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Pendulette type officier Hour Lavigne / L’Epée , mouvement mécanique
La pendulette de voyage HOUR LAVIGNE, successeurs de l’Epée, est un véritable chef-d’œuvre d’horlogerie qui allie élégance, fonctionnalité et précision.
Cette pendulette, souvent appelée « pendulette d’officier », est un témoignage de l’artisanat horloger du début du 20ème siècle, une époque où la précision mécanique et l’esthétique raffinée étaient des valeurs fondamentales.
Description Générale :
La pendulette se distingue par son boîtier en bronze, un matériau noble et résistant qui confère à l’objet une allure à la fois classique et robuste.
Le verre biseauté qui protège le cadran ajoute une touche de sophistication et permet une lecture claire et précise de l’heure.
La pendulette est accompagnée de sa clef, un élément essentiel pour remonter le mécanisme et régler l’heure.
Caractéristiques Techniques :
Le mouvement mécanique de cette pendulette est un exemple de l’ingéniosité horlogère de l’époque.
Il est équipé d’une fonction réveil, ce qui en fait un compagnon idéal pour les voyages.
La clef amovible permet de remonter le mécanisme avec précision, tandis que l’arrêt de sonnerie situé au sommet de la pendulette permet de désactiver le réveil si nécessaire.
Les aiguilles Breguet noires, finement ouvragées, contrastent élégamment avec le cadran blanc orné de chiffres romains.
Ce design classique et intemporel rend la pendulette non seulement fonctionnelle mais aussi esthétiquement plaisante.
Dimensions et Portabilité :
Avec des dimensions de 13 x 9 cm, cette pendulette est parfaitement adaptée pour les voyages.
Sa taille compacte permet de la transporter facilement, tout en offrant une lisibilité optimale.
Que ce soit sur une table de chevet dans une chambre d’hôtel ou sur un bureau lors d’un déplacement professionnel, cette pendulette trouve sa place partout.
Histoire et Héritage :
HOUR LAVIGNE, successeurs de l’Epée, est une maison horlogère renommée qui a su perpétuer la tradition d’excellence initiée par l’Epée. Fondée en 1755, l’Epée est l’une des plus anciennes manufactures horlogères suisses, connue pour ses créations innovantes et son savoir-faire artisanal.
HOUR LAVIGNE a repris cet héritage avec brio, en continuant à produire des pendulettes de haute qualité qui allient tradition et modernité.
Utilisation et Entretien :
Pour garantir la longévité et la précision de cette pendulette, il est essentiel de la remonter régulièrement à l’aide de la clef fournie.
Le mécanisme mécanique nécessite un entretien périodique pour assurer son bon fonctionnement.
Il est recommandé de faire vérifier la pendulette par un horloger qualifié tous les quelques années pour un nettoyage et une lubrification adéquats.
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Jardinière ancienne, époque Empire, colonnes et ornements bronze doré
1200,00 €Cette jardinière d’époque Empire incarne l’excellence du savoir-faire artisanal et artistique du début du XIXᵉ siècle.
De forme rectangulaire, elle repose sur un piétement soigneusement élaboré, qui allie harmonieusement équilibre et esthétique classique. Les colonnes en façade, combinées aux montants carrés de la partie postérieure, témoignent de l’influence de l’Antiquité, une source d’inspiration majeure pour le style Empire.
Le piétement de la jardinière présente une composition architecturale remarquable.
Les colonnes en façade, ornées de bagues et de chapiteaux en bronze ciselé et doré, apportent une touche de sophistication.
Ces ornements ne sont pas seulement décoratifs : ils traduisent une maîtrise technique et un goût prononcé pour les détails soignés.
Les montants carrés à l’arrière assurent la stabilité tout en conférant une allure géométrique et équilibrée à l’ensemble.
L’entablement incurvé en façade est un élément clé du design, créant une rupture subtile avec les lignes rectangulaires de la structure principale.
Cet aspect courbé adoucit l’ensemble et lui donne une élégance fluide, tout en respectant les principes rigoureux de symétrie chers au style Empire.
Ornements en Bronze Doré :
Les ornements en bronze ciselés et dorés sont l’un des aspects les plus distinctifs de cette jardinière.
Les bagues, qui entourent les colonnes, ainsi que les chapiteaux finement sculptés, témoignent de l’influence néoclassique omniprésente sous le règne de Napoléon.
Ces détails soulignent la volonté de magnifier chaque élément fonctionnel par une touche décorative.
La galerie ajourée en bronze, qui orne le pourtour supérieur de la jardinière, est un chef-d’œuvre de finesse.
Ce détail ne se contente pas d’apporter une valeur esthétique : il met en lumière l’équilibre entre fonctionnalité et ornementation, si typique de l’époque Empire.
Les motifs ajourés permettent de jouer avec la lumière, ajoutant profondeur et texture à l’ensemble.
Intérieur en Zinc et Fonctionnalité :
L’intérieur de la jardinière est conçu en zinc, un matériau durable et résistant à l’humidité, parfaitement adapté à son usage principal.
Ce choix illustre également la prise en compte de l’aspect pratique dans la conception de cet objet décoratif.
Bien que la jardinière soit destinée à accueillir des plantes ou des fleurs, son raffinement et son esthétique en font également un élément décoratif autonome, idéal pour agrémenter un intérieur ou un jardin d’hiver.
Dimensions et État de Conservation :
Avec une hauteur de 88 cm, une largeur de 75 cm et une profondeur de 38 cm, cette jardinière offre des proportions généreuses tout en restant suffisamment compacte pour s’intégrer dans divers espaces.
Ces dimensions équilibrées renforcent son aspect majestueux sans pour autant paraître imposant.
En bon état général, cette pièce présente des signes d’usure compatibles avec son âge, soulignant son authenticité et son histoire.
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Pendulette d’officier, horloge réveil de voyage en bronze et laiton doré
260,00 €Cette ancienne pendulette d’officier, également connue sous le nom d’horloge et réveil de voyage, est un véritable bijou d’horlogerie de la fin du XIXe siècle.
Fabriquée en bronze et laiton doré, elle incarne l’élégance et la précision des objets de cette époque.
La pendulette se distingue par son design raffiné et ses matériaux nobles.
Le boîtier en bronze et laiton doré présente une dorure d’origine remarquablement bien conservée, ajoutant une touche de luxe et de sophistication.
Les carreaux biseautés offrent une vue claire sur le mécanisme interne, permettant d’admirer la complexité et la beauté de l’horlogerie mécanique.
Le mécanisme à sonnerie est l’un des points forts de cette pendulette.
Il est en parfait état de fonctionnement, témoignant de la qualité de fabrication et de l’expertise des horlogers de l’époque.
La sonnerie, qui marque les heures désirées, ajoute une dimension auditive à cette pièce, la rendant non seulement utile mais aussi agréable à vivre, mais je ne suis pas en possession de sa clé.
Avec une hauteur de 12,5 cm sans la poignée, cette pendulette est compacte et facilement transportable.
Conçue pour les officiers et les voyageurs, elle était idéale pour ceux qui devaient se déplacer fréquemment mais avaient besoin d’une horloge fiable et précise.
La poignée, visible sur les images, devait faciliter son transport, la rendant pratique pour les déplacements.
La fin du XIXe siècle a été une période de grande innovation et de raffinement dans le domaine de l’horlogerie.
Les horlogers de l’époque maîtrisaient parfaitement les techniques de fabrication et de décoration, créant des pièces qui étaient à la fois fonctionnelles et esthétiquement plaisantes.
Cette pendulette est un exemple parfait de cette époque, où l’art et la science se rencontraient pour produire des objets d’une grande valeur.
Pour les collectionneurs d’horlogerie ancienne, cette pendulette d’officier est une pièce de choix.
Sa rareté, son état de conservation et son fonctionnement impeccable en font un objet de grande valeur.
Elle peut être exposée comme une œuvre d’art ou utilisée pour sa fonction originale, ajoutant une touche d’histoire et de prestige à n’importe quel intérieur.
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Grosse pendule marbre noir, bronze de Cléopâtre allongée a moitié nue, XIXe siècle
Cette grosse pendule en marbre noir est un véritable chef-d’œuvre d’art horloger et de sculpture.
Elle se distingue par ses éléments en bronze doré, qui ajoutent une touche de luxe et d’élégance à l’ensemble.
Les coins de la pendule sont ornés de têtes en bronze doré, qui semblent veiller sur le temps qui passe.
Ces détails sculpturaux témoignent d’un savoir-faire artisanal exceptionnel et d’une attention méticuleuse aux détails.
La pièce maîtresse de cette pendule est sans conteste la sculpture en bronze à patine brune qui la surmonte.
Cette sculpture représente Cléopâtre, la célèbre reine d’Égypte, allongée dans une pose langoureuse.
Elle tient dans sa main un serpent, symbole de son destin tragique.
Cléopâtre est représentée à moitié nue, drapée dans un tissu fluide qui laisse deviner les courbes de son corps.
Elle repose sur un matelas richement décoré de hiéroglyphes et d’ailes, évoquant l’art et la culture de l’Égypte antique.
La sculpture de Cléopâtre est un hommage à la beauté et à la tragédie de cette figure historique.
La patine brune du bronze confère à la sculpture une profondeur et une richesse visuelle, tout en soulignant les détails délicats de la figure et des motifs égyptiens.
Les hiéroglyphes et les ailes sur le matelas ajoutent une dimension mystique et symbolique à l’œuvre, rappelant les croyances et les mythes de l’Égypte ancienne.
La pendule elle-même est un témoignage de l’art horloger.
Malgré quelques chiffres manquants et l’absence du cadran avant, elle conserve une présence imposante et majestueuse.
Les dimensions de la pendule, avec une hauteur de 44 cm et une largeur de 53 cm, en font une pièce de collection remarquable, capable de capter l’attention dans n’importe quel intérieur.
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Une éclatante paire de bougeoirs anciens en bronze doré et argenté
550,00 €Une Éclatante Paire de Bougeoirs Anciens en Bronze Doré et Argenté – Témoins du Raffinement du XIXe Siècle
Plongez dans l’élégance intemporelle du XIXe siècle avec cette magnifique paire de bougeoirs anciens en bronze doré et argenté.
Ces pièces remarquables illustrent l’excellence artistique et le savoir-faire exceptionnel des artisans de l’époque.
Parfaitement conservées, elles représentent non seulement des objets utilitaires, mais également de véritables œuvres d’art, témoins du style néo-classique en vogue à cette époque.
Une Composition Harmonieuse
Chaque bougeoir est conçu pour accueillir deux bougies, une configuration qui ajoute une dimension symétrique et équilibrée à leur design. Les bras qui soutiennent les porte-bougies sont élégamment sculptés et ornés de chaînes décoratives finement travaillées, témoignant de la minutie des détails propres à l’artisanat du XIXe siècle.
Ces chaînes, d’une délicatesse, relient les différents éléments de manière à la fois fonctionnelle et décorative, accentuant l’harmonie visuelle de l’ensemble.
L’Éclat des Figures Néo-Classiques
Au cœur du design, des personnages féminins sculptés dans un style néo-classique dominent la composition.
Ces figures gracieuses, inspirées de l’Antiquité, incarnent le raffinement et la sophistication de leur époque.
Drapées dans des étoffes délicatement travaillées et rehaussées de dorures, elles se tiennent dans des poses dynamiques, donnant vie et mouvement à l’ensemble.
Les visages finement ciselés, empreints de douceur et d’expression, traduisent une maîtrise exceptionnelle dans la sculpture du bronze.
Ces figures ne sont pas seulement des éléments décoratifs, mais elles apportent une narration subtile, rappelant les mythes et légendes antiques.
Elles tiennent en hauteur les bras soutenant les bougies, leur posture conférant une majesté naturelle à l’ensemble.
Une Base d’une Richesse Exceptionnelle
Les bougeoirs reposent sur des bases solidement travaillées, elles-mêmes décorées avec une grande richesse.
Ces bases sont ornées de motifs floraux et géométriques délicats, caractéristiques des tendances ornementales du XIXe siècle.
Les pieds courbés, à la fois élégants et robustes, offrent une stabilité impeccable tout en apportant une touche supplémentaire de raffinement.
L’Alliance Parfaite entre Esthétique et Fonctionnalité
Au-delà de leur aspect décoratif, ces bougeoirs témoignent d’une fonctionnalité parfaitement pensée.
Le choix des matériaux – bronze doré et argenté – ne reflète pas seulement une recherche esthétique, mais aussi une durabilité exceptionnelle.
Cette combinaison de matériaux crée un contraste visuel saisissant, renforçant leur attrait.
Ces bougeoirs sont idéals pour illuminer une table ou une cheminée, apportant une ambiance chaleureuse et sophistiquée à n’importe quel intérieur.
Leur design intemporel permet une intégration harmonieuse dans des décors classiques comme modernes, tout en racontant une histoire riche et fascinante.
Une Pièce de Collection
Cette paire de bougeoirs constitue un ajout inestimable pour les amateurs et collectionneurs de mobilier d’époque.
Elle incarne l’alliance parfaite entre l’art et l’artisanat, offrant une fenêtre sur le savoir-faire et l’esthétique du XIXe siècle.
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Julien Leroy à Paris, belle pendule en bronze doré XIXe siècle
1400,00 €La pendule en bronze doré du XIXe siècle, circa 1880, est un véritable chef-d’œuvre de style Louis XVI, incarnant une élégance rare et un savoir-faire horloger exceptionnel.
Cette pièce, d’une beauté intemporelle, est ornée de deux amours gracieux qui ajoutent une touche de charme et de délicatesse à l’ensemble. Surmontée d’un bouquet fleuri délicatement travaillé, elle célèbre la nature et la finesse artistique de l’époque.
La pendule est ceinturée de tores de lauriers, symboles de victoire et d’éternité, qui encadrent la borne centrale, élément principal de la composition.
Ces motifs végétaux, finement ciselés, rappellent les couronnes de lauriers des héros antiques, ajoutant une dimension historique et symbolique à la pièce.
