• Etagère encoignure, présentoir de magasin par HENRY à Lyon circa 1950Etagère encoignure, présentoir de magasin par HENRY à Lyon circa 1950

    Etagère encoignure, présentoir de magasin par HENRY à Lyon circa 1950

    280,00 
    Étagère encoignure de magasin par Henry à Lyon, vers 1950. Pièce vintage rare en bois, idéale pour une déco rétro ou un intérieur de collectionneur.
  • Table basse en acajou massif ouvrant par deux tiroirs en ceinture,Table basse en acajou massif ouvrant par deux tiroirs en ceinture,

    Table basse en acajou massif ouvrant par deux tiroirs en ceinture, début XXe siècle

    280,00 
    Table basse en acajou massif, 2 tiroirs en ceinture, début XXe siècle. Élégance classique et charme ancien pour sublimer votre intérieur.
  • Lustre XIXe en laiton et bronze, Napoléon III, éclairant par 6 tulipes et un globe central

    Lustre XIXe en laiton et bronze, Napoléon III, éclairant par 6 tulipes et un globe central

    480,00 
    Lustre XIXe en laiton et bronze style Napoléon III, éclairage par 6 tulipes et un globe central. Élégance antique pour intérieur raffiné.
  • Service de verres en cristal de DAUM, modèle KIM, de 55 pièces

    Grand service de verres en cristal de DAUM, modèle KIM, comportant 55 pièces

    450,00 
    Élégant service Daum modèle Kim : 55 pièces en cristal, design années 50, signé et en excellent état. Parfait pour les amateurs de verrerie vintage
  • VENDU
    Boîte à gants en bois noirci Napoléon III avec incrustations de laiton, de nacre et écaille de tortue, XIXe siècleBoîte à gants en bois noirci Napoléon III avec incrustations de laiton, de nacre et écaille de tortue, XIXe siècle

    Boîte à gants en bois noirci Napoléon III avec incrustations de laiton, de nacre et écaille de tortue, XIXe siècle

    450,00 
    Élégante boîte à gants Napoléon III en bois noirci, ornée de laiton, nacre et écaille de tortue. XIXe siècle, rare objet d’art décoratif.
  • Vase art déco en bronze massif de Alfredo Biagini (1886-1952 ), décor de lionnes

    Vase art déco en bronze massif de Alfredo Biagini (1886-1952 ), décor de lionnes

    1250,00 
    Vase Art Déco en bronze massif par Alfredo Biagini (1886-1952), décor de lionnes. Pièce rare et élégante, idéale pour collectionneur.
  • Tableau du XIXe siècle, huile sur toile, décor d’intérieur d’un village animés

    Tableau du XIXe siècle, huile sur toile, décor d’intérieur d’un village animés

    380,00 
    Tableau XIXe siècle, huile sur toile. Scène de village animée avec riche décor intérieur
  • Vase Lalique France, décor de biches, couleur fumé, hauteur 17.3 cmVase Lalique France, décor de biches, couleur fumé, hauteur 17.3 cm

    Vase Lalique France, décor de biches, couleur fumé, hauteur 17.3 cm

    650,00 
    Vase Lalique France en verre fumé, décor de biches élégantes. Hauteur 17,3 cm. Pièce rare et raffinée pour collectionneur ou amateur d’art.
  • Pichet normand ancien en verre moule, col ourlé et anse creuse – authenticité, bulles et traces d’usage – parfait pour amateurs de cidre et art populaire 

    Pichet Normand ancien en verre moulé col ourlé pichet à cidre art populaire

    30,00 
    Pichet normand ancien en verre moule, col ourlé et anse creuse – authenticité, bulles et traces d’usage – parfait pour amateurs de cidre et art populaire 
  • Paravent quatre feuilles en laque à décor polychromeParavent quatre feuilles en laque à décor polychrome

    Paravent quatre feuilles en laque à décor polychrome, époque XXe siècle

    680,00 

    Ce paravent à quatre feuilles est une pièce remarquable, alliant artisanat traditionnel et esthétique polyvalente. Chaque feuille est recouverte de laque, offrant un décor polychrome qui captive par sa beauté et sa diversité. D’un côté, le paravent est orné de branches fleuries où des grues et divers oiseaux évoluent gracieusement sur un fond doré à…

  • Commode de style Transition en merisier massif, début XXe siècleCommode de style Transition en merisier massif début XIXe siècle

    Commode de style Transition en merisier massif, début XXe siècle

    650,00 

    Cette ravissante commode de petite taille, réalisée en merisier massif, incarne avec élégance l’esprit du style Transition. Datant du début du XXe siècle, elle s’inspire avec justesse des lignes sobres de la fin du règne de Louis XV tout en annonçant la rigueur géométrique du style Louis XVI. Un véritable hommage au raffinement des arts…

  • Beau et grand miroir XIXe siècle de style Louis XIII en bois sculpté et doré à la feuille d'or et miroir au mercureBeau et grand miroir XIXe siècle de style Louis XIII en bois sculpté et doré à la feuille d'or et miroir au mercure

    Beau et grand miroir XIXe siècle de style Louis XIII en bois sculpté et doré à la feuille d’or

    950,00 
     Beau et grand miroir XIXe siècle de style Louis XIII en bois sculpté, doré à la feuille d’or : élégance, authenticité et présence majestueuse pour toute pièce.
  • Grand lustre XIXe en porcelaine Italienne de Capodimonte, décor floralGrand lustre XIXe en porcelaine Italienne de Capodimonte, décor floral

    Grand lustre XIXe en porcelaine Italienne de Capodimonte, décor floral

    950,00 
    Grand lustre italien XIXe en porcelaine de Capodimonte à décor floral raffiné – une pièce d’exception pour sublimer vos intérieurs d’art et d’élégance.
  • Grand guéridon violonné d'époque Louis Philippe en acajou XIXe siècleGrand guéridon violonné d'époque Louis Philippe en acajou XIXe siècle

    Grand guéridon violonné d’époque Louis Philippe en acajou XIXe siècle

    280,00 
    Superbe guéridon « Violonne » Louis-Philippe en acajou massif du XIXᵉ siècle : table ronde élégante, idéale pour sublimer votre intérieur d’un charme authentique.
  • Petit Bureau secrétaire Napoléon III en Acajou, 19ème SièclePetit Bureau secrétaire Napoléon III en Acajou, 19ème Siècle

    Petit Bureau secrétaire Napoléon III en Acajou, 19ème Siècle

    460,00 
    Petit bureau secrétaire Napoléon III en acajou massif, intérieur en érable, cuir à fleuron, serrures d’origine. Élégance XIXe pour intérieurs raffinés.
  • Vitrine argentier de style Louis XVI, vers 1900, en bois de placage et marqueterieVitrine argentier de style Louis XVI, vers 1900, en bois de placage et marqueterie

    Vitrine argentier de style Louis XVI, vers 1900, en bois de placage et marqueterie

    380,00 
    Découvrez cette élégante vitrine / argentier de style Louis XVI (\~1900), en bois plaqué et marqueterie, parfaite pour sublimer vos objets d’art avec raffinement.
  • Etagère murale en bois découpé, époque fin XIXe siècleEtagère murale en bois découpé, époque fin XIXe siècle

    Etagère murale en bois découpé, époque fin XIXe siècle

    280,00 
    Étagère murale découpée en bois massif, fin XIXᵉ siècle –
    charme antique et patine authentique pour sublimer vos objets décoratifs
  • Console, table de chasse en bois rechampi sculpté, ouvrant par deux tiroirs en ceintureConsole, table de chasse en bois rechampi sculpté, ouvrant par deux tiroirs en ceinture

    Console, table de chasse en bois rechampi sculpté, ouvrant par deux tiroirs en ceinture

    750,00 
    Découvrez notre console chasse : élégante table en bois sculpté, rechampi, dotée de deux tiroirs centraux. Parfaite pour sublimer votre intérieur unique.
  • Lustre en bronze massif à bras mouvementés, XIXe, tulipes opalescentesLustre en bronze massif à bras mouvementés, XIXe, tulipes opalescentes

    Lustre en bronze massif à bras mouvementés, XIXe, tulipes opalescentes

    380,00 
    Lustre en bronze massif XIXe, 6 bras mouvementés & tulipes opalescentes. Élégance antique, raffinement ciselé pour sublimer salons et intérieurs de charme.
  • VENDU
    Exceptionnelle et importante soupière en argent massif, orfèvrerie Têtard Frères, environ 5200 grammesExceptionnelle et importante soupière en argent massif, orfèvrerie Têtard Frères, environ 5200 grammes

    Exceptionnelle et importante soupière en argent massif, orfèvrerie Têtard Frères

    9500,00 
    Exceptionnelle soupière en argent massif Têtard Frères, style Empire, décor cygnes, poids 5 200 g. Rare pièce d’orfèvrerie française, état remarquable.
  • Paul Schaan (1857-1924) : La Fontaine Médicis au Jardin du Luxembourg. Huile sur toile

    Paul Schaan (1857-1924) : La Fontaine Médicis au Jardin du Luxembourg. Huile sur toile

    2400,00 
    Huile sur toile de Paul Schaan (1857‑1924) capturant avec finesse la Fontaine Médicis et sa végétation automnale au cœur du Jardin du Luxembourg, Paris.
  • Garniture de cheminée style Louis XVI en bronze doré et marbre blancGarniture de cheminée style Louis XVI en bronze doré et marbre blanc

    Garniture de cheminée comprenant la pendule et paire d’amours de style Louis XVI

    1600,00 
    Garniture de cheminée Louis XVI : pendule élégante et paire d’amours, alliance de finesse et style néo-classique pour sublimer votre intérieur.
  • Salon époque restauration en acajou massif et placage, recouvert de tapisserie, époque XIXe siècleSalon époque restauration en acajou massif et placage, recouvert de tapisserie, époque XIXe siècle

    Salon de 5 pièces époque Restauration XIXe siècle en acajou

    680,00 
    Salon de 5 pièces en acajou, époque Restauration (XIXe siècle) : élégance, raffinement et authenticité pour sublimer votre intérieur.
  • VENDU
    Boîte de forme ovale en cristal moulé opalescente à décor de feuilles de vignesBoîte de forme ovale en cristal moulé opalescente à décor de feuilles de vignes

    Boîte de forme ovale en cristal moulé opalescente à décor de feuilles de vignes

    80,00 
    Élégante boîte ovale en cristal opalescent moulé, décor feuilles de vigne – raffinée, artisanale et idéale pour bijoux ou objets précieux
  • Charmante petite bibliothèque vitrine, typique de l'époque Napoléon III vers 1850

    Charmante petite bibliothèque vitrine, typique de l’époque Napoléon III vers 1850

    590,00 
    Charmante petite bibliothèque vitrine Napoléon III, vers 1850 : élégante, richement sculptée, parfaite pour exposer livres et objets précieux avec raffinement.
  • Miroir ancien en bois et stuc doré, de style Louis XV, hauteur 145 cm, fronton à coquille, miroir biseauté, XIXe siècleMiroir ancien en bois et stuc doré, de style Louis XV, hauteur 145 cm, fronton à coquille, miroir biseauté, XIXe siècle

    Miroir ancien en bois et stuc doré, de style Louis XV, hauteur 145 cm, fronton à coquille, miroir biseauté, XIXe siècle

    480,00 
    Miroir ancien Louis XV en bois et stuc doré, époque Napoléon III (vers 1850). Élégance du XIXe siècle pour une déco raffinée.
  • Pendule romantique en biscuit et porcelaine, Grignon Meusnier à Paris, XIXe sièclePendule romantique en biscuit et porcelaine, Grignon Meusnier à Paris, XIXe siècle

    Pendule romantique en porcelaine et biscuit, Marquis et Marquise à la fontaine, XIXe siècle

    1250,00 
    Pendule romantique en porcelaine et biscuit XIXᵉ siécle, marquis et marquise à la fontaine : finesse des détails, couleurs vives et mécanisme en parfait état.
  • L'offrande à l'amour, biscuit de porcelaine d'après Louis-Simon Boizot (1743-1809)L'offrande à l'amour, biscuit de porcelaine d'après Louis-Simon Boizot (1743-1809)

    L’offrande à l’amour, biscuit de porcelaine d’après Louis-Simon Boizot (1743-1809)

    650,00 
    Offrez vous ou offrez un trésor d’amour : biscuit de porcelaine “L’offrande à l’Amour”, d’après Louis Simon Boizot (1743‑1809), élégance et émotion éternelle.
  • VENDU
    Cave à liqueur ancienne en bois de placage et marqueterie, cristal gravé à l'acide, XIXeCave à liqueur ancienne en bois de placage et marqueterie, cristal gravé à l'acide, XIXe

    Cave à liqueur ancienne en bois de placage et marqueterie, cristal gravé à l’acide, XIXe

    750,00 
    Cave à liqueur XIXᵉ en bois de placage & marqueterie, flacons cristal gravé à l’acide, décor frise grecque. Élégance Napoléon III, pièce unique.
  • Très belle jardinière de table XIXe siècle en bois de placage et ornement en bronze doré estampillée FMTrès belle jardinière de table XIXe siècle en bois de placage et ornement en bronze doré estampillée FM

    Très belle jardinière de table XIXe siècle en bois de placage et ornement en bronze doré estampillée FM

    850,00 
    Élégante jardinière de table XIXe en bois de placage, bronze doré, estampillée FM. Objet raffiné pour collectionneur ou décoration d’exception.
  • Statue traditionnelle Birmane, Bouddha en bois sculpté XXe siècleStatue traditionnelle Birmane, Bouddha en bois sculpté XXe siècle

    Statue traditionnelle Birmane, Bouddha en bois sculpté XXe siècle

    550,00 
    Statue birmane Bouddha en bois sculpté du XXe siècle, visage serein, dorure patinée et verroteries. Esprit spirituel et artisanat raffiné (35,5 cm)
  • Lustre vintage en tôle peinte vers 1970, motif de feuillages automnalLustre vintage en tôle peinte vers 1970, motif de feuillages automnal

    Lustre vintage en tôle peinte vers 1970, motif de feuillages automnal, diamètre 100 cm

    650,00 
    Lustre vintage en tôle peinte, vers 1970, décor feuillage automnal. Pièce unique au charme rétro, diamètre 100 cm.
  • VENDU
    tableau ancien, signé de Jules Louis RAME, bergers avec moutons et chientableau ancien, signé de Jules Louis RAME, bergers avec moutons et chien

    tableau ancien, signé de Jules Louis RAME, bergers avec moutons et chien

    2600,00 
    Tableau ancien signé Jules Louis Rame (1855‑1927) : bergers, moutons et chien en scène pastorale. Huile sur toile raffinée, cadre doré, charme champêtre.
  • Joli lampadaire en laiton doré de 157 cm, en forme de palmier, signé Maison Jansen. Sculpté avec finesse, il éclaire par 3 points, apportant élégance et charme.Joli lampadaire en laiton doré de 157 cm, en forme de palmier, signé Maison Jansen. Sculpté avec finesse, il éclaire par 3 points, apportant élégance et charme.

    Joli lampadaire en laiton doré, forme de palmier, style Jansen, circa 1970/80

    1800,00 
    Élégant lampadaire en laiton doré en forme de palmier, idéal pour une déco vintage et chic. Pièce unique disponible sur ABN Antiquités.
  • Pied de lampe palmier, bronze & laiton, années 70, style Maison Charles & Hollywood Regency, H 66 cm, éclaire par 4 ampoules. Élégance vintage assurée !Pied de lampe palmier, bronze & laiton, années 70, style Maison Charles & Hollywood Regency, H 66 cm, éclaire par 4 ampoules. Élégance vintage assurée !

    Lampe palmier dans le goût de la maison Charles, bronze et laiton

    1250,00 
    Lampe palmier en bronze et laiton, style Maison Charles. Élégance vintage et lumière chaleureuse pour sublimer votre intérieur
  • VENDU
    Théodore LEGRAS (1839-1916) – Vase Art Nouveau spectaculaire, dégagé à l’acide, orné d’un décor marin raffiné d’algues et coquillages. Élégance et finesse.Théodore LEGRAS (1839-1916) – Vase Art Nouveau spectaculaire, dégagé à l’acide, orné d’un décor marin raffiné d’algues et coquillages. Élégance et finesse.

    Théodore Legras, important vase a décor dégagé à l’acide d’algues et coquillages

    2400,00 
    Vase signé Théodore Legras, décor dégagé à l’acide d’algues et coquillages, pièce unique d’antiquité d’exception sur ABN Antiquités.
  • Très belle et ancienne coupe Empire DLG de Pierre-Philippe Thomire, décor de cygneTrès belle et ancienne coupe Empire DLG de Pierre-Philippe Thomire, décor de cygne

    Très belle et ancienne coupe Empire DLG de Pierre-Philippe Thomire, décor de cygne

    2600,00 
    Très belle coupe Empire ancienne signée Pierre-Philippe Thomire, décor cygne élégant. Pièce rare d’antiquité pour collectionneurs et amateurs d’art.
  • Belle pendule époque Empire thème des arts et des sciences avec UranieBelle pendule époque Empire thème des arts et des sciences avec Uranie

    Belle pendule époque Empire thème des arts et des sciences avec Uranie

    1650,00 
    Pendule Empire en bronze doré, illustrant Uranie, muse de l’astronomie. Élégance néoclassique, sphère armillaire et lunette astronomique
  • Bamoun statue africaine Corne cérémonielle Royale CamerounBamoun statue africaine Corne cérémonielle Royale Cameroun

    Bamoun statue africaine Corne cérémonielle Royale Cameroun

    480,00 
    Statue royale Bamoun en bronze, symbole de pouvoir et de prestige, ornée de motifs culturels. Pièce unique de 45 cm, idéale pour collectionneurs d’art africain.
  • VENDU
    Coupe Tazza troubadour romantique bronze doré bacchus vin érotisme 19eCoupe Tazza troubadour romantique bronze doré bacchus vin érotisme 19e

    Coupe Tazza troubadour romantique bronze doré bacchus vin érotisme 19e

    Coupe Tazza Troubadour en bronze doré, design Bacchus et érotisme, élégance romantique pour sublimer votre décoration vintage et art classique.
  • Sculpture en bronze patiné " les artisans du Burkina Faso " Femme assise et son enfantSculpture en bronze patiné " les artisans du Burkina Faso " Femme assise et son enfant

    Sculpture en bronze patiné  » les artisans du Burkina Faso  » Femme assise et son enfant

    650,00 
    Sculpture en bronze patiné du Burkina Faso : femme assise et enfant, 50 cm, artisanat authentique, émotion et culture africaine.
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    Coupe en cristal de Lalique modèle Honfleur à décor de feuilles dépoliesCoupe en cristal de Lalique modèle Honfleur à décor de feuilles dépolies

    Coupe en cristal de Lalique modèle Honfleur à décor de feuilles dépolies

    Découvrez l’élégante coupe en cristal Lalique « Honfleur » (1945), ornée de feuilles dépolies, signée et authentifiée, idéale pour collection ou déco raffinée.
  • Très belle coupe « Bélier » de CRISTAL LALIQUE FranceTrès belle coupe « Bélier » de CRISTAL LALIQUE France

    Très belle coupe « Bélier » de CRISTAL LALIQUE France

    420,00 
    Très belle coupe Bélier en cristal Lalique France, élégance et artisanat d’exception pour sublimer votre décoration.
  • VENDU
    Superbe sculpture de qualité, grand aigle royal aux ailes déployéesSuperbe sculpture de qualité, grand aigle royal aux ailes déployées

    Superbe sculpture de qualité, grand aigle royal aux ailes déployées

    Magnifique sculpture d’aigle royal aux ailes déployées, pièce de qualité exceptionnelle pour collectionneur ou décoration raffinée.
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    Tableau Représentant François-henri De Montmorency-bouteville, Duc De Piney-luxembourg XIXeTableau Représentant François-henri De Montmorency-bouteville, Duc De Piney-luxembourg XIXe

    Tableau Représentant François-henri De Montmorency-bouteville, Duc De Piney-luxembourg XIXe

    2200,00 
    Tableau XIXᵉ représentant François Henri de Montmorency‑Bouteville, duc de Piney Luxembourg – œuvre élégante et historique à découvrir.
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    Ecole Flamande du XVIIe siècle, huile sur cuivre, suiveur de RubensEcole Flamande du XVIIe siècle, huile sur cuivre, suiveur de Rubens

    Ecole Flamande du XVIIe siècle, huile sur cuivre, suiveur de Rubens

    Peinture flamande XVIIe siècle – huile sur cuivre, suiveur de Rubens : œuvre riche en détails, couleurs éclatantes et finesse picturale 
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    Chambre photo-Hall à Paris avec objectif Dérogy N°1 Paris LondreChambre photo-Hall à Paris avec objectif Dérogy N°1 Paris Londre

    Chambre photo-Hall à Paris avec objectif Dérogy N°1 Paris Londre

    550,00 
    Découvrez la Chambre Photo Hall à Paris équipée d’un objectif Derogy n°1, offrant des clichés élégants entre Paris et Londres. Parfait pour collectionneurs.
  • Vase Majolica Palissy, datant de l'époque victorienne vers 1890Vase Majolica Palissy, datant de l'époque victorienne vers 1890

    Vase Majolica Palissy, datant de l’époque victorienne vers 1890

    580,00 
    Vase Majolica Palissy victorien vers 1890, pièce unique en faïence colorée. Découvrez cet objet d’art rare sur ABN Antiquités.
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    Emile Gallé, très belle bonbonnière en verre multicouche et dégagé à l'acideEmile Gallé, très belle bonbonnière en verre multicouche et dégagé à l'acide

    Emile Gallé, très belle bonbonnière en verre multicouche et dégagé à l’acide

    Bonbonnière Art Nouveau signée Émile Gallé, verre multicouche gravé à l’acide, circa 1900 – raffinement botanique, élégance et luxe artisanal.
  • VENDU
    "Talisman" est une œuvre remarquable d'Emmanuel Villanis (1858-1904)

    « Talisman » est une œuvre remarquable d’Emmanuel Villanis (1858-1904)

    « Talisman » est une œuvre remarquable d’Emmanuel Villanis (1858-1904), un sculpteur français dont le talent a marqué la fin du XIXe et le début du XXe siècle.
    Cette sculpture en bronze à patine médaille, datant d’environ 1900, est un témoignage de l’art raffiné et de la maîtrise technique de Villanis.
    La sculpture représente une figure féminine allongée, dont la posture évoque une grâce et une sérénité intemporelles.
    La femme est dépeinte dans une position de repos, les yeux fermés, comme plongée dans un sommeil paisible ou une méditation profonde. Ses traits sont finement ciselés, révélant une expression de calme et de tranquillité.
    Les détails de son visage, notamment les paupières closes et les lèvres légèrement entrouvertes, ajoutent une dimension de réalisme et de vulnérabilité à l’œuvre.
    Le corps de la femme est drapé dans une étoffe fluide qui épouse ses formes avec élégance.
    Les plis du tissu sont rendus avec une grande précision, donnant l’impression de mouvement et de légèreté.
    La patine médaille, une technique de finition qui confère au bronze une apparence dorée et lumineuse, accentue les contours et les volumes de la sculpture, créant un jeu subtil de lumière et d’ombre.
    La signature de Villanis et le cachet de la « Fonderie de Paris » sont visibles sur la sculpture, attestant de son authenticité et de sa provenance. La « Fonderie de Paris » était renommée pour la qualité de ses épreuves en bronze, et la présence de son cachet est un gage de l’excellence technique de l’œuvre.
    La hauteur de la sculpture, 59 cm, en fait une pièce imposante, destinée à être admirée de près.
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    Table console de style Louis XV, forme galbée, dessus marbre

