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Vase Majolica Palissy, datant de l’époque victorienne vers 1890
580,00 €Ce superbe vase Majolica Palissy, datant de l’époque victorienne vers 1890, est une véritable œuvre d’art qui témoigne du savoir-faire et de la créativité de son époque.
La majolique, une technique de céramique italienne, a été popularisée en Angleterre au XIXe siècle, et ce vase en est un exemple remarquable.
Le décor en relief de ce vase est particulièrement impressionnant.
Il représente une scène de nature luxuriante, où grenouilles, salamandres, papillons et autres insectes cohabitent harmonieusement sur une végétation de lierre.
Chaque détail est minutieusement sculpté, donnant vie à ces créatures et à leur environnement.
Les grenouilles semblent prêtes à bondir, les salamandres à se faufiler entre les feuilles, et les papillons à prendre leur envol.
Cette représentation réaliste et dynamique de la faune et de la flore est caractéristique du style Palissy, inspiré par les observations naturalistes de Bernard Palissy, un céramiste et naturaliste français du XVIe siècle.
Le vase présente une belle harmonie de couleurs, avec des tons verts et bruns qui évoquent la nature.
Les nuances de vert, allant du vert clair au vert foncé, rappellent les différentes teintes des feuilles de lierre, tandis que les touches de brun ajoutent de la profondeur et du contraste.
Les couleurs sont appliquées avec une grande finesse, soulignant les reliefs et les détails du décor.
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Cheval de manège, attribué à Friedrich Heyn et datant d’environ 1910
2800,00 €Ce cheval de manège, attribué à Friedrich Heyn et datant d’environ 1910, est un magnifique exemple d’art forain allemand de la Neustadt du début du XXe siècle.
Il incarne l’élégance et la nostalgie des carrousels d’autrefois, témoins d’un art populaire précieux et d’un savoir-faire artisanal exceptionnel.
Sculpté en bois polychrome d’origine, ce cheval de manège témoigne d’une finition artisanale de haute qualité.
Chaque détail a été soigneusement travaillé pour offrir un rendu réaliste et expressif.
La hauteur de la pièce est de 117 cm, tandis que sa longueur atteint 103 cm, ce qui en fait une œuvre imposante et majestueuse.
La tête du cheval est particulièrement expressive, avec une gueule ouverte révélant des dents sculptées avec minutie.
Les yeux en sulfure ajoutent un réalisme saisissant, donnant l’impression que le cheval est prêt à s’élancer à tout moment.
Les membres sont chevillés, une technique traditionnelle de fabrication qui assure solidité et durabilité à la structure.
La queue, en crin véritable, conserve son authenticité et son charme, ajoutant une touche de réalisme supplémentaire.
Le harnachement est décoré de motifs géométriques en miroirs et d’éléments polychromes, soulignant le caractère festif et joyeux de l’objet. Ces décorations, typiques des manèges de l’époque, évoquent les fêtes foraines et les moments de plaisir partagés par les enfants et les adultes.
Chaque élément du harnachement a été conçu pour capter la lumière et attirer l’œil, créant un spectacle visuel éblouissant.
Malgré quelques usures dues au temps, telles qu’une oreille endommagée et la perte d’un étrier, la pièce reste en bon état général.
Ces signes de vieillissement ne font qu’ajouter à son charme et à son authenticité, racontant l’histoire de nombreuses années de service et de joie apportée aux visiteurs des fêtes foraines.
La patine actuelle de l’objet est un témoignage de son passé riche et en fait un objet de collection unique et précieux.
Quelques restaurations sont à prévoir pour lui rendre son éclat d’origine.
Une restauration minutieuse pourrait inclure la réparation de l’oreille endommagée, le remplacement de l’étrier manquant, et peut-être un léger polissage pour raviver les couleurs et les détails.
Cependant, il est important de préserver autant que possible la patine et les marques du temps, qui font partie intégrante de l’histoire de l’objet.
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VENDU
Une éclatante paire de bougeoirs anciens en bronze doré et argenté
Une Éclatante Paire de Bougeoirs Anciens en Bronze Doré et Argenté – Témoins du Raffinement du XIXe Siècle
Plongez dans l’élégance intemporelle du XIXe siècle avec cette magnifique paire de bougeoirs anciens en bronze doré et argenté.