La borne centrale est encadrée par des allégories des arts libéraux, témoignant de l’influence culturelle et artistique de l’époque.
Ces allégories, représentant des disciplines telles que la musique, la géométrie et l’astronomie, soulignent l’importance des arts et des sciences dans la société du XIXe siècle.
Le cadran émaillé, sublimé par ses chiffres romains, porte la signature prestigieuse de Julien Le Roy à Paris.
Cette signature est un gage de qualité et de raffinement, renvoyant à une tradition horlogère reconnue et respectée.
Julien Le Roy, horloger du roi Louis XV, était célèbre pour ses créations précises et élégantes, et sa signature sur cette pendule atteste de son héritage et de son savoir-faire.
L’ensemble repose sur des pieds toupies, caractéristiques du style Louis XVI, apportant stabilité et finesse à cette pièce unique.
Ces pieds, élégamment tournés, confèrent à la pendule une allure gracieuse et équilibrée, typique du mobilier de cette époque.
Datée de l’époque Napoléon III, cette pendule incarne parfaitement l’harmonie entre l’héritage classique et l’esthétique du XIXe siècle.
Elle témoigne de la continuité et de l’évolution des styles, mariant la rigueur classique du XVIIIe siècle avec les innovations et les influences artistiques du XIXe siècle.
Avec ses dimensions harmonieuses (H : 48 cm, L : 37 cm, P : 17 cm), cette pendule saura trouver sa place dans tout intérieur élégant, apportant une touche d’histoire et de raffinement à votre décoration.
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Bureau de dame, réalisée par Paul Sormani sur le modèle de Bernard II Van Risen Burgh (BVRB)
Bureau de dame en placage de bois de violette
Ce bureau de dame, remarquable par sa richesse et son raffinement, illustre parfaitement l’art de l’ébénisterie du XIXe siècle, période Napoléon III.
De forme mouvementée, il est conçu en placage de bois de violette, une essence précieuse, prisée pour son veinage élégant et sa teinte chaude.
Le bureau s’ouvre à trois tiroirs en façade, une caractéristique fonctionnelle associée à une esthétique recherchée.
Ses quatre pieds cambrés, signature du style Louis XV, ajoutent une légèreté visuelle à l’ensemble.
L’ornementation en bronze ciselé et doré apporte une touche supplémentaire de sophistication.
Chaque élément, qu’il s’agisse de la lingotière, des chutes, des sabots, des entrées ou des encadrements, témoigne d’un savoir-faire exceptionnel.
Le dessus est habillé de cuir, à la fois pratique et luxueux, offrant une surface de travail noble et durable.
Ce meuble, d’une largeur de 100 cm, d’une profondeur de 51 cm et d’une hauteur de 76 cm, est un exemple éloquent de la fusion entre utilité et élégance.
Une inspiration signée BVRB
Le modèle s’inspire directement des créations de Bernard II Van Risen Burgh (dit BVRB), célèbre ébéniste parisien du XVIIIe siècle.
Les œuvres de BVRB, souvent conservées dans des collections prestigieuses comme celle du musée du Louvre, sont réputées pour leur raffinement et leur équilibre entre opulence et subtilité.
En reprenant ce style, Paul Sormani rend hommage à l’héritage de l’ébénisterie française tout en l’inscrivant dans l’esthétique de son époque.
Une réalisation de Paul Sormani
Ce bureau porte l’estampille de Paul Sormani, un des plus illustres ébénistes du XIXe siècle.
D’origine italienne, Sormani s’installe à Paris et fonde son atelier en 1847 au 7 rue du Cimetière-Saint-Nicolas.
À ses débuts, il se spécialise dans la création de meubles inspirés des styles Louis XV et Louis XVI, combinant élégance classique et perfection technique.
En 1867, il transfère son atelier au 10 rue Charlot, où il poursuivra son activité jusqu’à sa mort en 1877.
Sormani se distingue par sa capacité à reproduire avec une extrême fidélité les meubles des grands maîtres tout en y ajoutant une touche contemporaine propre à l’époque Napoléon III.
Ses meubles séduisent l’élite parisienne et la cour impériale, ce qui le consacre comme l’un des artisans les plus recherchés de son temps.
Sa production est variée : elle inclut des bureaux, des commodes, des tables, mais également des pièces d’artisans de luxe, destinées à des expositions universelles où il remporte régulièrement des prix.
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Très grande sculpture bronze art nouveau, femmes nues à la cascade
Cette remarquable sculpture en bronze, datant du début du XXe siècle, illustre avec brio le talent artistique et l’imaginaire mythologique ou naturaliste de son créateur.
Avec une hauteur de 77 cm, cette œuvre imposante captive par son esthétique raffinée et sa patine médaille d’origine, qui lui confère une profondeur et un éclat particuliers.
Bien qu’elle présente des signes d’oxydation et d’encrassement, typiques d’un état de grenier, ces marques n’altèrent en rien sa qualité artistique et peuvent être corrigées par un nettoyage doux et minutieux.
Une scène aquatique dynamique
La sculpture représente une scène vibrante et immersive mettant en scène trois femmes nues dans un environnement aquatique.
La composition, d’une grande complexité, joue sur différents niveaux pour guider l’œil du spectateur à travers l’œuvre.
L’une des figures féminines est assise avec grâce au sommet d’un rocher, dominant la scène d’un air serein et majestueux.
Les deux autres femmes semblent quant à elles émerger ou glisser dans un torrent, leurs corps s’intégrant harmonieusement aux textures fluides de l’eau sculptée.
Détails minutieux et naturalisme
Un des points forts de cette œuvre réside dans l’extraordinaire finesse des détails.
Chaque élément a été réalisé avec un soin méticuleux, contribuant à enrichir l’ensemble de la composition.
Le socle, qui simule un environnement rocheux et aquatique, regorge de détails naturalistes tels que des coquillages, un poisson et une anguille qui semblent s’animer sous nos yeux.
Ces éléments accentuent l’idée que les trois figures féminines évoluent à proximité d’une cascade, dans une scène vibrante et presque tangible.
L’artiste a su capter le mouvement et l’interaction entre les figures humaines et leur environnement, créant un équilibre subtil entre sensualité et dynamisme.
Les textures des rochers, la fluidité de l’eau et la douceur des courbes féminines témoignent du talent exceptionnel du sculpteur, capable de donner vie au bronze avec une précision rare.
Une thématique évocatrice
Cette sculpture se distingue également par la richesse symbolique qu’elle dégage.
L’interaction entre les femmes et leur cadre aquatique pourrait suggérer une inspiration mythologique, évoquant par exemple des nymphes ou des naïades, figures classiques de la culture occidentale associées aux eaux et aux cascades.
Alternativement, elle pourrait s’inscrire dans un courant naturaliste, célébrant la beauté et l’harmonie de la nature.
Ce type de thématique, prisé au début du XXe siècle, reflète un intérêt marqué pour la fusion entre l’humain et le monde naturel, ainsi qu’une exploration de la sensualité et de la vitalité féminine.
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Belle pendule XIXe bronze et marbre, signée Bollotte à Paris
Cette belle pendule du XIXe siècle est un exemple remarquable de l’art décoratif français, combinant harmonieusement le bronze doré et le marbre blanc.
Son design soigné illustre la finesse et le raffinement de l’époque, en mettant en valeur une esthétique classique qui demeure intemporelle.
Au centre de cette œuvre trône une figure féminine en bronze à patine brune, incarnant une femme à l’antique.
Représentée dans une posture gracieuse et décontractée, elle est accoudée sur la partie supérieure de la pendule, où se cache le mécanisme horloger.
Cette représentation féminine, à la fois élégante et sereine, illustre les canons esthétiques de l’époque, marqués par une admiration pour l’Antiquité classique.
Le contraste entre la patine brune de la figure et l’éclat du marbre blanc rehausse la sophistication de l’ensemble.
L’encadrement du mécanisme, richement orné, est en bronze doré.
On y trouve des motifs raffinés de lions majestueux, symbolisant la force et la noblesse, ainsi que des feuillages finement ciselés.
Ces ornements délicats témoignent du talent des artisans parisiens, qui maîtrisaient l’art de combiner richesse des matériaux et subtilité d’exécution.
Chaque détail est soigneusement travaillé, reflétant une exigence esthétique élevée propre aux objets d’exception.
Le mécanisme de la pendule porte la signature « Bollotte », un atelier de renom situé rue Neuve Vivienne à Paris.
Ce nom est synonyme de qualité et d’excellence, deux valeurs primordiales dans la conception d’une telle pièce.
La fabrication du mécanisme, à la fois esthétique et fonctionnelle, souligne le savoir-faire irréprochable des horlogers de l’époque. L’intégration harmonieuse du mécanisme dans cette composition sculpturale met en avant un équilibre parfait entre fonctionnalité et beauté.
Les pieds de la pendule, également réalisés en bronze sculpté, ajoutent une touche supplémentaire d’élégance tout en assurant une stabilité optimale.
Leur conception est en accord avec le reste de l’œuvre, reflétant une continuité stylistique et un souci du détail qui caractérisent les créations d’exception.
Avec ses dimensions imposantes, 49 cm de hauteur et 51 cm de largeur, cette pendule se distingue comme une pièce maîtresse.
Ses proportions généreuses lui permettent de capter l’attention et d’occuper une place de choix dans un intérieur raffiné.
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Hermann Haase-Ilsenburg (1869-1960), l’enlèvement d’Europe, sculpture bronze
2500,00 €Je vous présente une sculpture en bronze exceptionnelle, une création captivante qui illustre l’histoire mythique d’Europe, la belle princesse phénicienne enlevée par Zeus, le roi des dieux de l’Olympe » L’enlèvement d’Europe « .
Ce récit fascinant, parmi les plus célèbres de la mythologie gréco-romaine, a inspiré les artistes depuis des siècles.
Ici, cette légende prend vie dans une interprétation magistrale de l’artiste Hermann Haase-Ilsenburg (1869-1960), un sculpteur allemand renommé, particulièrement apprécié pour ses contributions remarquables dans le style Art déco primitif.
Un sujet mythologique intemporel
La légende d’Europe est un symbole puissant de transformation, de beauté et de mystère.
Dans ce mythe, Zeus se métamorphose en un majestueux taureau blanc pour approcher Europe, la séduire et l’emmener loin de son foyer. Cette scène dramatique, riche en symbolisme, a été maintes fois réinterprétée dans l’histoire de l’art, de la peinture à la sculpture en passant par la littérature et les arts décoratifs.
Hermann Haase s’inscrit dans cette tradition en offrant une version unique, marquée par une sensibilité contemporaine et une maîtrise technique exceptionnelle.
Une œuvre d’Art déco primitif
La sculpture reflète le style Art déco primitif, un mouvement qui conjugue l’élégance moderne et des influences inspirées des cultures anciennes.
Avec sa patine brune, la surface du bronze capte subtilement la lumière, mettant en valeur les détails soigneusement travaillés.
Chaque courbe et chaque expression traduisent la maîtrise artistique de Haase.
La figure repose sur un socle en marbre gris moucheté, ajoutant une base contrastée et raffinée à l’ensemble.
Ce choix de matériaux confère à la sculpture une stabilité et une sophistication qui enrichissent l’impact visuel global de l’œuvre.
Hermann Haase-Ilsenburg : un maître sculpteur
Hermann Haase-Ilsenburg, né en Allemagne en 1869 et décédé en 1960, a marqué le domaine de la sculpture par son talent exceptionnel et sa capacité à capturer l’émotion humaine à travers des formes matérielles.
Formé dans des académies d’art prestigieuses, il a développé un style personnel mêlant les influences classiques et modernes.
Son travail se distingue par une attention rigoureuse aux détails, une expressivité saisissante et un sens aigu de l’équilibre formel.
Il a consacré sa carrière à traduire des récits intemporels et des émotions universelles en œuvres d’art palpables, comme en témoigne cette pièce.
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Magnifique pendule horloge en bronze cathédrale néo gothique XIXe siècle
1600,00 €Cette pendule en bronze doré, mesurant 44 cm de hauteur, est une pièce décorative remarquable datant de la fin du XIXe siècle.
Inspirée par l’architecture gothique, elle se distingue par sa forme évoquant une cathédrale et par une ornementation riche et minutieuse, qui illustre les prouesses artistiques et artisanales de cette époque.
Une architecture miniature d’inspiration gothique
L’ensemble de la pendule s’inscrit dans une esthétique gothique, reprenant les éléments caractéristiques de ce style architectural.La base est ornée d’arcatures finement sculptées, supportées par des colonnes élancées qui rappellent les piliers majestueux des grandes cathédrales médiévales.
Ces détails accentuent l’élan vertical et la complexité ornementale de la pièce, offrant une impression de hauteur et de légèreté.
Le sommet de la pendule est surmonté d’une flèche gothique élancée, symbole architectural par excellence de ce style.
Ce détail renforce l’impression de verticalité, tandis que les ornements ajourés, combinant des motifs floraux et géométriques, enrichissent encore son apparence.
Ces éléments témoignent d’un travail de ferronnerie d’art particulièrement sophistiqué, où chaque détail semble pensé pour capturer l’essence du gothique tout en la transposant à une échelle domestique.
Un cadran raffiné et fonctionnel
Au centre de la structure, un cadran en émail blanc constitue le cœur fonctionnel de la pendule.Ce cadran circulaire est cerclé de motifs floraux délicats qui s’harmonisent avec les autres éléments décoratifs.
Les chiffres romains noirs, associés aux aiguilles en acier finement travaillées, offrent un contraste visuel élégant tout en facilitant la lecture de l’heure.
Ce cadran est également doté d’un mécanisme ingénieux qui permet de le retirer pour le remontage, soulignant à la fois la fonctionnalité et l’ingéniosité technique de l’objet.
Un éclat patiné par le temps
Le bronze doré, utilisé comme matériau principal, confère à la pendule une lumière douce et chaleureuse.Avec le temps, la dorure a acquis une légère patine, accentuant l’impression d’ancienneté et d’authenticité.