    Table console de style Louis XV, forme galbée, dessus marbre

    750,00 
    Cette table console de style Louis XV est un véritable chef-d’œuvre de l’artisanat, reflétant l’élégance et le raffinement caractéristiques de cette période.
    Fabriquée au cours de la première moitié du XXe siècle, elle incarne parfaitement le renouveau des styles classiques dans l’ameublement contemporain de l’époque.
    Le bois utilisé pour cette table est richement sculpté, mettant en valeur le savoir-faire des artisans.
    Les motifs floraux et les volutes délicates qui ornent les pieds et la ceinture de la table témoignent d’une attention minutieuse aux détails.
    Les quatre pieds cambrés, réunis par une entretoise centrale, ajoutent une touche de grâce et de légèreté à l’ensemble.
    Cette entretoise est particulièrement remarquable, avec une grosse coquille sculptée qui en constitue le point focal.
    Le dessus de la table est en marbre blanc, un matériau noble et intemporel qui apporte une touche de luxe et de sophistication.
    Le marbre suit parfaitement le mouvement galbé de la ceinture, créant une harmonie visuelle entre les différents éléments de la table.
    La surface lisse et polie du marbre contraste magnifiquement avec les sculptures complexes du bois, offrant un équilibre parfait entre simplicité et opulence.
    La table est actuellement patinée dans une teinte foncée, ce qui lui confère un aspect antique et authentique.
    Cependant, il est possible d’éclaircir cette patine pour obtenir une finition plus claire et plus contemporaine, selon les préférences esthétiques de l’acquéreur.
    Cette flexibilité permet à la table de s’adapter à différents styles de décoration, qu’ils soient classiques ou modernes.
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    Pendulette type officier Hour Lavigne / L’Epée , mouvement mécaniquePendulette type officier Hour Lavigne / L’Epée , mouvement mécanique

    Pendulette type officier Hour Lavigne / L’Epée , mouvement mécanique

    La pendulette de voyage HOUR LAVIGNE, successeurs de l’Epée, est un véritable chef-d’œuvre d’horlogerie qui allie élégance, fonctionnalité et précision.
    Cette pendulette, souvent appelée « pendulette d’officier », est un témoignage de l’artisanat horloger du début du 20ème siècle, une époque où la précision mécanique et l’esthétique raffinée étaient des valeurs fondamentales.
    Description Générale :
    La pendulette se distingue par son boîtier en bronze, un matériau noble et résistant qui confère à l’objet une allure à la fois classique et robuste.
    Le verre biseauté qui protège le cadran ajoute une touche de sophistication et permet une lecture claire et précise de l’heure.
    La pendulette est accompagnée de sa clef, un élément essentiel pour remonter le mécanisme et régler l’heure.
    Caractéristiques Techniques :
    Le mouvement mécanique de cette pendulette est un exemple de l’ingéniosité horlogère de l’époque.
    Il est équipé d’une fonction réveil, ce qui en fait un compagnon idéal pour les voyages.
    La clef amovible permet de remonter le mécanisme avec précision, tandis que l’arrêt de sonnerie situé au sommet de la pendulette permet de désactiver le réveil si nécessaire.
    Les aiguilles Breguet noires, finement ouvragées, contrastent élégamment avec le cadran blanc orné de chiffres romains.
    Ce design classique et intemporel rend la pendulette non seulement fonctionnelle mais aussi esthétiquement plaisante.
    Dimensions et Portabilité :
    Avec des dimensions de 13 x 9 cm, cette pendulette est parfaitement adaptée pour les voyages.
    Sa taille compacte permet de la transporter facilement, tout en offrant une lisibilité optimale.
    Que ce soit sur une table de chevet dans une chambre d’hôtel ou sur un bureau lors d’un déplacement professionnel, cette pendulette trouve sa place partout.
    Histoire et Héritage :
    HOUR LAVIGNE, successeurs de l’Epée, est une maison horlogère renommée qui a su perpétuer la tradition d’excellence initiée par l’Epée. Fondée en 1755, l’Epée est l’une des plus anciennes manufactures horlogères suisses, connue pour ses créations innovantes et son savoir-faire artisanal.
    HOUR LAVIGNE a repris cet héritage avec brio, en continuant à produire des pendulettes de haute qualité qui allient tradition et modernité.
    Utilisation et Entretien :
    Pour garantir la longévité et la précision de cette pendulette, il est essentiel de la remonter régulièrement à l’aide de la clef fournie.
    Le mécanisme mécanique nécessite un entretien périodique pour assurer son bon fonctionnement.
    Il est recommandé de faire vérifier la pendulette par un horloger qualifié tous les quelques années pour un nettoyage et une lubrification adéquats.
  • VENDU
    Jardinière ancienne, époque Empire, colonnes et ornements bronze doréJardinière ancienne, époque Empire, colonnes et ornements bronze doré

    Jardinière ancienne, époque Empire, colonnes et ornements bronze doré

    Cette jardinière d’époque Empire incarne l’excellence du savoir-faire artisanal et artistique du début du XIXᵉ siècle.
    De forme rectangulaire, elle repose sur un piétement soigneusement élaboré, qui allie harmonieusement équilibre et esthétique classique. Les colonnes en façade, combinées aux montants carrés de la partie postérieure, témoignent de l’influence de l’Antiquité, une source d’inspiration majeure pour le style Empire.
    Le piétement de la jardinière présente une composition architecturale remarquable.
    Les colonnes en façade, ornées de bagues et de chapiteaux en bronze ciselé et doré, apportent une touche de sophistication.
    Ces ornements ne sont pas seulement décoratifs : ils traduisent une maîtrise technique et un goût prononcé pour les détails soignés.
    Les montants carrés à l’arrière assurent la stabilité tout en conférant une allure géométrique et équilibrée à l’ensemble.
    L’entablement incurvé en façade est un élément clé du design, créant une rupture subtile avec les lignes rectangulaires de la structure principale.
    Cet aspect courbé adoucit l’ensemble et lui donne une élégance fluide, tout en respectant les principes rigoureux de symétrie chers au style Empire.
    Ornements en Bronze Doré :
    Les ornements en bronze ciselés et dorés sont l’un des aspects les plus distinctifs de cette jardinière.
    Les bagues, qui entourent les colonnes, ainsi que les chapiteaux finement sculptés, témoignent de l’influence néoclassique omniprésente sous le règne de Napoléon.
    Ces détails soulignent la volonté de magnifier chaque élément fonctionnel par une touche décorative.
    La galerie ajourée en bronze, qui orne le pourtour supérieur de la jardinière, est un chef-d’œuvre de finesse.
    Ce détail ne se contente pas d’apporter une valeur esthétique : il met en lumière l’équilibre entre fonctionnalité et ornementation, si typique de l’époque Empire.
    Les motifs ajourés permettent de jouer avec la lumière, ajoutant profondeur et texture à l’ensemble.
    Intérieur en Zinc et Fonctionnalité :
    L’intérieur de la jardinière est conçu en zinc, un matériau durable et résistant à l’humidité, parfaitement adapté à son usage principal.
    Ce choix illustre également la prise en compte de l’aspect pratique dans la conception de cet objet décoratif.
    Bien que la jardinière soit destinée à accueillir des plantes ou des fleurs, son raffinement et son esthétique en font également un élément décoratif autonome, idéal pour agrémenter un intérieur ou un jardin d’hiver.
    Dimensions et État de Conservation :
    Avec une hauteur de 88 cm, une largeur de 75 cm et une profondeur de 38 cm, cette jardinière offre des proportions généreuses tout en restant suffisamment compacte pour s’intégrer dans divers espaces.
    Ces dimensions équilibrées renforcent son aspect majestueux sans pour autant paraître imposant.
    En bon état général, cette pièce présente des signes d’usure compatibles avec son âge, soulignant son authenticité et son histoire.
  • Cheval de manège, attribué à Friedrich Heyn et datant d’environ 1910

    Cheval de manège, attribué à Friedrich Heyn et datant d’environ 1910

    1600,00 
    Exceptionnel cheval de manège Friedrich Heyn (vers 1910) en bois sculpté polychrome, décor laiton & miroirs Bohême – rare modèle de luxe allemand. 
  • Grand pichet en céramique, créé par Jean De Lespinasse dans les années 1950Grand pichet en céramique, créé par Jean De Lespinasse dans les années 1950

    Grand pichet en céramique, créé par Jean De Lespinasse dans les années 1950

    480,00 
    Découvrez des pièces uniques et authentiques sur ABN Antiquités : meubles anciens, objets d’art et curiosités sélectionnés avec passion.
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    Montre à gousset d'homme de Jaeger, en or massif, Lecoultre suisseMontre à gousset d'homme de Jaeger, en or massif, Lecoultre suisse

    Montre à gousset d’homme de Jaeger, en or massif, Lecoultre suisse

    La montre à gousset présentée ici est un véritable trésor horloger, un témoignage de l’excellence et du raffinement des années 1940. Fabriquée par la prestigieuse marque Jaeger, cette montre de poche se distingue par son élégance intemporelle et sa qualité exceptionnelle.
    Description Générale
    Cette montre à gousset est conçue en or jaune 18 carats, un matériau noble qui confère à l’objet une valeur intrinsèque élevée.
    Avec un diamètre de 44 cm, elle possède une taille généreuse qui la rend à la fois imposante et élégante.
    Le poids brut de la montre est de 49 grammes, ce qui lui donne une sensation de solidité et de robustesse en main.
    Mécanisme et Fonctionnement
    Le mouvement de cette montre est un remontage manuel à 18 rubis, une caractéristique qui garantit une précision et une durabilité exceptionnelles.
    Le mouvement suisse Lecoultre, réputé pour sa fiabilité et sa qualité, est en parfait état de fonctionnement, assurant une marche précise et fiable.
    Esthétique et Design
    Le cadran de cette montre est un chef-d’œuvre en soi.
    Doré et argenté d’origine, il arbore un style art déco qui était très en vogue à la fin des années 1940.
    Les aiguilles, probablement en or, ajoutent une touche de luxe supplémentaire à l’ensemble.
    Le design du cadran, avec ses chiffres et ses index, est à la fois sobre et sophistiqué, reflétant l’esthétique raffinée de l’époque.
    État et Usure
    L’usure de cette montre est conforme à son âge et à son utilisation.
    Les signes de vieillissement, tels que les légères rayures et les patines, ne font qu’ajouter à son charme et à son authenticité.
    Ces marques du temps témoignent de son histoire et de son utilisation par ses précédents propriétaires.
    La chaîne, d’une longueur de 41 cm et d’un poids net de 13,6 grammes, complète parfaitement l’ensemble.
    Elle est non seulement fonctionnelle, permettant de porter la montre en toute sécurité, mais elle ajoute également une touche d’élégance supplémentaire.
    Conclusion
    En somme, cette montre à gousset Jaeger des années 1940 est bien plus qu’un simple instrument de mesure du temps.
    C’est un objet de collection, un témoignage de l’art horloger suisse et un symbole de luxe et de raffinement.
    Que ce soit pour un collectionneur passionné ou pour un amateur d’objets vintage, cette montre est un investissement qui traversera les générations, continuant à raconter son histoire et à charmer par sa beauté intemporelle.
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    Pendulette d'officier, horloge réveil de voyage en bronze et laiton doréPendulette d'officier, horloge réveil de voyage en bronze et laiton doré

    Pendulette d’officier, horloge réveil de voyage en bronze et laiton doré

    Cette ancienne pendulette d’officier, également connue sous le nom d’horloge et réveil de voyage, est un véritable bijou d’horlogerie de la fin du XIXe siècle.
    Fabriquée en bronze et laiton doré, elle incarne l’élégance et la précision des objets de cette époque.
    La pendulette se distingue par son design raffiné et ses matériaux nobles.
    Le boîtier en bronze et laiton doré présente une dorure d’origine remarquablement bien conservée, ajoutant une touche de luxe et de sophistication.
    Les carreaux biseautés offrent une vue claire sur le mécanisme interne, permettant d’admirer la complexité et la beauté de l’horlogerie mécanique.
    Le mécanisme à sonnerie est l’un des points forts de cette pendulette.
    Il est en parfait état de fonctionnement, témoignant de la qualité de fabrication et de l’expertise des horlogers de l’époque.
    La sonnerie, qui marque les heures désirées, ajoute une dimension auditive à cette pièce, la rendant non seulement utile mais aussi agréable à vivre, mais je ne suis pas en possession de sa clé.
    Avec une hauteur de 12,5 cm sans la poignée, cette pendulette est compacte et facilement transportable.
    Conçue pour les officiers et les voyageurs, elle était idéale pour ceux qui devaient se déplacer fréquemment mais avaient besoin d’une horloge fiable et précise.
    La poignée, visible sur les images, devait faciliter son transport, la rendant pratique pour les déplacements.
    La fin du XIXe siècle a été une période de grande innovation et de raffinement dans le domaine de l’horlogerie.
    Les horlogers de l’époque maîtrisaient parfaitement les techniques de fabrication et de décoration, créant des pièces qui étaient à la fois fonctionnelles et esthétiquement plaisantes.
    Cette pendulette est un exemple parfait de cette époque, où l’art et la science se rencontraient pour produire des objets d’une grande valeur.
    Pour les collectionneurs d’horlogerie ancienne, cette pendulette d’officier est une pièce de choix.
    Sa rareté, son état de conservation et son fonctionnement impeccable en font un objet de grande valeur.
    Elle peut être exposée comme une œuvre d’art ou utilisée pour sa fonction originale, ajoutant une touche d’histoire et de prestige à n’importe quel intérieur.
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    Grosse pendule marbre noir, bronze de Cléopâtre allongée a moitié nue, XIXe siècle

    Grosse pendule marbre noir, bronze de Cléopâtre allongée a moitié nue, XIXe siècle

    Cette grosse pendule en marbre noir est un véritable chef-d’œuvre d’art horloger et de sculpture.
    Elle se distingue par ses éléments en bronze doré, qui ajoutent une touche de luxe et d’élégance à l’ensemble.
    Les coins de la pendule sont ornés de têtes en bronze doré, qui semblent veiller sur le temps qui passe.
    Ces détails sculpturaux témoignent d’un savoir-faire artisanal exceptionnel et d’une attention méticuleuse aux détails.
    La pièce maîtresse de cette pendule est sans conteste la sculpture en bronze à patine brune qui la surmonte.
    Cette sculpture représente Cléopâtre, la célèbre reine d’Égypte, allongée dans une pose langoureuse.
    Elle tient dans sa main un serpent, symbole de son destin tragique.
    Cléopâtre est représentée à moitié nue, drapée dans un tissu fluide qui laisse deviner les courbes de son corps.
    Elle repose sur un matelas richement décoré de hiéroglyphes et d’ailes, évoquant l’art et la culture de l’Égypte antique.
    La sculpture de Cléopâtre est un hommage à la beauté et à la tragédie de cette figure historique.
    La patine brune du bronze confère à la sculpture une profondeur et une richesse visuelle, tout en soulignant les détails délicats de la figure et des motifs égyptiens.
    Les hiéroglyphes et les ailes sur le matelas ajoutent une dimension mystique et symbolique à l’œuvre, rappelant les croyances et les mythes de l’Égypte ancienne.
    La pendule elle-même est un témoignage de l’art horloger.
    Malgré quelques chiffres manquants et l’absence du cadran avant, elle conserve une présence imposante et majestueuse.
    Les dimensions de la pendule, avec une hauteur de 44 cm et une largeur de 53 cm, en font une pièce de collection remarquable, capable de capter l’attention dans n’importe quel intérieur.
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    Une Éclatante Paire de Bougeoirs Anciens en Bronze Doré et ArgentéUne Éclatante Paire de Bougeoirs Anciens en Bronze Doré et Argenté

    Une éclatante paire de bougeoirs anciens en bronze doré et argenté

    Une Éclatante Paire de Bougeoirs Anciens en Bronze Doré et Argenté – Témoins du Raffinement du XIXe Siècle
    Plongez dans l’élégance intemporelle du XIXe siècle avec cette magnifique paire de bougeoirs anciens en bronze doré et argenté.
    Ces pièces remarquables illustrent l’excellence artistique et le savoir-faire exceptionnel des artisans de l’époque.
    Parfaitement conservées, elles représentent non seulement des objets utilitaires, mais également de véritables œuvres d’art, témoins du style néo-classique en vogue à cette époque.
    Une Composition Harmonieuse
    Chaque bougeoir est conçu pour accueillir deux bougies, une configuration qui ajoute une dimension symétrique et équilibrée à leur design. Les bras qui soutiennent les porte-bougies sont élégamment sculptés et ornés de chaînes décoratives finement travaillées, témoignant de la minutie des détails propres à l’artisanat du XIXe siècle.
    Ces chaînes, d’une délicatesse, relient les différents éléments de manière à la fois fonctionnelle et décorative, accentuant l’harmonie visuelle de l’ensemble.
    L’Éclat des Figures Néo-Classiques
    Au cœur du design, des personnages féminins sculptés dans un style néo-classique dominent la composition.
    Ces figures gracieuses, inspirées de l’Antiquité, incarnent le raffinement et la sophistication de leur époque.
    Drapées dans des étoffes délicatement travaillées et rehaussées de dorures, elles se tiennent dans des poses dynamiques, donnant vie et mouvement à l’ensemble.
    Les visages finement ciselés, empreints de douceur et d’expression, traduisent une maîtrise exceptionnelle dans la sculpture du bronze.
    Ces figures ne sont pas seulement des éléments décoratifs, mais elles apportent une narration subtile, rappelant les mythes et légendes antiques.
    Elles tiennent en hauteur les bras soutenant les bougies, leur posture conférant une majesté naturelle à l’ensemble.
    Une Base d’une Richesse Exceptionnelle
    Les bougeoirs reposent sur des bases solidement travaillées, elles-mêmes décorées avec une grande richesse.
    Ces bases sont ornées de motifs floraux et géométriques délicats, caractéristiques des tendances ornementales du XIXe siècle.
    Les pieds courbés, à la fois élégants et robustes, offrent une stabilité impeccable tout en apportant une touche supplémentaire de raffinement.
    L’Alliance Parfaite entre Esthétique et Fonctionnalité
    Au-delà de leur aspect décoratif, ces bougeoirs témoignent d’une fonctionnalité parfaitement pensée.
    Le choix des matériaux – bronze doré et argenté – ne reflète pas seulement une recherche esthétique, mais aussi une durabilité exceptionnelle.
    Cette combinaison de matériaux crée un contraste visuel saisissant, renforçant leur attrait.
    Ces bougeoirs sont idéals pour illuminer une table ou une cheminée, apportant une ambiance chaleureuse et sophistiquée à n’importe quel intérieur.
    Leur design intemporel permet une intégration harmonieuse dans des décors classiques comme modernes, tout en racontant une histoire riche et fascinante.
    Une Pièce de Collection
    Cette paire de bougeoirs constitue un ajout inestimable pour les amateurs et collectionneurs de mobilier d’époque.
    Elle incarne l’alliance parfaite entre l’art et l’artisanat, offrant une fenêtre sur le savoir-faire et l’esthétique du XIXe siècle.
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    Julien Leroy à Paris, belle pendule en bronze doré XIXe siècleJulien Leroy à Paris, belle pendule en bronze doré XIXe siècle

    Julien Leroy à Paris, belle pendule en bronze doré XIXe siècle

    1400,00 
    La pendule en bronze doré du XIXe siècle, circa 1880, est un véritable chef-d’œuvre de style Louis XVI, incarnant une élégance rare et un savoir-faire horloger exceptionnel.
    Cette pièce, d’une beauté intemporelle, est ornée de deux amours gracieux qui ajoutent une touche de charme et de délicatesse à l’ensemble. Surmontée d’un bouquet fleuri délicatement travaillé, elle célèbre la nature et la finesse artistique de l’époque.
    La pendule est ceinturée de tores de lauriers, symboles de victoire et d’éternité, qui encadrent la borne centrale, élément principal de la composition.
    Ces motifs végétaux, finement ciselés, rappellent les couronnes de lauriers des héros antiques, ajoutant une dimension historique et symbolique à la pièce.
    La borne centrale est encadrée par des allégories des arts libéraux, témoignant de l’influence culturelle et artistique de l’époque.
    Ces allégories, représentant des disciplines telles que la musique, la géométrie et l’astronomie, soulignent l’importance des arts et des sciences dans la société du XIXe siècle.
    Le cadran émaillé, sublimé par ses chiffres romains, porte la signature prestigieuse de Julien Le Roy à Paris.
    Cette signature est un gage de qualité et de raffinement, renvoyant à une tradition horlogère reconnue et respectée.
    Julien Le Roy, horloger du roi Louis XV, était célèbre pour ses créations précises et élégantes, et sa signature sur cette pendule atteste de son héritage et de son savoir-faire.
    L’ensemble repose sur des pieds toupies, caractéristiques du style Louis XVI, apportant stabilité et finesse à cette pièce unique.
    Ces pieds, élégamment tournés, confèrent à la pendule une allure gracieuse et équilibrée, typique du mobilier de cette époque.
    Datée de l’époque Napoléon III, cette pendule incarne parfaitement l’harmonie entre l’héritage classique et l’esthétique du XIXe siècle.
    Elle témoigne de la continuité et de l’évolution des styles, mariant la rigueur classique du XVIIIe siècle avec les innovations et les influences artistiques du XIXe siècle.
    Avec ses dimensions harmonieuses (H : 48 cm, L : 37 cm, P : 17 cm), cette pendule saura trouver sa place dans tout intérieur élégant, apportant une touche d’histoire et de raffinement à votre décoration.
  • Rare vierge chryséléphantine en bois sculpté époque XVIIIe siècleRare vierge chryséléphantine en bois sculpté époque XVIIIe siècle

    Rare vierge chryséléphantine en bois sculpté époque XVIIIe siècle

    650,00 
    Rare Vierge chryselephantine en bois sculpté du XVIIIe siècle. Pièce d’exception d’art sacré, alliant ivoire et bois, disponible chez ABN Antiquités.
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    Bureau de dame, réalisée par Paul Sormani sur le modèle de Bernard II Van Risen Burgh (BVRB)Bureau de dame, réalisée par Paul Sormani sur le modèle de Bernard II Van Risen Burgh (BVRB)

    Bureau de dame, réalisée par Paul Sormani sur le modèle de Bernard II Van Risen Burgh (BVRB)

    Bureau de dame en placage de bois de violette
    Ce bureau de dame, remarquable par sa richesse et son raffinement, illustre parfaitement l’art de l’ébénisterie du XIXe siècle, période Napoléon III.
    De forme mouvementée, il est conçu en placage de bois de violette, une essence précieuse, prisée pour son veinage élégant et sa teinte chaude.
    Le bureau s’ouvre à trois tiroirs en façade, une caractéristique fonctionnelle associée à une esthétique recherchée.
    Ses quatre pieds cambrés, signature du style Louis XV, ajoutent une légèreté visuelle à l’ensemble.
    L’ornementation en bronze ciselé et doré apporte une touche supplémentaire de sophistication.
    Chaque élément, qu’il s’agisse de la lingotière, des chutes, des sabots, des entrées ou des encadrements, témoigne d’un savoir-faire exceptionnel.
    Le dessus est habillé de cuir, à la fois pratique et luxueux, offrant une surface de travail noble et durable.
    Ce meuble, d’une largeur de 100 cm, d’une profondeur de 51 cm et d’une hauteur de 76 cm, est un exemple éloquent de la fusion entre utilité et élégance.
    Une inspiration signée BVRB
    Le modèle s’inspire directement des créations de Bernard II Van Risen Burgh (dit BVRB), célèbre ébéniste parisien du XVIIIe siècle.
    Les œuvres de BVRB, souvent conservées dans des collections prestigieuses comme celle du musée du Louvre, sont réputées pour leur raffinement et leur équilibre entre opulence et subtilité.
    En reprenant ce style, Paul Sormani rend hommage à l’héritage de l’ébénisterie française tout en l’inscrivant dans l’esthétique de son époque.
    Une réalisation de Paul Sormani
    Ce bureau porte l’estampille de Paul Sormani, un des plus illustres ébénistes du XIXe siècle.
    D’origine italienne, Sormani s’installe à Paris et fonde son atelier en 1847 au 7 rue du Cimetière-Saint-Nicolas.
    À ses débuts, il se spécialise dans la création de meubles inspirés des styles Louis XV et Louis XVI, combinant élégance classique et perfection technique.
    En 1867, il transfère son atelier au 10 rue Charlot, où il poursuivra son activité jusqu’à sa mort en 1877.
    Sormani se distingue par sa capacité à reproduire avec une extrême fidélité les meubles des grands maîtres tout en y ajoutant une touche contemporaine propre à l’époque Napoléon III.
    Ses meubles séduisent l’élite parisienne et la cour impériale, ce qui le consacre comme l’un des artisans les plus recherchés de son temps.
    Sa production est variée : elle inclut des bureaux, des commodes, des tables, mais également des pièces d’artisans de luxe, destinées à des expositions universelles où il remporte régulièrement des prix.
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    Rare grand porte bougies, en fer forgé XIXe siècle, religieuxRare grand porte bougies, en fer forgé XIXe siècle, religieux

