la clef fournie.
    Le mécanisme mécanique nécessite un entretien périodique pour assurer son bon fonctionnement.
    Il est recommandé de faire vérifier la pendulette par un horloger qualifié tous les quelques années pour un nettoyage et une lubrification adéquats.
  • VENDU
    Jardinière ancienne, époque Empire, colonnes et ornements bronze doréJardinière ancienne, époque Empire, colonnes et ornements bronze doré

    Jardinière ancienne, époque Empire, colonnes et ornements bronze doré

    Cette jardinière d’époque Empire incarne l’excellence du savoir-faire artisanal et artistique du début du XIXᵉ siècle.
    De forme rectangulaire, elle repose sur un piétement soigneusement élaboré, qui allie harmonieusement équilibre et esthétique classique. Les colonnes en façade, combinées aux montants carrés de la partie postérieure, témoignent de l’influence de l’Antiquité, une source d’inspiration majeure pour le style Empire.
    Le piétement de la jardinière présente une composition architecturale remarquable.
    Les colonnes en façade, ornées de bagues et de chapiteaux en bronze ciselé et doré, apportent une touche de sophistication.
    Ces ornements ne sont pas seulement décoratifs : ils traduisent une maîtrise technique et un goût prononcé pour les détails soignés.
    Les montants carrés à l’arrière assurent la stabilité tout en conférant une allure géométrique et équilibrée à l’ensemble.
    L’entablement incurvé en façade est un élément clé du design, créant une rupture subtile avec les lignes rectangulaires de la structure principale.
    Cet aspect courbé adoucit l’ensemble et lui donne une élégance fluide, tout en respectant les principes rigoureux de symétrie chers au style Empire.
    Ornements en Bronze Doré :
    Les ornements en bronze ciselés et dorés sont l’un des aspects les plus distinctifs de cette jardinière.
    Les bagues, qui entourent les colonnes, ainsi que les chapiteaux finement sculptés, témoignent de l’influence néoclassique omniprésente sous le règne de Napoléon.
    Ces détails soulignent la volonté de magnifier chaque élément fonctionnel par une touche décorative.
    La galerie ajourée en bronze, qui orne le pourtour supérieur de la jardinière, est un chef-d’œuvre de finesse.
    Ce détail ne se contente pas d’apporter une valeur esthétique : il met en lumière l’équilibre entre fonctionnalité et ornementation, si typique de l’époque Empire.
    Les motifs ajourés permettent de jouer avec la lumière, ajoutant profondeur et texture à l’ensemble.
    Intérieur en Zinc et Fonctionnalité :
    L’intérieur de la jardinière est conçu en zinc, un matériau durable et résistant à l’humidité, parfaitement adapté à son usage principal.
    Ce choix illustre également la prise en compte de l’aspect pratique dans la conception de cet objet décoratif.
    Bien que la jardinière soit destinée à accueillir des plantes ou des fleurs, son raffinement et son esthétique en font également un élément décoratif autonome, idéal pour agrémenter un intérieur ou un jardin d’hiver.
    Dimensions et État de Conservation :
    Avec une hauteur de 88 cm, une largeur de 75 cm et une profondeur de 38 cm, cette jardinière offre des proportions généreuses tout en restant suffisamment compacte pour s’intégrer dans divers espaces.
    Ces dimensions équilibrées renforcent son aspect majestueux sans pour autant paraître imposant.
    En bon état général, cette pièce présente des signes d’usure compatibles avec son âge, soulignant son authenticité et son histoire.
  • Cheval de manège, attribué à Friedrich Heyn et datant d’environ 1910

    Cheval de manège, attribué à Friedrich Heyn et datant d’environ 1910

    1600,00 
    Exceptionnel cheval de manège Friedrich Heyn (vers 1910) en bois sculpté polychrome, décor laiton & miroirs Bohême – rare modèle de luxe allemand. 
  • VENDU
    Montre à gousset d'homme de Jaeger, en or massif, Lecoultre suisseMontre à gousset d'homme de Jaeger, en or massif, Lecoultre suisse

    Montre à gousset d’homme de Jaeger, en or massif, Lecoultre suisse

    La montre à gousset présentée ici est un véritable trésor horloger, un témoignage de l’excellence et du raffinement des années 1940. Fabriquée par la prestigieuse marque Jaeger, cette montre de poche se distingue par son élégance intemporelle et sa qualité exceptionnelle.
    Description Générale
    Cette montre à gousset est conçue en or jaune 18 carats, un matériau noble qui confère à l’objet une valeur intrinsèque élevée.
    Avec un diamètre de 44 cm, elle possède une taille généreuse qui la rend à la fois imposante et élégante.
    Le poids brut de la montre est de 49 grammes, ce qui lui donne une sensation de solidité et de robustesse en main.
    Mécanisme et Fonctionnement
    Le mouvement de cette montre est un remontage manuel à 18 rubis, une caractéristique qui garantit une précision et une durabilité exceptionnelles.
    Le mouvement suisse Lecoultre, réputé pour sa fiabilité et sa qualité, est en parfait état de fonctionnement, assurant une marche précise et fiable.
    Esthétique et Design
    Le cadran de cette montre est un chef-d’œuvre en soi.
    Doré et argenté d’origine, il arbore un style art déco qui était très en vogue à la fin des années 1940.
    Les aiguilles, probablement en or, ajoutent une touche de luxe supplémentaire à l’ensemble.
    Le design du cadran, avec ses chiffres et ses index, est à la fois sobre et sophistiqué, reflétant l’esthétique raffinée de l’époque.
    État et Usure
    L’usure de cette montre est conforme à son âge et à son utilisation.
    Les signes de vieillissement, tels que les légères rayures et les patines, ne font qu’ajouter à son charme et à son authenticité.
    Ces marques du temps témoignent de son histoire et de son utilisation par ses précédents propriétaires.
    La chaîne, d’une longueur de 41 cm et d’un poids net de 13,6 grammes, complète parfaitement l’ensemble.
    Elle est non seulement fonctionnelle, permettant de porter la montre en toute sécurité, mais elle ajoute également une touche d’élégance supplémentaire.
    Conclusion
    En somme, cette montre à gousset Jaeger des années 1940 est bien plus qu’un simple instrument de mesure du temps.
    C’est un objet de collection, un témoignage de l’art horloger suisse et un symbole de luxe et de raffinement.
    Que ce soit pour un collectionneur passionné ou pour un amateur d’objets vintage, cette montre est un investissement qui traversera les générations, continuant à raconter son histoire et à charmer par sa beauté intemporelle.
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    Pendulette d'officier, horloge réveil de voyage en bronze et laiton doréPendulette d'officier, horloge réveil de voyage en bronze et laiton doré

    Pendulette d’officier, horloge réveil de voyage en bronze et laiton doré

    Cette ancienne pendulette d’officier, également connue sous le nom d’horloge et réveil de voyage, est un véritable bijou d’horlogerie de la fin du XIXe siècle.
    Fabriquée en bronze et laiton doré, elle incarne l’élégance et la précision des objets de cette époque.
    La pendulette se distingue par son design raffiné et ses matériaux nobles.
    Le boîtier en bronze et laiton doré présente une dorure d’origine remarquablement bien conservée, ajoutant une touche de luxe et de sophistication.
    Les carreaux biseautés offrent une vue claire sur le mécanisme interne, permettant d’admirer la complexité et la beauté de l’horlogerie mécanique.
    Le mécanisme à sonnerie est l’un des points forts de cette pendulette.
    Il est en parfait état de fonctionnement, témoignant de la qualité de fabrication et de l’expertise des horlogers de l’époque.
    La sonnerie, qui marque les heures désirées, ajoute une dimension auditive à cette pièce, la rendant non seulement utile mais aussi agréable à vivre, mais je ne suis pas en possession de sa clé.
    Avec une hauteur de 12,5 cm sans la poignée, cette pendulette est compacte et facilement transportable.
    Conçue pour les officiers et les voyageurs, elle était idéale pour ceux qui devaient se déplacer fréquemment mais avaient besoin d’une horloge fiable et précise.
    La poignée, visible sur les images, devait faciliter son transport, la rendant pratique pour les déplacements.
    La fin du XIXe siècle a été une période de grande innovation et de raffinement dans le domaine de l’horlogerie.
    Les horlogers de l’époque maîtrisaient parfaitement les techniques de fabrication et de décoration, créant des pièces qui étaient à la fois fonctionnelles et esthétiquement plaisantes.
    Cette pendulette est un exemple parfait de cette époque, où l’art et la science se rencontraient pour produire des objets d’une grande valeur.
    Pour les collectionneurs d’horlogerie ancienne, cette pendulette d’officier est une pièce de choix.
    Sa rareté, son état de conservation et son fonctionnement impeccable en font un objet de grande valeur.
    Elle peut être exposée comme une œuvre d’art ou utilisée pour sa fonction originale, ajoutant une touche d’histoire et de prestige à n’importe quel intérieur.
  • Julien Leroy à Paris, belle pendule en bronze doré XIXe siècleJulien Leroy à Paris, belle pendule en bronze doré XIXe siècle

    Julien Leroy à Paris, belle pendule en bronze doré XIXe siècle

    1400,00 
    Pendule en bronze doré signée Julien Le Roy à Paris, XIXe siècle. Pièce rare au raffinement exceptionnel, idéale pour collectionneur exigeant.
  • Rare vierge chryséléphantine en bois sculpté époque XVIIIe siècleRare vierge chryséléphantine en bois sculpté époque XVIIIe siècle

    Rare vierge chryséléphantine en bois sculpté époque XVIIIe siècle

    650,00 
    Rare Vierge chryselephantine en bois sculpté du XVIIIe siècle. Pièce d’exception d’art sacré, alliant ivoire et bois, disponible chez ABN Antiquités.
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    Bureau de dame, réalisée par Paul Sormani sur le modèle de Bernard II Van Risen Burgh (BVRB)Bureau de dame, réalisée par Paul Sormani sur le modèle de Bernard II Van Risen Burgh (BVRB)

    Bureau de dame, réalisée par Paul Sormani sur le modèle de Bernard II Van Risen Burgh (BVRB)

    Bureau de dame en placage de bois de violette
    Ce bureau de dame, remarquable par sa richesse et son raffinement, illustre parfaitement l’art de l’ébénisterie du XIXe siècle, période Napoléon III.
    De forme mouvementée, il est conçu en placage de bois de violette, une essence précieuse, prisée pour son veinage élégant et sa teinte chaude.
    Le bureau s’ouvre à trois tiroirs en façade, une caractéristique fonctionnelle associée à une esthétique recherchée.
    Ses quatre pieds cambrés, signature du style Louis XV, ajoutent une légèreté visuelle à l’ensemble.
    L’ornementation en bronze ciselé et doré apporte une touche supplémentaire de sophistication.
    Chaque élément, qu’il s’agisse de la lingotière, des chutes, des sabots, des entrées ou des encadrements, témoigne d’un savoir-faire exceptionnel.
    Le dessus est habillé de cuir, à la fois pratique et luxueux, offrant une surface de travail noble et durable.
    Ce meuble, d’une largeur de 100 cm, d’une profondeur de 51 cm et d’une hauteur de 76 cm, est un exemple éloquent de la fusion entre utilité et élégance.
    Une inspiration signée BVRB
    Le modèle s’inspire directement des créations de Bernard II Van Risen Burgh (dit BVRB), célèbre ébéniste parisien du XVIIIe siècle.
    Les œuvres de BVRB, souvent conservées dans des collections prestigieuses comme celle du musée du Louvre, sont réputées pour leur raffinement et leur équilibre entre opulence et subtilité.
    En reprenant ce style, Paul Sormani rend hommage à l’héritage de l’ébénisterie française tout en l’inscrivant dans l’esthétique de son époque.
    Une réalisation de Paul Sormani
    Ce bureau porte l’estampille de Paul Sormani, un des plus illustres ébénistes du XIXe siècle.
    D’origine italienne, Sormani s’installe à Paris et fonde son atelier en 1847 au 7 rue du Cimetière-Saint-Nicolas.
    À ses débuts, il se spécialise dans la création de meubles inspirés des styles Louis XV et Louis XVI, combinant élégance classique et perfection technique.
    En 1867, il transfère son atelier au 10 rue Charlot, où il poursuivra son activité jusqu’à sa mort en 1877.
    Sormani se distingue par sa capacité à reproduire avec une extrême fidélité les meubles des grands maîtres tout en y ajoutant une touche contemporaine propre à l’époque Napoléon III.
    Ses meubles séduisent l’élite parisienne et la cour impériale, ce qui le consacre comme l’un des artisans les plus recherchés de son temps.
    Sa production est variée : elle inclut des bureaux, des commodes, des tables, mais également des pièces d’artisans de luxe, destinées à des expositions universelles où il remporte régulièrement des prix.
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    Rare grand porte bougies, en fer forgé XIXe siècle, religieuxRare grand porte bougies, en fer forgé XIXe siècle, religieux

    Rare grand porte bougies, en fer forgé XIXe siècle, religieux

    1600,00 
    Ce porte-bougies ancien en fer forgé est un témoignage exceptionnel de l’artisanat du XIXe siècle, sublimant le savoir-faire des maîtres ferronniers de l’époque.
    Avec une hauteur imposante de 170 cm, il impressionne par son allure majestueuse et son riche décor, qui reflètent à la fois l’élégance et la profondeur symbolique des objets sacrés d’autrefois.
    Probablement destiné à un usage religieux dans une église ou une chapelle, cet objet a traversé les époques en conservant son authenticité et son histoire.
    Son design soigné et ses détails minutieux évoquent l’atmosphère spirituelle et le raffinement esthétique caractéristique du romantisme.
    En effet, cette période visait à réconcilier le sacré et la beauté, créant des œuvres aussi fonctionnelles qu’artistiques.
    Le travail du fer forgé, remarquable par sa finesse, est au cœur de cette pièce.
    On peut admirer de délicates volutes harmonieusement entrelacées, qui confèrent à l’ensemble une fluidité et une légèreté visuelle malgré sa structure solide.
    Ces arabesques témoignent d’une maîtrise parfaite de la technique, où chaque courbe semble soigneusement pensée pour créer un équilibre esthétique.
    Une barre centrale ornée de motifs végétaux raffinés ajoute une dimension poétique à l’ensemble. Ce décor, évoquant des feuillages, symbolise la vie, la foi et la connexion avec la nature divine, thèmes chers à l’art religieux de l’époque.
    Bien au-delà de sa fonction première de porte-bougies, cette pièce peut être considérée comme une véritable œuvre d’art.
    Ses lignes gracieuses et solides incarnent l’esthétique romantique, où chaque objet religieux se voulait porteur de sens tout en étant visuellement captivant.
    Ce mariage entre spiritualité et sophistication confère à ce porte-bougies une place unique parmi les objets anciens.
    Pour les amateurs d’antiquités religieuses ou de décorations authentiques, cet objet rare représente une trouvaille exceptionnelle.
    En plus d’être une pièce de collection, il peut enrichir un intérieur en apportant une atmosphère intemporelle et une touche spirituelle.
    Placé dans une pièce, il capte naturellement l’attention, devenant à la fois un point focal et un rappel du patrimoine artisanal et religieux.
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    Belle pendule XIXe bronze et marbre, signée Bollotte à ParisBelle pendule XIXe bronze et marbre, signée Bollotte à Paris

    Belle pendule XIXe bronze et marbre, signée Bollotte à Paris

    Cette belle pendule du XIXe siècle est un exemple remarquable de l’art décoratif français, combinant harmonieusement le bronze doré et le marbre blanc.
    Son design soigné illustre la finesse et le raffinement de l’époque, en mettant en valeur une esthétique classique qui demeure intemporelle.
    Au centre de cette œuvre trône une figure féminine en bronze à patine brune, incarnant une femme à l’antique.
    Représentée dans une posture gracieuse et décontractée, elle est accoudée sur la partie supérieure de la pendule, où se cache le mécanisme horloger.
    Cette représentation féminine, à la fois élégante et sereine, illustre les canons esthétiques de l’époque, marqués par une admiration pour l’Antiquité classique.
    Le contraste entre la patine brune de la figure et l’éclat du marbre blanc rehausse la sophistication de l’ensemble.
    L’encadrement du mécanisme, richement orné, est en bronze doré.
    On y trouve des motifs raffinés de lions majestueux, symbolisant la force et la noblesse, ainsi que des feuillages finement ciselés.
    Ces ornements délicats témoignent du talent des artisans parisiens, qui maîtrisaient l’art de combiner richesse des matériaux et subtilité d’exécution.
    Chaque détail est soigneusement travaillé, reflétant une exigence esthétique élevée propre aux objets d’exception.
    Le mécanisme de la pendule porte la signature « Bollotte », un atelier de renom situé rue Neuve Vivienne à Paris.
    Ce nom est synonyme de qualité et d’excellence, deux valeurs primordiales dans la conception d’une telle pièce.
    La fabrication du mécanisme, à la fois esthétique et fonctionnelle, souligne le savoir-faire irréprochable des horlogers de l’époque. L’intégration harmonieuse du mécanisme dans cette composition sculpturale met en avant un équilibre parfait entre fonctionnalité et beauté.
    Les pieds de la pendule, également réalisés en bronze sculpté, ajoutent une touche supplémentaire d’élégance tout en assurant une stabilité optimale.
    Leur conception est en accord avec le reste de l’œuvre, reflétant une continuité stylistique et un souci du détail qui caractérisent les créations d’exception.
    Avec ses dimensions imposantes, 49 cm de hauteur et 51 cm de largeur, cette pendule se distingue comme une pièce maîtresse.
    Ses proportions généreuses lui permettent de capter l’attention et d’occuper une place de choix dans un intérieur raffiné.
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    Rare vase en verre émaillé Legras Montjoye, décor mésange et floraleRare vase en verre émaillé Legras Montjoye, décor mésange et florale