Cette combinaison de dorure brillante et de patine subtile rappelle la richesse des intérieurs bourgeois de la fin du XIXe siècle, où de tels objets étaient prisés pour leur capacité à conjuguer utilité et beauté.
Un témoignage du goût historiciste
Cette pendule illustre le goût historiciste caractéristique de la fin du XIXe siècle, période marquée par une réinterprétation des styles artistiques du passé.À travers cette pièce, le style gothique est revisité non pas pour sa fonction architecturale originelle, mais pour sa valeur décorative et symbolique.
L’objet témoigne d’un dialogue entre histoire et modernité, où les formes anciennes sont adaptées aux besoins et aux sensibilités esthétiques de l’époque.
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Paire de consoles d’appliques en bronze doré, mascarons, XIXe siècle
Ces superbes consoles d’appliques, datant de la fin du XIXᵉ siècle, incarnent le raffinement et l’élégance des arts décoratifs français de cette époque.
Réalisées en bronze doré et dotées d’un dessus en bois, elles se distinguent par leur travail d’ornementation richement détaillé et leur conception soignée, qui reflètent l’excellence artisanale de leur temps.
Un Design Élégant et Chargé d’Histoire
Ces pièces présentent une structure ajourée somptueusement travaillée, avec un décor ornemental dominé par un mascaron central, un motif souvent utilisé dans l’art classique pour symboliser la protection ou la puissance.
Le mascaron, finement sculpté, attire immédiatement l’attention et confère une présence imposante aux consoles tout en restant harmonieux avec le reste du design.
Les enroulements gracieux et les guirlandes de fleurs flanquant les consoles illustrent une abondance d’influences stylistiques.
On y perçoit un dialogue entre les inspirations rococo, avec leurs courbes délicates, et les échos néo-classiques, caractérisés par leur symétrie et leur équilibre.
Ce mélange stylistique est typique de la fin du XIXᵉ siècle, où l’éclectisme artistique atteignait son apogée.
Une Réalisation Technique Impressionnante
Le bronze doré utilisé pour ces appliques témoigne d’un savoir-faire exceptionnel.
La dorure, probablement réalisée selon la technique de dorure au mercure, confère aux pièces un éclat chaleureux et une durabilité remarquable.
Les reflets lumineux qui jouent sur la surface sculptée mettent en valeur chaque détail, accentuant la profondeur et le relief des motifs.
Le dessus en bois apporte une note de chaleur et de contraste avec le métal doré.
Cette association élégante de matériaux nobles rehausse la richesse visuelle des consoles tout en ajoutant une touche fonctionnelle, les rendant idéales pour exposer des objets décoratifs.
Dimensions et Proportions Idéales
Avec une largeur de 29,5 cm et une hauteur de 29 cm, ces consoles possèdent des proportions harmonieuses qui s’adaptent aisément à différents types d’intérieurs.
Leur taille les rend suffisamment imposantes pour servir de points focaux dans une pièce, tout en conservant une certaine discrétion, essentielle pour s’intégrer dans un ensemble décoratif plus vaste.
Une Utilisation Polyvalente
Conçues pour être fixées au mur, ces appliques s’adaptent parfaitement à une variété d’environnements.
Placées dans un salon, une entrée ou une chambre, elles peuvent servir de supports pour des objets précieux, tels que des vases, des sculptures ou des bougeoirs.
Leur style intemporel leur permet également de s’intégrer aussi bien dans des décors classiques que dans des espaces contemporains, apportant une touche d’opulence et d’histoire.
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Belle et ancienne commode galbée, époque Régence 18e siècle
1200,00 €Très belle commode galbée d’époque Régence en placage de ronce, 18ᵉ siècle
Nous vous présentons une somptueuse commode galbée d’époque Régence, véritable témoin de l’élégance du mobilier du XVIIIᵉ siècle.
Cette pièce exceptionnelle, réalisée en placage de ronce soigneusement travaillé, illustre le raffinement et l’ingéniosité des ébénistes de cette période.
Avec ses courbes gracieuses et ses ornements délicats, elle constitue une œuvre d’art aussi décorative que fonctionnelle.
Une conception raffinée et une esthétique caractéristique
Cette commode arbore une structure galbée, typique du style Régence, où harmonie et mouvement s’expriment tant sur la façade que sur les côtés.
Le galbe subtil accentue la sensualité des lignes tout en mettant en valeur la richesse du placage de ronce, dont les veinures naturelles apportent profondeur et chaleur.
Ce travail de placage reflète un savoir-faire artisanal remarquable, souvent réservé aux pièces commandées par une clientèle fortunée.
La façade, légèrement bombée, s’ouvre par quatre tiroirs disposés sur trois rangs, offrant un équilibre parfait entre esthétique et fonctionnalité.
Les deux tiroirs supérieurs, dits « en ceinture », permettent un rangement discret et pratique.
Les tiroirs inférieurs, quant à eux, offrent une grande capacité de stockage, idéale pour les objets volumineux.
Des ornements en bronze ciselé d’une grande finesse
Les bronzes ciselés viennent sublimer cette commode avec un décor rocaille, typique de l’époque Régence.
Ce style ornemental, inspiré de la nature, est reconnaissable par ses motifs asymétriques évoquant des coquilles, des feuillages et des volutes. Ces ornements sont finement sculptés, témoignant du soin apporté aux moindres détails par les artisans de l’époque.
Les poignées des tiroirs, les entrées de serrure, ainsi que les chutes d’angles et les sabots, sont richement ornés, conférant à cette commode un caractère à la fois majestueux et raffiné.
Ces éléments en bronze doré ne sont pas uniquement décoratifs, mais aussi fonctionnels, renforçant les points de préhension et les parties les plus sollicitées.
Un plateau en marbre précieux
Le dessus de cette commode est couronné par un plateau en marbre aux nuances rosâtres et beige moucheté.
Ce marbre, choisi pour sa robustesse et sa beauté, ajoute une touche de sophistication supplémentaire à l’ensemble.
Il présente une ancienne réparation, preuve du soin apporté à la conservation de cette pièce ancienne, soulignant sa valeur patrimoniale.
Dimensions et proportions élégantes
Avec ses dimensions harmonieuses – 125 cm de large, 62 cm de profondeur, et 83 cm de hauteur – cette commode s’intègre parfaitement dans des espaces variés.
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Belle et ancienne lampe à pétrole en bronze doré, attribué à Georges Leleu
850,00 €La grande lampe à pétrole en bronze massif que je vous présentes est une pièce d’exception, à la fois par sa richesse sculpturale et par son appartenance à l’époque de l’Art nouveau, un mouvement artistique qui a marqué la fin du XIXe siècle et le début du XXe.
Attribuée à Georges Leleu, artiste et créateur reconnu pour ses œuvres dans le domaine des arts décoratifs, cette lampe se distingue par son design floral raffiné et son exécution minutieuse.
La lampe, haute de 47 cm, est un exemple remarquable de la fusion entre fonctionnalité et esthétisme, deux principes chers aux créateurs de l’Art nouveau.
L’Art nouveau, dont l’influence s’est propagée dans toute l’Europe entre 1890 et 1910, était caractérisé par l’utilisation de formes naturelles et organiques.
Ce style visait à rompre avec les traditions académiques et à intégrer la beauté dans les objets du quotidien. Les créateurs de cette époque, qu’ils soient architectes, peintres ou artisans, cherchaient à fondre l’art dans la vie quotidienne.
La lampe en question s’inscrit pleinement dans cette démarche, en alliant l’aspect utilitaire d’un éclairage à pétrole avec une recherche artistique poussée.
Georges Leleu, bien qu’étant moins connu que certains de ses contemporains comme Emile Gallé ou Hector Guimard, a laissé une empreinte dans le domaine des arts décoratifs.
Sa maîtrise du bronze et sa capacité à retranscrire la nature dans ses créations font de lui un créateur typique de l’Art nouveau. La lampe attribuée à Leleu présente un riche motif floral, gravé dans le bronze massif, qui semble presque en mouvement, comme si les fleurs se déployaient au contact de la lumière.
La technique de sculpture du bronze, maîtrisée ici avec un soin particulier, témoigne du savoir-faire artisanal propre à cette époque. Les lignes souples et sinueuses des motifs floraux, emblématiques de l’Art nouveau, viennent adoucir la robustesse du bronze.
On y retrouve également un travail de ciselure remarquable, notamment dans les détails des pétales et des tiges, qui accentue le relief et la profondeur des motifs.
Cette dualité entre la solidité du matériau et la légèreté des formes est caractéristique des objets d’art de cette période.
Cette lampe ne se distingue pas seulement par son esthétique, mais aussi par son mode d’éclairage.
Fonctionnant à l’origine au pétrole, ce type de lampe était très répandu avant l’avènement de l’électricité dans les foyers.
Les lampes à pétrole étaient non seulement des objets pratiques, mais aussi des symboles de modernité et de confort à la fin du XIXe siècle. En tant qu’objet décoratif, elles étaient souvent réalisées avec un soin tout particulier, afin de s’intégrer harmonieusement dans les intérieurs bourgeois de l’époque.
Le design floral de la lampe fait écho aux mouvements artistiques qui cherchaient à réhabiliter les éléments naturels dans les objets quotidiens.
Les artistes de l’Art nouveau considéraient la nature comme une source d’inspiration infinie, et les motifs végétaux, floraux ou animaliers étaient souvent stylisés pour orner des meubles, des lampes et d’autres objets décoratifs.
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Sculpture bronze de la fin du XIXe siècle, représentant Molière assis dans un fauteuil avec la plume à la main, signé Pradier
1400,00 €Cette sculpture en bronze de la fin du XIXe siècle, signée Pradier, représente Molière, l’un des plus grands dramaturges français de tous les temps, assis dans un fauteuil, une plume à la main. Avec ses dimensions relativement modestes de 26 cm de haut, cette pièce se distingue par la précision de ses détails et l’expressivité de sa posture, qui incarnent l’essence même de l’artiste pensif et créatif.
Le personnage principal de la sculpture est Molière, vêtu de manière élégante avec une longue robe aux plis riches et fluides. L’attention aux détails est frappante, chaque pli de son vêtement étant soigneusement travaillé pour donner une impression de mouvement et de réalisme. La texture du tissu est finement ciselée, créant une juxtaposition entre la douceur de la robe et la dureté du bronze, matériau utilisé pour la réalisation de l’œuvre. Le bronze patiné confère à la sculpture une profondeur et une chaleur qui accentuent son caractère solennel. Molière est représenté dans une posture contemplative, avec la tête appuyée sur sa main gauche, le regard vague, comme s’il était en plein processus créatif ou en réflexion profonde.
L’autre main de Molière tient une plume, symbole indéniable de son métier d’écrivain. La plume, représentée avec une finesse délicate, renforce l’idée que cette sculpture capture un moment de création intellectuelle. Ce détail évoque non seulement la carrière prolifique de Molière, mais aussi son rôle primordial dans l’histoire de la littérature et du théâtre. Molière est connu pour avoir écrit certaines des plus grandes pièces de théâtre comique de l’histoire, telles que *Le Malade imaginaire*, *Tartuffe* et *L’Avare*. Sa plume, ici mise en avant, est l’instrument par lequel il a marqué de manière indélébile le patrimoine culturel français.
Le fauteuil sur lequel Molière est assis est lui aussi une œuvre d’art en soi. De style classique, il est richement décoré avec des motifs sculptés qui démontrent l’expertise du sculpteur. La base du fauteuil, ornée de franges et de motifs géométriques, porte également la signature de Pradier, gravée de manière lisible, affirmant ainsi l’authenticité et la qualité artistique de l’œuvre. Jean-Jacques Pradier, sculpteur de renom du XIXe siècle, est célèbre pour ses œuvres d’une grande finesse et son talent pour capturer les détails anatomiques et textiles de ses sujets.
Cette sculpture reflète parfaitement les tendances artistiques du XIXe siècle, marquées par un retour à des formes classiques et une admiration pour les grands hommes de lettres et d’art. L’art de cette période met souvent en avant les personnages historiques dans des poses héroïques ou méditatives, et cette œuvre ne fait pas exception. Molière est ici montré non pas comme un comédien sur scène, mais comme un penseur, un créateur dans un moment d’introspection. Cette représentation statique mais intense nous rappelle que l’éclat de ses œuvres vient avant tout de son génie créatif.
Le choix de représenter Molière dans un tel moment de quiétude intellectuelle témoigne également de la manière dont la fin du XIXe siècle a vu une réévaluation de la figure de l’écrivain. Molière, autrefois acteur et auteur comique, est ici érigé au rang de penseur profond, presque philosophe, soulignant la dimension intellectuelle de son travail.
Enfin, cette œuvre illustre également le savoir-faire technique des sculpteurs de cette époque.
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Pierre Gilles, joli lustre art déco vers 1930 en bronze et verre moulé
850,00 €Ce lustre Art déco, datant des années 1930, est un exemple saisissant de l’élégance et du raffinement caractéristiques de cette période. Conçu en bronze et en verre moulé pressé, il se distingue non seulement par la qualité de ses matériaux, mais aussi par les signatures prestigieuses qu’il porte : celle de Pierre Gilles sur le globe central et celle de J. Robert sur les trois tulipes. Ces deux créateurs étaient des figures marquantes du design français, reconnues pour leur contribution à l’Art déco, un mouvement artistique qui a profondément influencé le monde de l’art et du design durant l’entre-deux-guerres.
Pierre Gilles, dont l’atelier était situé au 27 rue Esquirol, dans le 13e arrondissement de Paris, a su capturer l’essence de l’Art déco dans ses créations. Ce style se caractérisait par des lignes géométriques, des formes épurées et l’utilisation de matériaux luxueux, souvent inspirés par les progrès industriels de l’époque. Le lustre que nous présentons incarne parfaitement ces principes, avec ses formes géométriques élégantes et son utilisation innovante du verre moulé, un matériau qui permettait de créer des effets de lumière sophistiqués tout en offrant une grande résistance.