    Rare grand porte bougies, en fer forgé XIXe siècle, religieux

    1600,00 
    Ce porte-bougies ancien en fer forgé est un témoignage exceptionnel de l’artisanat du XIXe siècle, sublimant le savoir-faire des maîtres ferronniers de l’époque.
    Avec une hauteur imposante de 170 cm, il impressionne par son allure majestueuse et son riche décor, qui reflètent à la fois l’élégance et la profondeur symbolique des objets sacrés d’autrefois.
    Probablement destiné à un usage religieux dans une église ou une chapelle, cet objet a traversé les époques en conservant son authenticité et son histoire.
    Son design soigné et ses détails minutieux évoquent l’atmosphère spirituelle et le raffinement esthétique caractéristique du romantisme.
    En effet, cette période visait à réconcilier le sacré et la beauté, créant des œuvres aussi fonctionnelles qu’artistiques.
    Le travail du fer forgé, remarquable par sa finesse, est au cœur de cette pièce.
    On peut admirer de délicates volutes harmonieusement entrelacées, qui confèrent à l’ensemble une fluidité et une légèreté visuelle malgré sa structure solide.
    Ces arabesques témoignent d’une maîtrise parfaite de la technique, où chaque courbe semble soigneusement pensée pour créer un équilibre esthétique.
    Une barre centrale ornée de motifs végétaux raffinés ajoute une dimension poétique à l’ensemble. Ce décor, évoquant des feuillages, symbolise la vie, la foi et la connexion avec la nature divine, thèmes chers à l’art religieux de l’époque.
    Bien au-delà de sa fonction première de porte-bougies, cette pièce peut être considérée comme une véritable œuvre d’art.
    Ses lignes gracieuses et solides incarnent l’esthétique romantique, où chaque objet religieux se voulait porteur de sens tout en étant visuellement captivant.
    Ce mariage entre spiritualité et sophistication confère à ce porte-bougies une place unique parmi les objets anciens.
    Pour les amateurs d’antiquités religieuses ou de décorations authentiques, cet objet rare représente une trouvaille exceptionnelle.
    En plus d’être une pièce de collection, il peut enrichir un intérieur en apportant une atmosphère intemporelle et une touche spirituelle.
    Placé dans une pièce, il capte naturellement l’attention, devenant à la fois un point focal et un rappel du patrimoine artisanal et religieux.
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    Très grande sculpture bronze art nouveau, femmes nues à la cascadeTrès grande sculpture bronze art nouveau, femmes nues à la cascade

    Très grande sculpture bronze art nouveau, femmes nues à la cascade

    Cette remarquable sculpture en bronze, datant du début du XXe siècle, illustre avec brio le talent artistique et l’imaginaire mythologique ou naturaliste de son créateur.
    Avec une hauteur de 77 cm, cette œuvre imposante captive par son esthétique raffinée et sa patine médaille d’origine, qui lui confère une profondeur et un éclat particuliers.
    Bien qu’elle présente des signes d’oxydation et d’encrassement, typiques d’un état de grenier, ces marques n’altèrent en rien sa qualité artistique et peuvent être corrigées par un nettoyage doux et minutieux.
    Une scène aquatique dynamique
    La sculpture représente une scène vibrante et immersive mettant en scène trois femmes nues dans un environnement aquatique.
    La composition, d’une grande complexité, joue sur différents niveaux pour guider l’œil du spectateur à travers l’œuvre.
    L’une des figures féminines est assise avec grâce au sommet d’un rocher, dominant la scène d’un air serein et majestueux.
    Les deux autres femmes semblent quant à elles émerger ou glisser dans un torrent, leurs corps s’intégrant harmonieusement aux textures fluides de l’eau sculptée.
    Détails minutieux et naturalisme
    Un des points forts de cette œuvre réside dans l’extraordinaire finesse des détails.
    Chaque élément a été réalisé avec un soin méticuleux, contribuant à enrichir l’ensemble de la composition.
    Le socle, qui simule un environnement rocheux et aquatique, regorge de détails naturalistes tels que des coquillages, un poisson et une anguille qui semblent s’animer sous nos yeux.
    Ces éléments accentuent l’idée que les trois figures féminines évoluent à proximité d’une cascade, dans une scène vibrante et presque tangible.
    L’artiste a su capter le mouvement et l’interaction entre les figures humaines et leur environnement, créant un équilibre subtil entre sensualité et dynamisme.
    Les textures des rochers, la fluidité de l’eau et la douceur des courbes féminines témoignent du talent exceptionnel du sculpteur, capable de donner vie au bronze avec une précision rare.
    Une thématique évocatrice
    Cette sculpture se distingue également par la richesse symbolique qu’elle dégage.
    L’interaction entre les femmes et leur cadre aquatique pourrait suggérer une inspiration mythologique, évoquant par exemple des nymphes ou des naïades, figures classiques de la culture occidentale associées aux eaux et aux cascades.
    Alternativement, elle pourrait s’inscrire dans un courant naturaliste, célébrant la beauté et l’harmonie de la nature.
    Ce type de thématique, prisé au début du XXe siècle, reflète un intérêt marqué pour la fusion entre l’humain et le monde naturel, ainsi qu’une exploration de la sensualité et de la vitalité féminine.
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    Belle pendule XIXe bronze et marbre, signée Bollotte à ParisBelle pendule XIXe bronze et marbre, signée Bollotte à Paris

    Belle pendule XIXe bronze et marbre, signée Bollotte à Paris

    Cette belle pendule du XIXe siècle est un exemple remarquable de l’art décoratif français, combinant harmonieusement le bronze doré et le marbre blanc.
    Son design soigné illustre la finesse et le raffinement de l’époque, en mettant en valeur une esthétique classique qui demeure intemporelle.
    Au centre de cette œuvre trône une figure féminine en bronze à patine brune, incarnant une femme à l’antique.
    Représentée dans une posture gracieuse et décontractée, elle est accoudée sur la partie supérieure de la pendule, où se cache le mécanisme horloger.
    Cette représentation féminine, à la fois élégante et sereine, illustre les canons esthétiques de l’époque, marqués par une admiration pour l’Antiquité classique.
    Le contraste entre la patine brune de la figure et l’éclat du marbre blanc rehausse la sophistication de l’ensemble.
    L’encadrement du mécanisme, richement orné, est en bronze doré.
    On y trouve des motifs raffinés de lions majestueux, symbolisant la force et la noblesse, ainsi que des feuillages finement ciselés.
    Ces ornements délicats témoignent du talent des artisans parisiens, qui maîtrisaient l’art de combiner richesse des matériaux et subtilité d’exécution.
    Chaque détail est soigneusement travaillé, reflétant une exigence esthétique élevée propre aux objets d’exception.
    Le mécanisme de la pendule porte la signature « Bollotte », un atelier de renom situé rue Neuve Vivienne à Paris.
    Ce nom est synonyme de qualité et d’excellence, deux valeurs primordiales dans la conception d’une telle pièce.
    La fabrication du mécanisme, à la fois esthétique et fonctionnelle, souligne le savoir-faire irréprochable des horlogers de l’époque. L’intégration harmonieuse du mécanisme dans cette composition sculpturale met en avant un équilibre parfait entre fonctionnalité et beauté.
    Les pieds de la pendule, également réalisés en bronze sculpté, ajoutent une touche supplémentaire d’élégance tout en assurant une stabilité optimale.
    Leur conception est en accord avec le reste de l’œuvre, reflétant une continuité stylistique et un souci du détail qui caractérisent les créations d’exception.
    Avec ses dimensions imposantes, 49 cm de hauteur et 51 cm de largeur, cette pendule se distingue comme une pièce maîtresse.
    Ses proportions généreuses lui permettent de capter l’attention et d’occuper une place de choix dans un intérieur raffiné.
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    Rare vase en verre émaillé Legras Montjoye, décor mésange et floraleRare vase en verre émaillé Legras Montjoye, décor mésange et florale

    Rare vase en verre émaillé Legras Montjoye, décor mésange et florale

    François-Théodore Legras (1839-1916) est une figure centrale de la verrerie artistique française de la fin du XIXe et du début du XXe siècle.
    Né à Claudon, dans les Vosges, Legras a développé une sensibilité particulière pour la nature, qui allait devenir une source d’inspiration majeure pour ses créations.
    Il a fondé les verreries de Montjoie à Saint-Denis, où il a perfectionné l’art du verre décoratif, contribuant à définir l’esthétique de l’Art Nouveau.
    Les verreries de Montjoie étaient renommées pour leur capacité à allier innovation technique et beauté artistique.
    Sous la direction de Legras, elles se sont imposées comme l’un des centres verriers les plus influents de leur époque, produisant des pièces décoratives qui alliaient utilité et art.
    Le travail de Legras se distingue par son utilisation novatrice de l’émail peint à la main, une technique qui permettait de créer des motifs détaillés et colorés.
    Ces motifs, souvent inspirés par la nature, comprenaient des paysages bucoliques, des fleurs, des branches et des oiseaux, en phase avec les idéaux esthétiques de l’Art Nouveau, qui prônaient une harmonie entre l’art et le monde naturel.
    Les vases produits par les ateliers de Montjoie, comme celui présenté ici, sont emblématiques de l’œuvre de Legras.
    Ils mettent en avant des formes gracieuses et des décors émaillés complexes, conçus pour magnifier la lumière et la transparence du verre.
    Ce vase particulier, d’une hauteur de 31,5 cm, est une illustration saisissante de ce style.
    Le fond en verre rouge profond constitue une base vibrante, rehaussée par des détails minutieux peints à la main.
    Le décor met en scène un oiseau perché sur une branche, entouré de feuilles et de bourgeons délicatement travaillés.
    Les émaillages polychromes ajoutent une richesse visuelle, et les touches d’or rehaussent les contours des éléments, créant un effet à la fois lumineux et raffiné.
    Le travail de François-Théodore Legras était aussi influencé par une volonté de démocratiser l’art verrier.
    Contrairement à des maisons comme Gallé ou Daum, qui ciblaient une clientèle élitiste, Legras produisait des pièces dans une gamme de prix plus variée, permettant ainsi à un public plus large d’acquérir des objets d’art.
    Cette approche lui a permis de populariser ses créations tout en maintenant un haut niveau de qualité artisanale.
    Les vases, lampes et autres objets décoratifs sortis des ateliers de Montjoie témoignent de cette philosophie.
    Ils incarnent un équilibre subtil entre la complexité artistique et la fonctionnalité, rendant l’art verrier accessible sans compromis sur l’esthétique.
    Les influences dans le travail de Legras étaient variées.
    En plus des motifs naturalistes, ses créations reflétaient un intérêt pour les courants orientalistes et les scènes paysagères.
    Cette diversité thématique, associée à un savoir-faire exceptionnel, a permis à Legras de s’imposer comme un artiste verrier incontournable de son époque.
    Il a également su s’adapter aux évolutions stylistiques, passant des inspirations néoclassiques au style fleuri et organique de l’Art Nouveau.
    Les pièces produites sous sa direction, bien que parfois non signées, sont aujourd’hui reconnues et recherchées pour leur qualité et leur élégance.
  • Hermann Haase-Ilsenburg (1869-1960), l'enlèvement d'Europe, sculpture bronzeHermann Haase-Ilsenburg (1869-1960), l'enlèvement d'Europe, sculpture bronze

    Hermann Haase-Ilsenburg (1869-1960), l’enlèvement d’Europe, sculpture bronze

    1800,00 
    Découvrez la sculpture en bronze « L’enlèvement de Europe » d’Hermann Haase (1869‑1960), une œuvre saisissante mêlant mouvement, élégance et finesse artistique.
  • Magnifique pendule horloge en bronze cathédrale néo gothique XIXe siècleMagnifique pendule horloge en bronze cathédrale néo gothique XIXe siècle

    Magnifique pendule horloge en bronze cathédrale néo gothique XIXe siècle

    1600,00 
    Pendule cathédrale en bronze, style néo-gothique, XIXe siècle. Une pièce rare d’exception à découvrir chez ABN Antiquités.
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    Paire de consoles d'appliques en bronze doré, mascarons, XIXe sièclePaire de consoles d'appliques en bronze doré, mascarons, XIXe siècle

    Paire de consoles d’appliques en bronze doré, mascarons, XIXe siècle

    Ces superbes consoles d’appliques, datant de la fin du XIXᵉ siècle, incarnent le raffinement et l’élégance des arts décoratifs français de cette époque.
    Réalisées en bronze doré et dotées d’un dessus en bois, elles se distinguent par leur travail d’ornementation richement détaillé et leur conception soignée, qui reflètent l’excellence artisanale de leur temps.
    Un Design Élégant et Chargé d’Histoire
    Ces pièces présentent une structure ajourée somptueusement travaillée, avec un décor ornemental dominé par un mascaron central, un motif souvent utilisé dans l’art classique pour symboliser la protection ou la puissance.
    Le mascaron, finement sculpté, attire immédiatement l’attention et confère une présence imposante aux consoles tout en restant harmonieux avec le reste du design.
    Les enroulements gracieux et les guirlandes de fleurs flanquant les consoles illustrent une abondance d’influences stylistiques.
    On y perçoit un dialogue entre les inspirations rococo, avec leurs courbes délicates, et les échos néo-classiques, caractérisés par leur symétrie et leur équilibre.
    Ce mélange stylistique est typique de la fin du XIXᵉ siècle, où l’éclectisme artistique atteignait son apogée.
    Une Réalisation Technique Impressionnante
    Le bronze doré utilisé pour ces appliques témoigne d’un savoir-faire exceptionnel.
    La dorure, probablement réalisée selon la technique de dorure au mercure, confère aux pièces un éclat chaleureux et une durabilité remarquable.
    Les reflets lumineux qui jouent sur la surface sculptée mettent en valeur chaque détail, accentuant la profondeur et le relief des motifs.
    Le dessus en bois apporte une note de chaleur et de contraste avec le métal doré.
    Cette association élégante de matériaux nobles rehausse la richesse visuelle des consoles tout en ajoutant une touche fonctionnelle, les rendant idéales pour exposer des objets décoratifs.
    Dimensions et Proportions Idéales
    Avec une largeur de 29,5 cm et une hauteur de 29 cm, ces consoles possèdent des proportions harmonieuses qui s’adaptent aisément à différents types d’intérieurs.
    Leur taille les rend suffisamment imposantes pour servir de points focaux dans une pièce, tout en conservant une certaine discrétion, essentielle pour s’intégrer dans un ensemble décoratif plus vaste.
    Une Utilisation Polyvalente
    Conçues pour être fixées au mur, ces appliques s’adaptent parfaitement à une variété d’environnements.
    Placées dans un salon, une entrée ou une chambre, elles peuvent servir de supports pour des objets précieux, tels que des vases, des sculptures ou des bougeoirs.
    Leur style intemporel leur permet également de s’intégrer aussi bien dans des décors classiques que dans des espaces contemporains, apportant une touche d’opulence et d’histoire.
  • Imposant lustre contemporain de style Art déco, pâte de verre et fer forgéImposant lustre contemporain de style Art déco, pâte de verre et fer forgé

    Imposant lustre contemporain de style Art déco, pâte de verre et fer forgé

    450,00 
    Lustre contemporain style Art Déco en pâte de verre et fer forgé. Élégance sculpturale et lumière raffinée pour sublimer votre intérieur.
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    Grande statue XIXe en plâtre représentant un guerrier africainGrande statue XIXe en plâtre représentant un guerrier africain

    Grande statue XIXe en plâtre représentant un guerrier africain

    Je vous présente une pièce rare et spectaculaire : une grande statue en plâtre datant du XIXe siècle, représentant un guerrier africain, une figure iconique et majestueuse.
    Avec une hauteur impressionnante de 203 cm (sans compter la lance en bois peint en blanc), cette œuvre combine une présence saisissante et une finesse d’exécution remarquable.
    Description et détails
    La statue représente un guerrier africain debout, dans une pose noble et affirmée.
    D’une main, il tient une lance en bois, tandis que l’autre repose sur sa hanche, exprimant force et confiance.
    Le visage du guerrier est particulièrement expressif, avec des traits finement sculptés qui témoignent du savoir-faire de l’artiste.
    Sa coiffure texturée, son regard fier dirigé vers l’horizon, et les détails soignés des ornements autour de son cou reflètent un réalisme et une sensibilité artistiques caractéristiques de l’époque.
    Le vêtement est également élaboré avec soin : le guerrier est vêtu d’un pagne sculpté avec précision, comportant des plis et textures qui accentuent le rendu réaliste de la sculpture.
    La base circulaire sur laquelle repose la statue assure stabilité et élégance.
    La lance, en bois peint d’une teinte blanche pour s’harmoniser avec la pièce, donne une dynamique supplémentaire à l’ensemble, rappelant les codes du XIXe siècle où les objets exotiques étaient magnifiés dans les arts décoratifs.
    Un contexte historique et artistique
    Cette statue s’inscrit parfaitement dans l’esprit du XIXe siècle, une période marquée par un fort attrait pour l’exotisme et les représentations idéalisées des cultures du monde.
    En Europe, cet exotisme romantique influença de nombreux artistes, qui cherchaient à immortaliser des figures emblématiques et à célébrer la diversité culturelle.
    Ces sculptures étaient souvent commandées pour des salons, des galeries ou des collections privées, où elles occupaient une place de choix, symbolisant à la fois un goût pour l’art et une fascination pour l’ailleurs.
    Les œuvres de cette envergure, tant par leur taille que par leur qualité artistique, sont devenues rares sur le marché de l’art.
    Ce modèle particulier pourrait également avoir été conçu comme une œuvre commémorative ou une interprétation libre destinée à valoriser les cultures extra européennes dans un contexte colonial.
    Un atout pour vos espaces
    Avec ses proportions imposantes et son allure grandiose, cette statue s’intègrera parfaitement dans divers environnements : une galerie d’art, un hall spacieux, un intérieur à la décoration classique ou éclectique.
    Elle ne manquera pas de devenir une pièce maîtresse, attirant l’attention et suscitant l’admiration des visiteurs.
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    Joli miroir en laiton dit "de sorcière", circa 1950, style Louis XVIJoli miroir en laiton dit "de sorcière", circa 1950, style Louis XVI

    Joli miroir en laiton dit « de sorcière », circa 1950, style Louis XVI

    Ce magnifique miroir dit « de sorcière », datant de la fabrication autour des années 1950, est une pièce remarquable qui conjugue élégance et tradition artisanale.
    Avec son décor richement orné et son style Louis XVI, il évoque le raffinement intemporel des créations classiques tout en étant représentatif des réinterprétations du milieu du XXᵉ siècle.
    Ses dimensions équilibrées et sa qualité de fabrication en font un objet aussi décoratif que fonctionnel, idéal pour agrémenter une variété d’intérieurs.
    Un miroir bombé au charme unique
    Le miroir présente un verre bombé, caractéristique des miroirs dits « de sorcière ».
    Ce type de miroir, souvent associé aux XVIIIᵉ et XIXᵉ siècles, se distingue par sa surface convexe qui offre une vision élargie et légèrement déformée de l’espace.
    Cela confère à la pièce une aura mystique et en fait un point focal captivant dans n’importe quelle pièce.
    Ici, le diamètre du miroir bombé, mesuré à vue, est de 30 cm, une taille idéale pour capter la lumière et élargir visuellement un espace sans dominer le décor.
    Un cadre raffiné dans le style Louis XVI
    Le cadre, en laiton travaillé, s’inscrit dans une esthétique classique propre au style Louis XVI.
    Il arbore des ornements minutieusement façonnés qui rappellent les codes décoratifs du XVIIIᵉ siècle, réinterprétés ici avec une maîtrise typique des productions d’après-guerre.
    Parmi les éléments décoratifs figurent des flambeaux élégamment disposés sur le fronton supérieur.
    Ces motifs symbolisent la lumière et la connaissance, renforçant l’idée d’un miroir comme source d’éclat et de clarté.
    Des nœuds de rubans délicatement sculptés viennent compléter le décor, évoquant la douceur et l’harmonie souvent associées à l’art ornemental Louis XVI.
    Des branchages et des feuillages stylisés, soigneusement agencés autour du cadre, ajoutent une touche organique, ancrant la pièce dans une esthétique naturaliste.
    Enfin, une frise de perles souligne le contour du miroir, un détail emblématique des créations Louis XVI qui traduit un goût pour la symétrie et le raffinement.
    Des proportions harmonieuses
    Ce miroir atteint une hauteur totale de 57 cm, ce qui en fait une pièce d’une présence affirmée mais non envahissante.
    Cette hauteur, combinée au diamètre du miroir bombé de 30 cm, offre des proportions équilibrées.
    Il peut être suspendu au-dessus d’une cheminée, intégré dans un mur de cadres ou placé dans un vestibule pour apporter une note de distinction.
    Une fabrication circa 1950
    Bien que ce miroir s’inspire des créations Louis XVI, il a été fabriqué autour des années 1950.
    Cette époque a vu un regain d’intérêt pour les styles historiques, souvent revisités avec des techniques modernes de production.
    Le choix du laiton, à la fois durable et esthétique, témoigne de cette approche, tandis que le savoir-faire dont il est issu garantit une qualité exceptionnelle.
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    Plateau à fond de miroir et contour en argent massif sculpté

    Plateau à fond de miroir et contour en argent massif sculpté

    Ce superbe plateau ancien, de forme ovale, représente un mariage harmonieux entre élégance et fonctionnalité.
    Véritable objet d’art et d’histoire, il séduit immédiatement par son raffinement et le soin apporté à ses détails.
    Le centre du plateau est un miroir aux reflets subtils, qui ajoute une touche de lumière et de profondeur à la pièce.
    Ce fond en glace est entouré d’un cadre en argent massif poinçonné 800/1000ème, signe de qualité et d’authenticité.
    Ce métal précieux présente une patine douce qui lui confère tout le charme des objets anciens tout en soulignant son éclat naturel. L’entourage en argent est sublimé par de délicats motifs sculptés représentant des fleurs en relief, accompagnées de feuillages finement ciselés.
    Ces motifs, réalisés avec une grande précision, témoignent d’un artisanat de haute qualité, typique des pièces décoratives des siècles passés.
    Le contour du plateau adopte une forme légèrement ondulée, renforçant son esthétique gracieuse et fluide.
    Ce design apporte une touche de mouvement et de légèreté à l’ensemble, tandis que les motifs floraux contribuent à son charme romantique. Ces décorations sont typiques de l’orfèvrerie classique, souvent influencée par les styles rococo ou Art nouveau, selon la période de fabrication.
    La base du plateau est en bois massif, soigneusement poli et découpé pour correspondre parfaitement à la forme du cadre en argent.
    Ce bois apporte un contraste chaleureux à la brillance de l’argent et assure une structure solide et durable.
    Le plateau repose sur quatre petits pieds en forme de toupies, également en argent, qui élèvent légèrement la pièce.
    Ces pieds ne sont pas seulement fonctionnels, mais également décoratifs, offrant une stabilité parfaite tout en permettant au plateau de s’intégrer avec élégance à toutes les surfaces.
    Avec ses dimensions généreuses de 46 cm de longueur et 33 cm de largeur, ce plateau est aussi bien un élément fonctionnel qu’un objet décoratif exceptionnel.
    Il peut être utilisé pour servir des boissons, des desserts ou d’autres éléments raffinés lors d’une réception, tout en ajoutant une touche de prestige à l’occasion.
    En dehors de son usage pratique, il peut également être exposé en tant que pièce maîtresse sur une table ou un buffet, où il attirera l’attention grâce à son éclat et ses détails minutieux.
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    Sculpture en terre cuite patinée - Le Fleuve - D'après Jean Jacques CaffieriSculpture en terre cuite patinée - Le Fleuve - D'après Jean Jacques Caffieri