Ces pièces remarquables illustrent l’excellence artistique et le savoir-faire exceptionnel des artisans de l’époque.
Parfaitement conservées, elles représentent non seulement des objets utilitaires, mais également de véritables œuvres d’art, témoins du style néo-classique en vogue à cette époque.
Une Composition Harmonieuse
Chaque bougeoir est conçu pour accueillir deux bougies, une configuration qui ajoute une dimension symétrique et équilibrée à leur design. Les bras qui soutiennent les porte-bougies sont élégamment sculptés et ornés de chaînes décoratives finement travaillées, témoignant de la minutie des détails propres à l’artisanat du XIXe siècle.
Ces chaînes, d’une délicatesse, relient les différents éléments de manière à la fois fonctionnelle et décorative, accentuant l’harmonie visuelle de l’ensemble.
L’Éclat des Figures Néo-Classiques
Au cœur du design, des personnages féminins sculptés dans un style néo-classique dominent la composition.
Ces figures gracieuses, inspirées de l’Antiquité, incarnent le raffinement et la sophistication de leur époque.
Drapées dans des étoffes délicatement travaillées et rehaussées de dorures, elles se tiennent dans des poses dynamiques, donnant vie et mouvement à l’ensemble.
Les visages finement ciselés, empreints de douceur et d’expression, traduisent une maîtrise exceptionnelle dans la sculpture du bronze.
Ces figures ne sont pas seulement des éléments décoratifs, mais elles apportent une narration subtile, rappelant les mythes et légendes antiques.
Elles tiennent en hauteur les bras soutenant les bougies, leur posture conférant une majesté naturelle à l’ensemble.
Une Base d’une Richesse Exceptionnelle
Les bougeoirs reposent sur des bases solidement travaillées, elles-mêmes décorées avec une grande richesse.
Ces bases sont ornées de motifs floraux et géométriques délicats, caractéristiques des tendances ornementales du XIXe siècle.
Les pieds courbés, à la fois élégants et robustes, offrent une stabilité impeccable tout en apportant une touche supplémentaire de raffinement.
L’Alliance Parfaite entre Esthétique et Fonctionnalité
Au-delà de leur aspect décoratif, ces bougeoirs témoignent d’une fonctionnalité parfaitement pensée.
Le choix des matériaux – bronze doré et argenté – ne reflète pas seulement une recherche esthétique, mais aussi une durabilité exceptionnelle.
Cette combinaison de matériaux crée un contraste visuel saisissant, renforçant leur attrait.
Ces bougeoirs sont idéals pour illuminer une table ou une cheminée, apportant une ambiance chaleureuse et sophistiquée à n’importe quel intérieur.
Leur design intemporel permet une intégration harmonieuse dans des décors classiques comme modernes, tout en racontant une histoire riche et fascinante.
Une Pièce de Collection
Cette paire de bougeoirs constitue un ajout inestimable pour les amateurs et collectionneurs de mobilier d’époque.
Elle incarne l’alliance parfaite entre l’art et l’artisanat, offrant une fenêtre sur le savoir-faire et l’esthétique du XIXe siècle.
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Rare vierge chryséléphantine en bois sculpté époque XVIIIe siècle
650,00 €Cette sculpture chryséléphantine du 18e siècle est un exemple rare et précieux de l’artisanat de l’époque.
Fabriquée en bois sculpté, elle se distingue par son visage en ivoire finement ciselé, rehaussé d’yeux en verre qui lui confèrent une expression saisissante de réalisme et de profondeur.
La technique chryséléphantine, qui combine l’ivoire et le bois, était particulièrement prisée pour sa capacité à créer des œuvres d’une grande finesse et d’un réalisme frappant.
Cette sculpture en est un parfait exemple, avec un visage en ivoire qui contraste magnifiquement avec le corps en bois sculpté.
Les détails du visage, notamment les yeux en verre, ajoutent une dimension supplémentaire de réalisme et de sophistication à l’œuvre.
La sculpture mesure 42 cm de hauteur, ce qui en fait une pièce de taille respectable, idéale pour être exposée de manière visible dans un intérieur raffiné.