Le verre moulé pressé utilisé pour les abat-jour de ce lustre est d’une épaisseur notable, soulignant la solidité de l’ensemble tout en diffusant une lumière douce et chaleureuse. Cette technique, qui consiste à presser du verre fondu dans un moule pour lui donner une forme précise, était très populaire à l’époque en raison de la qualité et de la précision qu’elle permettait d’obtenir. Les trois tulipes en verre moulé, signées par J. Robert, sont suspendues à un luminaire en bronze nickelé, un matériau qui, en plus d’ajouter une touche de sophistication, assure la robustesse et la longévité de l’objet.
Le bronze nickelé, avec sa finition brillante, contraste harmonieusement avec la texture du verre, créant un équilibre visuel qui est l’une des signatures de l’Art déco. La hauteur totale de 77 cm de ce lustre lui donne une présence imposante, idéale pour mettre en valeur une grande pièce ou un hall d’entrée. Cette dimension généreuse permet également au lustre de diffuser la lumière de manière optimale, éclairant l’espace de manière uniforme tout en mettant en valeur les détails architecturaux environnants.
Le choix de Pierre Gilles et J. Robert d’allier le bronze nickelé au verre moulé pressé n’est pas anodin. Ce mariage de matériaux illustre parfaitement l’esprit de l’Art déco, qui cherchait à créer des objets à la fois fonctionnels et esthétiques, capables de résister à l’épreuve du temps tout en restant intemporels dans leur design. Le lustre, dans son état d’origine, témoigne du savoir-faire exceptionnel de ses créateurs, ainsi que de l’importance accordée à la qualité et à la durabilité.
En somme, ce lustre Art déco est bien plus qu’un simple luminaire. C’est une œuvre d’art, un témoignage de l’ingéniosité et de l’esthétique du début du XXe siècle. Pour les collectionneurs et amateurs d’art, il représente une pièce unique, alliant histoire, design et artisanat, et s’inscrit parfaitement dans toute collection ou intérieur recherchant à capturer l’essence de l’Art déco.
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Commode Louis XVI en acajou de plaquage et massif, marbre blanc
1200,00 €Cette splendide commode de style Louis XVI, datant du XIXe siècle, est un témoignage éloquent de l’artisanat et de l’esthétique raffinée de cette époque. Fabriquée en acajou de placage et massif, elle incarne l’élégance et le goût sophistiqué qui caractérisaient les intérieurs des demeures bourgeoises et aristocratiques du XIXe siècle.
Le dessus de cette commode est en marbre blanc, délicatement veiné, avec des bords chanfreinés sur les trois côtés, ajoutant une touche de noblesse et de sophistication à l’ensemble. Le marbre, matériau prisé pour sa durabilité et sa beauté naturelle, contraste harmonieusement avec la chaleur et la profondeur de l’acajou.
La commode est structurée de manière fonctionnelle et esthétique avec cinq tiroirs. Deux tiroirs occupent la partie inférieure, tandis que la partie supérieure est agencée avec trois tiroirs. Les tiroirs centrales sont dotés d’une entrée de serrure, témoignant du souci du détail et de la sécurité à l’époque. Chacun de ces tiroirs est encadré par un gainage de laiton, qui en souligne les contours et ajoute une touche de brillance. Les panneaux latéraux sont également embellis par ce gainage en laiton, assurant une continuité stylistique et une harmonie visuelle.
Le piétement fuseau droit de la commode, typique du style Louis XVI, est orné de cannelures et se termine par des sabots en laiton. Ces pieds fuselés et cannelés non seulement ajoutent à l’élégance du meuble, mais garantissent également sa stabilité. Les sabots en laiton protègent les pieds tout en ajoutant une touche décorative supplémentaire.
Les anneaux de tirage en bronze, décorés de motifs perlés, apportent une note luxueuse et sophistiquée. Bien qu’un anneau soit manquant, cela n’altère en rien la majesté et le charme de cette commode. Le bronze, utilisé pour les anneaux de tirage, était un matériau de choix pour ses qualités esthétiques et sa résistance à l’usure.
Malgré son âge, cette commode est en relativement bon état, ce qui témoigne de la qualité de sa fabrication et des matériaux utilisés. Les artisans du XIXe siècle, fidèles à l’héritage du style Louis XVI, ont su créer un meuble à la fois durable et d’une beauté intemporelle.
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Superbe pendule, datant de l’époque de la Restauration au début du XIXe siècle
Cette pendule est une pièce d’exception datant de l’époque de la Restauration, au début du XIXe siècle. Fabriquée en bronze doré au mercure, elle incarne l’art et le savoir-faire horloger de cette période historique. La dorure au mercure, une technique exigeante et hautement qualifiée, confère à la pendule une brillance et une durabilité remarquables, témoignant de l’attention minutieuse portée à sa création.
D’une grandeur majestueuse, cette pendule attire immédiatement le regard par sa présence imposante et son élégance. La dorure resplendissante met en valeur les détails finement ciselés, soulignant la maîtrise artistique des artisans de l’époque. La figure classique de Cérès, déesse de l’agriculture et de la fertilité, trône au sommet de cette œuvre d’art. Cérès est représentée vêtue d’une robe drapée, illustrant à la fois la grâce et la dignité de la divinité. Les plis de sa robe sont délicatement sculptés, chaque détail contribuant à l’impression de mouvement et de vie.
Le cadran de la pendule porte la signature de Mazillier à Verdun, attestant de son origine prestigieuse. Mazillier était un horloger renommé, et sa signature sur cette pièce ajoute une valeur historique et authentique. Le cadran, lui-même un exemple de sophistication, est orné de chiffres romains et de fines aiguilles, permettant une lecture claire et élégante de l’heure.
Le mouvement de cette pendule est équipé d’une suspension à fil, un mécanisme typique de l’époque, connu pour sa précision et sa fiabilité. Cette caractéristique technique témoigne de l’avancement des connaissances horlogères au début du XIXe siècle et de l’engagement des horlogers à produire des instruments de haute qualité.
L’ensemble de la pendule, de par sa grandeur, sa dorure éclatante, et sa figure de Cérès, représente un hommage à la prospérité et à la fertilité. Cérès, dans la mythologie romaine, est la déesse qui préside aux moissons et à la fertilité des terres, symbolisant ainsi l’abondance et la générosité de la nature. Cette représentation est particulièrement appropriée pour une pendule, un objet qui, par essence, mesure le passage du temps, tout en évoquant la cyclicité des saisons et des récoltes.
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Très beau Bonheur-du-jour à système, milieu XIXe siècle en acajou
Parmi les meubles anciens, certains se distinguent par une beauté indéniable. Ce bonheur-du-jour à système du milieu du XIXe siècle en est un exemple remarquable. Ce bureau de dame, entièrement réalisé en acajou de Cuba massif et en placages, est un témoignage d’une élégance rare et d’un savoir-faire artisanal d’exception.
Le meuble est conçu autour d’un miroir biseauté central, flanqué de chaque côté par deux colonnes de quatre tiroirs chacune, surmontées d’un plateau de marbre. Les tiroirs, les montants, la ceinture et la galerie sont ornés de bronze doré finement ciselé, présentant des motifs en filets et draperies délicatement travaillés. Sous le miroir, un large tiroir central renforce la symétrie parfaite de ce meuble classique.
L’une des caractéristiques les plus remarquables de ce bonheur-du-jour est son plateau amovible. En le tirant, on découvre une élégante tablette d’écriture recouverte de tissus type velours de couleur moutarde. Ce geste déclenche un mécanisme ingénieux qui déverrouille simultanément le tiroir vitrine central et les deux tiroirs latéraux. Le motif central, riche en entrelacs, rappelle les goûts néogothiques et l’éclectisme naissant de l’époque. À gauche du bureau se trouve un encrier, tandis qu’à droite, on trouve une saupoudreuse.
La ceinture du meuble est ornée de fines draperies, créant une harmonie visuelle avec le plateau. Les pieds cannelés du bureau sont agrémentés de bronze doré et se terminent en pieds toupie. Le grand tiroir central, habilement divisé visuellement en trois sections, poursuit l’idée de symétrie inspirée du néoclassicisme. En tout, ce bureau de dame comporte dix tiroirs, tous en parfait état de fonctionnement.
Ce bonheur-du-jour ne se distingue pas seulement par son apparence, mais également par la complexité de son mécanisme. En effet, le système qui permet de déverrouiller les tiroirs est une merveille d’ingénierie du XIXe siècle, intégrant à la fois esthétique et fonctionnalité. La présence de ces tiroirs et de leurs mécanismes sophistiqués montre bien l’importance accordée à la praticité et à l’organisation, tout en restant fidèle à une ligne élégante et décorative.
Le miroir biseauté, central dans la conception du meuble, non seulement ajoute à son allure majestueuse, mais reflète également la lumière, illuminant ainsi l’ensemble de la pièce où il est placé. Le marbre du plateau ajoute une touche de luxe, complétant ainsi l’acajou et le bronze doré pour un effet visuel harmonieux.
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Belle commode marqueterie importé d’Egypte de style Empire du XXe siècle
Commode de style Empire du XXe siècle
Origine et Style
Cette commode, importée d’Égypte, est un magnifique exemple de mobilier de style Empire du XXe siècle. Le style Empire, qui a prospéré sous le règne de Napoléon Bonaparte au début du XIXe siècle, est caractérisé par son opulence et ses références à l’art et à l’architecture de l’Antiquité, notamment égyptienne. Bien que cette commode soit du XXe siècle, elle conserve fidèlement les éléments stylistiques de l’époque Empire, soulignant un renouveau de l’intérêt pour ce style classique.Matériaux et Construction
Fabriquée en bois de plaquage, cette commode présente un éclat et une finesse qui témoignent de la qualité du travail artisanal de l’époque. Le bois de plaquage utilisé confère à la pièce une apparence luxueuse et durable. La commode s’ouvre par quatre tiroirs, offrant un espace de rangement généreux et pratique.Décoration et Marqueterie
L’un des éléments les plus remarquables de cette commode est sa décoration en marqueterie. Les deux grands tiroirs centraux sont ornés d’un motif délicat représentant un flambeau et une couronne de laurier. Ces symboles étaient couramment utilisés dans le style Empire pour évoquer la victoire, la gloire et l’immortalité, rappelant les triomphes de l’Antiquité classique.Ornements en Bronze
Les ornements en bronze ajoutent une dimension supplémentaire de grandeur et de sophistication à cette commode. De chaque côté, deux figures égyptiennes assises et allongées sont magnifiquement sculptées, illustrant l’influence de l’Égyptomanie qui a marqué le style Empire. Ces figures symbolisent la fascination pour l’Égypte ancienne, ravivée par les campagnes napoléoniennes en Égypte et les découvertes archéologiques de cette époque.Les montants de la commode sont également gainés de bronze, ajoutant à la robustesse et à l’élégance de la pièce. Les pieds, quant à eux, se terminent en pattes de lion, un autre motif récurrent dans le style Empire. Les pattes de lion symbolisent la force et la puissance, et leur inclusion dans le design de cette commode renforce son apparence majestueuse.
Plateau en Marbre
Le dessus de la commode est surmonté d’un épais plateau en marbre vert de mer. Ce marbre, avec ses nuances de vert profond, ajoute une touche de couleur et de luxe à l’ensemble. Le marbre vert de mer était prisé pour son aspect raffiné et sa durabilité, et il complète parfaitement les tons riches du bois et les reflets dorés des ornements en bronze. -
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Ours blanc de Pierre Chenet, épreuve en bronze patinée vert, XXe
Cette épreuve en bronze à patine brun vert nuancé représente un ours blanc en balade, une création emblématique de l’artiste sculpteur Pierre Chenet. La pièce, une fonte d’édition, porte la signature de l’auteur et a été réalisée par lui-même dans sa fonderie d’art située à Apt. Pierre Chenet est un artiste reconnu pour ses œuvres animalières, et cette sculpture est une parfaite illustration de son talent et de son expertise dans ce domaine.
Pierre Chenet, né au XXe siècle, est un sculpteur français de renommée internationale. Il possède une fonderie d’art à Apt, où il réalise lui-même ses sculptures. Chenet est particulièrement connu pour ses représentations animalières. Ses œuvres captent l’essence des animaux avec une précision et une sensibilité qui témoignent de sa profonde compréhension de la nature. L’ours blanc en bronze est l’une de ses nombreuses créations qui illustre parfaitement cette maîtrise.
L’œuvre est réalisée en bronze, un matériau noble et durable qui permet une grande finesse de détails. Pierre Chenet excelle dans l’art de la patine, un procédé complexe qui consiste à appliquer une couche superficielle sur le bronze pour lui donner une couleur et une texture particulières. La patine brun vert nuancé de cette sculpture donne à l’ours une apparence à la fois réaliste et intemporelle, ajoutant une profondeur et une richesse visuelle à l’œuvre.
Bien que les éditions en bronze soient nombreuses, chaque pièce réalisée par Pierre Chenet est unique grâce à sa patine particulière. Chenet applique une patine différente à chaque sculpture, ce qui confère à chacune d’entre elles un caractère distinct. Cette approche assure que, même dans une série d’œuvres similaires, chaque sculpture est une pièce unique en son genre. Pour cette épreuve d’ours blanc, la patine brun vert nuancé accentue les lignes et les textures de la sculpture, mettant en valeur les détails et les expressions de l’animal.
L’œuvre mesure 34,5 cm de largeur et 17 cm de hauteur, des dimensions qui permettent d’apprécier pleinement le travail minutieux de l’artiste. Elle est en bon état général, un témoignage de la qualité du bronze utilisé et du savoir-faire de Pierre Chenet en matière de conservation des sculptures.
Cette sculpture a été réalisée au cours du XXe siècle, une période durant laquelle Pierre Chenet a perfectionné son art et s’est établi comme un maître dans le domaine de la sculpture animalière. Les œuvres de cette époque sont particulièrement prisées par les collectionneurs et les amateurs d’art en raison de leur qualité et de leur originalité.