    Sculpture en terre cuite patinée – Le Fleuve – D’après Jean Jacques Caffieri

    2800,00 
    Sculpture en terre cuite patinée – « Le Fleuve »
    d’après Jean-Jacques Caffieri, école française du XVIIIe siècle
    Cette sculpture en terre cuite patinée, intitulée « Le Fleuve », est une œuvre d’une grande finesse, inspirée du modèle original en marbre du sculpteur français Jean-Jacques Caffieri (1725-1792), figure emblématique de l’école française du XVIIIe siècle.
    Réalisée probablement vers la fin du XIXe siècle, elle témoigne de la fascination pour les chefs-d’œuvre classiques et de l’engouement pour les reproductions d’artistes illustres de cette époque.
    Un hommage à l’excellence de Caffieri
    Signée sur la base « Monsieur Caffier 1759 », cette pièce rend hommage à l’œuvre originale de Caffieri, conservée au musée du Louvre à Paris. Jean-Jacques Caffieri, connu pour ses portraits sculptés et ses allégories, a marqué le XVIIIe siècle par son élégance et son attention méticuleuse aux détails.
    Ce modèle marbre, créé dans une période de faste artistique, représente une figure allégorique d’un fleuve, symbole de puissance et de continuité.
    Cette version en terre cuite témoigne d’un savoir-faire remarquable.
    Le matériau utilisé, patiné avec soin, imite avec subtilité la noblesse du marbre tout en offrant une chaleur et une légèreté propres à la terre cuite.
    Sa patine confère à l’œuvre un caractère intemporel, renforçant l’impression d’avoir affaire à un original d’époque.
    Description et détails
    Haute de 58 cm, cette sculpture attire immédiatement le regard par ses proportions harmonieuses et la délicatesse de ses détails.
    La figure allégorique, probablement masculine, est représentée dans une posture majestueuse.
    Les drapés fluides et dynamiques soulignent le mouvement de l’eau, tandis que les muscles finement sculptés traduisent la force et la vigueur associées aux cours d’eau puissants.
    Les traits expressifs et le travail minutieux des cheveux témoignent de l’influence baroque sur Caffieri, qui mêle puissance et grâce.
    Les courbes douces et les contrastes subtilement marqués entre les surfaces lisses et texturées ajoutent à l’attrait visuel de l’œuvre. L’inscription sur la base, évoquant la date de 1759, renforce la filiation avec l’original tout en ajoutant une touche d’authenticité et d’histoire à cette version postérieure.
    Une sculpture d’époque, mais intemporelle
    Bien que cette œuvre ait été réalisée à la fin du XIXe siècle, elle s’inscrit dans une longue tradition d’admiration et de réinterprétation des maîtres du XVIIIe siècle.
    À cette époque, les reproductions d’œuvres célèbres étaient très recherchées par les amateurs d’art et les collectionneurs, désireux de posséder une part de l’héritage artistique français.
    Ce type de création, qui marie un sujet classique à une technique raffinée, reflète également l’essor de la bourgeoisie et l’élargissement de l’accès à l’art.
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    Belle sculpture d'un joli bébé souriant en marbre, d'après l'atelier R. d'ArcyBelle sculpture d'un joli bébé souriant en marbre, d'après l'atelier R. d'Arcy

    Belle sculpture d’un joli bébé souriant en marbre, d’après l’atelier R. d’Arcy

    450,00 
    Cette œuvre remarquable, réalisée d’après l’atelier R. d’Arcy, incarne l’art de la sculpture dans sa forme la plus expressive et raffinée.
    Il s’agit d’une sculpture en marbre représentant un bébé souriant, dont le visage rayonne d’une joie contagieuse, presque à la limite de l’éclat de rire.
    Avec une largeur de 30 cm et une hauteur de 31 cm, cette pièce est un véritable chef-d’œuvre de délicatesse et d’émotion.
    Un visage lumineux et expressif
    Le point focal de cette sculpture est sans conteste l’expression du visage du bébé.
    Ce dernier est finement sculpté, chaque détail capturant la pureté et l’innocence propres à la petite enfance.
    Les joues rebondies, le front légèrement bombé et les fossettes marquées viennent accentuer le réalisme et la tendresse de cette représentation.
    Les lèvres, délicatement entrouvertes dans un sourire éclatant, traduisent une gaieté sincère et spontanée.
    Ce visage semble presque vivant, tant l’artisan a su insuffler une dynamique expressive qui capte l’instant d’une émotion fugace, mais universelle.
    Les yeux du bébé, sculptés avec soin, reflètent une étincelle de malice et d’innocence, soulignant la maîtrise technique de l’artiste.
    L’ensemble évoque une scène empreinte de bonheur et de simplicité, où le spectateur peut presque entendre le rire de l’enfant.
    Cette capacité à transmettre des émotions à travers la pierre témoigne d’un savoir-faire exceptionnel.
    Un travail de sculpture méticuleux
    Réalisée en marbre, une matière noble et durable, cette sculpture met en lumière l’habileté et l’expertise des sculpteurs de l’atelier R. d’Arcy. Chaque détail est soigneusement travaillé, des courbes douces du visage aux légers plis sur le cou, qui ajoutent un réalisme supplémentaire à l’ensemble.
    Le polissage impeccable du marbre donne à la surface une texture douce et lumineuse, reflétant la lumière de manière subtile et harmonieuse.
    La qualité de la sculpture est telle qu’elle transcende la simple représentation figurative pour atteindre une forme d’art intemporelle.
    Le jeu entre les zones lisses et les reliefs accentue la profondeur et le volume, renforçant l’impression que ce bébé pourrait s’animer d’un moment à l’autre.
    Une œuvre aux dimensions idéales
    Avec ses dimensions équilibrées de 30 cm de largeur et 31 cm de hauteur, cette sculpture s’intègre facilement dans divers espaces intérieurs, tout en conservant une présence imposante.
    Ces proportions rendent l’œuvre à la fois accessible et suffisamment imposante pour attirer l’attention, que ce soit dans un salon, une bibliothèque ou une galerie privée.
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    Grand plateau ovale, époque Napoléon III (XIXe siècle), en carton bouilliGrand plateau ovale, époque Napoléon III (XIXe siècle), en carton bouilli

    Grand plateau ovale, époque Napoléon III (XIXe siècle), en carton bouilli

    Je vous présente un splendide plateau de forme ovale, témoin du raffinement artistique et des techniques de fabrication caractéristiques de la seconde moitié du XIXe siècle, sous le règne de Napoléon III.
    Cet objet d’art et d’usage courant, confectionné en papier mâché ou carton bouilli, illustre l’excellence des artisans de cette époque qui combinaient habilement innovation technique et goût pour l’ornementation délicate.
    Un décor floral peint à la main et nacré
    Le centre du plateau dévoile un magnifique bouquet de fleurs, peint à la main avec une finesse remarquable.
    Ce décor, typique de l’art décoratif sous Napoléon III, met en scène une composition florale vibrante aux couleurs délicates.
    L’ajout d’incrustations en nacre rehausse le design en apportant des reflets irisés qui captent la lumière et attirent l’œil.
    Ces incrustations, très en vogue à l’époque, témoignent du souci du détail et de l’élégance recherchée dans les objets de ce style.
    Une fabrication typique du XIXe siècle
    Le plateau est fabriqué à partir de papier mâché ou de carton bouilli, des matériaux prisés au XIXe siècle pour leur légèreté et leur résistance, mais aussi pour leur capacité à être façonnés et décorés avec minutie.
    Ce procédé de fabrication consistait à superposer des couches de papier ou de carton, solidifiées par la chaleur et la pression, puis vernies pour leur donner un aspect laqué.
    Durant cette période, ces plateaux servaient tant pour leur fonction pratique que pour leur rôle décoratif.
    Ils étaient souvent utilisés dans les salons bourgeois ou les demeures élégantes, où l’on appréciait les objets au charme à la fois fonctionnel et esthétique.
    Le charme des traces du temps
    Comme beaucoup de pièces utilitaires ayant traversé les décennies, ce plateau porte les traces d’un usage intensif et présente quelques anciennes réparations.
    Ces marques du temps n’enlèvent rien à son authenticité ni à son charme.
    Au contraire, elles racontent une histoire et soulignent la robustesse et la valeur sentimentale de l’objet.
    Ce plateau est donc bien plus qu’un simple accessoire : c’est un fragment d’histoire qui saura trouver sa place dans une décoration intérieure où le vintage et l’authentique sont mis à l’honneur.
    Dimensions et disponibilité
    Avec ses dimensions généreuses de 49 cm x 61 cm, ce plateau s’impose comme un objet aussi pratique que décoratif.
    Il peut servir à la fois pour présenter des mets lors de vos réceptions ou pour embellir un espace, tel un élément décoratif accroché au mur ou posé sur un buffet.
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    Magnifique grand pichet art nouveau en métal argenté vers 1900

    Magnifique grand pichet art nouveau en métal argenté vers 1900

    Magnifique aiguière ancienne en métal argenté : une pièce d’exception
    Je vous propose une superbe aiguière ancienne, également connue sous le nom de grand pichet, qui incarne le raffinement et l’élégance des arts décoratifs de son époque.
    Réalisée en métal argenté de haute qualité, cette pièce exceptionnelle est une véritable œuvre d’art.
    Ses finitions soignées et son design richement ornementé témoignent d’un savoir-faire artisanal remarquable.
    Un design empreint de poésie et de raffinement
    Cette aiguière est ornée de motifs floraux stylisés caractéristiques du mouvement Art Nouveau, un style artistique qui a marqué la fin du XIXᵉ et le début du XXᵉ siècle.
    Les fleurs, délicatement sculptées, semblent jaillir de la surface métallique, évoquant une nature vivante et élégante.
    Les frises de grecques qui entourent l’aiguière apportent une touche d’harmonie et d’équilibre, renforçant l’impression d’un objet à la fois fonctionnel et décoratif.
    L’anse en forme de gargouille est un détail spectaculaire qui attire immédiatement l’attention.
    Inspirée des créatures fantastiques qui ornent souvent les édifices gothiques, cette gargouille confère une dimension mystique et fascinante à l’aiguière.
    Non seulement elle est impressionnante par son réalisme, mais elle est aussi pensée pour assurer une prise en main confortable et pratique.
    Un objet rare et convoité
    Avec ses 40,5 cm de hauteur, cette aiguière ne passe pas inaperçue.
    Son imposante présence en fait un objet idéal pour agrémenter une table de réception, un buffet ou une vitrine de collection.
    Les amateurs d’antiquités et les passionnés de décoration d’intérieur reconnaîtront immédiatement la valeur de cette pièce unique.
    Les aiguières en métal argenté aussi finement travaillées sont aujourd’hui extrêmement rares, ce qui ajoute à l’intérêt de cet objet.
    Ce pichet ancien se distingue par son état de conservation remarquable et sa qualité de fabrication, des caractéristiques recherchées par les collectionneurs exigeants.
    Il s’agit d’une pièce qui saura trouver sa place dans les plus belles demeures et qui apportera une touche de prestige à n’importe quel intérieur.
    Une opportunité à saisir à Rouen
    Cette pièce d’exception est visible dans ma boutique située sur Rouen Rive Droite, au cœur d’un quartier reconnu pour son charme et ses trésors antiques.
    Que vous soyez collectionneur, amateur d’art ou simplement à la recherche d’un cadeau unique et précieux, cette aiguière saura vous séduire. C’est une occasion rare de posséder un objet chargé d’histoire, témoin d’une époque révolue où l’artisanat et le souci du détail étaient au cœur de la création.
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    Grande sculpture en marbre de 83 cm, la baigneuse, d'après Falconet

    Grande sculpture en marbre de 83 cm, la baigneuse, d’après Falconet

    Cette superbe et élégante sculpture en marbre, inspirée de « La Baigneuse » d’Étienne Maurice Falconet, incarne l’art raffiné du XVIIIe siècle. Reprenant avec virtuosité les caractéristiques de la célèbre œuvre originale exposée au musée du Louvre, cette pièce illustre le mariage harmonieux entre la tradition classique et l’esthétique rococo.
    Représentant une nymphe descendant du bain, cette sculpture capte avec délicatesse et sensualité l’esprit de l’Antique, réinterprété avec une finesse remarquable.
    Une œuvre inspirée par les maîtres de l’Antiquité et du Grand Siècle
    L’œuvre originale de Falconet, conçue vers le milieu du XVIIIe siècle, s’inspire elle-même des canons de beauté classique et des peintures mythologiques, notamment celles de François Lemoyne.
    Peintre éminent du Grand Siècle, Lemoyne excellait dans l’art de représenter la grâce féminine à travers des scènes mythologiques empreintes de poésie.
    Ici, la sculpture reprend cette tradition en traduisant la légèreté et l’élégance picturale dans le langage sculptural.
    Falconet, célèbre sculpteur du siècle des Lumières, a réussi à capturer la quintessence de la beauté féminine dans cette figure délicate.
    La posture gracieuse de la nymphe, se penchant légèrement en avant tout en tenant son drapé, exprime une douce retenue et une sensualité mesurée, des traits caractéristiques de son style.
    Un hommage à la pureté du marbre et au raffinement artistique
    Réalisée en marbre blanc de haute qualité, cette sculpture révèle une maîtrise exceptionnelle de la matière.
    Le travail des détails est saisissant : des courbes harmonieuses du corps aux plis du drapé subtilement sculptés, chaque élément témoigne d’une précision technique remarquable.
    La surface polie du marbre confère à l’ensemble un éclat satiné qui magnifie la douceur des traits du visage et la fluidité des lignes du corps.
    Les dimensions généreuses de 83 cm permettent de mettre en valeur cette œuvre dans tout type d’espace.
    Qu’elle soit placée sur un piédestal dans un salon, une galerie ou un bureau, cette sculpture devient immédiatement un point focal, attirant les regards par son élégance intemporelle.
    Une pièce décorative de grande élégance
    En plus de son aspect artistique, cette sculpture constitue un élément décoratif exceptionnel.
    Son esthétique classique s’intègre aussi bien dans des intérieurs traditionnels que contemporains, apportant une touche de raffinement et de noblesse.
    Que ce soit pour un collectionneur passionné d’art ou un amateur de décoration sophistiquée, cette pièce trouve sa place dans tout cadre recherchant l’équilibre entre l’histoire et le goût moderne.
    La thématique de la nymphe descendante du bain, symbole de pureté et de beauté naturelle, évoque également l’intimité et la sérénité.
    Ce thème intemporel séduit par sa capacité à transcender les époques et les styles.
    Falconet, avec sa vision empreinte de grâce et de sensibilité, a su élever cette scène apparemment simple au rang d’icône artistique.
  • Belle et ancienne aiguière en étain art nouveau signé de Noel RuffierBelle et ancienne aiguière en étain art nouveau signé de Noel Ruffier

    Belle et ancienne aiguière en étain art nouveau signé de Noel Ruffier

    520,00 
    Superbe aiguière en étain Art Nouveau signée Noël Ruffier. Élégance et authenticité pour collectionneurs et amateurs d’objets anciens.
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    Belle et ancienne commode galbée, époque Régence 18e siècleBelle et ancienne commode galbée, époque Régence 18e siècle

    Belle et ancienne commode galbée, époque Régence 18e siècle

    1200,00 
    Sublime commode galbée du XVIIIᵉ siècle, époque Régence : élégance antique, bois sculpté et patine authentique. Pièce unique pour décoration raffinée
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    Très beau tableau cubiste signé de Marcel MouillotTrès beau tableau cubiste signé de Marcel Mouillot

    Très beau tableau cubiste signé de Marcel Mouillot, à restaurer

    Une œuvre cubiste exceptionnelle signée Marcel Mouillot
    Laissez-vous séduire par une pièce d’art remarquable, une huile sur toile cubiste signée par Marcel Mouillot et numérotée 178. Cette œuvre, aux dimensions de **54 x 64,5 cm**, incarne une vision unique et captivante : une terrasse surplombant un lac, où des voiliers évoluent paisiblement, entourés par des habitations accrochées à une falaise.
    Un chef-d’œuvre dans la veine cubiste
    Marcel Mouillot, artiste à la touche innovante et singulière, revisite dans cette toile les codes du cubisme. Les formes géométriques, les lignes fragmentées et les jeux de perspective s’unissent pour proposer une interprétation à la fois abstraite et émotionnelle du paysage. Le regard est guidé à travers des plans successifs : d’abord la terrasse, avec ses contours nets et modernes, puis le lac, animé par des voiliers esquissés dans des tonalités vives et lumineuses. Enfin, au loin, les habitations sur la falaise offrent un contraste saisissant avec leur solidité angulaire et leurs teintes plus sourdes.
    Les couleurs de cette œuvre jouent un rôle essentiel : des tons chauds et vibrants, mêlés à des nuances plus douces, créent une harmonie visuelle fascinante. Le lac est magnifiquement rendu avec des variations de bleus et de gris qui évoquent à la fois la profondeur et le mouvement de l’eau, tandis que les voiliers se distinguent par des touches claires et légères.
    Une toile marquée par le vécu
    Bien que cette pièce présente quelques **accidents** — des marques visibles du passage du temps ou d’incidents passés —, cela ne fait qu’ajouter à son authenticité et à son charme. Ces imperfections, loin de diminuer sa valeur, rappellent l’histoire de l’œuvre, sa vie antérieure et les mains par lesquelles elle est passée. Une restauration discrète pourrait être envisagée pour sublimer encore davantage sa beauté sans trahir son authenticité.
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    Belle et ancienne ménagère Christofle en métal argenté, modèle Marly

    Belle et ancienne ménagère Christofle en métal argenté, modèle Marly

    Belle Ménagère Ancienne en Métal Argenté – Maison Christofle – Modèle Marly
    Découvrez une superbe ménagère ancienne en métal argenté, signée par la prestigieuse maison **Christofle**, symbole du raffinement à la française.
    Ce service de table, au modèle **Marly**, incarne à la fois l’élégance classique et l’artisanat exceptionnel de cette maison réputée mondialement pour ses pièces intemporelles.
    **Un modèle emblématique : Marly**
    Créé en 1897, le modèle Marly est l’un des motifs les plus riches et les plus emblématiques de Christofle.
    Il doit son nom aux jardins du château de Marly, un lieu de villégiature royale célèbre pour sa beauté luxuriante.
    Le design, inspiré du style rocaille, se distingue par des volutes florales et des ornements délicatement ciselés.
    Ce décor raffiné, à la fois sobre et opulent, incarne l’art de vivre à la française et rehaussera vos tables d’un charme intemporel.
    **Un service complet de 61 pièces**
    Cette ménagère comprend un total de **61 pièces**, idéal pour recevoir en toute élégance jusqu’à 12 convives. Elle se compose des éléments suivants :
    – **12 fourchettes de table**, parfaites pour savourer vos plats principaux.
    – **12 grandes cuillères de table**, idéales pour les potages et les plats généreux.
    – **12 grands couteaux**, aux lames en acier inoxydable pour une coupe précise.
    – **12 petits couteaux**, conçus pour les entrées ou autres plats légers.
    – **12 petites cuillères**, parfaites pour les desserts ou les boissons chaudes.
    – **1 louche**, indispensable pour le service des soupes ou sauces.
    Chaque pièce porte le poinçon de la maison Christofle, garantissant l’authenticité et la qualité de fabrication.
    **État général et entretien**
    Ce service, bien que vintage, est en **bon état général**.
    Les couverts présentent une belle patine témoignant de leur histoire, mais nécessitent un léger nettoyage pour raviver tout leur éclat d’origine.
    Un entretien soigneux permettra de sublimer leur métal argenté, connu pour sa durabilité et sa brillance intemporelle.
    **Un coffret pratique et élégant**
    L’ensemble est présenté dans un **coffret** conçu pour protéger les pièces et faciliter leur rangement.
    Ce coffret ajoute une touche de praticité tout en valorisant cette ménagère comme une pièce de collection.
    **Une fabrication française d’exception**
    Synonyme d’excellence, la maison Christofle incarne depuis le XIXe siècle le savoir-faire français dans l’orfèvrerie.
    Cette ménagère illustre parfaitement cette tradition, mariant esthétisme et fonctionnalité.
    Posséder une pièce Christofle, c’est s’offrir un fragment de l’histoire de l’art de la table français.
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    Tables gigognes en laiton et cuir des années 1950 par Jacques ADNETTables gigognes en laiton et cuir des années 1950 par Jacques ADNET

    Tables gigognes en laiton et cuir des années 1950 par Jacques ADNET

    Les tables basses gigognes de Jacques Adnet, conçues dans les années 50, sont une illustration parfaite de l’élégance sobre et de l’ingéniosité du design de cette époque. Adnet, connu pour son approche moderniste alliée à une grande sophistication matérielle, a créé un ensemble qui incarne l’esprit du milieu du XXe siècle, alliant fonctionnalité et esthétique raffinée.
    Ces tables, conçues pour être modulables et polyvalentes, peuvent être disposées en diverses configurations, leur permettant de s’adapter aisément aux besoins et à la disposition d’un espace de vie.
    Design et Matériaux
    L’ensemble est composé de trois tables de tailles différentes qui s’emboîtent, d’où leur appellation de « tables gigognes ».
    Ce design est non seulement fonctionnel mais aussi astucieux, permettant un rangement facile et une grande flexibilité d’utilisation.
    Ces tables sont en laiton patiné, travaillé pour imiter la texture et l’apparence du bambou, un choix de matériau et de finition qui témoigne de l’originalité de l’époque et du talent de Jacques Adnet.
    Le laiton patiné confère à l’ensemble une teinte chaude et un aspect vieilli qui ajoute de la profondeur et de la richesse au design.
    Le choix du laiton patiné façon bambou n’est pas anodin. Adnet, influencé par l’esthétique Art déco et le modernisme, cherche à introduire des matériaux naturels dans des formes épurées.
    Le laiton patiné a été travaillé pour imiter le bambou, alliant ainsi le naturel au luxe, tout en offrant une solidité et une durabilité que le bambou réel n’aurait pas permis.
    Cette technique de patine donne aux tables une apparence singulière, ajoutant une touche d’exotisme discrète tout en restant dans le cadre d’un design sophistiqué.
    Les plateaux des tables sont recouverts d’un cuir noir, un autre choix emblématique de Jacques Adnet, souvent associé à ses créations.
    Le cuir, matériau noble et durable, apporte une texture et une élégance supplémentaire à l’ensemble.
    Le contraste entre le cuir noir profond et le laiton doré patiné crée un effet visuel saisissant, alliant sobriété et raffinement.
    Aux quatre angles de chaque plateau, de petites pièces en laiton viennent renforcer la structure et ajoutent un détail esthétique subtil mais significatif, évoquant la qualité de fabrication et l’attention aux détails caractéristiques des créations d’Adnet.
    État et Caractéristiques de l’Ensemble
    Cet ensemble est en bon état vintage, et bien qu’il présente quelques traces du temps, cela ajoute à son charme et à son authenticité.
    Le cuir des plateaux, qui montre des marques d’usage, est le témoin de son histoire et de son vécu, offrant une patine naturelle qui témoigne du passage du temps.
    Ces marques ne sont pas des défauts mais des traces d’authenticité qui renforcent la valeur vintage de l’ensemble.
    De même, le laiton présente quelques zones d’oxydation, caractéristiques des matériaux en métal anciens qui réagissent naturellement avec l’environnement au fil des décennies.
    Cette oxydation ne compromet en rien la solidité ou la stabilité des tables ; au contraire, elle ajoute une touche de charme et témoigne de l’ancienneté de la pièce, la rendant unique.
    Les éléments en laiton patiné, tout en conservant une certaine brillance, montrent des signes naturels d’oxydation qui se manifestent par de petites variations de couleur sur la structure en bambou.
    Cet aspect vieilli est recherché par les collectionneurs et amateurs de design vintage car il confère à l’ensemble un cachet historique tout en conservant l’élégance intemporelle qui fait la réputation des créations d’Adnet.
    Absence de Restauration
    Il est important de noter que cet ensemble n’a subi aucune restauration, ce qui en fait un témoignage authentique du design d’origine des années 50.
    L’absence de restauration garantit que chaque élément est d’origine, du laiton patiné au cuir noir, conservant ainsi toute la valeur historique et l’intégrité esthétique de l’ensemble.
    Les collectionneurs et les amateurs de mobilier d’époque recherchent souvent des pièces non restaurées, car elles offrent un aperçu direct des matériaux et des techniques d’époque sans intervention moderne.
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    Miniature ancienne, réalisée à la fin du XIXe siècle et signée par l’artiste J. CavanaMiniature ancienne, réalisée à la fin du XIXe siècle et signée par l’artiste J. Cavana

    Miniature ancienne, réalisée à la fin du XIXe siècle et signée par l’artiste J. Cavana