    Rare vase en verre émaillé Legras Montjoye, décor mésange et florale

    François-Théodore Legras (1839-1916) est une figure centrale de la verrerie artistique française de la fin du XIXe et du début du XXe siècle.
    Né à Claudon, dans les Vosges, Legras a développé une sensibilité particulière pour la nature, qui allait devenir une source d’inspiration majeure pour ses créations.
    Il a fondé les verreries de Montjoie à Saint-Denis, où il a perfectionné l’art du verre décoratif, contribuant à définir l’esthétique de l’Art Nouveau.
    Les verreries de Montjoie étaient renommées pour leur capacité à allier innovation technique et beauté artistique.
    Sous la direction de Legras, elles se sont imposées comme l’un des centres verriers les plus influents de leur époque, produisant des pièces décoratives qui alliaient utilité et art.
    Le travail de Legras se distingue par son utilisation novatrice de l’émail peint à la main, une technique qui permettait de créer des motifs détaillés et colorés.
    Ces motifs, souvent inspirés par la nature, comprenaient des paysages bucoliques, des fleurs, des branches et des oiseaux, en phase avec les idéaux esthétiques de l’Art Nouveau, qui prônaient une harmonie entre l’art et le monde naturel.
    Les vases produits par les ateliers de Montjoie, comme celui présenté ici, sont emblématiques de l’œuvre de Legras.
    Ils mettent en avant des formes gracieuses et des décors émaillés complexes, conçus pour magnifier la lumière et la transparence du verre.
    Ce vase particulier, d’une hauteur de 31,5 cm, est une illustration saisissante de ce style.
    Le fond en verre rouge profond constitue une base vibrante, rehaussée par des détails minutieux peints à la main.
    Le décor met en scène un oiseau perché sur une branche, entouré de feuilles et de bourgeons délicatement travaillés.
    Les émaillages polychromes ajoutent une richesse visuelle, et les touches d’or rehaussent les contours des éléments, créant un effet à la fois lumineux et raffiné.
    Le travail de François-Théodore Legras était aussi influencé par une volonté de démocratiser l’art verrier.
    Contrairement à des maisons comme Gallé ou Daum, qui ciblaient une clientèle élitiste, Legras produisait des pièces dans une gamme de prix plus variée, permettant ainsi à un public plus large d’acquérir des objets d’art.
    Cette approche lui a permis de populariser ses créations tout en maintenant un haut niveau de qualité artisanale.
    Les vases, lampes et autres objets décoratifs sortis des ateliers de Montjoie témoignent de cette philosophie.
    Ils incarnent un équilibre subtil entre la complexité artistique et la fonctionnalité, rendant l’art verrier accessible sans compromis sur l’esthétique.
    Les influences dans le travail de Legras étaient variées.
    En plus des motifs naturalistes, ses créations reflétaient un intérêt pour les courants orientalistes et les scènes paysagères.
    Cette diversité thématique, associée à un savoir-faire exceptionnel, a permis à Legras de s’imposer comme un artiste verrier incontournable de son époque.
    Il a également su s’adapter aux évolutions stylistiques, passant des inspirations néoclassiques au style fleuri et organique de l’Art Nouveau.
    Les pièces produites sous sa direction, bien que parfois non signées, sont aujourd’hui reconnues et recherchées pour leur qualité et leur élégance.
  • Magnifique pendule horloge en bronze cathédrale néo gothique XIXe siècleMagnifique pendule horloge en bronze cathédrale néo gothique XIXe siècle

    Magnifique pendule horloge en bronze cathédrale néo gothique XIXe siècle

    1600,00 
    Pendule cathédrale en bronze, style néo-gothique, XIXe siècle. Une pièce rare d’exception à découvrir chez ABN Antiquités.
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    Paire de consoles d'appliques en bronze doré, mascarons, XIXe sièclePaire de consoles d'appliques en bronze doré, mascarons, XIXe siècle

    Paire de consoles d’appliques en bronze doré, mascarons, XIXe siècle

    Ces superbes consoles d’appliques, datant de la fin du XIXᵉ siècle, incarnent le raffinement et l’élégance des arts décoratifs français de cette époque.
    Réalisées en bronze doré et dotées d’un dessus en bois, elles se distinguent par leur travail d’ornementation richement détaillé et leur conception soignée, qui reflètent l’excellence artisanale de leur temps.
    Un Design Élégant et Chargé d’Histoire
    Ces pièces présentent une structure ajourée somptueusement travaillée, avec un décor ornemental dominé par un mascaron central, un motif souvent utilisé dans l’art classique pour symboliser la protection ou la puissance.
    Le mascaron, finement sculpté, attire immédiatement l’attention et confère une présence imposante aux consoles tout en restant harmonieux avec le reste du design.
    Les enroulements gracieux et les guirlandes de fleurs flanquant les consoles illustrent une abondance d’influences stylistiques.
    On y perçoit un dialogue entre les inspirations rococo, avec leurs courbes délicates, et les échos néo-classiques, caractérisés par leur symétrie et leur équilibre.
    Ce mélange stylistique est typique de la fin du XIXᵉ siècle, où l’éclectisme artistique atteignait son apogée.
    Une Réalisation Technique Impressionnante
    Le bronze doré utilisé pour ces appliques témoigne d’un savoir-faire exceptionnel.
    La dorure, probablement réalisée selon la technique de dorure au mercure, confère aux pièces un éclat chaleureux et une durabilité remarquable.
    Les reflets lumineux qui jouent sur la surface sculptée mettent en valeur chaque détail, accentuant la profondeur et le relief des motifs.
    Le dessus en bois apporte une note de chaleur et de contraste avec le métal doré.
    Cette association élégante de matériaux nobles rehausse la richesse visuelle des consoles tout en ajoutant une touche fonctionnelle, les rendant idéales pour exposer des objets décoratifs.
    Dimensions et Proportions Idéales
    Avec une largeur de 29,5 cm et une hauteur de 29 cm, ces consoles possèdent des proportions harmonieuses qui s’adaptent aisément à différents types d’intérieurs.
    Leur taille les rend suffisamment imposantes pour servir de points focaux dans une pièce, tout en conservant une certaine discrétion, essentielle pour s’intégrer dans un ensemble décoratif plus vaste.
    Une Utilisation Polyvalente
    Conçues pour être fixées au mur, ces appliques s’adaptent parfaitement à une variété d’environnements.
    Placées dans un salon, une entrée ou une chambre, elles peuvent servir de supports pour des objets précieux, tels que des vases, des sculptures ou des bougeoirs.
    Leur style intemporel leur permet également de s’intégrer aussi bien dans des décors classiques que dans des espaces contemporains, apportant une touche d’opulence et d’histoire.
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    Plateau à fond de miroir et contour en argent massif sculpté

    Plateau à fond de miroir et contour en argent massif sculpté

    Ce superbe plateau ancien, de forme ovale, représente un mariage harmonieux entre élégance et fonctionnalité.
    Véritable objet d’art et d’histoire, il séduit immédiatement par son raffinement et le soin apporté à ses détails.
    Le centre du plateau est un miroir aux reflets subtils, qui ajoute une touche de lumière et de profondeur à la pièce.
    Ce fond en glace est entouré d’un cadre en argent massif poinçonné 800/1000ème, signe de qualité et d’authenticité.
    Ce métal précieux présente une patine douce qui lui confère tout le charme des objets anciens tout en soulignant son éclat naturel. L’entourage en argent est sublimé par de délicats motifs sculptés représentant des fleurs en relief, accompagnées de feuillages finement ciselés.
    Ces motifs, réalisés avec une grande précision, témoignent d’un artisanat de haute qualité, typique des pièces décoratives des siècles passés.
    Le contour du plateau adopte une forme légèrement ondulée, renforçant son esthétique gracieuse et fluide.
    Ce design apporte une touche de mouvement et de légèreté à l’ensemble, tandis que les motifs floraux contribuent à son charme romantique. Ces décorations sont typiques de l’orfèvrerie classique, souvent influencée par les styles rococo ou Art nouveau, selon la période de fabrication.
    La base du plateau est en bois massif, soigneusement poli et découpé pour correspondre parfaitement à la forme du cadre en argent.
    Ce bois apporte un contraste chaleureux à la brillance de l’argent et assure une structure solide et durable.
    Le plateau repose sur quatre petits pieds en forme de toupies, également en argent, qui élèvent légèrement la pièce.
    Ces pieds ne sont pas seulement fonctionnels, mais également décoratifs, offrant une stabilité parfaite tout en permettant au plateau de s’intégrer avec élégance à toutes les surfaces.
    Avec ses dimensions généreuses de 46 cm de longueur et 33 cm de largeur, ce plateau est aussi bien un élément fonctionnel qu’un objet décoratif exceptionnel.
    Il peut être utilisé pour servir des boissons, des desserts ou d’autres éléments raffinés lors d’une réception, tout en ajoutant une touche de prestige à l’occasion.
    En dehors de son usage pratique, il peut également être exposé en tant que pièce maîtresse sur une table ou un buffet, où il attirera l’attention grâce à son éclat et ses détails minutieux.
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    Sculpture en terre cuite patinée - Le Fleuve - D'après Jean Jacques CaffieriSculpture en terre cuite patinée - Le Fleuve - D'après Jean Jacques Caffieri

    Sculpture en terre cuite patinée – Le Fleuve – D’après Jean Jacques Caffieri

    2800,00 
    Sculpture en terre cuite patinée – « Le Fleuve »
    d’après Jean-Jacques Caffieri, école française du XVIIIe siècle
    Cette sculpture en terre cuite patinée, intitulée « Le Fleuve », est une œuvre d’une grande finesse, inspirée du modèle original en marbre du sculpteur français Jean-Jacques Caffieri (1725-1792), figure emblématique de l’école française du XVIIIe siècle.
    Réalisée probablement vers la fin du XIXe siècle, elle témoigne de la fascination pour les chefs-d’œuvre classiques et de l’engouement pour les reproductions d’artistes illustres de cette époque.
    Un hommage à l’excellence de Caffieri
    Signée sur la base « Monsieur Caffier 1759 », cette pièce rend hommage à l’œuvre originale de Caffieri, conservée au musée du Louvre à Paris. Jean-Jacques Caffieri, connu pour ses portraits sculptés et ses allégories, a marqué le XVIIIe siècle par son élégance et son attention méticuleuse aux détails.
    Ce modèle marbre, créé dans une période de faste artistique, représente une figure allégorique d’un fleuve, symbole de puissance et de continuité.
    Cette version en terre cuite témoigne d’un savoir-faire remarquable.
    Le matériau utilisé, patiné avec soin, imite avec subtilité la noblesse du marbre tout en offrant une chaleur et une légèreté propres à la terre cuite.
    Sa patine confère à l’œuvre un caractère intemporel, renforçant l’impression d’avoir affaire à un original d’époque.
    Description et détails
    Haute de 58 cm, cette sculpture attire immédiatement le regard par ses proportions harmonieuses et la délicatesse de ses détails.
    La figure allégorique, probablement masculine, est représentée dans une posture majestueuse.
    Les drapés fluides et dynamiques soulignent le mouvement de l’eau, tandis que les muscles finement sculptés traduisent la force et la vigueur associées aux cours d’eau puissants.
    Les traits expressifs et le travail minutieux des cheveux témoignent de l’influence baroque sur Caffieri, qui mêle puissance et grâce.
    Les courbes douces et les contrastes subtilement marqués entre les surfaces lisses et texturées ajoutent à l’attrait visuel de l’œuvre. L’inscription sur la base, évoquant la date de 1759, renforce la filiation avec l’original tout en ajoutant une touche d’authenticité et d’histoire à cette version postérieure.
    Une sculpture d’époque, mais intemporelle
    Bien que cette œuvre ait été réalisée à la fin du XIXe siècle, elle s’inscrit dans une longue tradition d’admiration et de réinterprétation des maîtres du XVIIIe siècle.
    À cette époque, les reproductions d’œuvres célèbres étaient très recherchées par les amateurs d’art et les collectionneurs, désireux de posséder une part de l’héritage artistique français.
    Ce type de création, qui marie un sujet classique à une technique raffinée, reflète également l’essor de la bourgeoisie et l’élargissement de l’accès à l’art.
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    Grand plateau ovale, époque Napoléon III (XIXe siècle), en carton bouilliGrand plateau ovale, époque Napoléon III (XIXe siècle), en carton bouilli

    Grand plateau ovale, époque Napoléon III (XIXe siècle), en carton bouilli

    Je vous présente un splendide plateau de forme ovale, témoin du raffinement artistique et des techniques de fabrication caractéristiques de la seconde moitié du XIXe siècle, sous le règne de Napoléon III.
    Cet objet d’art et d’usage courant, confectionné en papier mâché ou carton bouilli, illustre l’excellence des artisans de cette époque qui combinaient habilement innovation technique et goût pour l’ornementation délicate.
    Un décor floral peint à la main et nacré
    Le centre du plateau dévoile un magnifique bouquet de fleurs, peint à la main avec une finesse remarquable.
    Ce décor, typique de l’art décoratif sous Napoléon III, met en scène une composition florale vibrante aux couleurs délicates.
    L’ajout d’incrustations en nacre rehausse le design en apportant des reflets irisés qui captent la lumière et attirent l’œil.
    Ces incrustations, très en vogue à l’époque, témoignent du souci du détail et de l’élégance recherchée dans les objets de ce style.
    Une fabrication typique du XIXe siècle
    Le plateau est fabriqué à partir de papier mâché ou de carton bouilli, des matériaux prisés au XIXe siècle pour leur légèreté et leur résistance, mais aussi pour leur capacité à être façonnés et décorés avec minutie.
    Ce procédé de fabrication consistait à superposer des couches de papier ou de carton, solidifiées par la chaleur et la pression, puis vernies pour leur donner un aspect laqué.
    Durant cette période, ces plateaux servaient tant pour leur fonction pratique que pour leur rôle décoratif.
    Ils étaient souvent utilisés dans les salons bourgeois ou les demeures élégantes, où l’on appréciait les objets au charme à la fois fonctionnel et esthétique.
    Le charme des traces du temps
    Comme beaucoup de pièces utilitaires ayant traversé les décennies, ce plateau porte les traces d’un usage intensif et présente quelques anciennes réparations.
    Ces marques du temps n’enlèvent rien à son authenticité ni à son charme.
    Au contraire, elles racontent une histoire et soulignent la robustesse et la valeur sentimentale de l’objet.
    Ce plateau est donc bien plus qu’un simple accessoire : c’est un fragment d’histoire qui saura trouver sa place dans une décoration intérieure où le vintage et l’authentique sont mis à l’honneur.
    Dimensions et disponibilité
    Avec ses dimensions généreuses de 49 cm x 61 cm, ce plateau s’impose comme un objet aussi pratique que décoratif.
    Il peut servir à la fois pour présenter des mets lors de vos réceptions ou pour embellir un espace, tel un élément décoratif accroché au mur ou posé sur un buffet.
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    Magnifique grand pichet art nouveau en métal argenté vers 1900

    Magnifique grand pichet art nouveau en métal argenté vers 1900

    Magnifique aiguière ancienne en métal argenté : une pièce d’exception
    Je vous propose une superbe aiguière ancienne, également connue sous le nom de grand pichet, qui incarne le raffinement et l’élégance des arts décoratifs de son époque.
    Réalisée en métal argenté de haute qualité, cette pièce exceptionnelle est une véritable œuvre d’art.
    Ses finitions soignées et son design richement ornementé témoignent d’un savoir-faire artisanal remarquable.
    Un design empreint de poésie et de raffinement
    Cette aiguière est ornée de motifs floraux stylisés caractéristiques du mouvement Art Nouveau, un style artistique qui a marqué la fin du XIXᵉ et le début du XXᵉ siècle.
    Les fleurs, délicatement sculptées, semblent jaillir de la surface métallique, évoquant une nature vivante et élégante.
    Les frises de grecques qui entourent l’aiguière apportent une touche d’harmonie et d’équilibre, renforçant l’impression d’un objet à la fois fonctionnel et décoratif.
    L’anse en forme de gargouille est un détail spectaculaire qui attire immédiatement l’attention.
    Inspirée des créatures fantastiques qui ornent souvent les édifices gothiques, cette gargouille confère une dimension mystique et fascinante à l’aiguière.
    Non seulement elle est impressionnante par son réalisme, mais elle est aussi pensée pour assurer une prise en main confortable et pratique.
    Un objet rare et convoité
    Avec ses 40,5 cm de hauteur, cette aiguière ne passe pas inaperçue.
    Son imposante présence en fait un objet idéal pour agrémenter une table de réception, un buffet ou une vitrine de collection.
    Les amateurs d’antiquités et les passionnés de décoration d’intérieur reconnaîtront immédiatement la valeur de cette pièce unique.
    Les aiguières en métal argenté aussi finement travaillées sont aujourd’hui extrêmement rares, ce qui ajoute à l’intérêt de cet objet.
    Ce pichet ancien se distingue par son état de conservation remarquable et sa qualité de fabrication, des caractéristiques recherchées par les collectionneurs exigeants.
    Il s’agit d’une pièce qui saura trouver sa place dans les plus belles demeures et qui apportera une touche de prestige à n’importe quel intérieur.
    Une opportunité à saisir à Rouen
    Cette pièce d’exception est visible dans ma boutique située sur Rouen Rive Droite, au cœur d’un quartier reconnu pour son charme et ses trésors antiques.
    Que vous soyez collectionneur, amateur d’art ou simplement à la recherche d’un cadeau unique et précieux, cette aiguière saura vous séduire. C’est une occasion rare de posséder un objet chargé d’histoire, témoin d’une époque révolue où l’artisanat et le souci du détail étaient au cœur de la création.
  • Belle et ancienne aiguière en étain art nouveau signé de Noel RuffierBelle et ancienne aiguière en étain art nouveau signé de Noel Ruffier

    Belle et ancienne aiguière en étain art nouveau signé de Noel Ruffier

    520,00 
    Superbe aiguière en étain Art Nouveau signée Noël Ruffier. Élégance et authenticité pour collectionneurs et amateurs d’objets anciens.
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    Belle et ancienne commode galbée, époque Régence 18e siècleBelle et ancienne commode galbée, époque Régence 18e siècle

    Belle et ancienne commode galbée, époque Régence 18e siècle

    1200,00 
    Sublime commode galbée du XVIIIᵉ siècle, époque Régence : élégance antique, bois sculpté et patine authentique. Pièce unique pour décoration raffinée
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    Belle et ancienne ménagère Christofle en métal argenté, modèle Marly

    Belle et ancienne ménagère Christofle en métal argenté, modèle Marly

    Belle Ménagère Ancienne en Métal Argenté – Maison Christofle – Modèle Marly
    Découvrez une superbe ménagère ancienne en métal argenté, signée par la prestigieuse maison **Christofle**, symbole du raffinement à la française.
    Ce service de table, au modèle **Marly**, incarne à la fois l’élégance classique et l’artisanat exceptionnel de cette maison réputée mondialement pour ses pièces intemporelles.
    **Un modèle emblématique : Marly**
    Créé en 1897, le modèle Marly est l’un des motifs les plus riches et les plus emblématiques de Christofle.
    Il doit son nom aux jardins du château de Marly, un lieu de villégiature royale célèbre pour sa beauté luxuriante.
    Le design, inspiré du style rocaille, se distingue par des volutes florales et des ornements délicatement ciselés.
    Ce décor raffiné, à la fois sobre et opulent, incarne l’art de vivre à la française et rehaussera vos tables d’un charme intemporel.
    **Un service complet de 61 pièces**
    Cette ménagère comprend un total de **61 pièces**, idéal pour recevoir en toute élégance jusqu’à 12 convives. Elle se compose des éléments suivants :
    – **12 fourchettes de table**, parfaites pour savourer vos plats principaux.
    – **12 grandes cuillères de table**, idéales pour les potages et les plats généreux.
    – **12 grands couteaux**, aux lames en acier inoxydable pour une coupe précise.
    – **12 petits couteaux**, conçus pour les entrées ou autres plats légers.
    – **12 petites cuillères**, parfaites pour les desserts ou les boissons chaudes.
    – **1 louche**, indispensable pour le service des soupes ou sauces.
    Chaque pièce porte le poinçon de la maison Christofle, garantissant l’authenticité et la qualité de fabrication.
    **État général et entretien**
    Ce service, bien que vintage, est en **bon état général**.
    Les couverts présentent une belle patine témoignant de leur histoire, mais nécessitent un léger nettoyage pour raviver tout leur éclat d’origine.
    Un entretien soigneux permettra de sublimer leur métal argenté, connu pour sa durabilité et sa brillance intemporelle.
    **Un coffret pratique et élégant**
    L’ensemble est présenté dans un **coffret** conçu pour protéger les pièces et faciliter leur rangement.
    Ce coffret ajoute une touche de praticité tout en valorisant cette ménagère comme une pièce de collection.
    **Une fabrication française d’exception**
    Synonyme d’excellence, la maison Christofle incarne depuis le XIXe siècle le savoir-faire français dans l’orfèvrerie.
    Cette ménagère illustre parfaitement cette tradition, mariant esthétisme et fonctionnalité.
    Posséder une pièce Christofle, c’est s’offrir un fragment de l’histoire de l’art de la table français.
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    Tables gigognes en laiton et cuir des années 1950 par Jacques ADNETTables gigognes en laiton et cuir des années 1950 par Jacques ADNET