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Taureau en pleine action, épreuve en bronze massif à patine vert nuancée
L’œuvre que nous vous présentons est une épreuve en bronze à patine brun vert nuancé, représentant un taureau en pleine action, prêt à charger. Cette sculpture dynamique et pleine de vie est l’œuvre de Pierre Chenet, un sculpteur renommé qui possède toujours sa propre fonderie d’art à Apt, en France.
Pierre Chenet est particulièrement connu pour ses œuvres animalières, qu’il réalise avec une grande maîtrise technique et artistique. Son expertise dans l’art de la patine est indéniable, et chaque pièce en bronze qu’il crée bénéficie d’une patine unique qui confère à chacune un caractère particulier et inimitable. Bien que les éditions en bronze soient nombreuses, cette capacité à offrir à chaque sculpture une finition singulière fait toute la différence dans son travail.
Cette épreuve-ci est signée et réalisée par l’auteur lui-même, attestant de l’authenticité et de la qualité de l’œuvre. La patine brun vert nuancé de ce taureau en charge accentue les détails et les lignes de la sculpture, mettant en valeur la puissance et la détermination de l’animal. Le taureau est représenté dans un moment de grande intensité, prêt à bondir, les muscles tendus et l’expression féroce. Cette représentation réaliste et énergique témoigne du talent de Chenet pour capturer l’essence et l’esprit des animaux dans ses sculptures.
L’œuvre date du XXe siècle et est en bon état général, ce qui témoigne de la qualité de la fonte et de la durabilité des matériaux utilisés. Les dimensions de la sculpture sont de 41 cm de largeur et de 28 cm de hauteur, ce qui en fait une pièce imposante mais équilibrée, capable d’attirer le regard et d’animer l’espace dans lequel elle est exposée.
La fonderie de Pierre Chenet, toujours en activité à Apt, est un lieu où l’art et la technique se rencontrent pour donner naissance à des œuvres d’exception. En tant qu’artiste, Chenet met un point d’honneur à superviser et à participer directement à la création de ses pièces, de la conception à la réalisation finale. Cela garantit non seulement la qualité de chaque œuvre, mais également sa singularité.
Cette sculpture de taureau en pleine action est donc une pièce remarquable pour plusieurs raisons. Elle illustre le talent de Pierre Chenet pour capturer la vitalité et la force des animaux, sa maîtrise de la patine qui rend chaque pièce unique, et son engagement personnel dans chaque étape du processus de création.
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Bronze à patine brun vert nuancé, buste d’un homme dénudé et musclé
L’épreuve en bronze à patine brun vert nuancé représente le buste d’un homme dénudé et musclé. Cette sculpture captivante est une fonte d’édition, signée et réalisée par Pierre Chenet, un artiste renommé. Chenet possède une fonderie d’art à Apt, où il se consacre principalement à la création d’œuvres animalières. Cependant, cette pièce montre sa capacité à capturer la beauté et la force du corps humain avec une grande précision et sensibilité.
Pierre Chenet est un maître dans l’art de la patine, et bien que ses éditions en bronze soient nombreuses, il confère à chaque pièce une patine particulière, rendant chacune unique. La patine brun vert nuancé de cette sculpture apporte une profondeur et une richesse de ton qui accentuent les détails de la musculature et les contours du visage. La technique de patine utilisée par Chenet donne à cette œuvre une apparence vivante et dynamique, reflétant la lumière de manière subtile et élégante.
Cette sculpture date du XXe siècle et est en bon état général, ce qui témoigne de la qualité et de la durabilité du travail de Chenet. Le buste a des dimensions imposantes avec une largeur de 17 cm, une hauteur de 48 cm et une profondeur de 15 cm. Ces dimensions, associées à la qualité de la patine et à la précision des détails, lui confèrent une présence majestueuse et impressionnante. La musculature est finement travaillée, chaque courbe et chaque saillie sont rendues avec un réalisme saisissant. L’expression du visage est également remarquablement détaillée, capturant une intensité et une sérénité qui ajoutent à l’impact visuel de la pièce.
Pierre Chenet, bien que principalement connu pour ses sculptures animalières, démontre à travers ce buste son talent polyvalent. Il est capable de capturer non seulement l’essence des animaux, mais aussi la beauté et la force du corps humain. Cette œuvre est un excellent exemple de sa capacité à transposer son expertise en sculpture animalière à la représentation humaine, en maintenant un niveau de détail et de réalisme exceptionnel.
La patine brun vert nuancé choisie par Chenet pour cette sculpture est particulièrement réussie. Elle apporte une richesse de couleur qui met en valeur les détails de la sculpture tout en ajoutant une dimension de profondeur et de texture.
La patine est appliquée avec une grande maîtrise, créant des variations subtiles de couleur et de ton qui rendent chaque pièce unique. Cela témoigne du savoir-faire artisanal de Chenet et de son engagement à créer des œuvres d’art uniques et de haute qualité.
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Alexandre Falguière (1831-1900) sculpture en bronze de Diane, déesse Romaine
Alexandre Falguière : Un Maître de la Sculpture Française
Alexandre Falguière, né Jean Alexandre Joseph Falguière le 7 septembre 1831 à Toulouse et décédé le 20 avril 1900 à Paris, est une figure emblématique de la sculpture française du XIXe siècle. Il a marqué son époque par son talent exceptionnel, son inventivité artistique et son influence durable sur les générations suivantes de sculpteurs.
Jeunesse et Formation
Falguière a grandi dans une famille modeste. Très tôt, il montre un intérêt marqué pour les arts. Son talent est rapidement remarqué, et il reçoit une bourse pour étudier à l’École des Beaux-Arts de Toulouse, où il se forme sous la direction de sculpteurs locaux. À 18 ans, il part pour Paris pour poursuivre sa formation à l’École des Beaux-Arts de Paris, une institution prestigieuse qui forme les plus grands artistes de l’époque.
En 1859, Falguière remporte le grand prix de Rome de sculpture pour son bas-relief « Méphistophélès apparaissant à Faust dans son cabinet ». Ce prix lui permet de séjourner à la Villa Médicis à Rome, où il s’imprègne de l’art classique et de la Renaissance italienne, influençant durablement son style. À son retour en France, il commence à exposer régulièrement au Salon, où ses œuvres attirent l’attention du public et des critiques.
En 1864, il réalise « Le Vainqueur au combat de coqs », une sculpture en bronze qui remporte un immense succès et le propulse au premier plan de la scène artistique. Cette œuvre, caractérisée par son dynamisme et sa précision anatomique, révèle son talent pour capter le mouvement et l’émotion.
Œuvres Majeures
Parmi ses œuvres les plus célèbres figure « Diane Chasseresse » (1882), une sculpture en bronze patiné représentant la déesse de la chasse, Diane, en buste. Cette œuvre, signée et portant le cachet du fondeur «Thiébaut Frères fondeurs Paris», est remarquable par sa finesse et son élégance. Falguière excelle dans l’art de rendre la beauté et la grâce féminine tout en respectant les canons classiques de la sculpture.
Enseignement et Influence
Au-delà de sa carrière de sculpteur, Falguière a joué un rôle crucial en tant qu’enseignant. En 1882, il devient professeur à l’École des Beaux-Arts de Paris, où il forme de nombreux élèves qui deviendront à leur tour des sculpteurs renommés. Son enseignement, basé sur une solide compréhension de l’anatomie et du mouvement, a influencé une génération entière d’artistes.
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Buste bronze de Eugène Rousseau représentant une élégante
650,00 €Cette belle statue en bronze représente un buste de femme élégante, signée par l’artiste Eugène Rousseau. Elle mesure 44 cm de hauteur et date du 19e siècle. La sculpture est notable pour sa patine brune, qui présente des reflets de brillance, ajoutant une profondeur et une richesse à la pièce.
Description de l’œuvre
Le buste montre une femme gracieuse et raffinée, caractéristique de l’époque romantique. Les détails minutieux de la coiffure et des vêtements révèlent une grande maîtrise technique. Les cheveux de la femme sont coiffés de manière complexe, avec des mèches élaborées qui encadrent son visage. Son expression sereine et ses yeux fermés ajoutent une sensation de calme et de contemplation à l’œuvre.
Signature et authenticité
La signature d’Eugène Rousseau est présente sur la statue, attestant de son authenticité. Rousseau, connu pour ses œuvres en bronze, était un artiste respecté au 19e siècle. Sa capacité à capturer l’essence et la beauté de ses sujets est bien illustrée dans cette sculpture.
Patine et esthétique
La patine brune de cette sculpture est particulièrement remarquable. Au fil du temps, la patine s’est développée, donnant à la pièce une brillance subtile qui accentue les détails sculpturaux. Cette patine est un signe de la qualité et de l’âge de la pièce, ajoutant à sa valeur historique et artistique.
Contexte historique
Le 19e siècle était une période de grande innovation et de changement dans l’art, avec l’émergence de styles tels que le romantisme et le réalisme. Les artistes de cette époque, comme Rousseau, étaient influencés par les idéaux de la beauté classique et la recherche de la perfection formelle. Les bustes, en particulier, étaient populaires car ils permettaient de capturer l’essence et le caractère des individus de manière intime et personnelle.
Importance de l’œuvre
Cette statue est non seulement un exemple de l’habileté technique de Rousseau, mais aussi un reflet des valeurs esthétiques de son époque. Le buste de femme qu’il a créé représente une combinaison de grâce, de beauté et de tranquillité, caractéristiques prisées dans l’art du 19e siècle. La finesse des détails et la qualité de la patine font de cette pièce un ajout précieux à toute collection d’art ou musée.
En somme, ce buste en bronze signé Eugène Rousseau est une œuvre d’art magnifique et raffinée. La qualité de la patine, la précision des détails et l’élégance générale de la sculpture en font un exemple remarquable de l’art du 19e siècle.
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Glaneuse, importante sculpture en bronze de Henri Godet
850,00 €Henri Godet (1853-1937) est un sculpteur français de renom, élève de Mathurin Moreau, un autre sculpteur célèbre de la même époque. Godet a commencé à exposer ses œuvres au prestigieux Salon des Artistes Français à partir de 1883, où il a progressivement gagné en notoriété grâce à son talent et à son style distinctif. Sa maîtrise du bronze et sa capacité à capturer des scènes de la vie quotidienne avec une précision et une sensibilité exceptionnelles sont particulièrement remarquables.
L’une de ses œuvres notables est une sculpture en bronze représentant une glaneuse. Cette sculpture, de taille importante (58 cm), incarne la représentation réaliste et émotive de la vie rurale à la fin du XIXe siècle et au début du XXe siècle. La glaneuse, une figure symbolique de l’époque, représente les femmes qui, après la moisson, ramassaient les épis de blé oubliés pour subvenir aux besoins de leur famille. Cette scène humble et quotidienne est élevée à une forme d’art noble par Godet.
Le bronze est un matériau de prédilection pour les sculpteurs de cette époque en raison de sa durabilité et de sa capacité à rendre des détails fins. La sculpture de Godet ne fait pas exception. Elle est marquée par une patine brun foncé, une technique qui non seulement protège le métal mais ajoute également une profondeur visuelle à l’œuvre. La patine brun foncé confère à la sculpture une certaine gravité et une qualité intemporelle, renforçant ainsi l’impact visuel de la scène représentée.
Sur cette sculpture, on trouve le cachet de la pastille ‘Bronze Garanti’, ce qui atteste de l’authenticité et de la qualité de l’œuvre. Ce cachet, bien que légèrement visible, est un signe de la vérification et de l’assurance de la qualité dans le processus de fonderie. De plus, la sculpture est numérotée, ce qui indique qu’il s’agit probablement d’une édition limitée, augmentant ainsi sa valeur pour les collectionneurs.
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Porteur d’eau Tunisien par Jean Didier Debut (1824-1893)
900,00 €Porteur d’eau Tunisien par Jean Didier Debut (1824-1893) est une sculpture orientaliste en bronze qui illustre parfaitement le goût du XIXe siècle pour l’exotisme et l’art détaillé. Cette œuvre mesure 32 cm sans son socle en marbre, qui ajoute 4 cm de hauteur et mesure 15 cm de largeur, offrant ainsi une stabilité optimale et un équilibre visuel harmonieux.
Jean Didier Debut, sculpteur français renommé, a su capturer l’essence de la vie quotidienne en Tunisie à travers cette représentation du porteur d’eau. Cette figure emblématique transporte des récipients d’eau, une scène courante dans les rues animées de la Tunisie de l’époque. Le porteur d’eau est vêtu de manière traditionnelle, ses vêtements finement sculptés révélant une attention méticuleuse aux détails et aux textures. Cette minutie permet de percevoir les plis du tissu, la musculature du porteur et même les expressions subtiles de son visage, ajoutant une dimension de réalisme et d’authenticité à l’œuvre.
Le bronze, matériau de choix pour Debut, permet une restitution fidèle des détails les plus fins et offre une durabilité qui traverse les âges. Le socle en marbre, non seulement améliore la présentation de la sculpture, mais apporte également une touche de sophistication et de noblesse. Le contraste entre la texture lisse et froide du marbre et la chaleur patinée du bronze crée un effet visuel saisissant, rehaussant la beauté de l’œuvre.
L’œuvre de Debut s’inscrit dans le mouvement orientaliste, qui a connu une grande popularité au XIXe siècle en Europe. Ce mouvement artistique et littéraire se caractérisait par une fascination pour les cultures et les paysages de l’Orient, souvent idéalisés et romancés. Les artistes orientalistes, tels que Debut, cherchaient à capturer et à transmettre l’exotisme et le mystère de ces contrées lointaines à travers leurs créations. La sculpture Porteur d’eau Tunisien témoigne de cet engouement pour l’Orient, offrant une vision à la fois poétique et réaliste de la vie en Afrique du Nord.