    Cette délicate miniature du XIXe siècle, signée par l’artiste Jean Cavana, est un témoignage captivant de l’élégance de son époque. Réalisée vers la fin du siècle, elle représente une femme raffinée, probablement Marie Thérèse Blonel d’Haraucourt, une figure de la noblesse. Cavana, en mettant en avant chaque détail, des tissus sophistiqués de sa tenue aux subtiles variations des traits de son visage, démontre l’étendue de son talent. L’œuvre traduit avec finesse l’atmosphère et l’esthétique de la société aristocratique de l’époque.
    Jean Cavana, né en Italie en 1830, s’est installé en France où il s’est rapidement distingué par son habileté à capturer l’essence de ses modèles dans des formats miniatures. Sa formation dans la lignée des maîtres classiques lui a permis de développer une technique précise, un savoir-faire qui a séduit les élites de son temps. Ces dernières recherchaient un artiste capable de figer sur des supports de petite taille non seulement l’apparence mais aussi la personnalité de ceux qu’il peignait. Cavana a ainsi su s’imposer comme un portraitiste de renom, en grande partie grâce à cette capacité à rendre les traits psychologiques visibles dans de si petits formats.
    La carrière de Jean Cavana a été marquée par de nombreuses commandes provenant de la haute société, désireuse de posséder ces miniatures raffinées, symboles à la fois d’un statut social et d’un goût pour l’art. Cavana a d’ailleurs su tirer parti de cette demande croissante pour la miniature, un genre particulièrement prisé au XIXe siècle, époque où la photographie n’avait pas encore supplanté la peinture dans l’art du portrait. Ses œuvres se distinguent par une précision remarquable et une attention méticuleuse aux détails, qu’il s’agisse des vêtements, des textures ou des visages.
    La maîtrise technique de Cavana ne s’arrête pas au portrait miniature. Au-delà de ce genre, il a exploré divers thèmes, s’essayant notamment au paysage, et ses œuvres dégagent souvent une certaine nostalgie. Ce sentiment, présent dans ses peintures, contribue à leur caractère unique et à leur profondeur. L’artiste semblait avoir une sensibilité particulière pour les moments suspendus dans le temps, qu’il capturait avec une délicatesse certaine.
    Dans cette miniature spécifique, Cavana excelle en restituant l’élégance d’une dame de la noblesse, sans doute Marie Thérèse Blonel d’Haraucourt. La précision des plis de la robe, les jeux d’ombre et de lumière sur le visage, et la douceur du regard traduisent un travail minutieux et une grande habileté artistique. Ces caractéristiques témoignent de l’attention que l’artiste portait à chaque élément de ses compositions, révélant ainsi sa capacité à donner vie à ses sujets dans des formats si réduits.
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    Miniature ancienne, réalisée à la fin du XIXe siècle et signée par l’artiste J. CavanaMiniature ancienne, réalisée à la fin du XIXe siècle et signée par l’artiste J. Cavana

    Miniature ancienne, réalisée à la fin du XIXe siècle et signée par l’artiste J. Cavana

    Cette délicate miniature du XIXe siècle, signée par l’artiste Jean Cavana, est un témoignage captivant de l’élégance de son époque. Réalisée vers la fin du siècle, elle représente une femme raffinée, probablement Marie Thérèse Blonel d’Haraucourt, une figure de la noblesse. Cavana, en mettant en avant chaque détail, des tissus sophistiqués de sa tenue aux subtiles variations des traits de son visage, démontre l’étendue de son talent. L’œuvre traduit avec finesse l’atmosphère et l’esthétique de la société aristocratique de l’époque.
    Jean Cavana, né en Italie en 1830, s’est installé en France où il s’est rapidement distingué par son habileté à capturer l’essence de ses modèles dans des formats miniatures. Sa formation dans la lignée des maîtres classiques lui a permis de développer une technique précise, un savoir-faire qui a séduit les élites de son temps. Ces dernières recherchaient un artiste capable de figer sur des supports de petite taille non seulement l’apparence mais aussi la personnalité de ceux qu’il peignait. Cavana a ainsi su s’imposer comme un portraitiste de renom, en grande partie grâce à cette capacité à rendre les traits psychologiques visibles dans de si petits formats.
    La carrière de Jean Cavana a été marquée par de nombreuses commandes provenant de la haute société, désireuse de posséder ces miniatures raffinées, symboles à la fois d’un statut social et d’un goût pour l’art. Cavana a d’ailleurs su tirer parti de cette demande croissante pour la miniature, un genre particulièrement prisé au XIXe siècle, époque où la photographie n’avait pas encore supplanté la peinture dans l’art du portrait. Ses œuvres se distinguent par une précision remarquable et une attention méticuleuse aux détails, qu’il s’agisse des vêtements, des textures ou des visages.
    La maîtrise technique de Cavana ne s’arrête pas au portrait miniature. Au-delà de ce genre, il a exploré divers thèmes, s’essayant notamment au paysage, et ses œuvres dégagent souvent une certaine nostalgie. Ce sentiment, présent dans ses peintures, contribue à leur caractère unique et à leur profondeur. L’artiste semblait avoir une sensibilité particulière pour les moments suspendus dans le temps, qu’il capturait avec une délicatesse certaine.
    Dans cette miniature spécifique, Cavana excelle en restituant l’élégance d’une dame de la noblesse, sans doute Marie Thérèse Blonel d’Haraucourt. La précision des plis de la robe, les jeux d’ombre et de lumière sur le visage, et la douceur du regard traduisent un travail minutieux et une grande habileté artistique. Ces caractéristiques témoignent de l’attention que l’artiste portait à chaque élément de ses compositions, révélant ainsi sa capacité à donner vie à ses sujets dans des formats si réduits.
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    Miniature ancienne, réalisée à la fin du XIXe siècle et signée par l’artiste J. CavanaMiniature ancienne, réalisée à la fin du XIXe siècle et signée par l’artiste J. Cavana

    Miniature ancienne, réalisée à la fin du XIXe siècle et signée par l’artiste J. Cavana

    Cette délicate miniature du XIXe siècle, signée par l’artiste Jean Cavana, est un témoignage captivant de l’élégance de son époque. Réalisée vers la fin du siècle, elle représente une femme raffinée, probablement Marie Thérèse Blonel d’Haraucourt, une figure de la noblesse. Cavana, en mettant en avant chaque détail, des tissus sophistiqués de sa tenue aux subtiles variations des traits de son visage, démontre l’étendue de son talent. L’œuvre traduit avec finesse l’atmosphère et l’esthétique de la société aristocratique de l’époque.
    Jean Cavana, né en Italie en 1830, s’est installé en France où il s’est rapidement distingué par son habileté à capturer l’essence de ses modèles dans des formats miniatures. Sa formation dans la lignée des maîtres classiques lui a permis de développer une technique précise, un savoir-faire qui a séduit les élites de son temps. Ces dernières recherchaient un artiste capable de figer sur des supports de petite taille non seulement l’apparence mais aussi la personnalité de ceux qu’il peignait. Cavana a ainsi su s’imposer comme un portraitiste de renom, en grande partie grâce à cette capacité à rendre les traits psychologiques visibles dans de si petits formats.
    La carrière de Jean Cavana a été marquée par de nombreuses commandes provenant de la haute société, désireuse de posséder ces miniatures raffinées, symboles à la fois d’un statut social et d’un goût pour l’art. Cavana a d’ailleurs su tirer parti de cette demande croissante pour la miniature, un genre particulièrement prisé au XIXe siècle, époque où la photographie n’avait pas encore supplanté la peinture dans l’art du portrait. Ses œuvres se distinguent par une précision remarquable et une attention méticuleuse aux détails, qu’il s’agisse des vêtements, des textures ou des visages.
    La maîtrise technique de Cavana ne s’arrête pas au portrait miniature. Au-delà de ce genre, il a exploré divers thèmes, s’essayant notamment au paysage, et ses œuvres dégagent souvent une certaine nostalgie. Ce sentiment, présent dans ses peintures, contribue à leur caractère unique et à leur profondeur. L’artiste semblait avoir une sensibilité particulière pour les moments suspendus dans le temps, qu’il capturait avec une délicatesse certaine.
    Dans cette miniature spécifique, Cavana excelle en restituant l’élégance d’une dame de la noblesse, sans doute Marie Thérèse Blonel d’Haraucourt. La précision des plis de la robe, les jeux d’ombre et de lumière sur le visage, et la douceur du regard traduisent un travail minutieux et une grande habileté artistique. Ces caractéristiques témoignent de l’attention que l’artiste portait à chaque élément de ses compositions, révélant ainsi sa capacité à donner vie à ses sujets dans des formats si réduits.
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    Miniature ancienne, réalisée à la fin du XIXe siècle et signée par l’artiste J. Cavana, antiquités et brocanteMiniature ancienne, réalisée à la fin du XIXe siècle et signée par l’artiste J. Cavana, antiquités et brocante

    Miniature ancienne, réalisée à la fin du XIXe siècle et signée par l’artiste J. Cavana

    Cette délicate miniature du XIXe siècle, signée par l’artiste Jean Cavana, est un témoignage captivant de l’élégance de son époque. Réalisée vers la fin du siècle, elle représente une femme raffinée, probablement Marie Thérèse Blonel d’Haraucourt, une figure de la noblesse. Cavana, en mettant en avant chaque détail, des tissus sophistiqués de sa tenue aux subtiles variations des traits de son visage, démontre l’étendue de son talent. L’œuvre traduit avec finesse l’atmosphère et l’esthétique de la société aristocratique de l’époque.
    Jean Cavana, né en Italie en 1830, s’est installé en France où il s’est rapidement distingué par son habileté à capturer l’essence de ses modèles dans des formats miniatures. Sa formation dans la lignée des maîtres classiques lui a permis de développer une technique précise, un savoir-faire qui a séduit les élites de son temps. Ces dernières recherchaient un artiste capable de figer sur des supports de petite taille non seulement l’apparence mais aussi la personnalité de ceux qu’il peignait. Cavana a ainsi su s’imposer comme un portraitiste de renom, en grande partie grâce à cette capacité à rendre les traits psychologiques visibles dans de si petits formats.
    La carrière de Jean Cavana a été marquée par de nombreuses commandes provenant de la haute société, désireuse de posséder ces miniatures raffinées, symboles à la fois d’un statut social et d’un goût pour l’art. Cavana a d’ailleurs su tirer parti de cette demande croissante pour la miniature, un genre particulièrement prisé au XIXe siècle, époque où la photographie n’avait pas encore supplanté la peinture dans l’art du portrait. Ses œuvres se distinguent par une précision remarquable et une attention méticuleuse aux détails, qu’il s’agisse des vêtements, des textures ou des visages.
    La maîtrise technique de Cavana ne s’arrête pas au portrait miniature. Au-delà de ce genre, il a exploré divers thèmes, s’essayant notamment au paysage, et ses œuvres dégagent souvent une certaine nostalgie. Ce sentiment, présent dans ses peintures, contribue à leur caractère unique et à leur profondeur. L’artiste semblait avoir une sensibilité particulière pour les moments suspendus dans le temps, qu’il capturait avec une délicatesse certaine.
    Dans cette miniature spécifique, Cavana excelle en restituant l’élégance d’une dame de la noblesse, sans doute Marie Thérèse Blonel d’Haraucourt. La précision des plis de la robe, les jeux d’ombre et de lumière sur le visage, et la douceur du regard traduisent un travail minutieux et une grande habileté artistique. Ces caractéristiques témoignent de l’attention que l’artiste portait à chaque élément de ses compositions, révélant ainsi sa capacité à donner vie à ses sujets dans des formats si réduits.
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    Miniature ancienne, réalisée à la fin du XIXe siècle et signée par l’artiste J. CavanaMiniature ancienne, réalisée à la fin du XIXe siècle et signée par l’artiste J. Cavana

    Miniature ancienne, réalisée à la fin du XIXe siècle et signée par l’artiste J. Cavana

    Cette délicate miniature du XIXe siècle, signée par l’artiste Jean Cavana, est un témoignage captivant de l’élégance de son époque. Réalisée vers la fin du siècle, elle représente une femme raffinée, probablement Marie Thérèse Blonel d’Haraucourt, une figure de la noblesse. Cavana, en mettant en avant chaque détail, des tissus sophistiqués de sa tenue aux subtiles variations des traits de son visage, démontre l’étendue de son talent. L’œuvre traduit avec finesse l’atmosphère et l’esthétique de la société aristocratique de l’époque.
    Jean Cavana, né en Italie en 1830, s’est installé en France où il s’est rapidement distingué par son habileté à capturer l’essence de ses modèles dans des formats miniatures. Sa formation dans la lignée des maîtres classiques lui a permis de développer une technique précise, un savoir-faire qui a séduit les élites de son temps. Ces dernières recherchaient un artiste capable de figer sur des supports de petite taille non seulement l’apparence mais aussi la personnalité de ceux qu’il peignait. Cavana a ainsi su s’imposer comme un portraitiste de renom, en grande partie grâce à cette capacité à rendre les traits psychologiques visibles dans de si petits formats.
    La carrière de Jean Cavana a été marquée par de nombreuses commandes provenant de la haute société, désireuse de posséder ces miniatures raffinées, symboles à la fois d’un statut social et d’un goût pour l’art. Cavana a d’ailleurs su tirer parti de cette demande croissante pour la miniature, un genre particulièrement prisé au XIXe siècle, époque où la photographie n’avait pas encore supplanté la peinture dans l’art du portrait. Ses œuvres se distinguent par une précision remarquable et une attention méticuleuse aux détails, qu’il s’agisse des vêtements, des textures ou des visages.
    La maîtrise technique de Cavana ne s’arrête pas au portrait miniature. Au-delà de ce genre, il a exploré divers thèmes, s’essayant notamment au paysage, et ses œuvres dégagent souvent une certaine nostalgie. Ce sentiment, présent dans ses peintures, contribue à leur caractère unique et à leur profondeur. L’artiste semblait avoir une sensibilité particulière pour les moments suspendus dans le temps, qu’il capturait avec une délicatesse certaine.
    Dans cette miniature spécifique, Cavana excelle en restituant l’élégance d’une dame de la noblesse, sans doute Marie Thérèse Blonel d’Haraucourt. La précision des plis de la robe, les jeux d’ombre et de lumière sur le visage, et la douceur du regard traduisent un travail minutieux et une grande habileté artistique. Ces caractéristiques témoignent de l’attention que l’artiste portait à chaque élément de ses compositions, révélant ainsi sa capacité à donner vie à ses sujets dans des formats si réduits.
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    Miniature ancienne, réalisée à la fin du XIXe siècle et signée par l’artiste J. CavanaMiniature ancienne, réalisée à la fin du XIXe siècle et signée par l’artiste J. Cavana

    Miniature ancienne, réalisée à la fin du XIXe siècle et signée par l’artiste J. Cavana

    Cette délicate miniature du XIXe siècle, signée par l’artiste Jean Cavana, est un témoignage captivant de l’élégance de son époque. Réalisée vers la fin du siècle, elle représente une femme raffinée, probablement Marie Thérèse Blonel d’Haraucourt, une figure de la noblesse. Cavana, en mettant en avant chaque détail, des tissus sophistiqués de sa tenue aux subtiles variations des traits de son visage, démontre l’étendue de son talent. L’œuvre traduit avec finesse l’atmosphère et l’esthétique de la société aristocratique de l’époque.
    Jean Cavana, né en Italie en 1830, s’est installé en France où il s’est rapidement distingué par son habileté à capturer l’essence de ses modèles dans des formats miniatures. Sa formation dans la lignée des maîtres classiques lui a permis de développer une technique précise, un savoir-faire qui a séduit les élites de son temps. Ces dernières recherchaient un artiste capable de figer sur des supports de petite taille non seulement l’apparence mais aussi la personnalité de ceux qu’il peignait. Cavana a ainsi su s’imposer comme un portraitiste de renom, en grande partie grâce à cette capacité à rendre les traits psychologiques visibles dans de si petits formats.
    La carrière de Jean Cavana a été marquée par de nombreuses commandes provenant de la haute société, désireuse de posséder ces miniatures raffinées, symboles à la fois d’un statut social et d’un goût pour l’art. Cavana a d’ailleurs su tirer parti de cette demande croissante pour la miniature, un genre particulièrement prisé au XIXe siècle, époque où la photographie n’avait pas encore supplanté la peinture dans l’art du portrait. Ses œuvres se distinguent par une précision remarquable et une attention méticuleuse aux détails, qu’il s’agisse des vêtements, des textures ou des visages.
    La maîtrise technique de Cavana ne s’arrête pas au portrait miniature. Au-delà de ce genre, il a exploré divers thèmes, s’essayant notamment au paysage, et ses œuvres dégagent souvent une certaine nostalgie. Ce sentiment, présent dans ses peintures, contribue à leur caractère unique et à leur profondeur. L’artiste semblait avoir une sensibilité particulière pour les moments suspendus dans le temps, qu’il capturait avec une délicatesse certaine.
    Dans cette miniature spécifique, Cavana excelle en restituant l’élégance d’une dame de la noblesse, sans doute Marie Thérèse Blonel d’Haraucourt. La précision des plis de la robe, les jeux d’ombre et de lumière sur le visage, et la douceur du regard traduisent un travail minutieux et une grande habileté artistique. Ces caractéristiques témoignent de l’attention que l’artiste portait à chaque élément de ses compositions, révélant ainsi sa capacité à donner vie à ses sujets dans des formats si réduits.
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    Miniature ancienne, réalisée à la fin du XIXe siècle et signée par l’artiste J. CavanaMiniature ancienne, réalisée à la fin du XIXe siècle et signée par l’artiste J. Cavana

    Miniature ancienne, réalisée à la fin du XIXe siècle et signée par l’artiste J. Cavana

    Cette délicate miniature du XIXe siècle, signée par l’artiste Jean Cavana, est un témoignage captivant de l’élégance de son époque. Réalisée vers la fin du siècle, elle représente une femme raffinée, probablement Marie Thérèse Blonel d’Haraucourt, une figure de la noblesse. Cavana, en mettant en avant chaque détail, des tissus sophistiqués de sa tenue aux subtiles variations des traits de son visage, démontre l’étendue de son talent. L’œuvre traduit avec finesse l’atmosphère et l’esthétique de la société aristocratique de l’époque.
    Jean Cavana, né en Italie en 1830, s’est installé en France où il s’est rapidement distingué par son habileté à capturer l’essence de ses modèles dans des formats miniatures. Sa formation dans la lignée des maîtres classiques lui a permis de développer une technique précise, un savoir-faire qui a séduit les élites de son temps. Ces dernières recherchaient un artiste capable de figer sur des supports de petite taille non seulement l’apparence mais aussi la personnalité de ceux qu’il peignait. Cavana a ainsi su s’imposer comme un portraitiste de renom, en grande partie grâce à cette capacité à rendre les traits psychologiques visibles dans de si petits formats.
    La carrière de Jean Cavana a été marquée par de nombreuses commandes provenant de la haute société, désireuse de posséder ces miniatures raffinées, symboles à la fois d’un statut social et d’un goût pour l’art. Cavana a d’ailleurs su tirer parti de cette demande croissante pour la miniature, un genre particulièrement prisé au XIXe siècle, époque où la photographie n’avait pas encore supplanté la peinture dans l’art du portrait. Ses œuvres se distinguent par une précision remarquable et une attention méticuleuse aux détails, qu’il s’agisse des vêtements, des textures ou des visages.
    La maîtrise technique de Cavana ne s’arrête pas au portrait miniature. Au-delà de ce genre, il a exploré divers thèmes, s’essayant notamment au paysage, et ses œuvres dégagent souvent une certaine nostalgie. Ce sentiment, présent dans ses peintures, contribue à leur caractère unique et à leur profondeur. L’artiste semblait avoir une sensibilité particulière pour les moments suspendus dans le temps, qu’il capturait avec une délicatesse certaine.
    Dans cette miniature spécifique, Cavana excelle en restituant l’élégance d’une dame de la noblesse, sans doute Marie Thérèse Blonel d’Haraucourt. La précision des plis de la robe, les jeux d’ombre et de lumière sur le visage, et la douceur du regard traduisent un travail minutieux et une grande habileté artistique. Ces caractéristiques témoignent de l’attention que l’artiste portait à chaque élément de ses compositions, révélant ainsi sa capacité à donner vie à ses sujets dans des formats si réduits.
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    Miniature ancienne, réalisée à la fin du XIXe siècle et signée par l’artiste J. CavanaMiniature ancienne, réalisée à la fin du XIXe siècle et signée par l’artiste J. Cavana

    Miniature ancienne, réalisée à la fin du XIXe siècle et signée par l’artiste J. Cavana

    Cette délicate miniature du XIXe siècle, signée par l’artiste Jean Cavana, est un témoignage captivant de l’élégance de son époque. Réalisée vers la fin du siècle, elle représente une femme raffinée, probablement Marie Thérèse Blonel d’Haraucourt, une figure de la noblesse. Cavana, en mettant en avant chaque détail, des tissus sophistiqués de sa tenue aux subtiles variations des traits de son visage, démontre l’étendue de son talent. L’œuvre traduit avec finesse l’atmosphère et l’esthétique de la société aristocratique de l’époque.
    Jean Cavana, né en Italie en 1830, s’est installé en France où il s’est rapidement distingué par son habileté à capturer l’essence de ses modèles dans des formats miniatures. Sa formation dans la lignée des maîtres classiques lui a permis de développer une technique précise, un savoir-faire qui a séduit les élites de son temps. Ces dernières recherchaient un artiste capable de figer sur des supports de petite taille non seulement l’apparence mais aussi la personnalité de ceux qu’il peignait. Cavana a ainsi su s’imposer comme un portraitiste de renom, en grande partie grâce à cette capacité à rendre les traits psychologiques visibles dans de si petits formats.
    La carrière de Jean Cavana a été marquée par de nombreuses commandes provenant de la haute société, désireuse de posséder ces miniatures raffinées, symboles à la fois d’un statut social et d’un goût pour l’art. Cavana a d’ailleurs su tirer parti de cette demande croissante pour la miniature, un genre particulièrement prisé au XIXe siècle, époque où la photographie n’avait pas encore supplanté la peinture dans l’art du portrait. Ses œuvres se distinguent par une précision remarquable et une attention méticuleuse aux détails, qu’il s’agisse des vêtements, des textures ou des visages.
    La maîtrise technique de Cavana ne s’arrête pas au portrait miniature. Au-delà de ce genre, il a exploré divers thèmes, s’essayant notamment au paysage, et ses œuvres dégagent souvent une certaine nostalgie. Ce sentiment, présent dans ses peintures, contribue à leur caractère unique et à leur profondeur. L’artiste semblait avoir une sensibilité particulière pour les moments suspendus dans le temps, qu’il capturait avec une délicatesse certaine.
    Dans cette miniature spécifique, Cavana excelle en restituant l’élégance d’une dame de la noblesse, sans doute Marie Thérèse Blonel d’Haraucourt. La précision des plis de la robe, les jeux d’ombre et de lumière sur le visage, et la douceur du regard traduisent un travail minutieux et une grande habileté artistique. Ces caractéristiques témoignent de l’attention que l’artiste portait à chaque élément de ses compositions, révélant ainsi sa capacité à donner vie à ses sujets dans des formats si réduits.
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    Miniature ancienne, réalisée à la fin du XIXe siècle et signée par l’artiste J. CavanaMiniature ancienne, réalisée à la fin du XIXe siècle et signée par l’artiste J. Cavana

    Miniature ancienne, réalisée à la fin du XIXe siècle et signée par l’artiste J. Cavana

    Cette délicate miniature du XIXe siècle, signée par l’artiste Jean Cavana, est un témoignage captivant de l’élégance de son époque. Réalisée vers la fin du siècle, elle représente une femme raffinée, probablement Marie Thérèse Blonel d’Haraucourt, une figure de la noblesse. Cavana, en mettant en avant chaque détail, des tissus sophistiqués de sa tenue aux subtiles variations des traits de son visage, démontre l’étendue de son talent. L’œuvre traduit avec finesse l’atmosphère et l’esthétique de la société aristocratique de l’époque.
    Jean Cavana, né en Italie en 1830, s’est installé en France où il s’est rapidement distingué par son habileté à capturer l’essence de ses modèles dans des formats miniatures. Sa formation dans la lignée des maîtres classiques lui a permis de développer une technique précise, un savoir-faire qui a séduit les élites de son temps. Ces dernières recherchaient un artiste capable de figer sur des supports de petite taille non seulement l’apparence mais aussi la personnalité de ceux qu’il peignait. Cavana a ainsi su s’imposer comme un portraitiste de renom, en grande partie grâce à cette capacité à rendre les traits psychologiques visibles dans de si petits formats.
    La carrière de Jean Cavana a été marquée par de nombreuses commandes provenant de la haute société, désireuse de posséder ces miniatures raffinées, symboles à la fois d’un statut social et d’un goût pour l’art. Cavana a d’ailleurs su tirer parti de cette demande croissante pour la miniature, un genre particulièrement prisé au XIXe siècle, époque où la photographie n’avait pas encore supplanté la peinture dans l’art du portrait. Ses œuvres se distinguent par une précision remarquable et une attention méticuleuse aux détails, qu’il s’agisse des vêtements, des textures ou des visages.
    La maîtrise technique de Cavana ne s’arrête pas au portrait miniature. Au-delà de ce genre, il a exploré divers thèmes, s’essayant notamment au paysage, et ses œuvres dégagent souvent une certaine nostalgie. Ce sentiment, présent dans ses peintures, contribue à leur caractère unique et à leur profondeur. L’artiste semblait avoir une sensibilité particulière pour les moments suspendus dans le temps, qu’il capturait avec une délicatesse certaine.
    Dans cette miniature spécifique, Cavana excelle en restituant l’élégance d’une dame de la noblesse, sans doute Marie Thérèse Blonel d’Haraucourt. La précision des plis de la robe, les jeux d’ombre et de lumière sur le visage, et la douceur du regard traduisent un travail minutieux et une grande habileté artistique. Ces caractéristiques témoignent de l’attention que l’artiste portait à chaque élément de ses compositions, révélant ainsi sa capacité à donner vie à ses sujets dans des formats si réduits.
  • Rare fauteuil pivotant ancien de Paquebot, Le France, Le NormandieRare fauteuil pivotant ancien de Paquebot, Le France, Le Normandie