    Tables gigognes en laiton et cuir des années 1950 par Jacques ADNET

    Les tables basses gigognes de Jacques Adnet, conçues dans les années 50, sont une illustration parfaite de l’élégance sobre et de l’ingéniosité du design de cette époque. Adnet, connu pour son approche moderniste alliée à une grande sophistication matérielle, a créé un ensemble qui incarne l’esprit du milieu du XXe siècle, alliant fonctionnalité et esthétique raffinée.
    Ces tables, conçues pour être modulables et polyvalentes, peuvent être disposées en diverses configurations, leur permettant de s’adapter aisément aux besoins et à la disposition d’un espace de vie.
    Design et Matériaux
    L’ensemble est composé de trois tables de tailles différentes qui s’emboîtent, d’où leur appellation de « tables gigognes ».
    Ce design est non seulement fonctionnel mais aussi astucieux, permettant un rangement facile et une grande flexibilité d’utilisation.
    Ces tables sont en laiton patiné, travaillé pour imiter la texture et l’apparence du bambou, un choix de matériau et de finition qui témoigne de l’originalité de l’époque et du talent de Jacques Adnet.
    Le laiton patiné confère à l’ensemble une teinte chaude et un aspect vieilli qui ajoute de la profondeur et de la richesse au design.
    Le choix du laiton patiné façon bambou n’est pas anodin. Adnet, influencé par l’esthétique Art déco et le modernisme, cherche à introduire des matériaux naturels dans des formes épurées.
    Le laiton patiné a été travaillé pour imiter le bambou, alliant ainsi le naturel au luxe, tout en offrant une solidité et une durabilité que le bambou réel n’aurait pas permis.
    Cette technique de patine donne aux tables une apparence singulière, ajoutant une touche d’exotisme discrète tout en restant dans le cadre d’un design sophistiqué.
    Les plateaux des tables sont recouverts d’un cuir noir, un autre choix emblématique de Jacques Adnet, souvent associé à ses créations.
    Le cuir, matériau noble et durable, apporte une texture et une élégance supplémentaire à l’ensemble.
    Le contraste entre le cuir noir profond et le laiton doré patiné crée un effet visuel saisissant, alliant sobriété et raffinement.
    Aux quatre angles de chaque plateau, de petites pièces en laiton viennent renforcer la structure et ajoutent un détail esthétique subtil mais significatif, évoquant la qualité de fabrication et l’attention aux détails caractéristiques des créations d’Adnet.
    État et Caractéristiques de l’Ensemble
    Cet ensemble est en bon état vintage, et bien qu’il présente quelques traces du temps, cela ajoute à son charme et à son authenticité.
    Le cuir des plateaux, qui montre des marques d’usage, est le témoin de son histoire et de son vécu, offrant une patine naturelle qui témoigne du passage du temps.
    Ces marques ne sont pas des défauts mais des traces d’authenticité qui renforcent la valeur vintage de l’ensemble.
    De même, le laiton présente quelques zones d’oxydation, caractéristiques des matériaux en métal anciens qui réagissent naturellement avec l’environnement au fil des décennies.
    Cette oxydation ne compromet en rien la solidité ou la stabilité des tables ; au contraire, elle ajoute une touche de charme et témoigne de l’ancienneté de la pièce, la rendant unique.
    Les éléments en laiton patiné, tout en conservant une certaine brillance, montrent des signes naturels d’oxydation qui se manifestent par de petites variations de couleur sur la structure en bambou.
    Cet aspect vieilli est recherché par les collectionneurs et amateurs de design vintage car il confère à l’ensemble un cachet historique tout en conservant l’élégance intemporelle qui fait la réputation des créations d’Adnet.
    Absence de Restauration
    Il est important de noter que cet ensemble n’a subi aucune restauration, ce qui en fait un témoignage authentique du design d’origine des années 50.
    L’absence de restauration garantit que chaque élément est d’origine, du laiton patiné au cuir noir, conservant ainsi toute la valeur historique et l’intégrité esthétique de l’ensemble.
    Les collectionneurs et les amateurs de mobilier d’époque recherchent souvent des pièces non restaurées, car elles offrent un aperçu direct des matériaux et des techniques d’époque sans intervention moderne.
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    Miniature ancienne, réalisée à la fin du XIXe siècle et signée par l’artiste J. CavanaMiniature ancienne, réalisée à la fin du XIXe siècle et signée par l’artiste J. Cavana

    Miniature ancienne, réalisée à la fin du XIXe siècle et signée par l’artiste J. Cavana

    Cette délicate miniature du XIXe siècle, signée par l’artiste Jean Cavana, est un témoignage captivant de l’élégance de son époque. Réalisée vers la fin du siècle, elle représente une femme raffinée, probablement Marie Thérèse Blonel d’Haraucourt, une figure de la noblesse. Cavana, en mettant en avant chaque détail, des tissus sophistiqués de sa tenue aux subtiles variations des traits de son visage, démontre l’étendue de son talent. L’œuvre traduit avec finesse l’atmosphère et l’esthétique de la société aristocratique de l’époque.
    Jean Cavana, né en Italie en 1830, s’est installé en France où il s’est rapidement distingué par son habileté à capturer l’essence de ses modèles dans des formats miniatures. Sa formation dans la lignée des maîtres classiques lui a permis de développer une technique précise, un savoir-faire qui a séduit les élites de son temps. Ces dernières recherchaient un artiste capable de figer sur des supports de petite taille non seulement l’apparence mais aussi la personnalité de ceux qu’il peignait. Cavana a ainsi su s’imposer comme un portraitiste de renom, en grande partie grâce à cette capacité à rendre les traits psychologiques visibles dans de si petits formats.
    La carrière de Jean Cavana a été marquée par de nombreuses commandes provenant de la haute société, désireuse de posséder ces miniatures raffinées, symboles à la fois d’un statut social et d’un goût pour l’art. Cavana a d’ailleurs su tirer parti de cette demande croissante pour la miniature, un genre particulièrement prisé au XIXe siècle, époque où la photographie n’avait pas encore supplanté la peinture dans l’art du portrait. Ses œuvres se distinguent par une précision remarquable et une attention méticuleuse aux détails, qu’il s’agisse des vêtements, des textures ou des visages.
    La maîtrise technique de Cavana ne s’arrête pas au portrait miniature. Au-delà de ce genre, il a exploré divers thèmes, s’essayant notamment au paysage, et ses œuvres dégagent souvent une certaine nostalgie. Ce sentiment, présent dans ses peintures, contribue à leur caractère unique et à leur profondeur. L’artiste semblait avoir une sensibilité particulière pour les moments suspendus dans le temps, qu’il capturait avec une délicatesse certaine.
    Dans cette miniature spécifique, Cavana excelle en restituant l’élégance d’une dame de la noblesse, sans doute Marie Thérèse Blonel d’Haraucourt. La précision des plis de la robe, les jeux d’ombre et de lumière sur le visage, et la douceur du regard traduisent un travail minutieux et une grande habileté artistique. Ces caractéristiques témoignent de l’attention que l’artiste portait à chaque élément de ses compositions, révélant ainsi sa capacité à donner vie à ses sujets dans des formats si réduits.
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    Miniature ancienne, réalisée à la fin du XIXe siècle et signée par l’artiste J. CavanaMiniature ancienne, réalisée à la fin du XIXe siècle et signée par l’artiste J. Cavana

    Miniature ancienne, réalisée à la fin du XIXe siècle et signée par l’artiste J. Cavana

    Cette délicate miniature du XIXe siècle, signée par l’artiste Jean Cavana, est un témoignage captivant de l’élégance de son époque. Réalisée vers la fin du siècle, elle représente une femme raffinée, probablement Marie Thérèse Blonel d’Haraucourt, une figure de la noblesse. Cavana, en mettant en avant chaque détail, des tissus sophistiqués de sa tenue aux subtiles variations des traits de son visage, démontre l’étendue de son talent. L’œuvre traduit avec finesse l’atmosphère et l’esthétique de la société aristocratique de l’époque.
    Jean Cavana, né en Italie en 1830, s’est installé en France où il s’est rapidement distingué par son habileté à capturer l’essence de ses modèles dans des formats miniatures. Sa formation dans la lignée des maîtres classiques lui a permis de développer une technique précise, un savoir-faire qui a séduit les élites de son temps. Ces dernières recherchaient un artiste capable de figer sur des supports de petite taille non seulement l’apparence mais aussi la personnalité de ceux qu’il peignait. Cavana a ainsi su s’imposer comme un portraitiste de renom, en grande partie grâce à cette capacité à rendre les traits psychologiques visibles dans de si petits formats.
    La carrière de Jean Cavana a été marquée par de nombreuses commandes provenant de la haute société, désireuse de posséder ces miniatures raffinées, symboles à la fois d’un statut social et d’un goût pour l’art. Cavana a d’ailleurs su tirer parti de cette demande croissante pour la miniature, un genre particulièrement prisé au XIXe siècle, époque où la photographie n’avait pas encore supplanté la peinture dans l’art du portrait. Ses œuvres se distinguent par une précision remarquable et une attention méticuleuse aux détails, qu’il s’agisse des vêtements, des textures ou des visages.
    La maîtrise technique de Cavana ne s’arrête pas au portrait miniature. Au-delà de ce genre, il a exploré divers thèmes, s’essayant notamment au paysage, et ses œuvres dégagent souvent une certaine nostalgie. Ce sentiment, présent dans ses peintures, contribue à leur caractère unique et à leur profondeur. L’artiste semblait avoir une sensibilité particulière pour les moments suspendus dans le temps, qu’il capturait avec une délicatesse certaine.
    Dans cette miniature spécifique, Cavana excelle en restituant l’élégance d’une dame de la noblesse, sans doute Marie Thérèse Blonel d’Haraucourt. La précision des plis de la robe, les jeux d’ombre et de lumière sur le visage, et la douceur du regard traduisent un travail minutieux et une grande habileté artistique. Ces caractéristiques témoignent de l’attention que l’artiste portait à chaque élément de ses compositions, révélant ainsi sa capacité à donner vie à ses sujets dans des formats si réduits.
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    Miniature ancienne, réalisée à la fin du XIXe siècle et signée par l’artiste J. CavanaMiniature ancienne, réalisée à la fin du XIXe siècle et signée par l’artiste J. Cavana

    Miniature ancienne, réalisée à la fin du XIXe siècle et signée par l’artiste J. Cavana

    Cette délicate miniature du XIXe siècle, signée par l’artiste Jean Cavana, est un témoignage captivant de l’élégance de son époque. Réalisée vers la fin du siècle, elle représente une femme raffinée, probablement Marie Thérèse Blonel d’Haraucourt, une figure de la noblesse. Cavana, en mettant en avant chaque détail, des tissus sophistiqués de sa tenue aux subtiles variations des traits de son visage, démontre l’étendue de son talent. L’œuvre traduit avec finesse l’atmosphère et l’esthétique de la société aristocratique de l’époque.
    Jean Cavana, né en Italie en 1830, s’est installé en France où il s’est rapidement distingué par son habileté à capturer l’essence de ses modèles dans des formats miniatures. Sa formation dans la lignée des maîtres classiques lui a permis de développer une technique précise, un savoir-faire qui a séduit les élites de son temps. Ces dernières recherchaient un artiste capable de figer sur des supports de petite taille non seulement l’apparence mais aussi la personnalité de ceux qu’il peignait. Cavana a ainsi su s’imposer comme un portraitiste de renom, en grande partie grâce à cette capacité à rendre les traits psychologiques visibles dans de si petits formats.
    La carrière de Jean Cavana a été marquée par de nombreuses commandes provenant de la haute société, désireuse de posséder ces miniatures raffinées, symboles à la fois d’un statut social et d’un goût pour l’art. Cavana a d’ailleurs su tirer parti de cette demande croissante pour la miniature, un genre particulièrement prisé au XIXe siècle, époque où la photographie n’avait pas encore supplanté la peinture dans l’art du portrait. Ses œuvres se distinguent par une précision remarquable et une attention méticuleuse aux détails, qu’il s’agisse des vêtements, des textures ou des visages.
    La maîtrise technique de Cavana ne s’arrête pas au portrait miniature. Au-delà de ce genre, il a exploré divers thèmes, s’essayant notamment au paysage, et ses œuvres dégagent souvent une certaine nostalgie. Ce sentiment, présent dans ses peintures, contribue à leur caractère unique et à leur profondeur. L’artiste semblait avoir une sensibilité particulière pour les moments suspendus dans le temps, qu’il capturait avec une délicatesse certaine.
    Dans cette miniature spécifique, Cavana excelle en restituant l’élégance d’une dame de la noblesse, sans doute Marie Thérèse Blonel d’Haraucourt. La précision des plis de la robe, les jeux d’ombre et de lumière sur le visage, et la douceur du regard traduisent un travail minutieux et une grande habileté artistique. Ces caractéristiques témoignent de l’attention que l’artiste portait à chaque élément de ses compositions, révélant ainsi sa capacité à donner vie à ses sujets dans des formats si réduits.
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    Miniature ancienne, réalisée à la fin du XIXe siècle et signée par l’artiste J. Cavana, antiquités et brocanteMiniature ancienne, réalisée à la fin du XIXe siècle et signée par l’artiste J. Cavana, antiquités et brocante

    Miniature ancienne, réalisée à la fin du XIXe siècle et signée par l’artiste J. Cavana

    Cette délicate miniature du XIXe siècle, signée par l’artiste Jean Cavana, est un témoignage captivant de l’élégance de son époque. Réalisée vers la fin du siècle, elle représente une femme raffinée, probablement Marie Thérèse Blonel d’Haraucourt, une figure de la noblesse. Cavana, en mettant en avant chaque détail, des tissus sophistiqués de sa tenue aux subtiles variations des traits de son visage, démontre l’étendue de son talent. L’œuvre traduit avec finesse l’atmosphère et l’esthétique de la société aristocratique de l’époque.
    Jean Cavana, né en Italie en 1830, s’est installé en France où il s’est rapidement distingué par son habileté à capturer l’essence de ses modèles dans des formats miniatures. Sa formation dans la lignée des maîtres classiques lui a permis de développer une technique précise, un savoir-faire qui a séduit les élites de son temps. Ces dernières recherchaient un artiste capable de figer sur des supports de petite taille non seulement l’apparence mais aussi la personnalité de ceux qu’il peignait. Cavana a ainsi su s’imposer comme un portraitiste de renom, en grande partie grâce à cette capacité à rendre les traits psychologiques visibles dans de si petits formats.
    La carrière de Jean Cavana a été marquée par de nombreuses commandes provenant de la haute société, désireuse de posséder ces miniatures raffinées, symboles à la fois d’un statut social et d’un goût pour l’art. Cavana a d’ailleurs su tirer parti de cette demande croissante pour la miniature, un genre particulièrement prisé au XIXe siècle, époque où la photographie n’avait pas encore supplanté la peinture dans l’art du portrait. Ses œuvres se distinguent par une précision remarquable et une attention méticuleuse aux détails, qu’il s’agisse des vêtements, des textures ou des visages.
    La maîtrise technique de Cavana ne s’arrête pas au portrait miniature. Au-delà de ce genre, il a exploré divers thèmes, s’essayant notamment au paysage, et ses œuvres dégagent souvent une certaine nostalgie. Ce sentiment, présent dans ses peintures, contribue à leur caractère unique et à leur profondeur. L’artiste semblait avoir une sensibilité particulière pour les moments suspendus dans le temps, qu’il capturait avec une délicatesse certaine.
    Dans cette miniature spécifique, Cavana excelle en restituant l’élégance d’une dame de la noblesse, sans doute Marie Thérèse Blonel d’Haraucourt. La précision des plis de la robe, les jeux d’ombre et de lumière sur le visage, et la douceur du regard traduisent un travail minutieux et une grande habileté artistique. Ces caractéristiques témoignent de l’attention que l’artiste portait à chaque élément de ses compositions, révélant ainsi sa capacité à donner vie à ses sujets dans des formats si réduits.
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    Miniature ancienne, réalisée à la fin du XIXe siècle et signée par l’artiste J. CavanaMiniature ancienne, réalisée à la fin du XIXe siècle et signée par l’artiste J. Cavana

    Miniature ancienne, réalisée à la fin du XIXe siècle et signée par l’artiste J. Cavana

    Cette délicate miniature du XIXe siècle, signée par l’artiste Jean Cavana, est un témoignage captivant de l’élégance de son époque. Réalisée vers la fin du siècle, elle représente une femme raffinée, probablement Marie Thérèse Blonel d’Haraucourt, une figure de la noblesse. Cavana, en mettant en avant chaque détail, des tissus sophistiqués de sa tenue aux subtiles variations des traits de son visage, démontre l’étendue de son talent. L’œuvre traduit avec finesse l’atmosphère et l’esthétique de la société aristocratique de l’époque.
    Jean Cavana, né en Italie en 1830, s’est installé en France où il s’est rapidement distingué par son habileté à capturer l’essence de ses modèles dans des formats miniatures. Sa formation dans la lignée des maîtres classiques lui a permis de développer une technique précise, un savoir-faire qui a séduit les élites de son temps. Ces dernières recherchaient un artiste capable de figer sur des supports de petite taille non seulement l’apparence mais aussi la personnalité de ceux qu’il peignait. Cavana a ainsi su s’imposer comme un portraitiste de renom, en grande partie grâce à cette capacité à rendre les traits psychologiques visibles dans de si petits formats.
    La carrière de Jean Cavana a été marquée par de nombreuses commandes provenant de la haute société, désireuse de posséder ces miniatures raffinées, symboles à la fois d’un statut social et d’un goût pour l’art. Cavana a d’ailleurs su tirer parti de cette demande croissante pour la miniature, un genre particulièrement prisé au XIXe siècle, époque où la photographie n’avait pas encore supplanté la peinture dans l’art du portrait. Ses œuvres se distinguent par une précision remarquable et une attention méticuleuse aux détails, qu’il s’agisse des vêtements, des textures ou des visages.
    La maîtrise technique de Cavana ne s’arrête pas au portrait miniature. Au-delà de ce genre, il a exploré divers thèmes, s’essayant notamment au paysage, et ses œuvres dégagent souvent une certaine nostalgie. Ce sentiment, présent dans ses peintures, contribue à leur caractère unique et à leur profondeur. L’artiste semblait avoir une sensibilité particulière pour les moments suspendus dans le temps, qu’il capturait avec une délicatesse certaine.
    Dans cette miniature spécifique, Cavana excelle en restituant l’élégance d’une dame de la noblesse, sans doute Marie Thérèse Blonel d’Haraucourt. La précision des plis de la robe, les jeux d’ombre et de lumière sur le visage, et la douceur du regard traduisent un travail minutieux et une grande habileté artistique. Ces caractéristiques témoignent de l’attention que l’artiste portait à chaque élément de ses compositions, révélant ainsi sa capacité à donner vie à ses sujets dans des formats si réduits.
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    Miniature ancienne, réalisée à la fin du XIXe siècle et signée par l’artiste J. CavanaMiniature ancienne, réalisée à la fin du XIXe siècle et signée par l’artiste J. Cavana

    Miniature ancienne, réalisée à la fin du XIXe siècle et signée par l’artiste J. Cavana