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Lampe à décor de personnages à l’antique en marbre et bronze XIXe
1350,00 €La lampe ancienne du XIXe siècle est une pièce d’exception alliant art et fonctionnalité, caractéristique du style raffiné de cette époque. Elle présente un décor sophistiqué mettant en scène deux personnages antiques, chacun tenant dans leurs mains des urnes magnifiquement décorées. Le dessus des urnes est orné d’émaux cloisonnés, technique artisanale consistant à séparer les différentes zones de couleur par des cloisons en métal, offrant un rendu visuel particulièrement riche et coloré.
Les personnages, réalisés en bronze à patine brune, témoignent du savoir-faire des artisans de l’époque. La patine brune, obtenue par l’application de divers produits chimiques sur le bronze chauffé, confère aux personnages une profondeur et une texture qui accentuent les détails de leur réalisation. Ces figures, habilement sculptées, évoquent la grandeur de l’Antiquité, période souvent revisitée par les artistes du XIXe siècle.
Le socle de la lampe est en marbre portor vert, un matériau précieux reconnu pour sa beauté et sa durabilité. Le marbre portor, avec ses veines dorées sur fond vert profond, apporte une touche de luxe et d’élégance. Ce socle massif, d’une épaisseur de 4,2 cm, assure une stabilité parfaite à la lampe tout en rehaussant son aspect esthétique. Les veines dorées du marbre créent un contraste subtil mais élégant avec les figures en bronze, unissant harmonieusement les différents éléments de la lampe.
La tulipe cache ampoule, en verre de couleur marmoréen, est signée Muller Frères à Lunéville, réputés pour leur maîtrise de l’art verrier. Ce choix de matériau et de fabricant ajoute une dimension supplémentaire de sophistication. Le verre marmoréen, avec ses nuances délicates et son effet de marbrure, diffuse une lumière douce et chaleureuse, créant une ambiance agréable et intimiste. La signature Muller Frères garantit l’authenticité et la qualité de cette pièce, associée aux créations de verrerie de haute gamme.
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Imposante garniture de cheminée XIXe en bronze de Moreau
Description de la garniture de cheminée
La garniture de cheminée est une pièce exceptionnelle comprenant une pendule en bronze patiné et une paire de candélabres assortis. Cette garniture se distingue par la richesse de ses détails et son exécution raffinée, signée par Mathurin Moreau, célèbre sculpteur français du XIXe siècle, né en 1822 et décédé en 1912.
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Sculpture « Mephistopheles » par Alfredo Morelli en marbre et bronze
7500,00 €Sculpture : Tête d’homme ou le Diable par Alfredo Morelli
La sculpture en question est une œuvre intrigante et complexe réalisée par l’artiste Alfredo Morelli, actif à Florence au XIXe siècle. Elle représente une tête d’homme ou peut-être le visage du diable, une dualité qui invite à la réflexion sur la nature humaine et le mal. L’œuvre est composée de plusieurs matériaux : le visage est en bronze, le capuchon en marbre rouge, et les yeux sont en verre de couleur rouge, ajoutant une dimension inquiétante et mystique à la pièce. La sculpture repose sur un socle en marbre noir chiné, de forme trapézoïdale, qui confère à l’ensemble une stabilité visuelle et physique tout en accentuant l’élégance de la composition.
L’œuvre porte la signature gravée « Morelli – Florence » au dos, ainsi qu’un titre. Alfredo Morelli est un sculpteur reconnu pour son travail méticuleux et expressif. Il a étudié à l’Institut d’Art de Florence, un établissement prestigieux où il a perfectionné son art et acquis les compétences nécessaires pour créer des œuvres d’une grande qualité technique et esthétique.
En 1885, alors qu’il est encore étudiant, Morelli participe aux expositions d’Anvers et de Haarlem, où il obtient une mention, soulignant déjà la reconnaissance de son talent par la critique internationale. Cette participation à des événements artistiques de renom témoigne de son engagement dans le monde de l’art et de son désir de se mesurer aux autres artistes de son époque.
En 1898, Morelli prend part au deuxième concours pour la création d’un monument dédié à Rossini à Santa Croce, à Florence. Bien que les détails sur l’issue de ce concours ne soient pas précisés, sa participation démontre son implication continue dans des projets ambitieux et prestigieux. Le concours pour le monument à Rossini aurait été une excellente plateforme pour exhiber son talent et son sens de la monumentalité.
Pour ceux qui souhaitent approfondir leurs connaissances sur Alfredo Morelli et son œuvre, plusieurs références bibliographiques sont disponibles. Parmi elles, le livre de Sissi publié en 1989, les travaux de Capelli et Soldani de 1994, ainsi que l’ouvrage de Panzetta de la même année. Ces textes offrent un éclairage précieux sur la carrière et les œuvres de Morelli, fournissant un contexte historique et artistique essentiel à la compréhension de sa contribution au monde de la sculpture.
Les dimensions de cette sculpture sont également notables : elle mesure 42 cm de hauteur, une taille qui la rend imposante et remarquablement détaillée pour une sculpture de cette nature. Les matériaux utilisés — bronze, marbre rouge et noir, et verre rouge — sont choisis avec soin pour créer une harmonie visuelle et tactile, tout en évoquant des sensations variées. Le contraste entre le bronze et le marbre, ainsi que la vive couleur des yeux en verre, attire et retient l’attention du spectateur, suscitant une réflexion sur les thèmes de la dualité et de l’apparence.
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lustre contemporain de Tief en bronze massif et en cristaux de verre
Le lustre en bronze massif doré et cristaux de verre que je vais vous présenter est bien plus qu’un simple luminaire. C’est une œuvre d’art contemporaine qui fusionne habilement tradition et modernité, offrant à la fois une esthétique luxueuse et une fonctionnalité remarquable.
Chaque détail de ce lustre témoigne du savoir-faire exceptionnel de ses créateurs. Commençons par sa structure en bronze massif doré, qui lui confère une allure majestueuse et intemporelle. Le bronze, métal noble par excellence, est travaillé avec une précision méticuleuse pour créer des formes élégantes et des finitions impeccables.
Les cristaux de verre ajoutent une dimension de luxe supplémentaire à ce lustre. Chaque cristal est sélectionné avec soin pour sa clarté et sa brillance, puis taillé et poli à la perfection. Les fleurs de verre, assemblées à la main, apportent une touche de délicatesse et de raffinement, créant un contraste saisissant avec la robustesse du bronze.
Ce lustre se distingue également par son design contemporain et innovant. Contrairement aux lustres traditionnels, celui-ci éclaire par plusieurs points, grâce à ses quatre bras ornés de boules en verre. Cette disposition permet une répartition uniforme de la lumière dans la pièce, créant une atmosphère chaleureuse et accueillante.
Le modèle Veronese, du nom du célèbre sculpteur italien du XVIe siècle, est une véritable ode à l’élégance et à la sophistication. Avec ses dimensions imposantes – 70 cm de hauteur et 60 cm de largeur – ce lustre ne passe pas inaperçu et devient rapidement le point focal de n’importe quelle pièce.
En termes de fonctionnalité, ce lustre est équipé de douze ampoules de 25 watts, offrant un éclairage doux et agréable. Que ce soit dans un salon, une salle à manger ou même un hall d’entrée, ce lustre apporte une touche d’éclat et de glamour à tout environnement.
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Lampe à poser contemporaine, piétement bronze et abat jour pâte de verre
La lampe à poser contemporaine que nous avons sous les yeux est bien plus qu’un simple luminaire fonctionnel ; elle incarne l’élégance, le raffinement et l’art du design. Avec une monture en bronze doré, cette pièce évoque à la fois le classicisme intemporel et une touche de modernité subtile. D’une hauteur de 54 cm, elle domine avec présence et assurance tout en conservant une taille pratique pour s’intégrer harmonieusement dans divers environnements.
L’élément le plus remarquable de cette lampe réside dans sa base tripode, où chaque jambe est finement sculptée pour représenter une tête de lion majestueuse. Ces détails exquis ajoutent une dimension de caractère et de puissance à l’esthétique globale de la lampe, capturant l’attention et suscitant l’admiration à chaque regard.
L’abat-jour de cette lampe à poser est une œuvre d’art en soi. Délicatement orné de motifs floraux et de grappes de raisins en pâte de verre, dans une teinte mordorée subtile, il diffuse une lumière chaleureuse et tamisée, créant une atmosphère enchanteresse dans n’importe quelle pièce. La combinaison de la luminosité dorée du bronze et de la teinte riche et profonde de l’abat-jour crée un jeu subtil de lumière et d’ombre, ajoutant une dimension supplémentaire à son charme visuel.
Chaque détail de cette lampe à poser a été soigneusement pensé et exécuté avec un savoir-faire exceptionnel. Chaque courbe, chaque ligne, chaque motif témoigne du talent artisanal de ceux qui l’ont créée. Cette lampe n’est pas seulement un objet utilitaire, mais une pièce de conversation, une œuvre d’art qui attire l’attention et suscite l’admiration de tous ceux qui la contemplent.
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Lampe de bureau art nouveau en bronze massif doré, tulipe en pâte de verre signé Muller Frères
La lampe de bureau ou de commode en bronze doré massif est une pièce exquise qui incarne l’élégance intemporelle et l’artisanat méticuleux du début du XXe siècle. Cette lampe, avec son design raffiné et son esthétique Art Nouveau, est une fusion parfaite de fonctionnalité et de beauté artistique. D’une hauteur imposante, elle attire immédiatement le regard avec son piédestal richement orné de motifs de feuillage finement ciselés, créant une harmonieuse symphonie de formes organiques et de lignes fluides.
Le bronze doré, utilisé avec habileté par les artisans de l’époque de la fin du XIXe siècle, confère à cette lampe une aura de luxe et de sophistication. Ce matériau noble, par sa finition dorée, crée un contraste saisissant avec la tulipe en pâte de verre qui surmonte la douille. Cette tulipe, signée Muller Frères, est une œuvre d’art en elle-même. La transparence délicate du verre combinée aux nuances subtiles de couleur crée un jeu de lumière envoûtant lorsqu’elle est illuminée, ajoutant une touche de magie à l’espace environnant.
Le bras en arc de la lampe, typique du style Art Nouveau, est à la fois fonctionnel et esthétique. Sa courbe gracieuse évoque le mouvement fluide de la nature, tandis que la tête de la douille est orientable, permettant ainsi de diriger la lumière selon les besoins. Cette fonctionnalité témoigne de l’ingéniosité des concepteurs de l’époque, qui ont su marier l’esthétique à la praticité avec une finesse incomparable.
L’ensemble de la lampe dégage une aura de romantisme et de mystère, transportant les observateurs dans une époque révolue où l’art et l’artisanat étaient célébrés avec passion. Chaque détail, qu’il s’agisse des motifs floraux délicats du piédestal ou des lignes élégantes du bras de la lampe, témoigne du savoir-faire exceptionnel des artisans qui l’ont créée.
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Antoine Louis Barye, bel éléphant en bronze a patine brune et verdâtre, XIXe siècle
L’éléphant de Barye en bronze à patine brune est une œuvre emblématique de l’artiste français Antoine-Louis Barye, un sculpteur du XIXe siècle célèbre pour ses représentations animalières. Cette pièce magnifique, avec ses dimensions imposantes et sa patine caractéristique, incarne à la fois la force majestueuse de l’éléphant et le talent artistique exceptionnel de Barye.
Antoine-Louis Barye, né en 1795, était un sculpteur renommé de son époque, reconnu pour sa capacité à capturer la vitalité et la grâce des animaux dans ses œuvres. L’éléphant de Barye est l’une de ses créations les plus célèbres, réalisée avec un souci méticuleux du détail et une compréhension profonde de l’anatomie de l’éléphant.
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Ours couché en bronze massif a patine brune, signé de Barye
L’ours couché de Barye en bronze à patine brune est une œuvre d’art qui incarne la majesté et la force de la nature capturée dans un matériau durable et noble. Créé par le célèbre sculpteur français Antoine-Louis Barye au 19e siècle, cet ours couché est un exemple éloquent de son talent pour représenter la vie sauvage avec un réalisme saisissant.
Antoine-Louis Barye, né en 1795, était un sculpteur renommé de son époque, reconnu pour son habileté à capturer l’anatomie et le mouvement des animaux dans ses œuvres. Son intérêt pour la zoologie et ses études approfondies des animaux sauvages ont influencé son travail, lui permettant de créer des sculptures qui semblent prendre vie sous ses mains expertes.
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Sculpture en Bronze de Barye représentant le lion et l’antilope
2400,00 €La sculpture de Barye représentant un lion et une antilope est un chef-d’œuvre emblématique de l’art animalier du XIXe siècle.
Créée par Antoine-Louis Barye, un sculpteur français renommé,
cette œuvre incarne la fascination de l’époque pour la représentation naturaliste des animaux et la maîtrise technique de l’artiste.
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Théodore-Joseph-Napoléon Jacques, dit Napoléon Jacques ( 1804-1876) marchand de poissons
La sculpture de Théodore-Joseph-Napoléon Jacques, surnommé Napoléon Jacques, est une pièce remarquable qui incarne à la fois le talent artistique et l’artisanat exceptionnel de ce sculpteur français du XIXe siècle. Né le 12 mai 1804 à Paris et décédé le 28 mars 1876, Napoléon Jacques a laissé un héritage durable dans le domaine de la sculpture, avec des œuvres qui continuent de susciter l’admiration et l’intérêt des amateurs d’art et des collectionneurs.
Cette sculpture en bronze doré représente un marchand de poissons, capturant un instant de la vie quotidienne dans une composition figée dans le temps. La qualité de l’exécution est superbe, témoignant du savoir-faire et de la maîtrise technique de l’artiste. Chaque détail est minutieusement travaillé, depuis les expressions du visage jusqu’aux plis des vêtements, en passant par la texture réaliste des poissons eux-mêmes.