    Rare fauteuil pivotant ancien de Paquebot, Le France, Le Normandie

    850,00 
    Rare fauteuil de paquebot pivotant des célèbres transatlantiques Le France & Le Normandie. Pièce authentique, idéale pour collectionneurs
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    Paire de chandelier candélabre en cristal de Baccarat, Hauteur 56 cmPaire de chandelier candélabre en cristal de Baccarat, Hauteur 56 cm

    Paire de chandelier candélabre en cristal de Baccarat, Hauteur 56 cm

    1600,00 
    Grande Paire de Candélabres en Cristal de Baccarat
    Ces superbes candélabres en cristal de Baccarat, mesurant 56 cm de hauteur, incarnent l’élégance et l’artisanat du 19e siècle, période où le savoir-faire de Baccarat en matière de verrerie et de cristal atteint des sommets inégalés.
    Avec leurs trois bras de lumière gracieux et un assemblage de pendeloques étincelantes, ces pièces illuminent non seulement par leur fonction, mais également par leur esthétique, en témoignant de l’expertise et du prestige de la cristallerie française.
    La présence de la marque Baccarat au revers confirme leur authenticité, offrant ainsi aux amateurs de beaux objets une opportunité d’acquérir une œuvre véritablement emblématique de cet atelier de renommée mondiale.
    Description et Détails Techniques
    Chaque candélabre de cette paire repose sur une monture en métal ornée, qui ajoute un contraste subtil et raffiné au cristal éclatant.
    Les bras de lumière, habillés de pendeloques, projettent une luminosité qui magnifie les surfaces environnantes, rappelant l’atmosphère chaleureuse des salons aristocratiques et des demeures nobles du passé.
    Les pampilles, ou « pendeloques », suspendues aux bras de lumière, créent un jeu de reflets fascinant qui attire naturellement le regard.
    En examinant de plus près, quelques détails montrent que ces candélabres ont traversé les âges.
    Certaines pampilles, fragiles par nature, sont manquantes ; néanmoins, il est possible de retrouver des pampilles d’époque qui pourront parfaitement compléter l’ensemble et rétablir son intégrité visuelle.
    De plus, l’une des coupelles a été recollée, mais le travail de réparation a été fait avec soin, sans altérer l’harmonie globale du candélabre.
    Enfin, parmi les deux bobèches qui accueillent les bougies, l’une présente quelques égrenures, témoins de son utilisation et de son passage à travers le temps, tandis que l’autre est restée intacte.
    La Signature Baccarat : Tradition et Excellence
    Baccarat, fondée en 1764 sous le règne de Louis XV, est devenue synonyme de cristal de luxe et d’excellence française.
    Reconnaissable à son éclat inégalé et à sa qualité exceptionnelle, chaque pièce de Baccarat est le résultat de plusieurs centaines d’années d’expertise transmise de génération en génération.
    La marque Baccarat, visible au revers de ces candélabres, assure aux collectionneurs la provenance et l’authenticité de ces pièces.
    Cette signature est un gage de qualité qui rappelle les nombreuses commandes prestigieuses de Baccarat au fil de l’histoire, des tables royales aux maisons de la haute société européenne.
    L’histoire de Baccarat est ponctuée de collaborations artistiques, et la maison est également reconnue pour avoir constamment innové dans ses designs et ses techniques de production, créant des œuvres qui marient tradition et modernité.
    Ces candélabres, bien que d’une autre époque, sont représentatifs de cette capacité unique de Baccarat à concevoir des objets intemporels, qui continuent de captiver par leur sophistication et leur beauté.
    Un Témoignage du Passé
    L’intérêt particulier pour cette paire réside dans la dualité entre leur caractère intact et les petites imperfections qu’ils portent, comme des marques du temps.
    Ce type de pièces suscite un charme unique et raconte une histoire ; il est possible d’imaginer ces candélabres illuminant des salles de réception somptueuses, témoins muets de conversations élégantes et de soirées fastueuses.
    Leur acquisition invite le collectionneur non seulement à posséder un objet précieux, mais également à faire revivre une époque où l’art de la table était élevé au rang de cérémonie.
    Posséder cette paire de candélabres en cristal Baccarat, c’est offrir une seconde vie à un vestige du passé et l’inscrire dans une nouvelle histoire.
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    Belle sculpture ancienne de la fin du 18e, Dieux le père et JésusBelle sculpture ancienne de la fin du 18e, Dieux le père et Jésus

    Belle sculpture ancienne de la fin du 18e, Dieux le père et Jésus

    450,00 
    Cette sculpture en bois massif, datant de la fin du XVIIIe au début du XIXe siècle, est une œuvre remarquable à bien des égards, tant par sa qualité artistique que par son importance historique et spirituelle.
    Elle représente le Dieu Père tenant l’enfant Jésus, une iconographie rare et significative qui témoigne de la profonde dévotion religieuse de l’époque.
    D’une hauteur de 62 cm et d’une largeur de 25 cm, cette sculpture imposante attire l’attention par sa présence à la fois majestueuse et apaisante, incarnant à la fois la force et la douceur des figures représentées.
    Un héritage artistique du bois sculpté normand
    La Normandie, région célèbre pour ses traditions artisanales, notamment dans le travail du bois, a produit au fil des siècles des œuvres d’une qualité exceptionnelle, alliant rigueur technique et expression spirituelle.
    Cette sculpture semble s’inscrire dans cette lignée artistique, avec un soin particulier apporté aux détails qui suggère un savoir-faire local et une profonde sensibilité pour l’expression religieuse.
    Le choix du bois massif confère à la pièce une solidité et une stabilité remarquables, mais également une patine qui révèle son ancienneté.
    Les sculpteurs normands de cette période utilisaient souvent des essences de bois locales, comme le chêne ou le hêtre, réputées pour leur robustesse et leur grain fin, permettant de détailler des expressions faciales et des drapés avec une grande précision.
    La représentation du Dieu Père et de l’enfant Jésus
    La sculpture met en scène le Dieu Père portant l’Enfant Jésus, un sujet iconographique qui demeure relativement rare.
    Traditionnellement, la représentation de Dieu le Père dans l’art chrétien était souvent réservée à des œuvres monumentales ou à des compositions plus abstraites.
    Ici, le sculpteur a choisi une approche plus humaine et touchante, dépeignant Dieu le Père dans une posture de tendresse et de protection envers l’Enfant.
    L’expression de bienveillance sur le visage du Dieu Père, les courbes de ses mains qui soutiennent délicatement l’enfant, créent un contraste saisissant entre la puissance divine et la fragilité humaine.
    L’enfant Jésus, quant à lui, est représenté avec une expression douce et confiante, rappelant l’innocence et la pureté.
    Le sculpteur a réussi à capturer cette dualité entre l’innocence de l’enfance et la dimension sacrée du personnage, symbolisant l’amour et la protection divine.
    Cette juxtaposition entre le divin et l’humain confère à cette sculpture une force émotionnelle indéniable, témoignant de la foi et de la dévotion qui inspiraient les artistes de l’époque.
    Traces du passé et authenticité
    Cette œuvre ancienne porte les marques du temps, des signes d’usure et de vieillissement naturels, qui lui confèrent une authenticité et une profondeur supplémentaires.
    Les traces d’usure sur la surface révèlent un passé chargé d’histoire, peut-être des siècles de vénération ou d’exposition dans un lieu de culte. Ces marques ne sont pas seulement des signes du temps, elles rappellent également la valeur sentimentale et spirituelle de l’œuvre pour les générations précédentes.
    Une sculpture de haute qualité, témoin de son époque
    Au-delà de son esthétique, cette sculpture se distingue par la finesse de son exécution.
    Les détails des traits du visage, le traitement des drapés, et la qualité des proportions témoignent d’une maîtrise artistique exceptionnelle, probablement le fruit du travail d’un sculpteur chevronné.
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    Miniature ancienne, réalisée à la fin du XIXe siècle et signée par l’artiste J. CavanaMiniature ancienne, réalisée à la fin du XIXe siècle et signée par l’artiste J. Cavana

    Miniature ancienne, réalisée à la fin du XIXe siècle et signée par l’artiste J. Cavana

    Cette délicate miniature du XIXe siècle, signée par l’artiste J. Cavana, est une représentation saisissante de l’élégance et du raffinement propres à son époque. L’œuvre illustre une femme gracieuse, dont l’allure et les traits sont immortalisés avec une précision remarquable. La minutie apportée à la réalisation de cette miniature est évidente, des plis soyeux de la robe aux teintes subtiles du visage de la dame. Chaque détail témoigne de l’expertise de Cavana, qui parvient à capturer non seulement l’apparence physique de son sujet, mais aussi une certaine aura, une présence presque palpable, malgré la petite taille du support.
    Jean Cavana, né en 1830 en Italie, est un artiste qui a su se forger une place de choix dans le milieu artistique français de la fin du XIXe siècle. Il s’est installé en France, où son talent pour la miniature l’a rapidement fait connaître. Formé dans la lignée des grands maîtres, Cavana a acquis une maîtrise technique exceptionnelle qui lui permettait de traduire avec finesse les émotions et les caractéristiques de ses modèles. Sa renommée a grandi au fil des ans, notamment grâce aux nombreuses commandes qu’il recevait de la part de la haute société, qui voyait en lui un peintre capable de saisir l’essence de ses contemporains avec une rare justesse.
    Cavana s’est distingué par son art de la miniature, un genre particulièrement prisé au XIXe siècle, car il permettait d’immortaliser les traits des personnes dans des formats réduits, souvent sous forme de portraits intimes. Il était capable de retranscrire à la perfection les moindres détails, de la texture des étoffes aux expressions faciales les plus subtiles, apportant à chaque portrait une profondeur psychologique singulière. La précision de son pinceau lui permettait de transformer de simples portraits en véritables témoignages visuels de l’âme de ses modèles.
    Mais si Cavana est principalement reconnu pour ses miniatures, il ne s’est pas limité à ce genre. Son œuvre s’étendait également à d’autres domaines, comme le paysage ou des scènes plus complexes, où il exprimait son goût pour la beauté et la mélancolie. Ses créations, empreintes d’une certaine nostalgie, invitent à la contemplation et à la réflexion, révélant une sensibilité artistique raffinée. Il utilisait la miniature pour célébrer non seulement la beauté physique, mais aussi l’esprit et la personnalité des personnes qu’il représentait. Ainsi, chaque œuvre qu’il réalisait devenait un hommage à son époque et à la tradition du portrait intime, dont il s’est fait le maître incontesté.
    La miniature en question est un exemple parfait de son savoir-faire. L’élégance et la grâce du sujet, rehaussées par la finesse de l’exécution, sont autant de preuves du talent exceptionnel de Cavana. 
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    Miniature ancienne, réalisée à la fin du XIXe siècle et signée par l’artiste J. CavanaMiniature ancienne, réalisée à la fin du XIXe siècle et signée par l’artiste J. Cavana

    Miniature ancienne, réalisée à la fin du XIXe siècle et signée par l’artiste J. Cavana

    Cette délicate miniature du XIXe siècle, signée par l’artiste Jean Cavana, est un témoignage captivant de l’élégance de son époque. Réalisée vers la fin du siècle, elle représente une femme raffinée, probablement Marie Thérèse Blonel d’Haraucourt, une figure de la noblesse. Cavana, en mettant en avant chaque détail, des tissus sophistiqués de sa tenue aux subtiles variations des traits de son visage, démontre l’étendue de son talent. L’œuvre traduit avec finesse l’atmosphère et l’esthétique de la société aristocratique de l’époque.
    Jean Cavana, né en Italie en 1830, s’est installé en France où il s’est rapidement distingué par son habileté à capturer l’essence de ses modèles dans des formats miniatures. Sa formation dans la lignée des maîtres classiques lui a permis de développer une technique précise, un savoir-faire qui a séduit les élites de son temps. Ces dernières recherchaient un artiste capable de figer sur des supports de petite taille non seulement l’apparence mais aussi la personnalité de ceux qu’il peignait. Cavana a ainsi su s’imposer comme un portraitiste de renom, en grande partie grâce à cette capacité à rendre les traits psychologiques visibles dans de si petits formats.
    La carrière de Jean Cavana a été marquée par de nombreuses commandes provenant de la haute société, désireuse de posséder ces miniatures raffinées, symboles à la fois d’un statut social et d’un goût pour l’art. Cavana a d’ailleurs su tirer parti de cette demande croissante pour la miniature, un genre particulièrement prisé au XIXe siècle, époque où la photographie n’avait pas encore supplanté la peinture dans l’art du portrait. Ses œuvres se distinguent par une précision remarquable et une attention méticuleuse aux détails, qu’il s’agisse des vêtements, des textures ou des visages.
    La maîtrise technique de Cavana ne s’arrête pas au portrait miniature. Au-delà de ce genre, il a exploré divers thèmes, s’essayant notamment au paysage, et ses œuvres dégagent souvent une certaine nostalgie. Ce sentiment, présent dans ses peintures, contribue à leur caractère unique et à leur profondeur. L’artiste semblait avoir une sensibilité particulière pour les moments suspendus dans le temps, qu’il capturait avec une délicatesse certaine.
    Dans cette miniature spécifique, Cavana excelle en restituant l’élégance d’une dame de la noblesse, sans doute Marie Thérèse Blonel d’Haraucourt. La précision des plis de la robe, les jeux d’ombre et de lumière sur le visage, et la douceur du regard traduisent un travail minutieux et une grande habileté artistique. Ces caractéristiques témoignent de l’attention que l’artiste portait à chaque élément de ses compositions, révélant ainsi sa capacité à donner vie à ses sujets dans des formats si réduits.
  • Table à ouvrage en laque de Chine du XIXe siècle, garnis de détails en osTable à ouvrage en laque de Chine du XIXe siècle, garnis de détails en os

    Table à ouvrage en laque de Chine du XIXe siècle, garnis de détails en os

    850,00 
    Table à ouvrage laquée de Chine XIXe siècle, ornée de détails en os, élégance et artisanat raffiné pour une décoration unique et authentique.
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    Magnifique petite armoire de maitrise en bois et marqueterie, fin XIXe siècleMagnifique petite armoire de maitrise en bois et marqueterie, fin XIXe siècle

    Magnifique petite armoire de maitrise en bois et marqueterie, fin XIXe siècle

    Cette petite armoire de maîtrise du XIXe siècle est un superbe exemple du savoir-faire artisanal de l’époque, probablement réalisée en France, comme en témoignent son style et son exécution minutieuse. L’armoire est construite avec une attention particulière aux détails, en particulier dans son décor en marqueterie, qui couvre presque toute la surface de la pièce. La marqueterie est un procédé où différents types de bois sont soigneusement sélectionnés, découpés, puis assemblés pour former des motifs complexes et artistiques, ici principalement géométriques, avec une prédominance de losanges et d’étoiles.
    Les côtés et la façade de cette armoire sont ornés de ces motifs de marqueterie, contrastant le bois clair et foncé pour créer un jeu de couleurs et de textures qui attire le regard. Ce travail de marqueterie est un indicateur de la maîtrise technique du créateur, démontrant non seulement une habileté manuelle exceptionnelle, mais aussi un sens esthétique sophistiqué. Le choix des bois et l’harmonie des couleurs révèlent une grande connaissance des matériaux, associée à une volonté de produire une œuvre qui soit aussi décorative que fonctionnelle.
    La porte centrale est un élément clé de cette armoire. Elle est agrémentée d’un miroir à glace argentée, qui reflète légèrement l’âge de la pièce tout en ajoutant une dimension pratique à l’ensemble. Ce miroir, bien que modeste en taille, donne de la profondeur à l’armoire, créant un effet d’espace supplémentaire dans une pièce. Encadré par la marqueterie, le miroir devient un point focal qui renforce le style élégant de l’armoire. Il s’ouvre sur un compartiment intérieur qui, bien que de petite taille, est conçu pour le rangement de petits objets. Cette porte est équipée d’une poignée blanche, probablement en porcelaine ou en os, apportant une touche de délicatesse à l’ensemble et contrastant avec les teintes riches du bois environnant.
    Sous cette porte se trouve un tiroir, élément tout aussi décoratif que fonctionnel. Le tiroir est lui aussi orné de marqueterie, avec des motifs géométriques reprenant les formes de losanges et de triangles présents sur le reste de la pièce. Ce tiroir offre un espace de rangement supplémentaire et rappelle l’équilibre entre utilité et esthétique qui caractérise les pièces de mobilier de cette époque. La poignée du tiroir est assortie à celle de la porte, créant une continuité visuelle dans l’ensemble du meuble.
    Le haut de l’armoire est couronné par un fronton décoratif surmonté de petits pinacles finement tournés. Le fronton présente un motif circulaire en marqueterie, avec un motif d’étoile en bois clair et foncé, encadré par une forme demi-circulaire. Cette partie supérieure, bien que décorative, est en harmonie avec l’ensemble du meuble, reprenant les mêmes tons et motifs, tout en apportant une touche de hauteur et d’élégance supplémentaire.
    Les dimensions modestes de l’armoire, ainsi que son travail de marqueterie très élaboré, indiquent qu’il s’agit très probablement d’une pièce de maîtrise. Les pièces de maîtrise étaient des objets souvent fabriqués par les apprentis ébénistes pour démontrer leur savoir-faire et obtenir leur statut de maître dans leur guilde ou corporation. Ces objets étaient souvent de petite taille, mais mettaient en valeur une gamme de compétences, incluant la marqueterie, le tournage du bois et l’assemblage précis de différents éléments de mobilier. L’armoire que nous observons ici est une illustration parfaite de cette tradition. Elle est à la fois un objet d’art et un meuble pratique, symbolisant l’alliance entre la beauté et la fonctionnalité dans le mobilier du XIXe siècle.
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    Belle cave à liqueur ancienne, époque XIXe siècle, Napoléon III, BaccaratBelle cave à liqueur ancienne, époque XIXe siècle, Napoléon III, Baccarat

    Belle cave à liqueur ancienne, époque XIXe siècle, Napoléon III, Baccarat

    Cette cave à liqueur, d’une grande beauté et d’une remarquable finesse, est un exemple exceptionnel de l’art décoratif du XIXe siècle, en plein dans la période du style Napoléon III. À cette époque, l’Empire français connaît un regain d’intérêt pour le faste et l’ornementation, et cette œuvre s’inscrit parfaitement dans cette tendance artistique.
    La cave est réalisée en bois de placage de loupe de thuya, un matériau précieux et recherché pour son aspect décoratif unique. Le thuya, grâce à ses veines tourmentées et ses nœuds, offre un effet visuel sophistiqué, plein de relief et de contrastes, qui confère une élégance discrète à l’objet. Ce placage est encadré par du bois de rose, un autre bois noble, très prisé pour sa teinte chaude et sa texture fine, souvent utilisé dans l’ébénisterie de luxe. À cela s’ajoute un décor de bois noirci, qui vient accentuer le contraste des matériaux et donner une touche de sobriété, tout en mettant en valeur les filets de laiton qui parcourent l’ensemble de la cave. Ces filets, d’une finesse admirable, soulignent les contours et les volumes de l’objet, lui apportant une certaine légèreté et un raffinement supplémentaire.
    L’une des particularités de cette cave à liqueur réside dans sa façade mouvementée. Loin des formes géométriques strictes ou des lignes droites qui caractérisaient parfois les productions antérieures, cette façade adopte des courbes sinueuses et harmonieuses, propres au style Napoléon III. Cette forme mouvementée confère à l’ensemble un dynamisme et une fluidité qui captent immédiatement le regard et témoignent du grand savoir-faire de l’artisan qui a réalisé cet objet. Le travail de la façade se prolonge sur l’abattant, qui se distingue par un cartouche feuillagé incrusté de laiton et de nacre. Cette ornementation, réalisée avec une grande précision, évoque un motif végétal riche et délicat, typique des décors de la seconde moitié du XIXe siècle. La combinaison du laiton et de la nacre apporte non seulement une brillance et une richesse visuelle, mais aussi une certaine douceur grâce aux reflets irisés de la nacre, qui varie selon la lumière. Fait intéressant, ce cartouche n’est pas monogrammé, ce qui laisse supposer qu’il n’était pas destiné à une commande spécifique, ou que son propriétaire n’a pas souhaité y apposer ses initiales, permettant ainsi à cette cave de conserver une certaine universalité.
    En ouvrant cette cave, on découvre un ensemble tout aussi raffiné de 4 carafes et de 16 verres à liqueur, tous réalisés en cristal de Baccarat, un nom qui incarne l’excellence dans l’art de la verrerie et du cristal depuis le XVIIIe siècle. Chaque pièce est finement décorée de rehauts de dorure, un ornement qui ajoute une touche d’éclat et de luxe à l’ensemble. Le cristal de Baccarat, réputé pour sa pureté, sa transparence et son éclat, est ici sublimé par cette dorure délicate, qui vient rehausser les courbes des carafes et des verres. Ces derniers, de taille idéale pour déguster des liqueurs, sont non seulement des objets fonctionnels, mais aussi des pièces décoratives qui témoignent du goût raffiné de l’époque.
    L’agencement interne de la cave est étudié avec soin, permettant de ranger et de protéger chaque carafe et chaque verre dans un compartiment spécifique, afin d’éviter tout choc ou dommage. Ce souci du détail montre l’importance accordée non seulement à l’apparence extérieure de l’objet, mais aussi à sa fonctionnalité. 
  • Lampe à pétrole ancienne, bronze doré, attribué à Georges LeleuLampe à pétrole ancienne, bronze doré, attribué à Georges Leleu

    Belle et ancienne lampe à pétrole en bronze doré, attribué à Georges Leleu

    850,00 
    Lampe à pétrole ancienne en bronze doré, attribuée à Georges Leleu. Élégant décor floral Art Nouveau. Hauteur 47 cm. Pièce rare à découvrir
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    Sculpture bronze de la fin du XIXe siècle, représentant Molière assis dans un fauteuil avec la plume à la main, signé Pradier

    Sculpture bronze de la fin du XIXe siècle, représentant Molière assis dans un fauteuil avec la plume à la main, signé Pradier