Les proportions harmonieuses et les détails minutieux témoignent du savoir-faire exceptionnel de l’artisan qui l’a créée.
Il est à noter que les mains de la sculpture, probablement en ivoire également, sont manquantes.
Cette absence, bien que regrettable, n’enlève rien à la beauté et à la valeur historique de l’œuvre.
Elle ajoute même une dimension supplémentaire à son histoire, invitant à imaginer les péripéties qu’elle a pu traverser au fil des siècles.
Le bois utilisé pour le corps de la sculpture est finement travaillé, avec des motifs et des textures qui témoignent d’un grand soin apporté à chaque détail.
Les vêtements, en particulier, sont rendus avec une précision qui donne l’impression de tissus réels, ajoutant à l’illusion de réalisme.
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VENDU
Très grande sculpture bronze art nouveau, femmes nues à la cascade
Cette remarquable sculpture en bronze, datant du début du XXe siècle, illustre avec brio le talent artistique et l’imaginaire mythologique ou naturaliste de son créateur.
Avec une hauteur de 77 cm, cette œuvre imposante captive par son esthétique raffinée et sa patine médaille d’origine, qui lui confère une profondeur et un éclat particuliers.
Bien qu’elle présente des signes d’oxydation et d’encrassement, typiques d’un état de grenier, ces marques n’altèrent en rien sa qualité artistique et peuvent être corrigées par un nettoyage doux et minutieux.
Une scène aquatique dynamique
La sculpture représente une scène vibrante et immersive mettant en scène trois femmes nues dans un environnement aquatique.
La composition, d’une grande complexité, joue sur différents niveaux pour guider l’œil du spectateur à travers l’œuvre.
L’une des figures féminines est assise avec grâce au sommet d’un rocher, dominant la scène d’un air serein et majestueux.
Les deux autres femmes semblent quant à elles émerger ou glisser dans un torrent, leurs corps s’intégrant harmonieusement aux textures fluides de l’eau sculptée.
Détails minutieux et naturalisme
Un des points forts de cette œuvre réside dans l’extraordinaire finesse des détails.
Chaque élément a été réalisé avec un soin méticuleux, contribuant à enrichir l’ensemble de la composition.
Le socle, qui simule un environnement rocheux et aquatique, regorge de détails naturalistes tels que des coquillages, un poisson et une anguille qui semblent s’animer sous nos yeux.
Ces éléments accentuent l’idée que les trois figures féminines évoluent à proximité d’une cascade, dans une scène vibrante et presque tangible.
L’artiste a su capter le mouvement et l’interaction entre les figures humaines et leur environnement, créant un équilibre subtil entre sensualité et dynamisme.
Les textures des rochers, la fluidité de l’eau et la douceur des courbes féminines témoignent du talent exceptionnel du sculpteur, capable de donner vie au bronze avec une précision rare.
Une thématique évocatrice
Cette sculpture se distingue également par la richesse symbolique qu’elle dégage.
L’interaction entre les femmes et leur cadre aquatique pourrait suggérer une inspiration mythologique, évoquant par exemple des nymphes ou des naïades, figures classiques de la culture occidentale associées aux eaux et aux cascades.
Alternativement, elle pourrait s’inscrire dans un courant naturaliste, célébrant la beauté et l’harmonie de la nature.
Ce type de thématique, prisé au début du XXe siècle, reflète un intérêt marqué pour la fusion entre l’humain et le monde naturel, ainsi qu’une exploration de la sensualité et de la vitalité féminine.
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Hermann Haase-Ilsenburg (1869-1960), l’enlèvement d’Europe, sculpture bronze
2500,00 €Je vous présente une sculpture en bronze exceptionnelle, une création captivante qui illustre l’histoire mythique d’Europe, la belle princesse phénicienne enlevée par Zeus, le roi des dieux de l’Olympe » L’enlèvement d’Europe « .
Ce récit fascinant, parmi les plus célèbres de la mythologie gréco-romaine, a inspiré les artistes depuis des siècles.