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Paire de candélabres chandeliers bougeoirs en bronze doré au mercure XIXe siècle
Dans l’éclatante ambiance des fêtes et des rassemblements distingués du XIXe siècle, ces candélabres majestueux se dressent comme des témoins intemporels du raffinement et de l’opulence. Fabriqués à partir de bronze massif et dorés au mercure, ils portent l’héritage d’une époque où l’artisanat atteignait des sommets de perfection et où la beauté était une exigence.
Chaque détail de ces pièces exquises est un hommage à l’art et à l’esthétique de leur époque. Leurs lignes élégantes, leurs volutes gracieuses et leur décor orné d’oiseaux évoquent un sentiment de grâce et d’harmonie. Ces candélabres ne sont pas simplement des objets fonctionnels, mais des œuvres d’art en elles-mêmes, capturant l’essence de leur époque avec une finesse remarquable.
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Grande sculpture en bronze « Mignon » d’Eugène Aizelin, 1880
Eugène Antoine Aizelin (1821-1902) était un sculpteur français dont l’œuvre a laissé une marque significative dans le monde de l’art du XIXe siècle. Né à Paris, Aizelin a développé un talent précoce pour la sculpture et a étudié à l’École des Beaux-Arts de Paris, où il a été élève d’Auguste Dumont et de Jules Ramey. Son style a été influencé par le mouvement néo-classique, mais il a également incorporé des éléments du réalisme dans ses œuvres, les dotant d’une certaine vivacité et d’une sensibilité particulière.
L’une de ses grandes sculptures en bronze les plus remarquables est « Mignon », qui représente une paysanne assise se reposant avec sa petite guitare. Cette pièce captivante capture un moment d’intimité et de tranquillité, où la figure féminine semble être plongée dans ses pensées tout en prenant un moment de repos. La posture délicate de la paysanne et la présence de la guitare évoquent un sentiment de grâce et de douceur.
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Sculpture française en bronze d’Eugène Aizelin représentant Psyché par la fonderie F. Barbedienne
Eugène Aizelin, un sculpteur français né en 1821 et décédé en 1902, demeure une figure emblématique de l’art sculptural du XIXe siècle. Son œuvre témoigne d’une maîtrise exceptionnelle de la forme, de la composition et de l’expression, faisant de lui l’un des artistes les plus remarquables de son époque.
La sculpture antique en bronze « Psyché », réalisée par Aizelin, incarne à elle seule l’excellence de son talent. Réalisée en 1863, cette pièce magnifique capture l’essence même de la mythologie grecque à travers la figure mythique de Psyché, une jeune femme d’une beauté incomparable.
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Encensoir – Hebreux dans la fournaise – Brûle encens- Orfèvrerie médiévale – Haute époque
Cet encensoir en bronze doré est véritablement une pièce remarquable, à la fois par sa beauté et son histoire fascinante. Il incarne l’élégance et la sophistication de l’art néo-romain, tout en portant en lui des liens avec une époque ancienne et des artisans légendaires.
D’une hauteur imposante de 20 centimètres et d’une largeur équivalente pour son assiette, cet encensoir est une reproduction fidèle de l’original conservé au musée des beaux-arts de Lille. Son design évoque les riches traditions artistiques de l’Antiquité romaine, mais ce qui rend cet objet encore plus spécial, c’est son histoire et son attribution.
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Louis Vidal (l’aveugle) dit Natavel, Grande sculpture bronze d’un taureau, 50 x 32 x 18
Superbe et grande sculpture en bronze massif représentant un taureau.
Cette sculpture de Louis Vidal est très connue, car elle a été réalisé par l’artiste étant aveugle.
Elle a une très belle patine, elle est en bon état
Dimensions : Longueur 50 cm, Largeur 18 cm et Hauteur 32 cm
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Vitrine de style Louis XVI en marqueterie de bois de placage, fin XIXe
Le prix initial était : 880,00 €.750,00 €Le prix actuel est : 750,00 €.La description de cette magnifique vitrine de style Louis XVI en marqueterie de bois de placage évoque une pièce d’une grande élégance et d’une certaine époque. Remontant à la fin du XIXe siècle, elle témoigne du raffinement et du savoir-faire artisanal caractéristiques de cette période.
Dès le premier regard, cette vitrine séduit par sa structure élaborée. Composée de deux vitres latérales et d’une porte frontale, toutes en verre, elle offre une vue dégagée sur les trésors qu’elle renferme tout en préservant leur intégrité. La finesse de la marqueterie de bois de placage, caractéristique du style Louis XVI, confère à cette pièce un charme intemporel et une sophistication certaine.
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Tahoser, harpiste égyptienne – Georges Charles Coudray (1862-1944)
La sculpture en bronze intitulée « Tahoser », représentant un harpiste égyptien, est une œuvre magnifique et significative datant du XIXe siècle, réalisée par l’artiste Georges Charles Coudray (1862-1944). Coudray, né à Paris le 31 janvier 1862 et décédé dans la même ville le 6 décembre 1944, était un sculpteur et médaillé français renommé de son époque. Son œuvre « Tahoser » témoigne de son talent et de sa maîtrise dans le domaine de la sculpture.
Cette sculpture en bronze a été produite par la prestigieuse « Société des bronzes de Paris », ce qui garantit sa qualité et son authenticité. La signature et le tampon de la société attestent de l’origine et de l’authenticité de l’œuvre, ajoutant une valeur supplémentaire à cette pièce d’art exceptionnelle.
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Tahoser, harpiste égyptienne – Georges Charles Coudray (1862-1944)
La sculpture en bronze intitulée « Tahoser », représentant un harpiste égyptien, est une pièce remarquable qui témoigne du talent artistique de Georges Charles Coudray, un sculpteur français du XIXe siècle. Né à Paris le 31 janvier 1862 et décédé dans la même ville le 6 décembre 1944, Coudray a laissé un héritage artistique significatif à travers ses œuvres, dont cette sculpture en bronze qui demeure une création emblématique de son époque.
La sculpture capture la figure gracieuse et majestueuse d’un harpiste égyptien, probablement inspirée par l’art et la culture de l’Égypte ancienne qui ont fasciné de nombreux artistes à cette période. « Tahoser » incarne une harmonie entre la précision anatomique et la fluidité des lignes, démontrant le savoir-faire exceptionnel de Coudray dans la représentation sculpturale. La posture du harpiste, captée dans un moment d’intense concentration, évoque la passion et le dévouement de l’artiste pour son art.
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Cartel pendule de style Louis XV en écaille de tortue XIXe siècle
La description que vous avez donnée évoque une pièce d’une grande élégance et d’une grande valeur historique. Une garniture de cheminée de style Louis XV, avec un cartel et deux candélabres, offre une vision du raffinement artistique de l’époque.
Le style Louis XV, caractérisé par ses courbes gracieuses et ses ornements délicats, était une période de grande créativité dans l’art et l’artisanat. Cette garniture semble incarner parfaitement ces caractéristiques, avec ses ornements en bronze doré et son utilisation de l’écaille de tortue, un matériau qui était très prisé à l’époque pour sa beauté et sa rareté.
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Très belle pendule Louis XVI en bronze doré, Hubert Martinet
La majestueuse pendule Louis XVI en bronze massif et doré est bien plus qu’un simple objet d’horlogerie ; elle incarne l’élégance intemporelle et le raffinement artisanal de l’époque. Datant d’une période révolue, elle demeure un symbole de prestige et de sophistication, capturant l’essence même du style néoclassique.
Ce bijou horloger, d’une beauté saisissante, est un modèle très recherché par les collectionneurs et les amateurs d’art. Sa conception minutieuse, alliant le bronze massif et le doré, témoigne du savoir-faire exceptionnel des artisans de l’époque. Chaque détail, chaque courbe est travaillé avec une précision exquise, créant une œuvre d’art à part entière.
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Sculpture en bronze, pyrogène, moine, tonneau, XIXe
350,00 €Ce pyrogène en bronze massif est une pièce d’une grande beauté et d’une grande valeur historique. Cette sculpture représente avec finesse et détails un moine, symbole de sagesse et de tranquillité, en train de savourer un verre de vin directement de la bouteille. La scène dépeinte est empreinte de calme et de sérénité, le moine semblant trouver une forme de réconfort dans ce moment de dégustation.
La posture du moine est minutieusement travaillée : le panier sous le bras suggère un voyage ou une quête, le bougeoir dans une main évoque une ambiance chaleureuse et intime, tandis que le tire-bouchon reposant près de ses pieds évoque le plaisir de la dégustation du vin. À ses côtés, un tonneau, qui joue un double rôle : celui de contenir les allumettes, avec un système ingénieux de cordage permettant de les gratter pour les allumer.
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Très beau taureau en bronze massif signé SOHER
680,00 €La majesté brute de la nature s’anime dans cette sculpture saisissante d’un taureau en bronze massif, figé dans l’instant avant l’assaut. Son allure puissante est capturée avec précision, chaque muscle tendu dans un élan de force et de détermination. L’expression intense de sa tête, les naseaux dilatés, les yeux concentrés sur sa proie potentielle, transmettent une énergie sauvage et indomptable.
L’artiste a capturé un moment dynamique, avec la patte arrière du taureau grattant le sol, prête à bondir dans une action rapide et décisive. Chaque détail de cette sculpture respire la vie, de la texture rugueuse de la peau du taureau aux reflets subtils du bronze qui lui confèrent une qualité visuellement saisissante
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Très belle et grande boîte ancienne, en marqueterie de rose, décor dites à la Reine
La beauté intemporelle d’une ancienne boîte en marqueterie de rose s’épanouit dans les détails minutieux de son artisanat. Chaque élément, soigneusement façonné, raconte une histoire de savoir-faire et d’élégance.
Lorsque vos yeux se posent sur cette merveille, ils sont immédiatement attirés par l’éclat du bronze ornant ses contours. Chaque motif, chaque courbe semble avoir été conçu avec une précision exquise, ajoutant une touche de sophistication à l’ensemble. Le dessus de la boîte, délicieusement garni de Marie, est une ode à la délicatesse, chaque détail en filet doré et incrustation de nacre témoignant du talent de l’artisan qui l’a créée.
Il y a un petit manque de rond de perle sur un entourage sur la partie supérieur ( voir photo )
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Beau lustre à pampilles de cristal taillées style Baccarat XIXe
1200,00 €Imposant et majestueux, ce lustre à pampilles de cristal est une véritable œuvre d’art lumineuse, captivant instantanément le regard par sa splendeur et son élégance intemporelle. Ornementé de cristaux scintillants et soutenu par une monture en laiton massif, ce lustre incarne le raffinement et le luxe caractéristiques du XIXe siècle.
Sa forme en cage lui confère une présence imposante et théâtrale, rappelant les lustres somptueux des palais et des demeures aristocratiques de l’époque. La combinaison du laiton massif et du cristal étincelant crée un contraste saisissant, ajoutant une touche de sophistication à tout intérieur.
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Sculpture en bronze de Jean Hugues représentant un soldat
350,00 €Joli sculpture de bronze représentant un soldat porte drapeau, allongé sur le sol
Cette sculpture est posé sur une terrasse en bois avec un filet en marqueterie
Dimensions : Largeur 18 cm, profondeur 10 cm et hauteur 9 cm
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Sculpture de bronze d’un poilu de la guerre 1914, signé A. Falcinelli
550,00 €Le bronze que je vais vous présenter est une pièce remarquable, témoignage poignant de l’histoire et de la mémoire de la Première Guerre mondiale. Il s’agit d’une sculpture d’un soldat datant de 1914-1918, réalisée en bronze massif, qui incarne à la fois la force et la résolution de ceux qui ont combattu lors de ce conflit dévastateur.
D’une qualité artistique indéniable, cette sculpture capture l’essence même du soldat en pleine action. Imaginez-le, le poing serré, le regard déterminé, prêt à mener ses camarades au combat. Dans sa main gauche, il tient fermement son fusil, symbole de sa bravoure et de sa détermination à défendre sa patrie. Son paquetage solidement attaché sur le dos, il est prêt à affronter les épreuves avec courage et abnégation.
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Sculpture bronze animalier, panthère de Tunis no 2, par Antoine Louis Barye XIXe siècle
La sculpture en bronze animalier « Panthère de Tunis no 2 » par Antoine Louis Barye, réalisée au XIXe siècle, incarne la fusion magistrale entre l’art et la nature. Barye, un maître sculpteur français, est largement reconnu pour son expertise dans la représentation de la faune sauvage avec une précision remarquable. Cette œuvre, captivante dans sa beauté brute, témoigne de son talent inégalé.
La « Panthère de Tunis no 2 » est une incarnation éblouissante de la majesté féline. À travers ses traits ciselés avec soin, Barye capture l’essence même de la panthère, créant une représentation vivante de sa puissance et de sa grâce. Chaque muscle est sculpté avec une minutie impressionnante, capturant le mouvement fluide de l’animal dans une pose à la fois dynamique et équilibrée. Les détails minutieux, des griffes acérées aux poils soigneusement texturés, ajoutent une dimension de réalisme saisissant à l’œuvre.
Dimensions: Longueur 18,5 cm x Profondeur 6,5 cm
Hauteur 9 cm -
Table basse 70’s, design, 4 pieds cobra en bronze massif, plateau verre
2800,00 €La table basse des années 70 incarne l’époque où le design s’affranchissait des conventions, embrassant l’audace et l’innovation. Cette pièce emblématique, dans le style distinctif de Henri Fernandez, capture parfaitement l’esprit révolutionnaire de cette décennie prolifique en matière de design. Avec ses quatre pieds cobra en bronze massif, elle évoque à la fois l’élégance et la fascination pour le mystique propre aux années 70.
L’élément le plus saisissant de cette table basse est sans aucun doute ses pieds cobra en bronze massif. Le choix du bronze évoque une opulence intemporelle, tandis que la forme serpentiforme des pieds confère une touche de fantaisie et de dynamisme à l’ensemble. Ces pieds semblent s’animer, semblables à des créatures mythiques prêtes à s’enrouler autour de leur proie, ajoutant une dimension théâtrale à la pièce.