    1400,00 
    Cette sculpture en bronze de la fin du XIXe siècle, signée Pradier, représente Molière, l’un des plus grands dramaturges français de tous les temps, assis dans un fauteuil, une plume à la main. Avec ses dimensions relativement modestes de 26 cm de haut, cette pièce se distingue par la précision de ses détails et l’expressivité de sa posture, qui incarnent l’essence même de l’artiste pensif et créatif.
    Le personnage principal de la sculpture est Molière, vêtu de manière élégante avec une longue robe aux plis riches et fluides. L’attention aux détails est frappante, chaque pli de son vêtement étant soigneusement travaillé pour donner une impression de mouvement et de réalisme. La texture du tissu est finement ciselée, créant une juxtaposition entre la douceur de la robe et la dureté du bronze, matériau utilisé pour la réalisation de l’œuvre. Le bronze patiné confère à la sculpture une profondeur et une chaleur qui accentuent son caractère solennel. Molière est représenté dans une posture contemplative, avec la tête appuyée sur sa main gauche, le regard vague, comme s’il était en plein processus créatif ou en réflexion profonde.
    L’autre main de Molière tient une plume, symbole indéniable de son métier d’écrivain. La plume, représentée avec une finesse délicate, renforce l’idée que cette sculpture capture un moment de création intellectuelle. Ce détail évoque non seulement la carrière prolifique de Molière, mais aussi son rôle primordial dans l’histoire de la littérature et du théâtre. Molière est connu pour avoir écrit certaines des plus grandes pièces de théâtre comique de l’histoire, telles que *Le Malade imaginaire*, *Tartuffe* et *L’Avare*. Sa plume, ici mise en avant, est l’instrument par lequel il a marqué de manière indélébile le patrimoine culturel français.
    Le fauteuil sur lequel Molière est assis est lui aussi une œuvre d’art en soi. De style classique, il est richement décoré avec des motifs sculptés qui démontrent l’expertise du sculpteur. La base du fauteuil, ornée de franges et de motifs géométriques, porte également la signature de Pradier, gravée de manière lisible, affirmant ainsi l’authenticité et la qualité artistique de l’œuvre. Jean-Jacques Pradier, sculpteur de renom du XIXe siècle, est célèbre pour ses œuvres d’une grande finesse et son talent pour capturer les détails anatomiques et textiles de ses sujets.
    Cette sculpture reflète parfaitement les tendances artistiques du XIXe siècle, marquées par un retour à des formes classiques et une admiration pour les grands hommes de lettres et d’art. L’art de cette période met souvent en avant les personnages historiques dans des poses héroïques ou méditatives, et cette œuvre ne fait pas exception. Molière est ici montré non pas comme un comédien sur scène, mais comme un penseur, un créateur dans un moment d’introspection. Cette représentation statique mais intense nous rappelle que l’éclat de ses œuvres vient avant tout de son génie créatif.
    Le choix de représenter Molière dans un tel moment de quiétude intellectuelle témoigne également de la manière dont la fin du XIXe siècle a vu une réévaluation de la figure de l’écrivain. Molière, autrefois acteur et auteur comique, est ici érigé au rang de penseur profond, presque philosophe, soulignant la dimension intellectuelle de son travail.
    Enfin, cette œuvre illustre également le savoir-faire technique des sculpteurs de cette époque.
  • Pierre Gilles, joli lustre art déco vers 1930 en bronze et verre mouléPierre Gilles, joli lustre art déco vers 1930 en bronze et verre moulé

    Pierre Gilles, joli lustre art déco vers 1930 en bronze et verre moulé

    850,00 
    Lustre Art déco Pierre Gilles, vers 1930, en bronze nickelé et verre moulé pressé, signé J. Robert. Élégance et raffinement pour votre intérieur
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    Coffret de 12 porte couteaux en métal chromé de Benjamin RabierCoffret de 12 porte couteaux en métal chromé de Benjamin Rabier

    Coffret de 12 porte couteaux en métal chromé de Benjamin Rabier

    Cet ensemble de douze porte-couteaux en métal argenté, inspiré par les célèbres Fables de La Fontaine, constitue une œuvre remarquable de l’époque Art déco. Créés par Benjamin Rabier (1869-1939), un artiste français de renom, ces porte-couteaux sont non seulement des objets d’art, mais aussi des témoignages d’une époque où l’élégance et le raffinement se reflétaient jusque dans les moindres détails du quotidien.
    Benjamin Rabier, né en 1869, est souvent considéré comme l’un des précurseurs de la bande dessinée moderne. Il est particulièrement connu pour ses illustrations animalières, qui ont su capturer l’imaginaire populaire grâce à leur vivacité et leur humour subtil. Rabier a travaillé pour de nombreux journaux et éditeurs, et ses dessins ont marqué plusieurs générations. L’une de ses créations les plus célèbres est « La Vache qui rit », un logo emblématique qui est toujours utilisé aujourd’hui.
    Rabier avait une affinité particulière pour les animaux, qu’il parvenait à humaniser sans pour autant leur faire perdre leur essence. Cette capacité se retrouve dans les illustrations qu’il a réalisées pour les Fables de La Fontaine, où chaque animal devient un personnage à part entière, doté de caractéristiques expressives et souvent humoristiques. Il a ainsi contribué à rendre ces fables, déjà populaires, encore plus accessibles et vivantes pour le grand public.
    Les douze porte-couteaux de cet ensemble sont chacun une représentation minutieuse des animaux des fables de La Fontaine, signée « Benjamin Rabier » en creux sur la base. Ces petites sculptures traduisent la finesse du travail de l’artiste, qui a su donner vie aux histoires de La Fontaine à travers des figures telles que la Cigale et la Fourmi, le Corbeau et le Renard, ou encore le Loup et l’Agneau. Chaque porte-couteau raconte une histoire, capturant l’essence même des leçons morales que La Fontaine a voulu transmettre à travers ses récits.
    Le choix de l’argenté pour ces objets n’est pas anodin. L’orfèvre Dilecta, reconnu pour la qualité de son travail durant la période Art déco, a collaboré avec Rabier pour créer des pièces qui allient esthétique et fonctionnalité. Le poinçon d’orfèvre apposé sur chaque porte-couteau atteste de la qualité du métal utilisé et du savoir-faire artisanal mis en œuvre. La période Art déco, avec son goût pour les lignes épurées et l’élégance sobre, se reflète parfaitement dans ces porte-couteaux qui allient tradition et modernité.
    Les dimensions des porte-couteaux, variant entre 8 cm et 10 cm de longueur pour une largeur d’environ 2,5 cm, en font des objets à la fois pratiques et décoratifs. 
  • Grand mannequin articulé d'attraction foraine, automate vers 1980

    Grand mannequin articulé d’attraction foraine, automate vers 1980

    1200,00 
    Le grand mannequin de foire des années 1980, souvent placé à l’entrée d’attractions telles que les châteaux hantés, est un exemple fascinant d’automate conçu pour captiver l’attention et créer une expérience immersive dès l’abord d’une attraction. Mesurant environ 180 cm, ce mannequin se distingue non seulement par sa taille, mais aussi par sa capacité à interagir avec les passants, offrant une dimension interactive et presque humaine à ce qui aurait autrement pu être un simple décor.
    Vêtu d’un costume élégant, peut-être inspiré des tenues formelles du XIXe siècle avec un chapeau haut de forme, l’automate possédait une allure à la fois imposante et accueillante. Son rôle n’était pas simplement décoratif. Il était conçu pour saluer les visiteurs, les complimenter sur leur apparence, et les inviter à pénétrer dans l’attraction. Cette interaction verbale, bien que simple, ajoutait une couche de personnalisation à l’expérience foraine, donnant aux visiteurs le sentiment d’être reconnus et accueillis personnellement.
    L’automate était équipé de mécanismes permettant des mouvements articulés, une caractéristique qui, à l’époque, témoignait de l’ingéniosité des fabricants. La tête et les yeux du mannequin pouvaient bouger, suivant les visiteurs ou les fixant lorsqu’il leur adressait la parole. Ces mouvements, bien que limités comparés aux standards d’aujourd’hui, conféraient à l’automate une présence quasi vivante, renforçant l’atmosphère mystérieuse et immersive du château hanté ou de toute autre attraction où il se trouvait.
    L’utilisation de tels automates dans les foires et parcs d’attractions des années 1980 s’inscrivait dans une tradition plus large de l’animation mécanique, un art qui remonte à plusieurs siècles. Toutefois, les modèles des années 1980, comme celui-ci, étaient souvent plus sophistiqués grâce aux avancées technologiques de l’époque. Les enregistrements sonores et les mécanismes de mouvement étaient plus fiables et réalistes, permettant à ces automates de fonctionner de manière plus fluide et convaincante.
    Ces automates n’étaient pas seulement des objets d’animation, mais aussi des pièces d’ingénierie complexe, nécessitant un entretien régulier pour rester en bon état de fonctionnement. Avec le temps, et surtout avec l’évolution des technologies numériques et des effets spéciaux, ces mannequins mécaniques ont progressivement disparu des foires, remplacés par des dispositifs plus modernes et interactifs. Toutefois, leur rareté actuelle sur le marché de la brocante en fait des objets de collection très prisés, particulièrement lorsqu’ils sont en état de marche.
    Aujourd’hui, il est de plus en plus difficile de trouver des automates de cette époque en bon état, surtout ceux qui ont conservé leur capacité à parler et à bouger. Le fait qu’ils soient encore fonctionnels ajoute une valeur significative, non seulement en tant qu’objets historiques, mais aussi en tant que témoins d’une période spécifique de l’histoire des foires. Ils représentent une époque où l’innovation technique se mêlait à l’art de la mise en scène pour créer des expériences inoubliables pour le public.
    La popularité actuelle de la culture vintage et rétro a contribué à la redécouverte de ces automates, avec un regain d’intérêt pour les objets qui rappellent l’enfance de nombreux adultes d’aujourd’hui. Les collectionneurs et passionnés cherchent à retrouver ces pièces pour leur valeur esthétique, historique, et émotionnelle. En outre, ces automates incarnent une forme de technologie ancienne qui, bien qu’obsolète à certains égards, continue de fasciner par son ingéniosité et son charme.
    Le grand mannequin de foire des années 1980, lorsqu’il est conservé et présenté dans des collections privées ou des expositions, évoque une époque où la technologie et l’artisanat se combinaient pour donner vie à des créations uniques.
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    Gobelet à bord évasé du premier tiers du XIXe siècle

    Gobelet à bord évasé du premier tiers du XIXe siècle

    Le gobelet à bord évasé du premier tiers du XIXe siècle, probablement créé à Paris entre 1810 et 1830, représente un exemple remarquable de l’art verrier de cette période. Ce type de verrerie fine était souvent produit dans les ateliers parisiens, célèbres pour leur maîtrise technique et leur sens esthétique. Ce gobelet particulier est potentiellement assimilable à une pièce de la collection du Musée du Louvre, qui abrite de nombreuses œuvres représentatives de cette époque.
    L’élément distinctif du gobelet est son fond taillé en étoile à huit pointes. Ce motif, fréquemment utilisé dans la verrerie de luxe du début du XIXe siècle, témoigne de la minutie et de l’habileté des artisans verriers de l’époque. La base du gobelet est ornée d’olives et d’un bandeau de diamants, une décoration élaborée qui ajoute à la richesse visuelle de l’objet. Ces détails ornementaux sont le reflet d’une époque où la verrerie n’était pas seulement fonctionnelle, mais également un moyen d’expression artistique.
    Le décor gravé à la roue, une technique nécessitant une grande précision, est un autre aspect notable de ce gobelet. La scène gravée représente deux colombes portant une couronne dans leurs becs, symbolisant souvent la paix ou l’amour éternel dans l’iconographie de l’époque. À côté des colombes, deux flambeaux sont gravés, symbolisant la lumière ou la connaissance. Un chien assis, figuré dans la scène, pourrait représenter la fidélité ou la vigilance, des valeurs chères au XIXe siècle. La scène inclut également une partie de monument avec son jardin, évoquant peut-être un lieu de mémoire ou de contemplation, ainsi qu’une grosse colonne, élément architectural symbolisant la force et la stabilité.
    Les dimensions du gobelet, mesurant 9,5 cm de hauteur avec un diamètre au buvant de 8,3 cm, sont typiques des objets de ce type et de cette période. Ces proportions indiquent un objet conçu pour être tenu en main et utilisé avec une certaine élégance, suggérant qu’il s’agissait probablement d’un gobelet destiné à une consommation domestique de boissons fines, peut-être pour des occasions spéciales ou dans un cadre cérémonial.
    La finesse de la gravure et la qualité des matériaux utilisés sont des indications claires de la provenance parisienne de ce gobelet. Paris, à cette époque, était un centre de production verrière de premier plan, avec des artisans qui étaient souvent au service de l’aristocratie et de la haute bourgeoisie. Le fait que ce gobelet puisse faire partie d’une collection prestigieuse comme celle du Musée du Louvre renforce l’idée de son importance artistique et historique.
  • Belle table basse ronde en laiton de la maison Baguès, deux plateauxBelle table basse ronde en laiton de la maison Baguès, deux plateaux

    Belle table basse ronde en laiton de la maison Baguès, deux plateaux

    650,00 
    Belle Table Basse Ronde de Baguès : Élégance Intemporelle du XXe Siècle
    La maison Baguès, synonyme de luxe et de raffinement, propose une somptueuse table basse de forme ronde, qui illustre parfaitement l’élégance intemporelle du mobilier du XXe siècle. Cette pièce distinctive, véritable chef-d’œuvre de décoration intérieure, se caractérise par une structure en laiton et deux plateaux en verre, conjuguant harmonieusement des matériaux nobles et un design raffiné.
    Structure en Laiton : Éclat et Robustesse
    Le laiton, un alliage précieux de cuivre et de zinc, est réputé pour sa durabilité et son apparence luxueuse. Dans cette table basse, la structure en laiton n’est pas seulement un choix esthétique mais également une déclaration de qualité et de solidité. Les artisans de Baguès ont façonné ce métal avec une précision exceptionnelle, créant une structure délicate mais robuste, capable de traverser les décennies sans perdre de son éclat ni de sa stabilité.
    Les finitions en laiton poli confèrent à la table une brillance subtile qui capte la lumière de manière exquise, rehaussant ainsi son attrait visuel. Cette brillance est accentuée par les formes élégantes et arrondies de la structure, qui apportent une sensation de fluidité et de mouvement à l’ensemble. Les pieds de la table, finement travaillés, ajoutent une touche de sophistication supplémentaire, témoignant de l’attention portée aux moindres détails par les artisans de Baguès.
    Plateaux en Verre : Transparence et Modernité
    Cette table basse se distingue également par ses deux plateaux en verre, qui ajoutent une dimension de transparence et de légèreté. Le verre, matériau noble par excellence, apporte une touche de modernité tout en conservant une esthétique intemporelle. Les plateaux sont méticuleusement polis pour offrir une surface lisse et brillante, idéale pour mettre en valeur les objets décoratifs ou les livres disposés dessus.
    Les deux niveaux de plateaux offrent une fonctionnalité supplémentaire. Le plateau supérieur, spacieux, est parfait pour y poser des magazines, des vases ou des tasses de café, tandis que le plateau inférieur offre un espace de rangement discret pour d’autres objets, permettant de garder la surface principale dégagée et ordonnée. Cette conception à deux niveaux est non seulement pratique, mais elle ajoute également une dimension visuelle intéressante, créant un jeu de perspectives et de reflets.Conception et Fabrication Artisanale
    La maison Baguès est reconnue pour son savoir-faire artisanal et ses créations de haute qualité. Chaque table basse est le fruit d’un travail minutieux, où chaque détail est soigneusement pensé et réalisé. La combinaison de laiton et de verre n’est pas seulement esthétique mais aussi technique, nécessitant une précision et une maîtrise parfaite des matériaux.
    Les artisans de Baguès utilisent des techniques traditionnelles, transmises de génération en génération, pour garantir la perfection de chaque pièce. Le processus de fabrication comprend plusieurs étapes, allant de la sélection des matériaux à l’assemblage final, chaque étape étant réalisée avec une attention particulière aux détails. Cette approche artisanale garantit que chaque table basse est unique, portant la signature de l’excellence et de l’authenticité.
    Un Mobilier Intemporel
    La table basse ronde de Baguès est plus qu’un simple meuble; c’est une œuvre d’art qui traverse le temps. Son design intemporel permet de l’intégrer aussi bien dans un intérieur classique que contemporain, apportant à chaque fois une touche de raffinement. Cette pièce s’inscrit parfaitement dans l’héritage de la maison Baguès, connue pour ses créations élégantes et ses techniques de fabrication traditionnelles.
    Posséder une telle table, c’est s’offrir un morceau d’histoire du design et de l’artisanat français. Chaque élément de cette table, du laiton aux plateaux en verre, raconte une histoire de passion et de savoir-faire, reflet d’une époque où le mobilier était conçu pour durer et pour être admiré.

     

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    Grand pique cierge ancien en bois sculpté, époque 17e siècleGrand pique cierge ancien en bois sculpté, époque 17e siècle

    Grand pique cierge ancien en bois sculpté, époque 17e siècle

    1300,00 
    Le grand pique-cierge ancien en bois sculpté que nous présentons est une œuvre remarquable datant du XVIIe siècle. Ce type de mobilier liturgique était couramment utilisé dans les églises pour soutenir de grands cierges, participant ainsi à l’atmosphère solennelle des cérémonies religieuses. Cet exemplaire, mesurant 156 cm de hauteur totale, se distingue par son design élégant et sa finesse de réalisation, caractéristiques du savoir-faire artisanal de l’époque.
    Description détaillée
    Bois sculpté : Le bois utilisé pour ce pique-cierge est finement sculpté, témoignant d’une grande maîtrise technique et artistique. Chaque détail est travaillé avec soin, ce qui confère à l’objet une grande richesse visuelle. Les motifs sculptés pourraient inclure des éléments floraux, des arabesques ou des motifs géométriques typiques de l’époque baroque, bien que l’usure du temps puisse en avoir atténué certains aspects.
    Piétement tripode : Le support repose sur un piétement tripode, une configuration classique qui assure une stabilité optimale. Chaque pied est magnifiquement sculpté en forme de griffe, une caractéristique stylistique qui évoque la force et la majesté. Sous chaque griffe, une boule décorative ajoute une touche supplémentaire de sophistication et de stabilité visuelle.
    Conversion en lampe : À une période ultérieure de son histoire, ce pique-cierge a été transformé en lampe. Cette adaptation témoigne de la polyvalence de l’objet et de sa capacité à traverser les époques en s’adaptant à des usages divers. Cette transformation a probablement impliqué l’ajout de composants électriques, tout en respectant l’intégrité esthétique de la pièce originale.
    État de conservation
    Malgré les siècles écoulés, ce pique-cierge est en relativement bon état. Les signes d’usure naturelle, tels que les petites fissures, les éraflures ou les altérations mineures du bois, ajoutent à son charme et attestent de son authenticité. Le bois a probablement été traité et entretenu au fil des ans pour prévenir la dégradation et conserver sa beauté d’origine.
    Importance historique et esthétique
    Ce grand pique-cierge est plus qu’un simple objet décoratif. Il représente un morceau d’histoire, une fenêtre sur les pratiques et l’artisanat du XVIIe siècle. À cette époque, les objets liturgiques étaient souvent conçus avec une grande attention aux détails et à la symbolique, chaque élément ayant une signification particulière. Les pieds en forme de griffe, par exemple, pouvaient symboliser la protection divine ou la force spirituelle.
    Utilisation contemporaine
    Dans un contexte moderne, ce pique-cierge peut être intégré dans divers environnements. Dans une collection privée, il servira de pièce maîtresse, illustrant le goût pour les antiquités et l’art sacré.
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    Magnifique œuvre de Clément Serveau (1886-1972) La robe CrétoiseMagnifique œuvre de Clément Serveau (1886-1972) La robe Crétoise

    Magnifique œuvre de Clément Serveau (1886-1972) La robe Crétoise

    2800,00 
    Clément Serveau, né en 1886 et décédé en 1972, est un peintre français renommé pour ses portraits réalistes empreints de sensibilité. Son œuvre « La robe Crétoise, » une huile sur panneau réalisée en 1935, illustre magnifiquement son talent. Cette peinture, mesurant 65 x 54 cm, est une démonstration éclatante de la maîtrise technique de Serveau et de sa capacité à capturer l’essence de ses sujets avec une précision remarquable.
    « La robe Crétoise » présente une femme vêtue d’une robe traditionnelle crétoise, riche en détails et en textures. Les plis du tissu et les motifs brodés sont rendus avec une finesse extraordinaire, témoignant de l’attention méticuleuse de l’artiste aux particularités culturelles du costume. La lumière, subtilement appliquée, met en valeur la texture de la robe et la douceur de la peau du modèle, créant un contraste saisissant avec le fond sombre. Cela confère à la composition une profondeur et une dimension supplémentaires, attirant l’œil du spectateur vers le visage expressif de la femme.
    Le portrait montre une expression empreinte de douceur et de réflexion, capturant non seulement l’apparence physique du modèle mais aussi une profondeur psychologique. L’attention de Serveau aux détails anatomiques, comme la délicatesse des mains et la complexité des traits du visage, ajoute une dimension de réalisme qui rend le sujet presque tangible. La femme semble plongée dans ses pensées, ce qui ajoute une narration silencieuse à l’œuvre, invitant les spectateurs à imaginer son histoire et ses émotions.
    La signature de Clément Serveau et la date de création, clairement visibles en bas de l’œuvre, attestent de son authenticité. Serveau, qui a traversé plusieurs courants artistiques au cours de sa carrière, reste fidèle à un style réaliste tout en intégrant des éléments impressionnistes dans ses jeux de lumière et ses palettes de couleurs. Cette peinture reflète cette synthèse artistique, où la précision du trait se marie harmonieusement avec une approche plus libre et expressive de la couleur.
    Clément Serveau est souvent célébré pour sa capacité à immortaliser la beauté intemporelle de ses sujets tout en capturant l’esprit de l’époque. « La robe Crétoise » n’échappe pas à cette règle. 
  • Ancienne canne, pommeau en argent massif, époque 1er EmpireAncienne canne, pommeau en argent massif, époque 1er Empire

    Belle et ancienne canne, pommeau en argent 1er Empire

    350,00 
    L’ancienne canne que nous avons ici est une pièce remarquable, imprégnée d’histoire et d’artisanat de l’époque du 1er Empire au XIXe siècle. Cette époque, qui coïncide avec le règne de Napoléon Bonaparte, est marquée par un style artistique et culturel spécifique, où l’orfèvrerie atteint un haut degré de raffinement.
    Le pommeau de cette canne est en argent massif, une caractéristique qui témoigne de la qualité et du luxe associés à l’objet. L’argent, précieux et durable, était un choix prisé pour les accessoires de mode et les objets de valeur, et ce pommeau ne fait pas exception. Le poinçon argent présent sur le pommeau confirme l’authenticité et la pureté de l’argent utilisé, attestant que cette pièce a été soumise à des normes strictes de qualité lors de sa fabrication.
    Le décor du pommeau est particulièrement intéressant et évocateur de l’époque impériale. Il est orné de motifs d’abeilles, symbole étroitement lié à Napoléon Bonaparte. L’abeille, choisie par Napoléon comme emblème de son empire, symbolisait l’industrie, l’immortalité et la résurrection, des valeurs que l’Empereur voulait voir associées à son règne. Les abeilles décorant le pommeau sont finement ciselées, démontrant le haut niveau de compétence des artisans de l’époque.
    La canne elle-même est montée sur un support en bois, ce qui ajoute à son charme et à son authenticité. Le bois, matériau traditionnellement utilisé pour les cannes, est non seulement robuste mais aussi d’une grande élégance. Le support en bois a été soigneusement travaillé pour compléter le luxe et le raffinement du pommeau en argent, formant ainsi une unité harmonieuse et esthétique.
    En termes d’état, cette canne est en bon état général, une condition rare et précieuse pour un objet de cette époque. Malgré les années qui se sont écoulées, elle a su conserver sa beauté et son intégrité, ce qui en fait un témoignage tangible et fascinant du passé. Les quelques traces d’usure, inévitables pour un objet ancien, ajoutent même au charme et à l’authenticité de la pièce, racontant silencieusement l’histoire de ceux qui l’ont possédée et utilisée.
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    Statuette de prière, moine Bouddhiste bois sculptéStatuette de prière, moine Bouddhiste bois sculpté

    Statuette de prière, moine Bouddhiste fin XVIIIe en bois sculpté

    Voici une magnifique et ancienne sculpture en bois polychromé, représentant un moine bouddhiste en prière. Datant de la fin du XVIIIe siècle ou du début du XIXe siècle, cette œuvre est un exemple remarquable de l’artisanat de cette époque. Le bois utilisé pour la sculpture est exceptionnellement léger, un détail qui souligne l’habileté et la maîtrise des artisans de l’époque. Cette légèreté pourrait également indiquer l’utilisation de bois de haute qualité, soigneusement sélectionné pour ce type de travail délicat.
    La statuette présente une particularité intrigante : sa tête est amovible, se détachant comme un bouchon. Cette caractéristique unique suggère que la sculpture pouvait être utilisée pour cacher un objet de valeur ou une lettre de prière. Dans les traditions bouddhistes, il n’est pas rare que des objets sacrés soient dissimulés à l’intérieur de statues, ajoutant ainsi une dimension mystique et fonctionnelle à l’œuvre. Cette possibilité confère à la statuette un intérêt supplémentaire, transformant un simple objet de dévotion en un réceptacle de secrets spirituels.
    Mesurant 19,5 cm de hauteur, la statuette est d’une taille idéale pour être manipulée et exposée avec élégance. Sa taille compacte n’enlève rien à la richesse de ses détails. Les traits du visage du moine et la position de ses mains en prière sont finement sculptés, reflétant une profonde dévotion et une sérénité intérieure. La polychromie, bien que partiellement usée par le temps, reste visible et ajoute une dimension colorée et vivante à l’œuvre. Les pigments utilisés sont typiques de l’époque et apportent une touche d’authenticité supplémentaire à cette pièce ancienne.
    Il est important de noter que, malgré son ancienneté, la statuette a conservé une grande partie de sa beauté originale. Quelques imperfections sont visibles, comme en témoignent les photos, mais ces marques du temps ne font qu’ajouter à son charme et à son authenticité. Elles racontent l’histoire de l’objet, témoignant de son passage à travers les siècles et de son utilisation par des générations de fidèles. Ces imperfections ne sont pas des défauts, mais des preuves de l’histoire riche et complexe de cette œuvre.
  • Commode Louis XVI, marbre blanc, époque XIXe, Antiquités et brocanteCommode Louis XVI, marbre blanc, époque XIXe, Antiquités et brocante

    Commode Louis XVI en acajou de plaquage et massif, marbre blanc

    1200,00 
    Cette splendide commode de style Louis XVI, datant du XIXe siècle, est un témoignage éloquent de l’artisanat et de l’esthétique raffinée de cette époque. Fabriquée en acajou de placage et massif, elle incarne l’élégance et le goût sophistiqué qui caractérisaient les intérieurs des demeures bourgeoises et aristocratiques du XIXe siècle.
    Le dessus de cette commode est en marbre blanc, délicatement veiné, avec des bords chanfreinés sur les trois côtés, ajoutant une touche de noblesse et de sophistication à l’ensemble. Le marbre, matériau prisé pour sa durabilité et sa beauté naturelle, contraste harmonieusement avec la chaleur et la profondeur de l’acajou.
    La commode est structurée de manière fonctionnelle et esthétique avec cinq tiroirs. Deux tiroirs occupent la partie inférieure, tandis que la partie supérieure est agencée avec trois tiroirs. Les tiroirs centrales sont dotés d’une entrée de serrure, témoignant du souci du détail et de la sécurité à l’époque. Chacun de ces tiroirs est encadré par un gainage de laiton, qui en souligne les contours et ajoute une touche de brillance. Les panneaux latéraux sont également embellis par ce gainage en laiton, assurant une continuité stylistique et une harmonie visuelle.
    Le piétement fuseau droit de la commode, typique du style Louis XVI, est orné de cannelures et se termine par des sabots en laiton. Ces pieds fuselés et cannelés non seulement ajoutent à l’élégance du meuble, mais garantissent également sa stabilité. Les sabots en laiton protègent les pieds tout en ajoutant une touche décorative supplémentaire.
    Les anneaux de tirage en bronze, décorés de motifs perlés, apportent une note luxueuse et sophistiquée. Bien qu’un anneau soit manquant, cela n’altère en rien la majesté et le charme de cette commode. Le bronze, utilisé pour les anneaux de tirage, était un matériau de choix pour ses qualités esthétiques et sa résistance à l’usure.
    Malgré son âge, cette commode est en relativement bon état, ce qui témoigne de la qualité de sa fabrication et des matériaux utilisés. Les artisans du XIXe siècle, fidèles à l’héritage du style Louis XVI, ont su créer un meuble à la fois durable et d’une beauté intemporelle.