    Cette délicate miniature du XIXe siècle, signée par l’artiste Jean Cavana, est un témoignage captivant de l’élégance de son époque. Réalisée vers la fin du siècle, elle représente une femme raffinée, probablement Marie Thérèse Blonel d’Haraucourt, une figure de la noblesse. Cavana, en mettant en avant chaque détail, des tissus sophistiqués de sa tenue aux subtiles variations des traits de son visage, démontre l’étendue de son talent. L’œuvre traduit avec finesse l’atmosphère et l’esthétique de la société aristocratique de l’époque.
    Jean Cavana, né en Italie en 1830, s’est installé en France où il s’est rapidement distingué par son habileté à capturer l’essence de ses modèles dans des formats miniatures. Sa formation dans la lignée des maîtres classiques lui a permis de développer une technique précise, un savoir-faire qui a séduit les élites de son temps. Ces dernières recherchaient un artiste capable de figer sur des supports de petite taille non seulement l’apparence mais aussi la personnalité de ceux qu’il peignait. Cavana a ainsi su s’imposer comme un portraitiste de renom, en grande partie grâce à cette capacité à rendre les traits psychologiques visibles dans de si petits formats.
    La carrière de Jean Cavana a été marquée par de nombreuses commandes provenant de la haute société, désireuse de posséder ces miniatures raffinées, symboles à la fois d’un statut social et d’un goût pour l’art. Cavana a d’ailleurs su tirer parti de cette demande croissante pour la miniature, un genre particulièrement prisé au XIXe siècle, époque où la photographie n’avait pas encore supplanté la peinture dans l’art du portrait. Ses œuvres se distinguent par une précision remarquable et une attention méticuleuse aux détails, qu’il s’agisse des vêtements, des textures ou des visages.
    La maîtrise technique de Cavana ne s’arrête pas au portrait miniature. Au-delà de ce genre, il a exploré divers thèmes, s’essayant notamment au paysage, et ses œuvres dégagent souvent une certaine nostalgie. Ce sentiment, présent dans ses peintures, contribue à leur caractère unique et à leur profondeur. L’artiste semblait avoir une sensibilité particulière pour les moments suspendus dans le temps, qu’il capturait avec une délicatesse certaine.
    Dans cette miniature spécifique, Cavana excelle en restituant l’élégance d’une dame de la noblesse, sans doute Marie Thérèse Blonel d’Haraucourt. La précision des plis de la robe, les jeux d’ombre et de lumière sur le visage, et la douceur du regard traduisent un travail minutieux et une grande habileté artistique. Ces caractéristiques témoignent de l’attention que l’artiste portait à chaque élément de ses compositions, révélant ainsi sa capacité à donner vie à ses sujets dans des formats si réduits.
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    Miniature ancienne, réalisée à la fin du XIXe siècle et signée par l’artiste J. CavanaMiniature ancienne, réalisée à la fin du XIXe siècle et signée par l’artiste J. Cavana

    Miniature ancienne, réalisée à la fin du XIXe siècle et signée par l’artiste J. Cavana

    Cette délicate miniature du XIXe siècle, signée par l’artiste Jean Cavana, est un témoignage captivant de l’élégance de son époque. Réalisée vers la fin du siècle, elle représente une femme raffinée, probablement Marie Thérèse Blonel d’Haraucourt, une figure de la noblesse. Cavana, en mettant en avant chaque détail, des tissus sophistiqués de sa tenue aux subtiles variations des traits de son visage, démontre l’étendue de son talent. L’œuvre traduit avec finesse l’atmosphère et l’esthétique de la société aristocratique de l’époque.
    Jean Cavana, né en Italie en 1830, s’est installé en France où il s’est rapidement distingué par son habileté à capturer l’essence de ses modèles dans des formats miniatures. Sa formation dans la lignée des maîtres classiques lui a permis de développer une technique précise, un savoir-faire qui a séduit les élites de son temps. Ces dernières recherchaient un artiste capable de figer sur des supports de petite taille non seulement l’apparence mais aussi la personnalité de ceux qu’il peignait. Cavana a ainsi su s’imposer comme un portraitiste de renom, en grande partie grâce à cette capacité à rendre les traits psychologiques visibles dans de si petits formats.
    La carrière de Jean Cavana a été marquée par de nombreuses commandes provenant de la haute société, désireuse de posséder ces miniatures raffinées, symboles à la fois d’un statut social et d’un goût pour l’art. Cavana a d’ailleurs su tirer parti de cette demande croissante pour la miniature, un genre particulièrement prisé au XIXe siècle, époque où la photographie n’avait pas encore supplanté la peinture dans l’art du portrait. Ses œuvres se distinguent par une précision remarquable et une attention méticuleuse aux détails, qu’il s’agisse des vêtements, des textures ou des visages.
    La maîtrise technique de Cavana ne s’arrête pas au portrait miniature. Au-delà de ce genre, il a exploré divers thèmes, s’essayant notamment au paysage, et ses œuvres dégagent souvent une certaine nostalgie. Ce sentiment, présent dans ses peintures, contribue à leur caractère unique et à leur profondeur. L’artiste semblait avoir une sensibilité particulière pour les moments suspendus dans le temps, qu’il capturait avec une délicatesse certaine.
    Dans cette miniature spécifique, Cavana excelle en restituant l’élégance d’une dame de la noblesse, sans doute Marie Thérèse Blonel d’Haraucourt. La précision des plis de la robe, les jeux d’ombre et de lumière sur le visage, et la douceur du regard traduisent un travail minutieux et une grande habileté artistique. Ces caractéristiques témoignent de l’attention que l’artiste portait à chaque élément de ses compositions, révélant ainsi sa capacité à donner vie à ses sujets dans des formats si réduits.
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    Miniature ancienne, réalisée à la fin du XIXe siècle et signée par l’artiste J. CavanaMiniature ancienne, réalisée à la fin du XIXe siècle et signée par l’artiste J. Cavana

    Miniature ancienne, réalisée à la fin du XIXe siècle et signée par l’artiste J. Cavana

    Cette délicate miniature du XIXe siècle, signée par l’artiste Jean Cavana, est un témoignage captivant de l’élégance de son époque. Réalisée vers la fin du siècle, elle représente une femme raffinée, probablement Marie Thérèse Blonel d’Haraucourt, une figure de la noblesse. Cavana, en mettant en avant chaque détail, des tissus sophistiqués de sa tenue aux subtiles variations des traits de son visage, démontre l’étendue de son talent. L’œuvre traduit avec finesse l’atmosphère et l’esthétique de la société aristocratique de l’époque.
    Jean Cavana, né en Italie en 1830, s’est installé en France où il s’est rapidement distingué par son habileté à capturer l’essence de ses modèles dans des formats miniatures. Sa formation dans la lignée des maîtres classiques lui a permis de développer une technique précise, un savoir-faire qui a séduit les élites de son temps. Ces dernières recherchaient un artiste capable de figer sur des supports de petite taille non seulement l’apparence mais aussi la personnalité de ceux qu’il peignait. Cavana a ainsi su s’imposer comme un portraitiste de renom, en grande partie grâce à cette capacité à rendre les traits psychologiques visibles dans de si petits formats.
    La carrière de Jean Cavana a été marquée par de nombreuses commandes provenant de la haute société, désireuse de posséder ces miniatures raffinées, symboles à la fois d’un statut social et d’un goût pour l’art. Cavana a d’ailleurs su tirer parti de cette demande croissante pour la miniature, un genre particulièrement prisé au XIXe siècle, époque où la photographie n’avait pas encore supplanté la peinture dans l’art du portrait. Ses œuvres se distinguent par une précision remarquable et une attention méticuleuse aux détails, qu’il s’agisse des vêtements, des textures ou des visages.
    La maîtrise technique de Cavana ne s’arrête pas au portrait miniature. Au-delà de ce genre, il a exploré divers thèmes, s’essayant notamment au paysage, et ses œuvres dégagent souvent une certaine nostalgie. Ce sentiment, présent dans ses peintures, contribue à leur caractère unique et à leur profondeur. L’artiste semblait avoir une sensibilité particulière pour les moments suspendus dans le temps, qu’il capturait avec une délicatesse certaine.
    Dans cette miniature spécifique, Cavana excelle en restituant l’élégance d’une dame de la noblesse, sans doute Marie Thérèse Blonel d’Haraucourt. La précision des plis de la robe, les jeux d’ombre et de lumière sur le visage, et la douceur du regard traduisent un travail minutieux et une grande habileté artistique. Ces caractéristiques témoignent de l’attention que l’artiste portait à chaque élément de ses compositions, révélant ainsi sa capacité à donner vie à ses sujets dans des formats si réduits.
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    Miniature ancienne, réalisée à la fin du XIXe siècle et signée par l’artiste J. CavanaMiniature ancienne, réalisée à la fin du XIXe siècle et signée par l’artiste J. Cavana

    Miniature ancienne, réalisée à la fin du XIXe siècle et signée par l’artiste J. Cavana

    Cette délicate miniature du XIXe siècle, signée par l’artiste Jean Cavana, est un témoignage captivant de l’élégance de son époque. Réalisée vers la fin du siècle, elle représente une femme raffinée, probablement Marie Thérèse Blonel d’Haraucourt, une figure de la noblesse. Cavana, en mettant en avant chaque détail, des tissus sophistiqués de sa tenue aux subtiles variations des traits de son visage, démontre l’étendue de son talent. L’œuvre traduit avec finesse l’atmosphère et l’esthétique de la société aristocratique de l’époque.
    Jean Cavana, né en Italie en 1830, s’est installé en France où il s’est rapidement distingué par son habileté à capturer l’essence de ses modèles dans des formats miniatures. Sa formation dans la lignée des maîtres classiques lui a permis de développer une technique précise, un savoir-faire qui a séduit les élites de son temps. Ces dernières recherchaient un artiste capable de figer sur des supports de petite taille non seulement l’apparence mais aussi la personnalité de ceux qu’il peignait. Cavana a ainsi su s’imposer comme un portraitiste de renom, en grande partie grâce à cette capacité à rendre les traits psychologiques visibles dans de si petits formats.
    La carrière de Jean Cavana a été marquée par de nombreuses commandes provenant de la haute société, désireuse de posséder ces miniatures raffinées, symboles à la fois d’un statut social et d’un goût pour l’art. Cavana a d’ailleurs su tirer parti de cette demande croissante pour la miniature, un genre particulièrement prisé au XIXe siècle, époque où la photographie n’avait pas encore supplanté la peinture dans l’art du portrait. Ses œuvres se distinguent par une précision remarquable et une attention méticuleuse aux détails, qu’il s’agisse des vêtements, des textures ou des visages.
    La maîtrise technique de Cavana ne s’arrête pas au portrait miniature. Au-delà de ce genre, il a exploré divers thèmes, s’essayant notamment au paysage, et ses œuvres dégagent souvent une certaine nostalgie. Ce sentiment, présent dans ses peintures, contribue à leur caractère unique et à leur profondeur. L’artiste semblait avoir une sensibilité particulière pour les moments suspendus dans le temps, qu’il capturait avec une délicatesse certaine.
    Dans cette miniature spécifique, Cavana excelle en restituant l’élégance d’une dame de la noblesse, sans doute Marie Thérèse Blonel d’Haraucourt. La précision des plis de la robe, les jeux d’ombre et de lumière sur le visage, et la douceur du regard traduisent un travail minutieux et une grande habileté artistique. Ces caractéristiques témoignent de l’attention que l’artiste portait à chaque élément de ses compositions, révélant ainsi sa capacité à donner vie à ses sujets dans des formats si réduits.
  • Rare fauteuil pivotant ancien de Paquebot, Le France, Le NormandieRare fauteuil pivotant ancien de Paquebot, Le France, Le Normandie

    Rare fauteuil pivotant ancien de Paquebot, Le France, Le Normandie

    850,00 
    Rare fauteuil de paquebot pivotant des célèbres transatlantiques Le France & Le Normandie. Pièce authentique, idéale pour collectionneurs
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    Paire de chandelier candélabre en cristal de Baccarat, Hauteur 56 cmPaire de chandelier candélabre en cristal de Baccarat, Hauteur 56 cm

    Paire de chandelier candélabre en cristal de Baccarat, Hauteur 56 cm

    1600,00 
    Grande Paire de Candélabres en Cristal de Baccarat
    Ces superbes candélabres en cristal de Baccarat, mesurant 56 cm de hauteur, incarnent l’élégance et l’artisanat du 19e siècle, période où le savoir-faire de Baccarat en matière de verrerie et de cristal atteint des sommets inégalés.
    Avec leurs trois bras de lumière gracieux et un assemblage de pendeloques étincelantes, ces pièces illuminent non seulement par leur fonction, mais également par leur esthétique, en témoignant de l’expertise et du prestige de la cristallerie française.
    La présence de la marque Baccarat au revers confirme leur authenticité, offrant ainsi aux amateurs de beaux objets une opportunité d’acquérir une œuvre véritablement emblématique de cet atelier de renommée mondiale.
    Description et Détails Techniques
    Chaque candélabre de cette paire repose sur une monture en métal ornée, qui ajoute un contraste subtil et raffiné au cristal éclatant.
    Les bras de lumière, habillés de pendeloques, projettent une luminosité qui magnifie les surfaces environnantes, rappelant l’atmosphère chaleureuse des salons aristocratiques et des demeures nobles du passé.
    Les pampilles, ou « pendeloques », suspendues aux bras de lumière, créent un jeu de reflets fascinant qui attire naturellement le regard.
    En examinant de plus près, quelques détails montrent que ces candélabres ont traversé les âges.
    Certaines pampilles, fragiles par nature, sont manquantes ; néanmoins, il est possible de retrouver des pampilles d’époque qui pourront parfaitement compléter l’ensemble et rétablir son intégrité visuelle.
    De plus, l’une des coupelles a été recollée, mais le travail de réparation a été fait avec soin, sans altérer l’harmonie globale du candélabre.
    Enfin, parmi les deux bobèches qui accueillent les bougies, l’une présente quelques égrenures, témoins de son utilisation et de son passage à travers le temps, tandis que l’autre est restée intacte.
    La Signature Baccarat : Tradition et Excellence
    Baccarat, fondée en 1764 sous le règne de Louis XV, est devenue synonyme de cristal de luxe et d’excellence française.
    Reconnaissable à son éclat inégalé et à sa qualité exceptionnelle, chaque pièce de Baccarat est le résultat de plusieurs centaines d’années d’expertise transmise de génération en génération.
    La marque Baccarat, visible au revers de ces candélabres, assure aux collectionneurs la provenance et l’authenticité de ces pièces.
    Cette signature est un gage de qualité qui rappelle les nombreuses commandes prestigieuses de Baccarat au fil de l’histoire, des tables royales aux maisons de la haute société européenne.
    L’histoire de Baccarat est ponctuée de collaborations artistiques, et la maison est également reconnue pour avoir constamment innové dans ses designs et ses techniques de production, créant des œuvres qui marient tradition et modernité.
    Ces candélabres, bien que d’une autre époque, sont représentatifs de cette capacité unique de Baccarat à concevoir des objets intemporels, qui continuent de captiver par leur sophistication et leur beauté.
    Un Témoignage du Passé
    L’intérêt particulier pour cette paire réside dans la dualité entre leur caractère intact et les petites imperfections qu’ils portent, comme des marques du temps.
    Ce type de pièces suscite un charme unique et raconte une histoire ; il est possible d’imaginer ces candélabres illuminant des salles de réception somptueuses, témoins muets de conversations élégantes et de soirées fastueuses.
    Leur acquisition invite le collectionneur non seulement à posséder un objet précieux, mais également à faire revivre une époque où l’art de la table était élevé au rang de cérémonie.
    Posséder cette paire de candélabres en cristal Baccarat, c’est offrir une seconde vie à un vestige du passé et l’inscrire dans une nouvelle histoire.
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    Miniature ancienne, réalisée à la fin du XIXe siècle et signée par l’artiste J. CavanaMiniature ancienne, réalisée à la fin du XIXe siècle et signée par l’artiste J. Cavana

    Miniature ancienne, réalisée à la fin du XIXe siècle et signée par l’artiste J. Cavana

    Cette délicate miniature du XIXe siècle, signée par l’artiste J. Cavana, est une représentation saisissante de l’élégance et du raffinement propres à son époque. L’œuvre illustre une femme gracieuse, dont l’allure et les traits sont immortalisés avec une précision remarquable. La minutie apportée à la réalisation de cette miniature est évidente, des plis soyeux de la robe aux teintes subtiles du visage de la dame. Chaque détail témoigne de l’expertise de Cavana, qui parvient à capturer non seulement l’apparence physique de son sujet, mais aussi une certaine aura, une présence presque palpable, malgré la petite taille du support.
    Jean Cavana, né en 1830 en Italie, est un artiste qui a su se forger une place de choix dans le milieu artistique français de la fin du XIXe siècle. Il s’est installé en France, où son talent pour la miniature l’a rapidement fait connaître. Formé dans la lignée des grands maîtres, Cavana a acquis une maîtrise technique exceptionnelle qui lui permettait de traduire avec finesse les émotions et les caractéristiques de ses modèles. Sa renommée a grandi au fil des ans, notamment grâce aux nombreuses commandes qu’il recevait de la part de la haute société, qui voyait en lui un peintre capable de saisir l’essence de ses contemporains avec une rare justesse.
    Cavana s’est distingué par son art de la miniature, un genre particulièrement prisé au XIXe siècle, car il permettait d’immortaliser les traits des personnes dans des formats réduits, souvent sous forme de portraits intimes. Il était capable de retranscrire à la perfection les moindres détails, de la texture des étoffes aux expressions faciales les plus subtiles, apportant à chaque portrait une profondeur psychologique singulière. La précision de son pinceau lui permettait de transformer de simples portraits en véritables témoignages visuels de l’âme de ses modèles.
    Mais si Cavana est principalement reconnu pour ses miniatures, il ne s’est pas limité à ce genre. Son œuvre s’étendait également à d’autres domaines, comme le paysage ou des scènes plus complexes, où il exprimait son goût pour la beauté et la mélancolie. Ses créations, empreintes d’une certaine nostalgie, invitent à la contemplation et à la réflexion, révélant une sensibilité artistique raffinée. Il utilisait la miniature pour célébrer non seulement la beauté physique, mais aussi l’esprit et la personnalité des personnes qu’il représentait. Ainsi, chaque œuvre qu’il réalisait devenait un hommage à son époque et à la tradition du portrait intime, dont il s’est fait le maître incontesté.
    La miniature en question est un exemple parfait de son savoir-faire. L’élégance et la grâce du sujet, rehaussées par la finesse de l’exécution, sont autant de preuves du talent exceptionnel de Cavana. 
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    Miniature ancienne, réalisée à la fin du XIXe siècle et signée par l’artiste J. CavanaMiniature ancienne, réalisée à la fin du XIXe siècle et signée par l’artiste J. Cavana

    Miniature ancienne, réalisée à la fin du XIXe siècle et signée par l’artiste J. Cavana