Ce table basse est en bon état général
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Secrétaire en poirier noirci et marqueteries Napoléon III – XIXe
Le Secrétaire Napoléon III est une pièce de mobilier exquis, fusionnant l’élégance du style impérial avec des détails raffinés et une attention méticuleuse aux matériaux et à l’artisanat. Avec son dessus en marbre blanc veiné de gris, encadré d’une moulure de bronze ciselé doré, il exhale une aura de luxe et de sophistication.
Ses côtés en poirier noirci et sa façade en loupe de thuya, avec un encadrement de palissandre, créent un contraste saisissant qui souligne son caractère majestueux. Les incrustations de nacre et de laiton sur fond d’ébène ajoutent une touche d’éclat et de préciosité, faisant de chaque détail une œuvre d’art à part entière.
Époque : seconde moitié du XIXe
larg. au dessus 71cm – au corps 67,5cm
prof. au dessus 36cm – au corps 34cm
hauteur 133cm -
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Alexandre Leonard (1821-1877), sculpture scène animalière en bronze massif
La sculpture en bronze d’Alexandre Léonard (1821-1877) représente une scène captivante d’une attaque de cerf par deux loups, capturée avec une finesse artistique remarquable. Léonard, un sculpteur français du XIXe siècle, est souvent salué pour sa maîtrise du réalisme animalier, et cette œuvre ne fait pas exception à cette réputation.
D’une hauteur imposante de 26 centimètres et avec des dimensions généreuses de 38,5 centimètres de largeur et 17 centimètres de profondeur, cette pièce se présente comme une pièce centrale dans toute collection d’art. La taille de la sculpture permet une appréciation détaillée de chaque élément de la scène, capturant ainsi l’essence même de l’interaction entre le cerf et les loups.
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Commode de style Louis XV galbée sur 3 faces, en marqueterie de rose, bronze et marbre, XXe
La commode de style Louis XV est une pièce d’une élégance intemporelle, incarnant l’essence même du raffinement et du luxe. Avec ses lignes galbées et ses détails exquis, cette pièce remarquable évoque l’opulence et le savoir-faire artisanal caractéristiques du XVIIIe siècle français, tout en étant une création du XXe siècle qui perpétue cet héritage avec grâce et beauté.
L’une des caractéristiques les plus frappantes de cette commode est sa forme galbée sur trois faces, une caractéristique emblématique du style Louis XV. Cette courbure délicate et fluide crée une esthétique douce et harmonieuse, renforçant l’impression de légèreté et de sophistication. Chaque courbe est soigneusement travaillée pour créer un équilibre visuel parfait, soulignant l’expertise et l’attention aux détails des artisans qui l’ont conçue.
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Commode de style Louis XV galbée sur 3 faces, en marqueterie de rose, bronze et marbre, XXe
La commode de style Louis XV que nous avons sous les yeux est une véritable œuvre d’art incarnant l’essence même du raffinement et de l’élégance du XVIIIe siècle français, bien que datant du XXe siècle. Sa silhouette galbée sur trois faces, typique du style Louis XV, lui confère une grâce naturelle et une harmonie dans ses formes. C’est une pièce qui respire le luxe et la sophistication, avec ses matériaux nobles et son exécution artisanale remarquable.
La commode est réalisée en marqueterie de rose, une technique qui consiste à incruste des morceaux de bois de rose dans un support en bois pour former des motifs décoratifs. Cette marqueterie, combinée avec des touches de bronze, crée un contraste subtil et une richesse visuelle captivante. Chaque détail de la marqueterie semble avoir été soigneusement pensé et exécuté, témoignant du savoir-faire exceptionnel de l’artisan qui l’a réalisée.
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Commode de style Louis XV galbée sur 3 faces, en marqueterie de rose, bronze et marbre, XXe
La commode de style Louis XV galbée sur trois faces, datant du XXe siècle, est une pièce d’une élégance intemporelle qui incarne le raffinement et le savoir-faire artisanal caractéristiques de l’époque. Avec ses dimensions harmonieuses – une hauteur de 91 cm, une largeur arrière de 95 cm et une profondeur au plus large de 46 cm – elle offre à la fois une présence imposante et une délicatesse dans ses détails.
Au cœur de son design, la commode se distingue par sa marqueterie exquise, une technique décorative où des motifs complexes sont créés en assemblant différents matériaux, en l’occurrence du bois de rose, du bronze et du marbre. Cette marqueterie, réalisée avec une précision méticuleuse, ajoute une profondeur visuelle à la surface de la commode, créant un jeu de lumière subtil qui enchante le regard de l’observateur.
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Grande table à jeux en marqueterie et a système de glissière
850,00 €La table à jeu que je m’apprête à vous présenter est bien plus qu’un simple meuble : c’est une pièce d’histoire et de sophistication, un témoignage d’une époque où l’artisanat atteignait des sommets de beauté et de fonctionnalité. Cette table à jeu à système est une rareté, non seulement en raison de sa beauté intemporelle, mais aussi de son design inhabituel.
Au premier regard, elle séduit par son élégance classique. Fabriquée avec des matériaux de haute qualité et ornée de détails exquis, elle respire le raffinement et le luxe. Son bois patiné, ses incrustations délicates et ses finitions soignées sont autant de témoignages du savoir-faire artisanal qui a présidé à sa création.
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Gros lustre de manoir en bronze massif et doré
1600,00 €Gros lustre en bronze doré de manoir, avec une très belle sculpture.
Il éclaire par 6 bras lumières et avec des caches ampoules en verre
Ce lustre provient d’un beau manoir de Normandie.
Il est de grande qualité et imposant.
Hauteur sans la chaine : 75 cm, Largeur total 82 cm
En bon état
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Profil d’homme vêtu d’une armure à l’antique, attribuée à César Cerebelli
1500,00 €Dans l’atmosphère feutrée d’une galerie d’art, trône majestueusement le profil d’un homme vêtu d’une armure à l’antique.
Cette œuvre, attribuée à César Cerebelli, captive instantanément le regard et l’imagination des visiteurs par son réalisme saisissant et son aura intemporelle.
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Sculpture de Pradier et fondeur Susse Frères, en bronze massif.
1800,00 €Les candélabres créés par James Pradier et fondus par Susse Frères incarnent l’excellence de l’artisanat français du XIXe siècle, mêlant l’art sculptural à la fonctionnalité domestique.
Ces pièces en bronze massif captivent par leur élégance intemporelle et leur raffinement.
James Pradier, célèbre sculpteur suisse du XIXe siècle, était renommé pour son talent à capturer la beauté féminine dans ses œuvres. Son style néoclassique se caractérise par des formes harmonieuses et des détails minutieux, inspirés de l’art antique.
Les candélabres représentent des figures féminines à l’antique, gracieusement drapées dans des tuniques évoquant l’esthétique de la Grèce antique.
Leurs poses évoquent la grâce et la noblesse, tandis que leurs visages expriment une sérénité intemporelle.
La collaboration entre Pradier et Susse Frères, une fonderie renommée de l’époque, a donné naissance à des pièces d’une qualité exceptionnelle. Susse Frères, fondée en 1807, était réputée pour sa maîtrise de la fonte du bronze et sa capacité à reproduire fidèlement les œuvres des plus grands sculpteurs. Les candélabres Pradier Susse Frères illustrent parfaitement cette expertise, avec leur finition soignée et leur attention aux détails.
Chaque candélabre est un chef-d’œuvre de métal travaillé avec minutie. Les détails des drapés, des visages et des accessoires sont finement ciselés, ajoutant une dimension de réalisme et de grâce à chaque pièce. La patine richement nuancée confère une profondeur et une chaleur supplémentaires à ces sculptures en bronze massif, créant un contraste saisissant avec la lumière des bougies qui illuminent leur présence.
Dimensions : Hauteur 66 cm
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Exceptionnel grande sculpture en bronze de Hans Guradze (1861-1922)
La sculpture en bronze de Hans Guradze (1861-1922), reproduite dans les années 1950, est une œuvre exceptionnelle qui captivera tant les amateurs d’art que les connaisseurs.
Guradze, artiste prolifique de la fin du XIXe et du début du XXe siècle, a laissé un héritage artistique impressionnant, et cette reproduction de son travail en bronze témoigne de son génie intemporel.
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Belle pendule de style Louis XVI en marbre et bronze doré XIXe
La pendule de style Louis XVI en marbre et bronze doré du XIXe siècle est une pièce d’horlogerie et de décoration d’une élégance intemporelle, capturant l’esprit raffiné de l’époque néoclassique française.
Son design exquis marie harmonieusement le marbre, le bronze doré et les médaillons en biscuit de porcelaine de Wedgwood pour créer une œuvre d’art à la fois fonctionnelle et esthétique.
Elle est en bon état général
Dimensions : Hauteur 42 cm, Largeur 26 cm
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Marie-Thérèse BEINEIX-MAMECIER Sculpture bronze d’une femme assise
Très grande sculpture en bronze massif à patine brune, représentant une femme nue assise. Cette sculpture a été faite en 8 exemplaires seulement et celle-ci porte le numéro 2
Marie-Thérèse Beineix-Mamecier est une figure éminente dans le domaine de l’art et de la culture en France. Née le 15 avril 1950 à Paris, elle est connue pour son engagement en faveur de la promotion de l’art contemporain et de la diversité culturelle.
Diplômée en histoire de l’art et en archéologie, elle a débuté sa carrière dans le monde de l’art en tant que conservatrice de musée. Passionnée par la création artistique sous toutes ses formes, elle a contribué à mettre en lumière de nombreux artistes émergents et à promouvoir le dialogue interculturel à travers l’art.
Au fil des ans, Marie-Thérèse Beineix-Mamecier a occupé divers postes de responsabilité dans des institutions culturelles françaises et internationales. Son dévouement à la préservation du patrimoine culturel et à la promotion de la création contemporaine lui a valu une reconnaissance tant au niveau national qu’international.
Sa vision novatrice et son engagement indéfectible en font une personnalité incontournable dans le paysage artistique français, contribuant ainsi à enrichir et à dynamiser le monde de l’art contemporain.
Hauteur 56 cm, largeur 48 cm et profondeur 32 cm
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Pendule en bronze XIXe de style Louis XVI, mouvement Japy
Joli petite pendule ancienne en bronze doré, de style Louis XVI, avec des attribues musicales sur la tête du mouvement, une guirlande de fleurs tombant de chaque coté de celle-ci, un nœud ornementale sous le mouvement et des flambeaux croisées ainsi qu’un arc dans la partie basse.
Cette pendule est en bon état, un petit nettoyage reste a faire.
Dimensions : Hauteur 30 cm. Largeur 25.5 cm. Profondeur 14.5 cm. Poids 4700 gr
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Grande pendule bronze sculptée de Hébé et Jupiter par James Pradier (1790-1852)
La pendule “Hébé et Jupiter” de James Pradier est une œuvre emblématique de l’horlogerie du XIXe siècle. Cette pièce magnifique incarne l’esthétique néoclassique tout en capturant l’essence de la mythologie grecque. Au cœur de cette pendule se trouve la représentation de deux figures divines : Hébé, la déesse de la jeunesse, et Jupiter, le roi des dieux. Hébé est souvent dépeinte comme une figure gracieuse, symbolisant la jeunesse éternelle, tandis que Jupiter incarne la puissance et l’autorité.
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Christophe Fratin, bronze, jument et son poulain, groupe de chevaux, l’accolade, XIXe
La sculpture « La Jument et son Poulain » est l’une des œuvres les plus célèbres de Christophe Fratin, un sculpteur animalier français du 19e siècle. Créée en 1850, elle représente une jument qui protège son poulain avec une tendresse maternelle. Fratin capture magistralement l’instant de connexion émotionnelle entre la mère et son petit, exprimant à la fois la force et la douceur à travers les formes gracieuses des chevaux.
La composition dynamique de la sculpture donne vie à la scène, avec la jument abaissant doucement sa tête vers son poulain, créant une atmosphère de protection et d’amour inconditionnel. Fratin était réputé pour sa capacité à saisir la véritable essence des animaux, et dans cette œuvre, il transcende le simple réalisme pour exprimer des sentiments profonds et universels.
« La Jument et son Poulain » de Fratin est non seulement une représentation remarquable de la relation maternelle dans le règne animal, mais aussi un témoignage émouvant du talent artistique de Fratin dans la sculpture animalière.
Dimension : Hauteur 17.5 cm, Largeur 28 cm et profondeur 14 cm
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Joli lustre XIXe de style Louis XVI en bronze doré
1400,00 €Le splendide lustre du XIXe siècle, de style Louis XVI, incarne à lui seul l’élégance intemporelle et la grandeur artistique de l’époque. Ornée de bronze doré, cette pièce magistrale est bien plus qu’un simple luminaire ;
c’est une œuvre d’art qui illumine et enchante l’espace dans lequel elle se trouve.
Dimension : Hauteur environ 90 cm
Chaque élément de ce lustre est une déclaration de raffinement et de sophistication. Ses six bras délicatement courbés, finement ouvragés en bronze doré, portent des luminaires qui répandent une lumière douce et chaleureuse.
Trois têtes de femmes sculptées avec une finesse remarquable, témoignant du savoir-faire exceptionnel des artisans de l’époque.
Mais ce n’est pas tout. Ce lustre est également paré d’une guirlande de fleurs, symbole de délicatesse et de beauté éternelle. Chaque fleur semble avoir été cueillie dans un jardin secret, puis figée dans le bronze pour l’éternité. Cette guirlande ajoute une touche de romantisme à l’ensemble, évoquant les jardins luxuriants et les palais majestueux qui ont inspiré le style Louis XVI
Au-delà de sa fonction première d’éclairage, ce lustre est une pièce maîtresse qui évoque l’opulence et le raffinement des salons aristocratiques de l’époque.
Il transporte ses spectateurs dans un monde de luxe et de splendeur, où chaque détail est soigneusement pensé pour ravir les sens.