     

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    Ensemble de 4 Moineaux en Cristal Lalique France, par Marc Lalique, Antiquités et brocanteEnsemble de 4 Moineaux en Cristal Lalique France, par Marc Lalique, Antiquités et brocante

    Ensemble de 4 Moineaux en Cristal Lalique France, par Marc Lalique

    Ensemble de 4 moineaux en cristal de la maison Lalique, signé en sur le devant de la terrasse, fabrication de la période de Marc Lalique.

     

    Marc Lalique (1900-1977), fils de René Lalique, a su perpétuer et enrichir l’héritage de la célèbre maison Lalique, fondée par son père en 1888. René Lalique, maître-verrier et joaillier de renommée mondiale, était connu pour ses créations Art Nouveau et Art Déco. Marc, ayant grandi dans cet environnement artistique, a naturellement été imprégné de l’expertise et de la vision de son père, qu’il a su adapter et transformer avec son propre style et ses innovations techniques.
    Après la mort de René Lalique en 1945, Marc a pris les rênes de l’entreprise familiale. L’une de ses premières grandes contributions a été la transition de la production Lalique vers le cristal. Avant cette époque, les créations Lalique étaient principalement en verre. Marc a compris que le cristal offrait de nouvelles possibilités en termes de pureté, de brillance et de subtilité des détails. Cette transition a marqué un tournant décisif pour la maison Lalique, consolidant sa réputation de créateur de pièces de luxe d’une qualité inégalée.
    Les moineaux en cristal, un des thèmes récurrents et iconiques de la maison Lalique, illustrent parfaitement la vision de Marc. Sous sa direction, la maison a continué à produire des œuvres d’une beauté saisissante et d’une qualité exceptionnelle, alliant des techniques de soufflage et de taille de cristal héritées de son père à des innovations modernes. Chaque moineau est sculpté avec une minutie exemplaire, capturant la légèreté et la délicatesse de l’oiseau, tout en jouant avec la transparence et la luminosité du cristal. La signature sur le devant de la terrasse témoigne de l’authenticité et de la qualité de l’œuvre.
    Marc Lalique n’a pas seulement maintenu l’excellence de la maison, il a aussi su la faire évoluer. Sous sa direction, Lalique a étendu sa gamme de produits pour inclure des luminaires, des vases, des flacons de parfum et des objets décoratifs, tout en continuant à produire des bijoux de haute qualité. Il a également collaboré avec des designers et des artistes de renom, élargissant ainsi l’influence et l’attrait de la marque.
    La période de Marc Lalique est souvent considérée comme une époque d’innovation et de consolidation. Ses créations ont su capter l’esprit de leur temps tout en restant fidèles aux principes esthétiques et techniques de la maison Lalique. Ses œuvres sont aujourd’hui très recherchées par les collectionneurs et les amateurs d’art, témoignant de leur valeur artistique et historique.
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    Deux meubles vintage rares de la marque Canson Meuble, en bois, Antiquités et brocanteDeux meubles vintage rares de la marque Canson Meuble, en bois, Antiquités et brocante

    Deux meubles vintage rares de la marque Canson Meuble, en bois

    Deux Meubles Vintage de la Marque Canson : Une Rareté pour les Amateurs de Design
    Vous avez l’opportunité d’acquérir deux meubles vintage d’exception de la prestigieuse marque Canson. Ces pièces uniques en bois sont conçues pour répondre à des besoins de rangement spécifiques tout en apportant une touche esthétique indéniable à votre intérieur. Voici en détail ce que ces meubles peuvent offrir.
    Caractéristiques et Fonctionnalités
    Chaque meuble est équipé de cinq tiroirs spacieux, idéaux pour le rangement de feuilles au format Raisin (50 x 65 cm). Ces tiroirs permettent de stocker entre 500 et 600 feuilles selon le grammage du papier. Ce large espace de rangement est parfait pour les artistes, les architectes ou toute personne ayant besoin de conserver des documents de grande taille en parfait état.
    Les dimensions de chaque meuble sont les suivantes : une hauteur de 38 cm, une largeur de 72,5 cm, et une profondeur de 57 cm. Ces mesures compactes permettent aux meubles de s’intégrer facilement dans divers espaces de votre maison ou de votre bureau.
    Esthétique et Polyvalence
    Le design vintage de ces meubles en bois ajoute une touche d’élégance rétro à n’importe quelle pièce. Leur finition soignée et leur allure intemporelle les rendent parfaits pour des usages variés. Outre leur fonction première de rangement de papier, ces meubles peuvent être détournés en éléments de décoration uniques.
    Par exemple, en tant que tables de chevet, ils apporteront une note de charme et de caractère à votre chambre. Leurs tiroirs peuvent accueillir non seulement du papier, mais également des livres, des accessoires, ou tout autre objet que vous souhaitez garder à portée de main. De même, placés dans un salon, ils peuvent servir de tables d’appoint ou de rangements élégants pour divers objets de décoration.
    Un Investissement Durable
    Investir dans ces meubles Canson, c’est choisir la durabilité et la qualité. La marque Canson est reconnue pour son expertise et son engagement envers des produits de haute qualité. Le bois utilisé pour ces meubles est robuste et résistant, garantissant une longévité remarquable. Ce sont des pièces qui ne se démodent pas et qui peuvent même prendre de la valeur avec le temps, grâce à leur caractère vintage et leur rareté.
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    Superbe pendule, datant de l'époque de la Restauration au début du XIXe siècle, Antiquités et brocanteSuperbe pendule, datant de l'époque de la Restauration au début du XIXe siècle, Antiquités et brocante

    Superbe pendule, datant de l’époque de la Restauration au début du XIXe siècle

    Cette pendule est une pièce d’exception datant de l’époque de la Restauration, au début du XIXe siècle. Fabriquée en bronze doré au mercure, elle incarne l’art et le savoir-faire horloger de cette période historique. La dorure au mercure, une technique exigeante et hautement qualifiée, confère à la pendule une brillance et une durabilité remarquables, témoignant de l’attention minutieuse portée à sa création.
    D’une grandeur majestueuse, cette pendule attire immédiatement le regard par sa présence imposante et son élégance. La dorure resplendissante met en valeur les détails finement ciselés, soulignant la maîtrise artistique des artisans de l’époque. La figure classique de Cérès, déesse de l’agriculture et de la fertilité, trône au sommet de cette œuvre d’art. Cérès est représentée vêtue d’une robe drapée, illustrant à la fois la grâce et la dignité de la divinité. Les plis de sa robe sont délicatement sculptés, chaque détail contribuant à l’impression de mouvement et de vie.
    Le cadran de la pendule porte la signature de Mazillier à Verdun, attestant de son origine prestigieuse. Mazillier était un horloger renommé, et sa signature sur cette pièce ajoute une valeur historique et authentique. Le cadran, lui-même un exemple de sophistication, est orné de chiffres romains et de fines aiguilles, permettant une lecture claire et élégante de l’heure.
    Le mouvement de cette pendule est équipé d’une suspension à fil, un mécanisme typique de l’époque, connu pour sa précision et sa fiabilité. Cette caractéristique technique témoigne de l’avancement des connaissances horlogères au début du XIXe siècle et de l’engagement des horlogers à produire des instruments de haute qualité.
    L’ensemble de la pendule, de par sa grandeur, sa dorure éclatante, et sa figure de Cérès, représente un hommage à la prospérité et à la fertilité. Cérès, dans la mythologie romaine, est la déesse qui préside aux moissons et à la fertilité des terres, symbolisant ainsi l’abondance et la générosité de la nature. Cette représentation est particulièrement appropriée pour une pendule, un objet qui, par essence, mesure le passage du temps, tout en évoquant la cyclicité des saisons et des récoltes.
  • Série complète de 12 porte-couteaux YER en verre dans sa boîte d'origine, Antiquités et brocanteSérie complète de 12 porte-couteaux YER en verre dans sa boîte d'origine, Antiquités et brocante

    Série complète de 12 porte-couteaux YER en verre dans sa boîte d’origine

    250,00 
    Je propose une série complète de 12 porte-couteaux YER, soigneusement conservés dans leur boîte d’origine, datant des années 1930. Ces porte-couteaux en verre moulé sont une œuvre d’art raffinée de la marque française YER, nommée d’après la vallée de la rivière Yerre dans l’Essonne. Ils incarnent un savoir-faire d’époque et un design intemporel qui ravira les amateurs de pièces de collection et les passionnés de décoration vintage.
    La série se compose de douze porte-couteaux, chacun mesurant environ 10 cm. Chaque pièce présente un motif distinctif représentant un animal, apportant ainsi une touche de charme et de diversité à votre table. Les motifs inclus sont deux canards, deux chiens, deux poissons, deux oiseaux de paradis, deux escargots et deux écureuils. Ces animaux sont sculptés avec une précision remarquable, chaque détail du design reflétant l’excellence artisanale de YER. La qualité du verre moulé permet de capturer des détails fins et des textures variées, donnant vie aux animaux représentés.
    Les porte-couteaux sont en parfait état, sans fissures, éclats ou autres imperfections, ce qui témoigne de leur conservation minutieuse au fil des décennies. Le verre est transparent, brillant et opaque, avec une finition lisse qui accentue les détails sculptés. Chaque pièce est non seulement fonctionnelle pour maintenir les couteaux en place, mais aussi esthétiquement plaisante, ajoutant une touche de sophistication à toute présentation de table.
    La boîte d’origine, également en excellent état, complète cette série de manière élégante. Elle est conçue pour protéger les porte-couteaux tout en les exposant de manière raffinée. Le design de la boîte reflète le style de l’époque, avec une attention particulière aux détails qui la rend aussi précieuse que les porte-couteaux eux-mêmes.
    Les porte-couteaux YER des années 1930 sont devenus des pièces de collection recherchées, non seulement pour leur beauté mais aussi pour leur rareté. En effet, la marque YER est reconnue pour sa production limitée et son engagement envers la qualité, ce qui confère à chaque pièce une valeur accrue. Cette série complète représente donc une opportunité unique d’acquérir un ensemble d’objets historiques et décoratifs.
    En possédant cette série de porte-couteaux, vous ne faites pas seulement l’acquisition de pièces fonctionnelles pour vos repas, mais vous investissez également dans un morceau d’histoire du design français. Ils sont parfaits pour les collectionneurs d’objets vintage, les amateurs de verrerie ancienne ou toute personne cherchant à ajouter une touche d’élégance à ses réceptions.
    En résumé, cette série de porte-couteaux YER est une pièce rare qui allie l’élégance du design des années 1930 à une qualité de fabrication exceptionnelle. En parfait état et conservée dans sa boîte d’origine, elle constitue une opportunité précieuse pour enrichir une collection ou embellir une table avec un charme d’antan. Ne laissez pas passer cette chance d’acquérir un ensemble de porte-couteaux qui raconte une histoire et ajoute une touche de sophistication à chaque repas.
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    Très beau Bonheur-du-jour à système, milieu XIXe siècle en acajou, Antiquités et brocanteTrès beau Bonheur-du-jour à système, milieu XIXe siècle en acajou, Antiquités et brocante

    Très beau Bonheur-du-jour à système, milieu XIXe siècle en acajou

    Parmi les meubles anciens, certains se distinguent par une beauté indéniable. Ce bonheur-du-jour à système du milieu du XIXe siècle en est un exemple remarquable. Ce bureau de dame, entièrement réalisé en acajou de Cuba massif et en placages, est un témoignage d’une élégance rare et d’un savoir-faire artisanal d’exception.
    Le meuble est conçu autour d’un miroir biseauté central, flanqué de chaque côté par deux colonnes de quatre tiroirs chacune, surmontées d’un plateau de marbre. Les tiroirs, les montants, la ceinture et la galerie sont ornés de bronze doré finement ciselé, présentant des motifs en filets et draperies délicatement travaillés. Sous le miroir, un large tiroir central renforce la symétrie parfaite de ce meuble classique.
    L’une des caractéristiques les plus remarquables de ce bonheur-du-jour est son plateau amovible. En le tirant, on découvre une élégante tablette d’écriture recouverte de tissus type velours de couleur moutarde. Ce geste déclenche un mécanisme ingénieux qui déverrouille simultanément le tiroir vitrine central et les deux tiroirs latéraux. Le motif central, riche en entrelacs, rappelle les goûts néogothiques et l’éclectisme naissant de l’époque. À gauche du bureau se trouve un encrier, tandis qu’à droite, on trouve une saupoudreuse.
    La ceinture du meuble est ornée de fines draperies, créant une harmonie visuelle avec le plateau. Les pieds cannelés du bureau sont agrémentés de bronze doré et se terminent en pieds toupie. Le grand tiroir central, habilement divisé visuellement en trois sections, poursuit l’idée de symétrie inspirée du néoclassicisme. En tout, ce bureau de dame comporte dix tiroirs, tous en parfait état de fonctionnement.
    Ce bonheur-du-jour ne se distingue pas seulement par son apparence, mais également par la complexité de son mécanisme. En effet, le système qui permet de déverrouiller les tiroirs est une merveille d’ingénierie du XIXe siècle, intégrant à la fois esthétique et fonctionnalité. La présence de ces tiroirs et de leurs mécanismes sophistiqués montre bien l’importance accordée à la praticité et à l’organisation, tout en restant fidèle à une ligne élégante et décorative.
    Le miroir biseauté, central dans la conception du meuble, non seulement ajoute à son allure majestueuse, mais reflète également la lumière, illuminant ainsi l’ensemble de la pièce où il est placé. Le marbre du plateau ajoute une touche de luxe, complétant ainsi l’acajou et le bronze doré pour un effet visuel harmonieux.
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    Sculpture en plâtre, œuvre remarquable inspirée du sculpteur Jean-Baptiste Pigalle, Antiquités et brocanteSculpture en plâtre, œuvre remarquable inspirée du sculpteur Jean-Baptiste Pigalle, Antiquités et brocante

    Sculpture en plâtre, œuvre remarquable inspirée du sculpteur Jean-Baptiste Pigalle

    120,00 
    Le buste en plâtre blanc intitulé « La Rieuse » est une œuvre inspirée du sculpteur français Jean-Baptiste Pigalle, un maître du XVIIIe siècle réputé pour ses créations expressives et délicates. Cette pièce particulière, mesurant 33 cm de hauteur et 25,5 cm de largeur, capture l’essence du style rococo, avec une attention méticuleuse aux détails et une exécution raffinée.
    Description Physique et Esthétique
    « La Rieuse » représente une jeune femme arborant un sourire éclatant, caractéristique de l’allégresse et de la vivacité de l’époque rococo. La sculpture en plâtre blanc permet une clarté et une netteté des traits, rendant justice à l’habileté de Pigalle à capturer l’émotion humaine. Les cheveux de la femme sont délicatement sculptés, tombant en boucles légères et naturelles qui encadrent son visage rayonnant. La signature sous un bras ajoute une touche d’authenticité et de valeur historique à la pièce, indiquant l’origine et le respect envers l’œuvre originale de Pigalle.
    Contexte Historique
    Jean-Baptiste Pigalle (1714-1785) était un sculpteur de renom durant le règne de Louis XV et Louis XVI, ayant reçu des commandes de la cour royale et d’éminentes figures de l’époque. Son style, souvent associé au rococo, se distingue par une fluidité et une expressivité qui captivent l’essence humaine. « La Rieuse » s’inscrit parfaitement dans ce cadre, illustrant non seulement les compétences techniques de Pigalle mais aussi son talent à véhiculer une émotion pure à travers le medium du plâtre.
    Technique et Exécution
    Le choix du plâtre comme matériau de ce buste n’est pas anodin. Le plâtre permet une finesse des détails et une légèreté visuelle qui mettent en valeur la grâce et la spontanéité du sujet. La technique de Pigalle, bien que traditionnelle, était innovante pour son temps, combinant des influences classiques avec une sensibilité moderne. La finition lisse et la précision des traits montrent une maîtrise parfaite de la sculpture en plâtre, où chaque courbe et chaque expression sont rendues avec une délicatesse inégalée.
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    Maisons J.L. Coquet et Jaune de Chrome, jolie service de table porcelaine, Antiquités et brocanteMaisons J.L. Coquet et Jaune de Chrome, jolie service de table porcelaine, Antiquités et brocante

    Maisons J.L. Coquet et Jaune de Chrome, jolie service de table porcelaine

    Le service de table que nous vous présentons est une véritable œuvre d’art en porcelaine écrue, fabriquée à Saint-Léonard de Noblat, à quelques kilomètres de Limoges, une région mondialement renommée pour la qualité exceptionnelle de sa porcelaine. Ce service a été minutieusement créé par J.L. Coquet et Jaune de Chrome, deux artisans dont le talent et le savoir-faire ont su donner naissance à une collection d’une pureté inégalée.
    Chaque pièce de ce service se distingue par un décor perlé et floral, témoignant d’une originalité des formes et d’une délicatesse des finitions qui sont la signature des créateurs. La porcelaine utilisée est d’une blancheur éclatante et d’une qualité supérieure, reflet d’un artisanat raffiné et d’une recherche constante de perfection.
    La manufacture où ce service a été produit a été labellisée Entreprise du Patrimoine Vivant (EPV) depuis 2010. Ce label, décerné par le Ministère de l’Économie, des Finances et de l’Industrie, est une marque de reconnaissance qui distingue les entreprises françaises pour l’excellence de leurs savoir-faire artisanaux et industriels. Il souligne l’engagement de la manufacture à préserver et à perpétuer des techniques traditionnelles tout en innovant pour offrir des produits de qualité supérieure.
    Le service de table est composé de 57 pièces, soigneusement pensées pour répondre à tous les besoins d’un repas raffiné et élégant.
    Voici la composition détaillée de ce service :
    – Une soupière : Idéale pour servir des potages et des soupes, cette pièce maîtresse attire tous les regards avec son design sophistiqué.
    – Deux raviers : Parfaits pour présenter des entrées ou des accompagnements, ces raviers ajoutent une touche d’élégance à votre table.
    – Deux grands plats : Ces plats spacieux sont parfaits pour servir des plats principaux ou des assortiments de fromages.
    – Douze assiettes creuses à potage : Conçues pour les soupes et les potages, ces assiettes creuses allient fonctionnalité et esthétique.
    – Dix-neuf assiettes plates à fromage ou dessert : Polies et élégantes, ces assiettes sont idéales pour les desserts ou les assortiments de fromages.
    – Vingt grandes assiettes : Parfaites pour les plats principaux, elles complètent harmonieusement ce service de table.
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    Grande sculpture en plâtre de Jean de la Fontaine, Antiquités et brocanteGrande sculpture en plâtre de Jean de la Fontaine, Antiquités et brocante

    Grand buste en plâtre ancien, Jean de La Fontaine, 77 cm, début XXe

    Grand Buste en Plâtre Ancien de Jean de La Fontaine
    Ce grand buste en plâtre, datant du début du XXe siècle, représente l’une des figures les plus illustres de la littérature française : Jean de La Fontaine. D’une hauteur impressionnante d’environ 80 cm, cette œuvre dégage une présence imposante et majestueuse qui capte immédiatement l’attention.
    Jean de La Fontaine : Une Figure Éminente
    Jean de La Fontaine (1621-1695) est surtout connu pour ses fables, des récits allégoriques mettant en scène des animaux pour transmettre des leçons morales et philosophiques. Ses œuvres, parmi lesquelles « Le Corbeau et le Renard » et « La Cigale et la Fourmi », font partie intégrante du patrimoine culturel français et ont influencé de nombreuses générations. La Fontaine a su capturer l’essence de la nature humaine avec une simplicité et une élégance littéraire qui demeurent inégalées.
    Description et Analyse Artistique
    Le buste en plâtre capture La Fontaine dans une posture classique, souvent attribuée aux grands penseurs et écrivains. Les détails minutieusement sculptés reflètent le talent et la dextérité de l’artiste anonyme qui a su donner vie à ce personnage historique.
    – Expression Faciale : Le visage de La Fontaine est finement sculpté, avec une expression sereine mais contemplative. Ses yeux semblent perdus dans une réflexion profonde, évoquant l’image du poète philosophe en pleine méditation.
    – Chevelure et Détails Vestimentaires : La chevelure, abondante et bouclée, est représentative des portraits classiques de La Fontaine, conférant un aspect à la fois réaliste et idéalisé. Les plis de son vêtement sont rendus avec une grande précision, soulignant le soin apporté à chaque détail.
    – Matériau : Le plâtre, matériau souvent utilisé au début du XXe siècle pour la réalisation de bustes et de sculptures, permet un niveau de détail élevé tout en étant plus accessible que le marbre ou le bronze. Bien que plus fragile, le plâtre donne une texture douce et une finition lisse qui accentuent les traits du visage et les courbes du vêtement.
    Contexte Historique et Artistique
    Au début du XXe siècle, la France connaît un renouveau artistique, avec un intérêt croissant pour les grands auteurs et figures historiques du passé. Les bustes en plâtre de personnalités littéraires deviennent des objets de décoration prisés, symboles de culture et d’érudition.