    Cette délicate miniature du XIXe siècle, signée par l’artiste Jean Cavana, est un témoignage captivant de l’élégance de son époque. Réalisée vers la fin du siècle, elle représente une femme raffinée, probablement Marie Thérèse Blonel d’Haraucourt, une figure de la noblesse. Cavana, en mettant en avant chaque détail, des tissus sophistiqués de sa tenue aux subtiles variations des traits de son visage, démontre l’étendue de son talent. L’œuvre traduit avec finesse l’atmosphère et l’esthétique de la société aristocratique de l’époque.
    Jean Cavana, né en Italie en 1830, s’est installé en France où il s’est rapidement distingué par son habileté à capturer l’essence de ses modèles dans des formats miniatures. Sa formation dans la lignée des maîtres classiques lui a permis de développer une technique précise, un savoir-faire qui a séduit les élites de son temps. Ces dernières recherchaient un artiste capable de figer sur des supports de petite taille non seulement l’apparence mais aussi la personnalité de ceux qu’il peignait. Cavana a ainsi su s’imposer comme un portraitiste de renom, en grande partie grâce à cette capacité à rendre les traits psychologiques visibles dans de si petits formats.
    La carrière de Jean Cavana a été marquée par de nombreuses commandes provenant de la haute société, désireuse de posséder ces miniatures raffinées, symboles à la fois d’un statut social et d’un goût pour l’art. Cavana a d’ailleurs su tirer parti de cette demande croissante pour la miniature, un genre particulièrement prisé au XIXe siècle, époque où la photographie n’avait pas encore supplanté la peinture dans l’art du portrait. Ses œuvres se distinguent par une précision remarquable et une attention méticuleuse aux détails, qu’il s’agisse des vêtements, des textures ou des visages.
    La maîtrise technique de Cavana ne s’arrête pas au portrait miniature. Au-delà de ce genre, il a exploré divers thèmes, s’essayant notamment au paysage, et ses œuvres dégagent souvent une certaine nostalgie. Ce sentiment, présent dans ses peintures, contribue à leur caractère unique et à leur profondeur. L’artiste semblait avoir une sensibilité particulière pour les moments suspendus dans le temps, qu’il capturait avec une délicatesse certaine.
    Dans cette miniature spécifique, Cavana excelle en restituant l’élégance d’une dame de la noblesse, sans doute Marie Thérèse Blonel d’Haraucourt. La précision des plis de la robe, les jeux d’ombre et de lumière sur le visage, et la douceur du regard traduisent un travail minutieux et une grande habileté artistique. Ces caractéristiques témoignent de l’attention que l’artiste portait à chaque élément de ses compositions, révélant ainsi sa capacité à donner vie à ses sujets dans des formats si réduits.
  • Table à ouvrage en laque de Chine du XIXe siècle, garnis de détails en osTable à ouvrage en laque de Chine du XIXe siècle, garnis de détails en os

    Table à ouvrage en laque de Chine du XIXe siècle, garnis de détails en os

    850,00 
    Table à ouvrage laquée de Chine XIXe siècle, ornée de détails en os, élégance et artisanat raffiné pour une décoration unique et authentique.
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    Magnifique petite armoire de maitrise en bois et marqueterie, fin XIXe siècleMagnifique petite armoire de maitrise en bois et marqueterie, fin XIXe siècle

    Magnifique petite armoire de maitrise en bois et marqueterie, fin XIXe siècle

    Cette petite armoire de maîtrise du XIXe siècle est un superbe exemple du savoir-faire artisanal de l’époque, probablement réalisée en France, comme en témoignent son style et son exécution minutieuse. L’armoire est construite avec une attention particulière aux détails, en particulier dans son décor en marqueterie, qui couvre presque toute la surface de la pièce. La marqueterie est un procédé où différents types de bois sont soigneusement sélectionnés, découpés, puis assemblés pour former des motifs complexes et artistiques, ici principalement géométriques, avec une prédominance de losanges et d’étoiles.
    Les côtés et la façade de cette armoire sont ornés de ces motifs de marqueterie, contrastant le bois clair et foncé pour créer un jeu de couleurs et de textures qui attire le regard. Ce travail de marqueterie est un indicateur de la maîtrise technique du créateur, démontrant non seulement une habileté manuelle exceptionnelle, mais aussi un sens esthétique sophistiqué. Le choix des bois et l’harmonie des couleurs révèlent une grande connaissance des matériaux, associée à une volonté de produire une œuvre qui soit aussi décorative que fonctionnelle.
    La porte centrale est un élément clé de cette armoire. Elle est agrémentée d’un miroir à glace argentée, qui reflète légèrement l’âge de la pièce tout en ajoutant une dimension pratique à l’ensemble. Ce miroir, bien que modeste en taille, donne de la profondeur à l’armoire, créant un effet d’espace supplémentaire dans une pièce. Encadré par la marqueterie, le miroir devient un point focal qui renforce le style élégant de l’armoire. Il s’ouvre sur un compartiment intérieur qui, bien que de petite taille, est conçu pour le rangement de petits objets. Cette porte est équipée d’une poignée blanche, probablement en porcelaine ou en os, apportant une touche de délicatesse à l’ensemble et contrastant avec les teintes riches du bois environnant.
    Sous cette porte se trouve un tiroir, élément tout aussi décoratif que fonctionnel. Le tiroir est lui aussi orné de marqueterie, avec des motifs géométriques reprenant les formes de losanges et de triangles présents sur le reste de la pièce. Ce tiroir offre un espace de rangement supplémentaire et rappelle l’équilibre entre utilité et esthétique qui caractérise les pièces de mobilier de cette époque. La poignée du tiroir est assortie à celle de la porte, créant une continuité visuelle dans l’ensemble du meuble.
    Le haut de l’armoire est couronné par un fronton décoratif surmonté de petits pinacles finement tournés. Le fronton présente un motif circulaire en marqueterie, avec un motif d’étoile en bois clair et foncé, encadré par une forme demi-circulaire. Cette partie supérieure, bien que décorative, est en harmonie avec l’ensemble du meuble, reprenant les mêmes tons et motifs, tout en apportant une touche de hauteur et d’élégance supplémentaire.
    Les dimensions modestes de l’armoire, ainsi que son travail de marqueterie très élaboré, indiquent qu’il s’agit très probablement d’une pièce de maîtrise. Les pièces de maîtrise étaient des objets souvent fabriqués par les apprentis ébénistes pour démontrer leur savoir-faire et obtenir leur statut de maître dans leur guilde ou corporation. Ces objets étaient souvent de petite taille, mais mettaient en valeur une gamme de compétences, incluant la marqueterie, le tournage du bois et l’assemblage précis de différents éléments de mobilier. L’armoire que nous observons ici est une illustration parfaite de cette tradition. Elle est à la fois un objet d’art et un meuble pratique, symbolisant l’alliance entre la beauté et la fonctionnalité dans le mobilier du XIXe siècle.
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    Belle cave à liqueur ancienne, époque XIXe siècle, Napoléon III, BaccaratBelle cave à liqueur ancienne, époque XIXe siècle, Napoléon III, Baccarat

    Belle cave à liqueur ancienne, époque XIXe siècle, Napoléon III, Baccarat

    Cette cave à liqueur, d’une grande beauté et d’une remarquable finesse, est un exemple exceptionnel de l’art décoratif du XIXe siècle, en plein dans la période du style Napoléon III. À cette époque, l’Empire français connaît un regain d’intérêt pour le faste et l’ornementation, et cette œuvre s’inscrit parfaitement dans cette tendance artistique.
    La cave est réalisée en bois de placage de loupe de thuya, un matériau précieux et recherché pour son aspect décoratif unique. Le thuya, grâce à ses veines tourmentées et ses nœuds, offre un effet visuel sophistiqué, plein de relief et de contrastes, qui confère une élégance discrète à l’objet. Ce placage est encadré par du bois de rose, un autre bois noble, très prisé pour sa teinte chaude et sa texture fine, souvent utilisé dans l’ébénisterie de luxe. À cela s’ajoute un décor de bois noirci, qui vient accentuer le contraste des matériaux et donner une touche de sobriété, tout en mettant en valeur les filets de laiton qui parcourent l’ensemble de la cave. Ces filets, d’une finesse admirable, soulignent les contours et les volumes de l’objet, lui apportant une certaine légèreté et un raffinement supplémentaire.
    L’une des particularités de cette cave à liqueur réside dans sa façade mouvementée. Loin des formes géométriques strictes ou des lignes droites qui caractérisaient parfois les productions antérieures, cette façade adopte des courbes sinueuses et harmonieuses, propres au style Napoléon III. Cette forme mouvementée confère à l’ensemble un dynamisme et une fluidité qui captent immédiatement le regard et témoignent du grand savoir-faire de l’artisan qui a réalisé cet objet. Le travail de la façade se prolonge sur l’abattant, qui se distingue par un cartouche feuillagé incrusté de laiton et de nacre. Cette ornementation, réalisée avec une grande précision, évoque un motif végétal riche et délicat, typique des décors de la seconde moitié du XIXe siècle. La combinaison du laiton et de la nacre apporte non seulement une brillance et une richesse visuelle, mais aussi une certaine douceur grâce aux reflets irisés de la nacre, qui varie selon la lumière. Fait intéressant, ce cartouche n’est pas monogrammé, ce qui laisse supposer qu’il n’était pas destiné à une commande spécifique, ou que son propriétaire n’a pas souhaité y apposer ses initiales, permettant ainsi à cette cave de conserver une certaine universalité.
    En ouvrant cette cave, on découvre un ensemble tout aussi raffiné de 4 carafes et de 16 verres à liqueur, tous réalisés en cristal de Baccarat, un nom qui incarne l’excellence dans l’art de la verrerie et du cristal depuis le XVIIIe siècle. Chaque pièce est finement décorée de rehauts de dorure, un ornement qui ajoute une touche d’éclat et de luxe à l’ensemble. Le cristal de Baccarat, réputé pour sa pureté, sa transparence et son éclat, est ici sublimé par cette dorure délicate, qui vient rehausser les courbes des carafes et des verres. Ces derniers, de taille idéale pour déguster des liqueurs, sont non seulement des objets fonctionnels, mais aussi des pièces décoratives qui témoignent du goût raffiné de l’époque.
    L’agencement interne de la cave est étudié avec soin, permettant de ranger et de protéger chaque carafe et chaque verre dans un compartiment spécifique, afin d’éviter tout choc ou dommage. Ce souci du détail montre l’importance accordée non seulement à l’apparence extérieure de l’objet, mais aussi à sa fonctionnalité. 
  • Lampe à pétrole ancienne, bronze doré, attribué à Georges LeleuLampe à pétrole ancienne, bronze doré, attribué à Georges Leleu

    Belle et ancienne lampe à pétrole en bronze doré, attribué à Georges Leleu

    850,00 
    Lampe à pétrole ancienne en bronze doré, attribuée à Georges Leleu. Élégant décor floral Art Nouveau. Hauteur 47 cm. Pièce rare à découvrir
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    Sculpture bronze de la fin du XIXe siècle, représentant Molière assis dans un fauteuil avec la plume à la main, signé Pradier

    Sculpture bronze de la fin du XIXe siècle, représentant Molière assis dans un fauteuil avec la plume à la main, signé Pradier

    1400,00 
    Cette sculpture en bronze de la fin du XIXe siècle, signée Pradier, représente Molière, l’un des plus grands dramaturges français de tous les temps, assis dans un fauteuil, une plume à la main. Avec ses dimensions relativement modestes de 26 cm de haut, cette pièce se distingue par la précision de ses détails et l’expressivité de sa posture, qui incarnent l’essence même de l’artiste pensif et créatif.
    Le personnage principal de la sculpture est Molière, vêtu de manière élégante avec une longue robe aux plis riches et fluides. L’attention aux détails est frappante, chaque pli de son vêtement étant soigneusement travaillé pour donner une impression de mouvement et de réalisme. La texture du tissu est finement ciselée, créant une juxtaposition entre la douceur de la robe et la dureté du bronze, matériau utilisé pour la réalisation de l’œuvre. Le bronze patiné confère à la sculpture une profondeur et une chaleur qui accentuent son caractère solennel. Molière est représenté dans une posture contemplative, avec la tête appuyée sur sa main gauche, le regard vague, comme s’il était en plein processus créatif ou en réflexion profonde.
    L’autre main de Molière tient une plume, symbole indéniable de son métier d’écrivain. La plume, représentée avec une finesse délicate, renforce l’idée que cette sculpture capture un moment de création intellectuelle. Ce détail évoque non seulement la carrière prolifique de Molière, mais aussi son rôle primordial dans l’histoire de la littérature et du théâtre. Molière est connu pour avoir écrit certaines des plus grandes pièces de théâtre comique de l’histoire, telles que *Le Malade imaginaire*, *Tartuffe* et *L’Avare*. Sa plume, ici mise en avant, est l’instrument par lequel il a marqué de manière indélébile le patrimoine culturel français.
    Le fauteuil sur lequel Molière est assis est lui aussi une œuvre d’art en soi. De style classique, il est richement décoré avec des motifs sculptés qui démontrent l’expertise du sculpteur. La base du fauteuil, ornée de franges et de motifs géométriques, porte également la signature de Pradier, gravée de manière lisible, affirmant ainsi l’authenticité et la qualité artistique de l’œuvre. Jean-Jacques Pradier, sculpteur de renom du XIXe siècle, est célèbre pour ses œuvres d’une grande finesse et son talent pour capturer les détails anatomiques et textiles de ses sujets.
    Cette sculpture reflète parfaitement les tendances artistiques du XIXe siècle, marquées par un retour à des formes classiques et une admiration pour les grands hommes de lettres et d’art. L’art de cette période met souvent en avant les personnages historiques dans des poses héroïques ou méditatives, et cette œuvre ne fait pas exception. Molière est ici montré non pas comme un comédien sur scène, mais comme un penseur, un créateur dans un moment d’introspection. Cette représentation statique mais intense nous rappelle que l’éclat de ses œuvres vient avant tout de son génie créatif.
    Le choix de représenter Molière dans un tel moment de quiétude intellectuelle témoigne également de la manière dont la fin du XIXe siècle a vu une réévaluation de la figure de l’écrivain. Molière, autrefois acteur et auteur comique, est ici érigé au rang de penseur profond, presque philosophe, soulignant la dimension intellectuelle de son travail.
    Enfin, cette œuvre illustre également le savoir-faire technique des sculpteurs de cette époque.
  • Pierre Gilles, joli lustre art déco vers 1930 en bronze et verre mouléPierre Gilles, joli lustre art déco vers 1930 en bronze et verre moulé

    Pierre Gilles, joli lustre art déco vers 1930 en bronze et verre moulé

    850,00 
    Lustre Art déco Pierre Gilles, vers 1930, en bronze nickelé et verre moulé pressé, signé J. Robert. Élégance et raffinement pour votre intérieur
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    Coffret de 12 porte couteaux en métal chromé de Benjamin RabierCoffret de 12 porte couteaux en métal chromé de Benjamin Rabier

    Coffret de 12 porte couteaux en métal chromé de Benjamin Rabier

    Cet ensemble de douze porte-couteaux en métal argenté, inspiré par les célèbres Fables de La Fontaine, constitue une œuvre remarquable de l’époque Art déco. Créés par Benjamin Rabier (1869-1939), un artiste français de renom, ces porte-couteaux sont non seulement des objets d’art, mais aussi des témoignages d’une époque où l’élégance et le raffinement se reflétaient jusque dans les moindres détails du quotidien.
    Benjamin Rabier, né en 1869, est souvent considéré comme l’un des précurseurs de la bande dessinée moderne. Il est particulièrement connu pour ses illustrations animalières, qui ont su capturer l’imaginaire populaire grâce à leur vivacité et leur humour subtil. Rabier a travaillé pour de nombreux journaux et éditeurs, et ses dessins ont marqué plusieurs générations. L’une de ses créations les plus célèbres est « La Vache qui rit », un logo emblématique qui est toujours utilisé aujourd’hui.
    Rabier avait une affinité particulière pour les animaux, qu’il parvenait à humaniser sans pour autant leur faire perdre leur essence. Cette capacité se retrouve dans les illustrations qu’il a réalisées pour les Fables de La Fontaine, où chaque animal devient un personnage à part entière, doté de caractéristiques expressives et souvent humoristiques. Il a ainsi contribué à rendre ces fables, déjà populaires, encore plus accessibles et vivantes pour le grand public.
    Les douze porte-couteaux de cet ensemble sont chacun une représentation minutieuse des animaux des fables de La Fontaine, signée « Benjamin Rabier » en creux sur la base. Ces petites sculptures traduisent la finesse du travail de l’artiste, qui a su donner vie aux histoires de La Fontaine à travers des figures telles que la Cigale et la Fourmi, le Corbeau et le Renard, ou encore le Loup et l’Agneau. Chaque porte-couteau raconte une histoire, capturant l’essence même des leçons morales que La Fontaine a voulu transmettre à travers ses récits.
    Le choix de l’argenté pour ces objets n’est pas anodin. L’orfèvre Dilecta, reconnu pour la qualité de son travail durant la période Art déco, a collaboré avec Rabier pour créer des pièces qui allient esthétique et fonctionnalité. Le poinçon d’orfèvre apposé sur chaque porte-couteau atteste de la qualité du métal utilisé et du savoir-faire artisanal mis en œuvre. La période Art déco, avec son goût pour les lignes épurées et l’élégance sobre, se reflète parfaitement dans ces porte-couteaux qui allient tradition et modernité.
    Les dimensions des porte-couteaux, variant entre 8 cm et 10 cm de longueur pour une largeur d’environ 2,5 cm, en font des objets à la fois pratiques et décoratifs. 
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    Gobelet à bord évasé du premier tiers du XIXe siècle

    Gobelet à bord évasé du premier tiers du XIXe siècle

    Le gobelet à bord évasé du premier tiers du XIXe siècle, probablement créé à Paris entre 1810 et 1830, représente un exemple remarquable de l’art verrier de cette période. Ce type de verrerie fine était souvent produit dans les ateliers parisiens, célèbres pour leur maîtrise technique et leur sens esthétique. Ce gobelet particulier est potentiellement assimilable à une pièce de la collection du Musée du Louvre, qui abrite de nombreuses œuvres représentatives de cette époque.
    L’élément distinctif du gobelet est son fond taillé en étoile à huit pointes. Ce motif, fréquemment utilisé dans la verrerie de luxe du début du XIXe siècle, témoigne de la minutie et de l’habileté des artisans verriers de l’époque. La base du gobelet est ornée d’olives et d’un bandeau de diamants, une décoration élaborée qui ajoute à la richesse visuelle de l’objet. Ces détails ornementaux sont le reflet d’une époque où la verrerie n’était pas seulement fonctionnelle, mais également un moyen d’expression artistique.
    Le décor gravé à la roue, une technique nécessitant une grande précision, est un autre aspect notable de ce gobelet. La scène gravée représente deux colombes portant une couronne dans leurs becs, symbolisant souvent la paix ou l’amour éternel dans l’iconographie de l’époque. À côté des colombes, deux flambeaux sont gravés, symbolisant la lumière ou la connaissance. Un chien assis, figuré dans la scène, pourrait représenter la fidélité ou la vigilance, des valeurs chères au XIXe siècle. La scène inclut également une partie de monument avec son jardin, évoquant peut-être un lieu de mémoire ou de contemplation, ainsi qu’une grosse colonne, élément architectural symbolisant la force et la stabilité.
    Les dimensions du gobelet, mesurant 9,5 cm de hauteur avec un diamètre au buvant de 8,3 cm, sont typiques des objets de ce type et de cette période. Ces proportions indiquent un objet conçu pour être tenu en main et utilisé avec une certaine élégance, suggérant qu’il s’agissait probablement d’un gobelet destiné à une consommation domestique de boissons fines, peut-être pour des occasions spéciales ou dans un cadre cérémonial.
    La finesse de la gravure et la qualité des matériaux utilisés sont des indications claires de la provenance parisienne de ce gobelet. Paris, à cette époque, était un centre de production verrière de premier plan, avec des artisans qui étaient souvent au service de l’aristocratie et de la haute bourgeoisie. Le fait que ce gobelet puisse faire partie d’une collection prestigieuse comme celle du Musée du Louvre renforce l’idée de son importance artistique et historique.
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    Belle table basse ronde en laiton de la maison Baguès, deux plateauxBelle table basse ronde en laiton de la maison Baguès, deux plateaux

    Belle table basse ronde en laiton de la maison Baguès, deux plateaux

    Découvrez cette belle table basse vintage à deux plateaux, élégante et fonctionnelle, idéale pour sublimer votre salon avec charme et authenticité.
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    Grand pique cierge ancien en bois sculpté, époque 17e siècleGrand pique cierge ancien en bois sculpté, époque 17e siècle

    Grand pique cierge ancien en bois sculpté, époque 17e siècle

    1300,00 
    Le grand pique-cierge ancien en bois sculpté que nous présentons est une œuvre remarquable datant du XVIIe siècle. Ce type de mobilier liturgique était couramment utilisé dans les églises pour soutenir de grands cierges, participant ainsi à l’atmosphère solennelle des cérémonies religieuses. Cet exemplaire, mesurant 156 cm de hauteur totale, se distingue par son design élégant et sa finesse de réalisation, caractéristiques du savoir-faire artisanal de l’époque.
    Description détaillée
    Bois sculpté : Le bois utilisé pour ce pique-cierge est finement sculpté, témoignant d’une grande maîtrise technique et artistique. Chaque détail est travaillé avec soin, ce qui confère à l’objet une grande richesse visuelle. Les motifs sculptés pourraient inclure des éléments floraux, des arabesques ou des motifs géométriques typiques de l’époque baroque, bien que l’usure du temps puisse en avoir atténué certains aspects.
    Piétement tripode : Le support repose sur un piétement tripode, une configuration classique qui assure une stabilité optimale. Chaque pied est magnifiquement sculpté en forme de griffe, une caractéristique stylistique qui évoque la force et la majesté. Sous chaque griffe, une boule décorative ajoute une touche supplémentaire de sophistication et de stabilité visuelle.
    Conversion en lampe : À une période ultérieure de son histoire, ce pique-cierge a été transformé en lampe. Cette adaptation témoigne de la polyvalence de l’objet et de sa capacité à traverser les époques en s’adaptant à des usages divers. Cette transformation a probablement impliqué l’ajout de composants électriques, tout en respectant l’intégrité esthétique de la pièce originale.
    État de conservation
    Malgré les siècles écoulés, ce pique-cierge est en relativement bon état. Les signes d’usure naturelle, tels que les petites fissures, les éraflures ou les altérations mineures du bois, ajoutent à son charme et attestent de son authenticité. Le bois a probablement été traité et entretenu au fil des ans pour prévenir la dégradation et conserver sa beauté d’origine.
    Importance historique et esthétique
    Ce grand pique-cierge est plus qu’un simple objet décoratif. Il représente un morceau d’histoire, une fenêtre sur les pratiques et l’artisanat du XVIIe siècle. À cette époque, les objets liturgiques étaient souvent conçus avec une grande attention aux détails et à la symbolique, chaque élément ayant une signification particulière. Les pieds en forme de griffe, par exemple, pouvaient symboliser la protection divine ou la force spirituelle.
    Utilisation contemporaine
    Dans un contexte moderne, ce pique-cierge peut être intégré dans divers environnements. Dans une collection privée, il servira de pièce maîtresse, illustrant le goût pour les antiquités et l’art sacré.
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    Magnifique œuvre de Clément Serveau (1886-1972) La robe CrétoiseMagnifique œuvre de Clément Serveau (1886-1972) La robe Crétoise

    Magnifique œuvre de Clément Serveau (1886-1972) La robe Crétoise

    2800,00 
    Clément Serveau, né en 1886 et décédé en 1972, est un peintre français renommé pour ses portraits réalistes empreints de sensibilité. Son œuvre « La robe Crétoise, » une huile sur panneau réalisée en 1935, illustre magnifiquement son talent. Cette peinture, mesurant 65 x 54 cm, est une démonstration éclatante de la maîtrise technique de Serveau et de sa capacité à capturer l’essence de ses sujets avec une précision remarquable.
    « La robe Crétoise » présente une femme vêtue d’une robe traditionnelle crétoise, riche en détails et en textures. Les plis du tissu et les motifs brodés sont rendus avec une finesse extraordinaire, témoignant de l’attention méticuleuse de l’artiste aux particularités culturelles du costume. La lumière, subtilement appliquée, met en valeur la texture de la robe et la douceur de la peau du modèle, créant un contraste saisissant avec le fond sombre. Cela confère à la composition une profondeur et une dimension supplémentaires, attirant l’œil du spectateur vers le visage expressif de la femme.
    Le portrait montre une expression empreinte de douceur et de réflexion, capturant non seulement l’apparence physique du modèle mais aussi une profondeur psychologique. L’attention de Serveau aux détails anatomiques, comme la délicatesse des mains et la complexité des traits du visage, ajoute une dimension de réalisme qui rend le sujet presque tangible. La femme semble plongée dans ses pensées, ce qui ajoute une narration silencieuse à l’œuvre, invitant les spectateurs à imaginer son histoire et ses émotions.
    La signature de Clément Serveau et la date de création, clairement visibles en bas de l’œuvre, attestent de son authenticité. Serveau, qui a traversé plusieurs courants artistiques au cours de sa carrière, reste fidèle à un style réaliste tout en intégrant des éléments impressionnistes dans ses jeux de lumière et ses palettes de couleurs. Cette peinture reflète cette synthèse artistique, où la précision du trait se marie harmonieusement avec une approche plus libre et expressive de la couleur.
    Clément Serveau est souvent célébré pour sa capacité à immortaliser la beauté intemporelle de ses sujets tout en capturant l’esprit de l’époque. « La robe Crétoise » n’échappe pas à cette règle. 
  • Ancienne canne, pommeau en argent massif, époque 1er EmpireAncienne canne, pommeau en argent massif, époque 1er Empire

    Belle et ancienne canne, pommeau en argent 1er Empire

    350,00 
    Canne du XIXe siècle, pommeau en argent massif orné d’abeilles napoléoniennes, symbole de l’Empire, en bon état, rare et riche d’histoire.
  • Commode Louis XVI, marbre blanc, époque XIXe, Antiquités et brocanteCommode Louis XVI, marbre blanc, époque XIXe, Antiquités et brocante

    Commode Louis XVI en acajou de plaquage et massif, marbre blanc

    1200,00 
    Élégante commode Louis XVI en acajou massif et plaqué, surmontée d’un marbre blanc. Pièce d’époque raffinée pour intérieur classique ou chic.
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    Ensemble de 4 Moineaux en Cristal Lalique France, par Marc Lalique, Antiquités et brocanteEnsemble de 4 Moineaux en Cristal Lalique France, par Marc Lalique, Antiquités et brocante

    Ensemble de 4 Moineaux en Cristal Lalique France, par Marc Lalique

    Ensemble de 4 moineaux en cristal de la maison Lalique, signé en sur le devant de la terrasse, fabrication de la période de Marc Lalique.

     

    Marc Lalique (1900-1977), fils de René Lalique, a su perpétuer et enrichir l’héritage de la célèbre maison Lalique, fondée par son père en 1888. René Lalique, maître-verrier et joaillier de renommée mondiale, était connu pour ses créations Art Nouveau et Art Déco. Marc, ayant grandi dans cet environnement artistique, a naturellement été imprégné de l’expertise et de la vision de son père, qu’il a su adapter et transformer avec son propre style et ses innovations techniques.
    Après la mort de René Lalique en 1945, Marc a pris les rênes de l’entreprise familiale. L’une de ses premières grandes contributions a été la transition de la production Lalique vers le cristal. Avant cette époque, les créations Lalique étaient principalement en verre. Marc a compris que le cristal offrait de nouvelles possibilités en termes de pureté, de brillance et de subtilité des détails. Cette transition a marqué un tournant décisif pour la maison Lalique, consolidant sa réputation de créateur de pièces de luxe d’une qualité inégalée.
    Les moineaux en cristal, un des thèmes récurrents et iconiques de la maison Lalique, illustrent parfaitement la vision de Marc. Sous sa direction, la maison a continué à produire des œuvres d’une beauté saisissante et d’une qualité exceptionnelle, alliant des techniques de soufflage et de taille de cristal héritées de son père à des innovations modernes. Chaque moineau est sculpté avec une minutie exemplaire, capturant la légèreté et la délicatesse de l’oiseau, tout en jouant avec la transparence et la luminosité du cristal. La signature sur le devant de la terrasse témoigne de l’authenticité et de la qualité de l’œuvre.
    Marc Lalique n’a pas seulement maintenu l’excellence de la maison, il a aussi su la faire évoluer. Sous sa direction, Lalique a étendu sa gamme de produits pour inclure des luminaires, des vases, des flacons de parfum et des objets décoratifs, tout en continuant à produire des bijoux de haute qualité. Il a également collaboré avec des designers et des artistes de renom, élargissant ainsi l’influence et l’attrait de la marque.
    La période de Marc Lalique est souvent considérée comme une époque d’innovation et de consolidation. Ses créations ont su capter l’esprit de leur temps tout en restant fidèles aux principes esthétiques et techniques de la maison Lalique. Ses œuvres sont aujourd’hui très recherchées par les collectionneurs et les amateurs d’art, témoignant de leur valeur artistique et historique.
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    Superbe pendule, datant de l'époque de la Restauration au début du XIXe siècle, Antiquités et brocanteSuperbe pendule, datant de l'époque de la Restauration au début du XIXe siècle, Antiquités et brocante

    Superbe pendule, datant de l’époque de la Restauration au début du XIXe siècle

    Cette pendule est une pièce d’exception datant de l’époque de la Restauration, au début du XIXe siècle. Fabriquée en bronze doré au mercure, elle incarne l’art et le savoir-faire horloger de cette période historique. La dorure au mercure, une technique exigeante et hautement qualifiée, confère à la pendule une brillance et une durabilité remarquables, témoignant de l’attention minutieuse portée à sa création.
    D’une grandeur majestueuse, cette pendule attire immédiatement le regard par sa présence imposante et son élégance. La dorure resplendissante met en valeur les détails finement ciselés, soulignant la maîtrise artistique des artisans de l’époque. La figure classique de Cérès, déesse de l’agriculture et de la fertilité, trône au sommet de cette œuvre d’art. Cérès est représentée vêtue d’une robe drapée, illustrant à la fois la grâce et la dignité de la divinité. Les plis de sa robe sont délicatement sculptés, chaque détail contribuant à l’impression de mouvement et de vie.
    Le cadran de la pendule porte la signature de Mazillier à Verdun, attestant de son origine prestigieuse. Mazillier était un horloger renommé, et sa signature sur cette pièce ajoute une valeur historique et authentique. Le cadran, lui-même un exemple de sophistication, est orné de chiffres romains et de fines aiguilles, permettant une lecture claire et élégante de l’heure.
    Le mouvement de cette pendule est équipé d’une suspension à fil, un mécanisme typique de l’époque, connu pour sa précision et sa fiabilité. Cette caractéristique technique témoigne de l’avancement des connaissances horlogères au début du XIXe siècle et de l’engagement des horlogers à produire des instruments de haute qualité.
    L’ensemble de la pendule, de par sa grandeur, sa dorure éclatante, et sa figure de Cérès, représente un hommage à la prospérité et à la fertilité. Cérès, dans la mythologie romaine, est la déesse qui préside aux moissons et à la fertilité des terres, symbolisant ainsi l’abondance et la générosité de la nature. Cette représentation est particulièrement appropriée pour une pendule, un objet qui, par essence, mesure le passage du temps, tout en évoquant la cyclicité des saisons et des récoltes.
  • Série complète de 12 porte-couteaux YER en verre dans sa boîte d'origine, Antiquités et brocanteSérie complète de 12 porte-couteaux YER en verre dans sa boîte d'origine, Antiquités et brocante

    Série complète de 12 porte-couteaux YER en verre dans sa boîte d’origine

    250,00 
    Série complète de 12 porte-couteaux YER en verre, dans leur boîte d’origine. Élégance vintage pour vos tables. Pièce rare disponible sur ABN Antiquités.
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    Très beau Bonheur-du-jour à système, milieu XIXe siècle en acajou, Antiquités et brocanteTrès beau Bonheur-du-jour à système, milieu XIXe siècle en acajou, Antiquités et brocante

    Très beau Bonheur-du-jour à système, milieu XIXe siècle en acajou

    Parmi les meubles anciens, certains se distinguent par une beauté indéniable. Ce bonheur-du-jour à système du milieu du XIXe siècle en est un exemple remarquable. Ce bureau de dame, entièrement réalisé en acajou de Cuba massif et en placages, est un témoignage d’une élégance rare et d’un savoir-faire artisanal d’exception.
    Le meuble est conçu autour d’un miroir biseauté central, flanqué de chaque côté par deux colonnes de quatre tiroirs chacune, surmontées d’un plateau de marbre. Les tiroirs, les montants, la ceinture et la galerie sont ornés de bronze doré finement ciselé, présentant des motifs en filets et draperies délicatement travaillés. Sous le miroir, un large tiroir central renforce la symétrie parfaite de ce meuble classique.
    L’une des caractéristiques les plus remarquables de ce bonheur-du-jour est son plateau amovible. En le tirant, on découvre une élégante tablette d’écriture recouverte de tissus type velours de couleur moutarde. Ce geste déclenche un mécanisme ingénieux qui déverrouille simultanément le tiroir vitrine central et les deux tiroirs latéraux. Le motif central, riche en entrelacs, rappelle les goûts néogothiques et l’éclectisme naissant de l’époque. À gauche du bureau se trouve un encrier, tandis qu’à droite, on trouve une saupoudreuse.
    La ceinture du meuble est ornée de fines draperies, créant une harmonie visuelle avec le plateau. Les pieds cannelés du bureau sont agrémentés de bronze doré et se terminent en pieds toupie. Le grand tiroir central, habilement divisé visuellement en trois sections, poursuit l’idée de symétrie inspirée du néoclassicisme. En tout, ce bureau de dame comporte dix tiroirs, tous en parfait état de fonctionnement.
    Ce bonheur-du-jour ne se distingue pas seulement par son apparence, mais également par la complexité de son mécanisme. En effet, le système qui permet de déverrouiller les tiroirs est une merveille d’ingénierie du XIXe siècle, intégrant à la fois esthétique et fonctionnalité. La présence de ces tiroirs et de leurs mécanismes sophistiqués montre bien l’importance accordée à la praticité et à l’organisation, tout en restant fidèle à une ligne élégante et décorative.
    Le miroir biseauté, central dans la conception du meuble, non seulement ajoute à son allure majestueuse, mais reflète également la lumière, illuminant ainsi l’ensemble de la pièce où il est placé. Le marbre du plateau ajoute une touche de luxe, complétant ainsi l’acajou et le bronze doré pour un effet visuel harmonieux.
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    Maisons J.L. Coquet et Jaune de Chrome, jolie service de table porcelaine, Antiquités et brocanteMaisons J.L. Coquet et Jaune de Chrome, jolie service de table porcelaine, Antiquités et brocante

    Maisons J.L. Coquet et Jaune de Chrome, jolie service de table porcelaine

    Le service de table que nous vous présentons est une véritable œuvre d’art en porcelaine écrue, fabriquée à Saint-Léonard de Noblat, à quelques kilomètres de Limoges, une région mondialement renommée pour la qualité exceptionnelle de sa porcelaine. Ce service a été minutieusement créé par J.L. Coquet et Jaune de Chrome, deux artisans dont le talent et le savoir-faire ont su donner naissance à une collection d’une pureté inégalée.
    Chaque pièce de ce service se distingue par un décor perlé et floral, témoignant d’une originalité des formes et d’une délicatesse des finitions qui sont la signature des créateurs. La porcelaine utilisée est d’une blancheur éclatante et d’une qualité supérieure, reflet d’un artisanat raffiné et d’une recherche constante de perfection.
    La manufacture où ce service a été produit a été labellisée Entreprise du Patrimoine Vivant (EPV) depuis 2010. Ce label, décerné par le Ministère de l’Économie, des Finances et de l’Industrie, est une marque de reconnaissance qui distingue les entreprises françaises pour l’excellence de leurs savoir-faire artisanaux et industriels. Il souligne l’engagement de la manufacture à préserver et à perpétuer des techniques traditionnelles tout en innovant pour offrir des produits de qualité supérieure.
    Le service de table est composé de 57 pièces, soigneusement pensées pour répondre à tous les besoins d’un repas raffiné et élégant.
    Voici la composition détaillée de ce service :
    – Une soupière : Idéale pour servir des potages et des soupes, cette pièce maîtresse attire tous les regards avec son design sophistiqué.
    – Deux raviers : Parfaits pour présenter des entrées ou des accompagnements, ces raviers ajoutent une touche d’élégance à votre table.
    – Deux grands plats : Ces plats spacieux sont parfaits pour servir des plats principaux ou des assortiments de fromages.
    – Douze assiettes creuses à potage : Conçues pour les soupes et les potages, ces assiettes creuses allient fonctionnalité et esthétique.
    – Dix-neuf assiettes plates à fromage ou dessert : Polies et élégantes, ces assiettes sont idéales pour les desserts ou les assortiments de fromages.
    – Vingt grandes assiettes : Parfaites pour les plats principaux, elles complètent harmonieusement ce service de table.
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    Commode importé d'Égypte de style Empire du XXe siècle, Antiquités et brocanteCommode importé d'Égypte de style Empire du XXe siècle, Antiquités et brocante

    Belle commode marqueterie importé d’Egypte de style Empire du XXe siècle

    Commode de style Empire du XXe siècle
    Origine et Style
    Cette commode, importée d’Égypte, est un magnifique exemple de mobilier de style Empire du XXe siècle. Le style Empire, qui a prospéré sous le règne de Napoléon Bonaparte au début du XIXe siècle, est caractérisé par son opulence et ses références à l’art et à l’architecture de l’Antiquité, notamment égyptienne. Bien que cette commode soit du XXe siècle, elle conserve fidèlement les éléments stylistiques de l’époque Empire, soulignant un renouveau de l’intérêt pour ce style classique.
    Matériaux et Construction
    Fabriquée en bois de plaquage, cette commode présente un éclat et une finesse qui témoignent de la qualité du travail artisanal de l’époque. Le bois de plaquage utilisé confère à la pièce une apparence luxueuse et durable. La commode s’ouvre par quatre tiroirs, offrant un espace de rangement généreux et pratique.
    Décoration et Marqueterie
    L’un des éléments les plus remarquables de cette commode est sa décoration en marqueterie. Les deux grands tiroirs centraux sont ornés d’un motif délicat représentant un flambeau et une couronne de laurier. Ces symboles étaient couramment utilisés dans le style Empire pour évoquer la victoire, la gloire et l’immortalité, rappelant les triomphes de l’Antiquité classique.
    Ornements en Bronze
    Les ornements en bronze ajoutent une dimension supplémentaire de grandeur et de sophistication à cette commode. De chaque côté, deux figures égyptiennes assises et allongées sont magnifiquement sculptées, illustrant l’influence de l’Égyptomanie qui a marqué le style Empire. Ces figures symbolisent la fascination pour l’Égypte ancienne, ravivée par les campagnes napoléoniennes en Égypte et les découvertes archéologiques de cette époque.
    Les montants de la commode sont également gainés de bronze, ajoutant à la robustesse et à l’élégance de la pièce. Les pieds, quant à eux, se terminent en pattes de lion, un autre motif récurrent dans le style Empire. Les pattes de lion symbolisent la force et la puissance, et leur inclusion dans le design de cette commode renforce son apparence majestueuse.
    Plateau en Marbre
    Le dessus de la commode est surmonté d’un épais plateau en marbre vert de mer. Ce marbre, avec ses nuances de vert profond, ajoute une touche de couleur et de luxe à l’ensemble. Le marbre vert de mer était prisé pour son aspect raffiné et sa durabilité, et il complète parfaitement les tons riches du bois et les reflets dorés des ornements en bronze.
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    Paire de lustres à pampilles de cristal, 10 lumières, milieu XXe sièclePaire de lustres à pampilles de cristal, 10 lumières, milieu XXe siècle

    Paire de lustres à pampilles de cristal, 10 lumières, milieu XXe siècle

    Paire de Lustres à Pampilles de Cristal, Milieu du XXe Siècle
    Cette paire de lustres à pampilles de cristal, datant du milieu du XXe siècle, incarne le charme et l’élégance classique de cette époque. Chaque lustre éclaire somptueusement par dix lumières, offrant une illumination généreuse et diffusée à travers un agencement magnifique de pampilles en cristal. Ces pièces maîtresses décoratives sont non seulement des sources de lumière mais aussi des œuvres d’art, reflet d’un savoir-faire minutieux et d’une esthétique raffinée.
    Design et Matériaux
    Ces lustres se distinguent par leur abondance de pampilles en cristal, qui captent et réfractent la lumière avec une brillance éclatante. Chaque pampille est soigneusement taillée pour maximiser l’effet scintillant, créant une danse de lumière et d’ombres qui transforme l’atmosphère de toute pièce. Le choix des matériaux, en particulier le cristal de haute qualité, assure non seulement une clarté optique exceptionnelle mais également une durabilité sur plusieurs décennies.
    Structure et Éclairage
    La structure de chaque lustre est robuste, conçue pour supporter le poids des pampilles sans compromettre l’élégance visuelle. Chacun des dix bras est finement travaillé, permettant de soutenir les ampoules qui, une fois allumées, diffusent une lumière douce et chaleureuse à travers les pampilles. Les bras se courbent gracieusement vers le haut, rappelant le style classique des lustres d’antan tout en intégrant des éléments de design du milieu du XXe siècle.
    Élément Distinctif: Les Boules Taillées en Diamant
    Un des aspects les plus distinctifs de ces lustres est la présence de deux boules taillées en diamant sur chaque pièce. Ces boules, situées stratégiquement pour maximiser leur impact visuel, ajoutent une dimension supplémentaire de luxe et de sophistication. La taille en diamant de ces boules permet une réfringence exceptionnelle, projetant des éclats de lumière dans toutes les directions et accentuant encore la beauté globale des lustres.
    Époque et Style
    Le milieu du XXe siècle a vu une fusion de styles traditionnels et modernes, et ces lustres en sont un parfait exemple. Ils marient le faste et l’opulence des lustres classiques avec une touche de modernité propre à cette période. Les lignes fluides et les courbes gracieuses des bras, combinées à l’utilisation prolifique de pampilles en cristal, témoignent d’une époque où le souci du détail et l’artisanat étaient au cœur de la production des luminaires.
    Impact Décoratif
    Installés dans un grand hall, une salle à manger somptueuse ou un salon élégant, ces lustres deviennent immédiatement le point focal de la pièce. Leur capacité à transformer un espace avec une lumière scintillante et une présence imposante est inégalée.

     

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    Grand trumeau en bois rechampi et bois sculpté doré, décor romantiqueGrand trumeau en bois rechampi et bois sculpté doré, décor romantique

    Grand trumeau en bois rechampi et bois sculpté doré, décor romantique

    Le grand miroir trumeau de style Louis XV, datant du début du XXe siècle, est un véritable chef-d’œuvre d’artisanat qui incarne l’élégance et le raffinement de l’époque. Ce miroir, mesurant 180 cm de hauteur et 115 cm de largeur, est une pièce majestueuse qui capte l’attention et ajoute une touche de splendeur à n’importe quel intérieur.
    Ce trumeau est composé de bois rechampi et de bois sculpté doré, une combinaison qui témoigne du savoir-faire exceptionnel des artisans de l’époque. Le bois rechampi, souvent utilisé pour donner une apparence usée et patinée, ajoute une profondeur et une richesse visuelle au cadre du miroir. Cette technique consiste à appliquer une couche de peinture ou de dorure de manière à laisser apparaître les couches inférieures, créant ainsi un effet de vieillissement élégant et sophistiqué. La dorure sculptée, quant à elle, rehausse le tout avec des détails minutieusement travaillés, apportant une luminosité et une richesse incomparables.
    La partie inférieure du trumeau est ornée d’un beau miroir. Ce miroir, probablement en verre mercuré, reflète non seulement la lumière mais aussi l’histoire et le style du début du XXe siècle. Les contours du miroir sont finement sculptés, présentant des motifs floraux et des arabesques typiques du style Louis XV, caractérisé par ses courbes sinueuses et son ornementation délicate.
    Sur la partie supérieure du trumeau, une jolie peinture à l’huile sur panneau ajoute une dimension artistique et narrative à l’ensemble. Cette scène romantique, typique des œuvres de l’époque, dépeint probablement une scène bucolique ou galante, mettant en scène des personnages élégamment vêtus dans un paysage idyllique. Les couleurs de la peinture, tout en douceur et en harmonie, complètent parfaitement la dorure et le bois rechampi du cadre. Les détails de la peinture, tels que les expressions des personnages et les éléments du paysage, témoignent d’une grande maîtrise technique et artistique.
    L’ensemble de ce trumeau est non seulement un miroir fonctionnel mais aussi une œuvre d’art à part entière. Chaque élément, du bois sculpté à la peinture à l’huile, contribue à créer une pièce harmonieuse et équilibrée. Le style Louis XV, avec ses influences rococo, se manifeste pleinement dans les courbes gracieuses et les détails ornés de ce miroir, évoquant une époque de luxe et de sophistication.
    En intégrant ce miroir trumeau dans un intérieur, on ajoute une touche de l’histoire et du patrimoine français. Il peut être placé dans un salon, une chambre ou un hall d’entrée, où il apportera immédiatement une sensation de grandeur et de raffinement.
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    Epreuve en bronze à patine brun vert nuancé représentant le buste d'un homme dénudé et musclé, Antiquités et BrocanteEpreuve en bronze à patine brun vert nuancé représentant le buste d'un homme dénudé et musclé, Antiquités et Brocante

    Bronze à patine brun vert nuancé, buste d’un homme dénudé et musclé

    L’épreuve en bronze à patine brun vert nuancé représente le buste d’un homme dénudé et musclé. Cette sculpture captivante est une fonte d’édition, signée et réalisée par Pierre Chenet, un artiste renommé. Chenet possède une fonderie d’art à Apt, où il se consacre principalement à la création d’œuvres animalières. Cependant, cette pièce montre sa capacité à capturer la beauté et la force du corps humain avec une grande précision et sensibilité.
    Pierre Chenet est un maître dans l’art de la patine, et bien que ses éditions en bronze soient nombreuses, il confère à chaque pièce une patine particulière, rendant chacune unique. La patine brun vert nuancé de cette sculpture apporte une profondeur et une richesse de ton qui accentuent les détails de la musculature et les contours du visage. La technique de patine utilisée par Chenet donne à cette œuvre une apparence vivante et dynamique, reflétant la lumière de manière subtile et élégante.
    Cette sculpture date du XXe siècle et est en bon état général, ce qui témoigne de la qualité et de la durabilité du travail de Chenet. Le buste a des dimensions imposantes avec une largeur de 17 cm, une hauteur de 48 cm et une profondeur de 15 cm. Ces dimensions, associées à la qualité de la patine et à la précision des détails, lui confèrent une présence majestueuse et impressionnante. La musculature est finement travaillée, chaque courbe et chaque saillie sont rendues avec un réalisme saisissant. L’expression du visage est également remarquablement détaillée, capturant une intensité et une sérénité qui ajoutent à l’impact visuel de la pièce.
    Pierre Chenet, bien que principalement connu pour ses sculptures animalières, démontre à travers ce buste son talent polyvalent. Il est capable de capturer non seulement l’essence des animaux, mais aussi la beauté et la force du corps humain. Cette œuvre est un excellent exemple de sa capacité à transposer son expertise en sculpture animalière à la représentation humaine, en maintenant un niveau de détail et de réalisme exceptionnel.
    La patine brun vert nuancé choisie par Chenet pour cette sculpture est particulièrement réussie. Elle apporte une richesse de couleur qui met en valeur les détails de la sculpture tout en ajoutant une dimension de profondeur et de texture.
    La patine est appliquée avec une grande maîtrise, créant des variations subtiles de couleur et de ton qui rendent chaque pièce unique. Cela témoigne du savoir-faire artisanal de Chenet et de son engagement à créer des œuvres d’art uniques et de haute qualité.
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    Bureau en capucin ou bureau à culbute de style Louis XV, époque XXe siècleBureau en capucin ou bureau à culbute de style Louis XV, époque XXe siècle

    Bureau en capucin ou bureau à culbute de style Louis XV, époque début du XXe siècle

    Le bureau capucin est un meuble à transformation, caractérisé par un plateau qui se rabat pour révéler un gradin de forme circulaire. Ce gradin rappelle le capuchon de l’ordre religieux des Capucins, d’où le meuble tire son nom. Ce type de meuble est également désigné sous le nom de « secrétaire à culbute » ou « bureau en capucin ».
    Le secrétaire à culbute se présente comme une table de salon élégante. Son plateau, lorsqu’il est relevé, forme une table de lecture. Une tigette métallique maintient le plateau en position, et le bord du plateau est conçu pour retenir des ouvrages ou des partitions. Le gradin, qui peut être en forme de capuchon de moine, se rétracte astucieusement dans le plateau. Grâce à un bouton poussoir situé sur le flanc du meuble, le dos d’âne se libère et culbute sous le plateau, transformant la table en écritoire. Ce dos d’âne comprend souvent un compartiment secret et des tiroirs. Parfois, un écran de tissu peut être relevé à l’arrière du meuble, ajoutant une touche de mystère et de fonctionnalité.
    Ce type de meuble fit son apparition au milieu du XVIIIe siècle, une époque marquée par le goût des Lumières pour les meubles transformables et les mécanismes ingénieux. Cette période voyait la curiosité et l’innovation se refléter dans le mobilier, où les meubles devaient non seulement être esthétiques mais aussi multifonctionnels. Des exemples notables de cette tendance incluent des commodes se transformant en lit pour femme de chambre, des tables à la Bourgogne, et d’autres meubles à secrets dotés de mécanismes de serrures complexes.
    Le succès des bureaux capucin, ou secrétaires à culbute, atteignit son apogée dans les années 1750 et 1760. Cette popularité peut être attribuée à Antoine Gaudreaux (vers 1680-1751), l’inventeur du premier secrétaire en dos d’âne, livré pour Marie Leszczynska à Fontainebleau en 1733. Ce meuble innovant combinait élégance, praticité et ingéniosité mécanique, capturant l’essence de l’époque. L’importance de ces meubles est également soulignée par Roubo, qui en a détaillé la construction dans son Encyclopédie publiée en 1774.
    Plusieurs exemplaires de secrétaires à culbute sont conservés aujourd’hui, témoignant de leur importance historique et artistique.
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    Alexandre Falguière (1831-1900) sculpture en bronze de Diane, Antiquités et brocanteAlexandre Falguière (1831-1900) sculpture en bronze de Diane, Antiquités et brocante

    Alexandre Falguière (1831-1900) sculpture en bronze de Diane, déesse Romaine

    Alexandre Falguière : Un Maître de la Sculpture Française
    Alexandre Falguière, né Jean Alexandre Joseph Falguière le 7 septembre 1831 à Toulouse et décédé le 20 avril 1900 à Paris, est une figure emblématique de la sculpture française du XIXe siècle. Il a marqué son époque par son talent exceptionnel, son inventivité artistique et son influence durable sur les générations suivantes de sculpteurs.
    Jeunesse et Formation
    Falguière a grandi dans une famille modeste. Très tôt, il montre un intérêt marqué pour les arts. Son talent est rapidement remarqué, et il reçoit une bourse pour étudier à l’École des Beaux-Arts de Toulouse, où il se forme sous la direction de sculpteurs locaux. À 18 ans, il part pour Paris pour poursuivre sa formation à l’École des Beaux-Arts de Paris, une institution prestigieuse qui forme les plus grands artistes de l’époque.
    En 1859, Falguière remporte le grand prix de Rome de sculpture pour son bas-relief « Méphistophélès apparaissant à Faust dans son cabinet ». Ce prix lui permet de séjourner à la Villa Médicis à Rome, où il s’imprègne de l’art classique et de la Renaissance italienne, influençant durablement son style. À son retour en France, il commence à exposer régulièrement au Salon, où ses œuvres attirent l’attention du public et des critiques.
    En 1864, il réalise « Le Vainqueur au combat de coqs », une sculpture en bronze qui remporte un immense succès et le propulse au premier plan de la scène artistique. Cette œuvre, caractérisée par son dynamisme et sa précision anatomique, révèle son talent pour capter le mouvement et l’émotion.
    Œuvres Majeures
    Parmi ses œuvres les plus célèbres figure « Diane Chasseresse » (1882), une sculpture en bronze patiné représentant la déesse de la chasse, Diane, en buste. Cette œuvre, signée et portant le cachet du fondeur «Thiébaut Frères fondeurs Paris», est remarquable par sa finesse et son élégance. Falguière excelle dans l’art de rendre la beauté et la grâce féminine tout en respectant les canons classiques de la sculpture.
    Enseignement et Influence
    Au-delà de sa carrière de sculpteur, Falguière a joué un rôle crucial en tant qu’enseignant. En 1882, il devient professeur à l’École des Beaux-Arts de Paris, où il forme de nombreux élèves qui deviendront à leur tour des sculpteurs renommés. Son enseignement, basé sur une solide compréhension de l’anatomie et du mouvement, a influencé une génération entière d’artistes.

     

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    Statue en bronze représentant un buste de femme élégante, signé de Eugene RousseauStatue en bronze représentant un buste de femme élégante, signé de Eugene Rousseau

    Buste bronze de Eugène Rousseau représentant une élégante

    650,00 
    Cette belle statue en bronze représente un buste de femme élégante, signée par l’artiste Eugène Rousseau. Elle mesure 44 cm de hauteur et date du 19e siècle. La sculpture est notable pour sa patine brune, qui présente des reflets de brillance, ajoutant une profondeur et une richesse à la pièce.
    Description de l’œuvre
    Le buste montre une femme gracieuse et raffinée, caractéristique de l’époque romantique. Les détails minutieux de la coiffure et des vêtements révèlent une grande maîtrise technique. Les cheveux de la femme sont coiffés de manière complexe, avec des mèches élaborées qui encadrent son visage. Son expression sereine et ses yeux fermés ajoutent une sensation de calme et de contemplation à l’œuvre.
    Signature et authenticité
    La signature d’Eugène Rousseau est présente sur la statue, attestant de son authenticité. Rousseau, connu pour ses œuvres en bronze, était un artiste respecté au 19e siècle. Sa capacité à capturer l’essence et la beauté de ses sujets est bien illustrée dans cette sculpture.
    Patine et esthétique
    La patine brune de cette sculpture est particulièrement remarquable. Au fil du temps, la patine s’est développée, donnant à la pièce une brillance subtile qui accentue les détails sculpturaux. Cette patine est un signe de la qualité et de l’âge de la pièce, ajoutant à sa valeur historique et artistique.
    Contexte historique
    Le 19e siècle était une période de grande innovation et de changement dans l’art, avec l’émergence de styles tels que le romantisme et le réalisme. Les artistes de cette époque, comme Rousseau, étaient influencés par les idéaux de la beauté classique et la recherche de la perfection formelle. Les bustes, en particulier, étaient populaires car ils permettaient de capturer l’essence et le caractère des individus de manière intime et personnelle.
    Importance de l’œuvre
    Cette statue est non seulement un exemple de l’habileté technique de Rousseau, mais aussi un reflet des valeurs esthétiques de son époque. Le buste de femme qu’il a créé représente une combinaison de grâce, de beauté et de tranquillité, caractéristiques prisées dans l’art du 19e siècle. La finesse des détails et la qualité de la patine font de cette pièce un ajout précieux à toute collection d’art ou musée.
    En somme, ce buste en bronze signé Eugène Rousseau est une œuvre d’art magnifique et raffinée. La qualité de la patine, la précision des détails et l’élégance générale de la sculpture en font un exemple remarquable de l’art du 19e siècle. 
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    Lustre à cascade de cristaux triedri de Venini vers 1960

    Lustre à cascade de cristaux triedri de Venini vers 1960

    Voici un lustre Venini datant de 1960, caractérisé par des pendentifs de type trilobe de deux tailles, couleur transparent. Ce chef-d’œuvre, une cascade avec cristaux Triedri de Venini, est une pièce unique attribuée grâce à des documents d’archives, tels que des catalogues vintage et des documents de designers. La monture en laiton doré ajoute une touche d’élégance à ce luminaire exceptionnel.
    Contexte Historique
    Venini, l’entreprise de verre italienne de renommée mondiale, remonte à 1921. Elle fut fondée par Paolo Venini, un avocat milanais, et Giacomo Cappellin, un antiquaire vénitien. Leur collaboration initiale donna naissance à la fabrique de verre Cappellin Venini & C. sur l’île de Murano, sous la direction artistique de Vittorio Zecchin. L’entreprise se spécialisa d’abord dans la production de gobelets, cruches, et vases de style Renaissance.
    Évolution et Innovations
    En 1925, après une séparation entre les fondateurs, Paolo Venini créa la Vetri Soffiati Muranesi Venini & C., avec Napoleone Martinuzzi comme directeur artistique. Venini devint rapidement un symbole de l’art du verre coloré et des éclairages contemporains. De 1927 à 1932, Venini explora de nouvelles techniques comme le pasta vitrea (verre opaque), le vetro incamiciato (verre feuilleté), et le vetro pulegoso (verre bulle), innovant ainsi des formes très expérimentales pour l’époque.
    Expositions et Collaborations
    La renommée de Venini grandit grâce à des expositions dans des foires nationales, notamment la Biennale de Venise et la Triennale de Milan. Des collaborations avec des designers de renom comme Gio Ponti, Pietro Chiesa et Emilio Lancia permirent à Venini de promouvoir le design moderne à travers l’association Il Labirinto.
    Influence de Carlo Scarpa
    En 1932, la direction artistique fut confiée aux architectes Tomaso Buzzi et Carlo Scarpa, qui apportèrent une vision moderniste passionnante. Scarpa, en particulier, se concentra sur l’interaction de la lumière avec le verre, développant des techniques novatrices telles que le battuto (verre battu), le tessuto (verre à lignes), le granulare (verre à petites granules), et le murina (verre à motifs).
    Après la Seconde Guerre Mondiale
    Venini continua de collaborer avec des designers de renom tels que BBPR, Fulvio Bianconi, Roberto Menghi, Tobia Scarpa, Massimo Vignelli, et Tapio Wirkkala. Après la mort de Paolo Venini en 1959, son entreprise fut dirigée par son gendre Ludovico Diaz De Santillan, puis par sa fille Laura dans les années 1970.
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    Rare tasse couvert à deux anses en porcelaine Allemande KTM du début du XIXe siècle à décor lacustre, Antiquités brocante

    Rare grande tasse couverte en porcelaine Allemande Berlin KPM XIXe

    La pièce en question est une superbe tasse couverte en porcelaine allemande, fabriquée à Berlin par la célèbre Manufacture royale de porcelaine, plus connue sous l’acronyme KPM (Konigliche Porzellan Manufaktur Berlin). Datant approximativement de la période 1820-1840, cette tasse représente une véritable œuvre d’art de son époque.
    Le paysage représenté sur cette tasse transporte l’observateur dans une ambiance paisible et nostalgique. Le pont, symbole de passage et de connexion, est magnifiquement dessiné, et les ruines ajoutent une touche de mystère et de romantisme. Ce genre de décor était très apprécié à l’époque, car il évoquait à la fois la beauté de la nature et les vestiges du passé.
    La tasse elle-même est d’une élégance indéniable. Sa forme est gracieuse et équilibrée, avec des lignes fluides et harmonieuses. Le couvercle assorti ajoute non seulement à la fonctionnalité de la pièce, mais aussi à son esthétique globale. La dorure qui orne la tasse et son couvercle apporte une touche de luxe et de sophistication supplémentaire. Bien que la pièce soit en très bon état général, il convient de noter un léger manque de dorure sur le couvercle, signe discret du passage du temps mais n’altérant en rien la beauté et la valeur de l’objet.
    La Manufacture royale de porcelaine de Berlin, fondée en 1763 sous les auspices du roi Frédéric II de Prusse, a toujours été synonyme de qualité et de perfection dans le domaine de la porcelaine. Les pièces produites par KPM sont prisées des collectionneurs du monde entier pour leur beauté, leur finesse et leur durabilité. La manufacture a su maintenir des standards de production élevés, alliant tradition et innovation pour créer des pièces uniques et précieuses.
    La porcelaine de Berlin, réputée pour sa qualité exceptionnelle et son raffinement, est ici parfaitement illustrée. La tasse arbore une signature distinctive avec le sceptre bleu, une marque de fabrique de KPM, garantissant son authenticité et son origine prestigieuse. Le sceau du sceptre bleu est un symbole de la qualité et de l’excellence des productions de la manufacture royale.
    Le décor de cette tasse est particulièrement remarquable. Elle présente un paysage lacustre pittoresque, mettant en scène un pont et de vieilles ruines. Le choix du motif témoigne d’un goût prononcé pour les scènes romantiques et idylliques, très en vogue au début du XIXe siècle. Les détails du décor sont finement exécutés, chaque élément étant peint avec une grande précision et une délicatesse qui reflètent le savoir-faire des artisans de KPM.
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    Joseph d'Aste (1881-1945) superbe statue statuette de l'enfant Bacchus en marbre blanc 51 cm, Antiquités brocante

    Joseph d’Aste, superbe statue de l’enfant Bacchus en marbre blanc

    Une Œuvre Magnifique : L’Enfant Bacchus de Joseph d’Aste
    Introduction
    La sculpture de l’Enfant Bacchus, une œuvre en marbre blanc signée par Joseph d’Aste, est une pièce exceptionnelle qui attire l’œil par sa beauté et sa finesse. Né en 1181 et décédé en 1945, d’Aste a laissé derrière lui un héritage artistique impressionnant, et cette sculpture en est un témoignage remarquable. Haute de 51 cm, elle repose sur un socle aux teintes éclatantes de jaune, bordeaux et blanc, ajoutant une touche de vivacité et de contraste à la pureté du marbre.
    Description de l’Œuvre
    La sculpture représente Bacchus enfant, le dieu romain du vin et des festivités, avec une expressivité et une vivacité qui captivent immédiatement l’observateur. Dans une main, l’enfant Bacchus tient une coupe, symbole de célébration et de délices dionysiaques. Dans l’autre main, il tient son vêtement délicatement drapé, qui porte une grappe de raisin, emblème de l’abondance et de la fertilité.
    Détails du Socle
    Le socle de la sculpture, avec ses couleurs mouchetées de jaune, de bordeaux et de blanc, offre un contraste saisissant avec le marbre blanc immaculé de la statue. Les nuances vives du socle rehaussent l’éclat et la délicatesse de la figure en marbre, tout en apportant une dimension supplémentaire à l’ensemble de l’œuvre. Cette base soigneusement choisie et colorée semble souligner l’importance de la sculpture tout en la mettant subtilement en valeur.
    Expression et Posture
    L’expression du jeune Bacchus est d’une douceur et d’une innocence désarmantes, capturant parfaitement la joie insouciante de l’enfance divine. Sa posture, à la fois gracieuse et naturelle, témoigne de la maîtrise de d’Aste dans le rendu des formes humaines et de la vitalité. Chaque détail, des boucles de ses cheveux aux plis de son vêtement, est exécuté avec une précision minutieuse, révélant le talent exceptionnel de l’artiste.
    Signification Symbolique
    L’Enfant Bacchus, tenant une coupe et des raisins, symbolise la jeunesse, la vitalité et l’abondance. Cette représentation d’un dieu souvent associé à l’excès et à la joie de vivre, mais ici en version enfantine, offre une interprétation fraîche et touchante de la mythologie classique. Elle rappelle également l’importance de la nature et des cycles de croissance, des thèmes chers à d’Aste et souvent présents dans ses œuvres.
    L’Héritage de Joseph d’Aste
    Joseph d’Aste, dont la vie s’étend sur plusieurs siècles, a su marier tradition et innovation dans ses créations.
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    Coffret coffre époque 17e en écaille de tortue, travaille Français

    Magnifique coffret Français fin du 17e siècle en écaille de tortue

    Découvrez un trésor exceptionnel : un magnifique et rare grand coffret du 17e siècle, véritable chef-d’œuvre de l’artisanat de l’époque. Ce coffret, probablement d’origine française, incarne l’élégance et le raffinement caractéristiques de cette période historique. Son esthétique et sa patine, témoignages de son authenticité, en font une pièce incontournable pour les amateurs et collectionneurs d’antiquités.
    Ce coffret est remarquable par son matériau principal : l’écaille de tortue. Utilisé dès l’Antiquité pour ses qualités esthétiques et pratiques, l’écaille de tortue était particulièrement prisée au 17e siècle pour la fabrication d’objets de luxe. Sa teinte naturellement riche, variant du brun doré au noir profond, et ses motifs uniques créent un effet visuel à la fois somptueux et sophistiqué. Le coffret présente une belle patine, un indicateur de son âge et de son authenticité, ainsi que du soin avec lequel il a été conservé au fil des siècles.
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    Coffre fort de Nuremberg, époque XVIIe 17e siècle en fer forgé, antiquités, brocante, art,

    Coffre fort de Nuremberg ancien datant du XVIIe siècle en fer forgé

    Voici un magnifique coffre-fort ancien en fer forgé, un véritable joyau provenant de Nuremberg et datant du 17e siècle. Témoignage d’une époque révolue, cet objet historique est exceptionnellement bien conservé et demeure en parfait état de fonctionnement. Avec des dimensions généreuses de 70 cm de longueur, 40 cm de largeur et 33 cm de hauteur, ce coffre-fort impressionne par sa robustesse et sa beauté.
    Ce coffre-fort en fer forgé est une œuvre d’art à part entière, révélant la maîtrise artisanale des forgerons de Nuremberg du 17e siècle. Chaque détail, de la structure solide aux motifs décoratifs finement travaillés, illustre l’excellence de la fabrication de l’époque. La patine qui recouvre ce coffre ajoute une profondeur visuelle, témoignant de son ancienneté et de son authenticité. Ce fini patiné, résultat des années écoulées, confère au coffre une aura unique, le rendant encore plus précieux aux yeux des collectionneurs et des amateurs d’antiquités.
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    Superbe présentoir de magasin, marque Siegel à Paris en laiton

    Superbe présentoir de magasin, marque Siegel à Paris en laiton

    Voici une magnifique et rare pièce d’antiquité : un présentoir de magasin en laiton datant d’environ 1925. Ce présentoir, signé par la prestigieuse maison Siegel Paris, est une véritable œuvre d’art qui se distingue par son design raffiné et son allure sophistiquée. Siegel Paris, connue pour son savoir-faire exceptionnel en matière de mobilier de luxe, a produit ce modèle unique qui est devenu aujourd’hui une rareté très prisée sur le marché des antiquités.
    Ce présentoir se compose de trois étagères en verre biseauté, chacune soigneusement façonnée pour offrir non seulement une fonction pratique, mais également une esthétique élégante. Le verre biseauté ajoute une touche de raffinement et de brillance qui capte et reflète la lumière, créant ainsi une présentation visuelle attrayante pour les objets exposés. Les étagères sont réglables à la fois horizontalement et verticalement, offrant une flexibilité maximale pour l’affichage de divers articles de différentes tailles et formes.
    Les dimensions du présentoir sont impressionnantes avec une hauteur totale de 118 cm, ce qui en fait une pièce de choix pour tout espace de vente cherchant à attirer l’attention. Sa taille imposante permet d’exposer une variété d’objets de manière élégante et organisée, tout en conservant une empreinte relativement compacte qui s’intègre facilement dans divers environnements.
    Le cadre en laiton de ce présentoir est un véritable chef-d’œuvre de fabrication. Le laiton, connu pour sa durabilité et sa résistance à la corrosion, confère à la structure une longévité exceptionnelle tout en ajoutant une touche de luxe. La finition en laiton poli donne au présentoir une allure éclatante et attrayante qui s’harmonise parfaitement avec les étagères en verre.
    Le piétement tripode est une caractéristique distinctive de ce présentoir, non seulement pour sa contribution à la stabilité de l’ensemble, mais aussi pour son design unique et élégant. Ce type de piétement est à la fois fonctionnel et décoratif, apportant une touche de sophistication supplémentaire à l’ensemble de la structure. La conception tripode assure une base solide et équilibrée, garantissant que le présentoir reste stable même lorsqu’il est chargé d’objets.
    Le nom Siegel Paris est gravé sur ce présentoir, signe de son authenticité et de sa qualité supérieure. La maison Siegel Paris a une réputation bien établie pour la création de mobilier de luxe, et ce présentoir ne fait pas exception.

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  • Ensemble de luminaire, Flam & Luce pour Roche Bobois 1960 1970

    Ensemble de luminaires par Flam & Luce pour Roche Bobois vers 1960

    1600,00 
    Ensemble de luminaires Flam & Luce pour Roche Bobois, vers 1960. Design vintage, élégance rare pour sublimer votre intérieur avec style.
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    Paire de sculpture signé Falconet, Antiquités et brocante de NormandiePaire de sculpture signé Falconet, Antiquités et brocante de Normandie

    Paire de statues en marbre de Carrare, les baigneuses, d’après Falconet

    Les sculptures en marbre de Carrare, d’une hauteur de 42 cm, représentent deux baigneuses inspirées des œuvres d’Étienne-Maurice Falconet. Elles incarnent l’élégance et la délicatesse du style rococo du XVIIIe siècle. Ces sculptures rappellent fortement la célèbre statue de Falconet, « Nymphe qui descend au bain » ou « La Baigneuse », présentée au Salon de 1757 et aujourd’hui exposée au Louvre.
    Ces sculptures sont d’une pureté et d’une finesse remarquables, réalisées en marbre blanc de Carrare, un matériau prisé pour sa texture lisse et son éclat lumineux. Chaque détail est minutieusement sculpté, des traits du visage de la jeune fille à la courbe gracieuse de son corps. La statue représente une jeune femme nue, saisie dans un moment de douceur et d’intimité, alors qu’elle s’apprête à tester la température de l’eau avec son pied délicat. Sa posture est à la fois naturelle et empreinte de sensualité, caractéristique des œuvres de Falconet.
    La main de la baigneuse repose légèrement sur une souche d’arbre enveloppée de feuillage, ajoutant une touche de nature à la scène et servant de point d’appui à la figure gracile. Ce détail accentue l’harmonie entre l’être humain et son environnement. La robe, entrelacée autour de sa cuisse, semble glisser doucement, suggérant le mouvement et la fluidité, un autre hommage à la maîtrise technique de Falconet.
    Ces sculptures ne sont pas seulement des reproductions fidèles de l’œuvre originale, mais elles capturent également l’esprit du rococo, avec son accent sur l’intimité, la nature et la beauté féminine. La précision des détails, comme les plis de la robe, la texture de la peau et l’expression douce du visage, montrent le haut niveau de compétence des sculpteurs qui ont recréé ces œuvres. Chaque sculpture respire la grâce et la sensualité, créant une impression de légèreté et de douceur.
    L’originalité et la rareté de ces sculptures en font des pièces particulièrement recherchées par les collectionneurs et les amateurs d’art. Il est rare de trouver ces sculptures vendues en paire, car elles sont souvent proposées à la pièce. Posséder une paire de ces œuvres permet d’apprécier pleinement l’équilibre et la symétrie qui sont si caractéristiques de l’art classique et rococo.
    La qualité du marbre de Carrare ajoute une dimension supplémentaire à ces sculptures. Connue pour sa durabilité et son éclat, cette pierre a été utilisée par certains des plus grands sculpteurs de l’histoire, y compris Michel-Ange. Le choix de ce matériau pour recréer les baigneuses de Falconet témoigne du soin apporté à chaque aspect de ces œuvres.
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    Vase art déco, Sèvres, Antiquités Brocante NormandieVase art déco, Sèvres, Antiquités Brocante Normandie

    Magnifique vase en porcelaine de Sèvres par Charles Fritz

    Présentation d’un Vase Exceptionnel : Chef-d’œuvre Art Déco de Charles Fritz
    Nous avons le plaisir de vous présenter un magnifique vase en porcelaine, un véritable joyau de l’époque Art Déco. Fabriqué dans les prestigieux ateliers de Sèvres en France, ce vase est une œuvre exceptionnelle de Charles Fritz, célèbre pour ses créations raffinées et son talent incomparable. Signé des initiales « CF » et daté de 1925, ce vase incarne parfaitement l’élégance et le style distinctif de cette période artistique.
  • Buffet de chasse style Bressan, dessus marbre, XIXe siècle

    Buffet de chasse style Bressan, dessus marbre, XIXe siècle

    1800,00 
    Buffet de chasse style Bressan XIXe siècle, avec dessus marbre, alliant charme rustique et élégance pour sublimer votre intérieur vintage.
  • Lampe Barbedienne antiquités brocante

    Lampe à décor de personnages à l’antique en marbre et bronze XIXe

    1350,00 
    Lampe décorative antique en marbre et bronze du XIXe siècle, ornée de personnages classiques. Élégance et histoire pour sublimer votre intérieur.
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    Pendule cheminée Antiquités brocante Rouen

    Imposante garniture de cheminée XIXe en bronze de Moreau

    Description de la garniture de cheminée

    La garniture de cheminée est une pièce exceptionnelle comprenant une pendule en bronze patiné et une paire de candélabres assortis. Cette garniture se distingue par la richesse de ses détails et son exécution raffinée, signée par Mathurin Moreau, célèbre sculpteur français du XIXe siècle, né en 1822 et décédé en 1912.
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    Pendule cage Antiquités Rouen

    Belle pendule cage de style Empire, Chardon à Paris

    Pendule de Style Empire et Napoléon III

    Élégance et Luminosité : Un Héritage du XXe Siècle

    Cette pendule élégante et lumineuse incarne l’excellence du style Empire et Napoléon III, combinant sophistication et artisanat de haute qualité. Conçue au XXe siècle, elle est un témoignage raffiné de l’art horloger et de la décoration d’intérieur inspirée par les époques glorieuses de l’histoire française.
    Architecture et Design
    La structure de la pendule est remarquable, constituée d’une cage en laiton doré qui encadre avec élégance quatre surfaces vitrées. Les vitres, en verre épais et finement biseauté, ajoutent une touche de brillance et de transparence, permettant une vue claire sur le mécanisme interne. Cette conception assure non seulement une protection optimale, mais également une présentation esthétique de l’horloge. Les deux portes, situées à l’avant et à l’arrière, offrent un accès facile pour les réglages et l’entretien, tout en préservant la symétrie et l’harmonie visuelle.
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    Sculpture Morelli Antiquités Rouen

    Sculpture « Mephistopheles » par Alfredo Morelli en marbre et bronze

    12500,00 
    Sculpture : Tête d’homme ou le Diable par Alfredo Morelli
    La sculpture en question est une œuvre intrigante et complexe réalisée par l’artiste Alfredo Morelli, actif à Florence au XIXe siècle. Elle représente une tête d’homme ou peut-être le visage du diable, une dualité qui invite à la réflexion sur la nature humaine et le mal. L’œuvre est composée de plusieurs matériaux : le visage est en bronze, le capuchon en marbre rouge, et les yeux sont en verre de couleur rouge, ajoutant une dimension inquiétante et mystique à la pièce. La sculpture repose sur un socle en marbre noir chiné, de forme trapézoïdale, qui confère à l’ensemble une stabilité visuelle et physique tout en accentuant l’élégance de la composition.
    L’œuvre porte la signature gravée « Morelli – Florence » au dos, ainsi qu’un titre. Alfredo Morelli est un sculpteur reconnu pour son travail méticuleux et expressif. Il a étudié à l’Institut d’Art de Florence, un établissement prestigieux où il a perfectionné son art et acquis les compétences nécessaires pour créer des œuvres d’une grande qualité technique et esthétique.
    En 1885, alors qu’il est encore étudiant, Morelli participe aux expositions d’Anvers et de Haarlem, où il obtient une mention, soulignant déjà la reconnaissance de son talent par la critique internationale. Cette participation à des événements artistiques de renom témoigne de son engagement dans le monde de l’art et de son désir de se mesurer aux autres artistes de son époque.
    En 1898, Morelli prend part au deuxième concours pour la création d’un monument dédié à Rossini à Santa Croce, à Florence. Bien que les détails sur l’issue de ce concours ne soient pas précisés, sa participation démontre son implication continue dans des projets ambitieux et prestigieux. Le concours pour le monument à Rossini aurait été une excellente plateforme pour exhiber son talent et son sens de la monumentalité.
    Pour ceux qui souhaitent approfondir leurs connaissances sur Alfredo Morelli et son œuvre, plusieurs références bibliographiques sont disponibles. Parmi elles, le livre de Sissi publié en 1989, les travaux de Capelli et Soldani de 1994, ainsi que l’ouvrage de Panzetta de la même année. Ces textes offrent un éclairage précieux sur la carrière et les œuvres de Morelli, fournissant un contexte historique et artistique essentiel à la compréhension de sa contribution au monde de la sculpture.
    Les dimensions de cette sculpture sont également notables : elle mesure 42 cm de hauteur, une taille qui la rend imposante et remarquablement détaillée pour une sculpture de cette nature. Les matériaux utilisés — bronze, marbre rouge et noir, et verre rouge — sont choisis avec soin pour créer une harmonie visuelle et tactile, tout en évoquant des sensations variées. Le contraste entre le bronze et le marbre, ainsi que la vive couleur des yeux en verre, attire et retient l’attention du spectateur, suscitant une réflexion sur les thèmes de la dualité et de l’apparence.