Ici, cette légende prend vie dans une interprétation magistrale de l’artiste Hermann Haase-Ilsenburg (1869-1960), un sculpteur allemand renommé, particulièrement apprécié pour ses contributions remarquables dans le style Art déco primitif.
Un sujet mythologique intemporel
La légende d’Europe est un symbole puissant de transformation, de beauté et de mystère.
Dans ce mythe, Zeus se métamorphose en un majestueux taureau blanc pour approcher Europe, la séduire et l’emmener loin de son foyer. Cette scène dramatique, riche en symbolisme, a été maintes fois réinterprétée dans l’histoire de l’art, de la peinture à la sculpture en passant par la littérature et les arts décoratifs.
Hermann Haase s’inscrit dans cette tradition en offrant une version unique, marquée par une sensibilité contemporaine et une maîtrise technique exceptionnelle.
Une œuvre d’Art déco primitif
La sculpture reflète le style Art déco primitif, un mouvement qui conjugue l’élégance moderne et des influences inspirées des cultures anciennes.
Avec sa patine brune, la surface du bronze capte subtilement la lumière, mettant en valeur les détails soigneusement travaillés.
Chaque courbe et chaque expression traduisent la maîtrise artistique de Haase.
La figure repose sur un socle en marbre gris moucheté, ajoutant une base contrastée et raffinée à l’ensemble.
Ce choix de matériaux confère à la sculpture une stabilité et une sophistication qui enrichissent l’impact visuel global de l’œuvre.
Hermann Haase-Ilsenburg : un maître sculpteur
Hermann Haase-Ilsenburg, né en Allemagne en 1869 et décédé en 1960, a marqué le domaine de la sculpture par son talent exceptionnel et sa capacité à capturer l’émotion humaine à travers des formes matérielles.
Formé dans des académies d’art prestigieuses, il a développé un style personnel mêlant les influences classiques et modernes.
Son travail se distingue par une attention rigoureuse aux détails, une expressivité saisissante et un sens aigu de l’équilibre formel.
Il a consacré sa carrière à traduire des récits intemporels et des émotions universelles en œuvres d’art palpables, comme en témoigne cette pièce.
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VENDU
Grande statue XIXe en plâtre représentant un guerrier africain
Je vous présente une pièce rare et spectaculaire : une grande statue en plâtre datant du XIXe siècle, représentant un guerrier africain, une figure iconique et majestueuse.
Avec une hauteur impressionnante de 203 cm (sans compter la lance en bois peint en blanc), cette œuvre combine une présence saisissante et une finesse d’exécution remarquable.
Description et détails
La statue représente un guerrier africain debout, dans une pose noble et affirmée.D’une main, il tient une lance en bois, tandis que l’autre repose sur sa hanche, exprimant force et confiance.
Le visage du guerrier est particulièrement expressif, avec des traits finement sculptés qui témoignent du savoir-faire de l’artiste.
Sa coiffure texturée, son regard fier dirigé vers l’horizon, et les détails soignés des ornements autour de son cou reflètent un réalisme et une sensibilité artistiques caractéristiques de l’époque.
Le vêtement est également élaboré avec soin : le guerrier est vêtu d’un pagne sculpté avec précision, comportant des plis et textures qui accentuent le rendu réaliste de la sculpture.
La base circulaire sur laquelle repose la statue assure stabilité et élégance.
La lance, en bois peint d’une teinte blanche pour s’harmoniser avec la pièce, donne une dynamique supplémentaire à l’ensemble, rappelant les codes du XIXe siècle où les objets exotiques étaient magnifiés dans les arts décoratifs.
Un contexte historique et artistique
Cette statue s’inscrit parfaitement dans l’esprit du XIXe siècle, une période marquée par un fort attrait pour l’exotisme et les représentations idéalisées des cultures du monde.En Europe, cet exotisme romantique influença de nombreux artistes, qui cherchaient à immortaliser des figures emblématiques et à célébrer la diversité culturelle.
Ces sculptures étaient souvent commandées pour des salons, des galeries ou des collections privées, où elles occupaient une place de choix, symbolisant à la fois un goût pour l’art et une fascination pour l’ailleurs.
Les œuvres de cette envergure, tant par leur taille que par leur qualité artistique, sont devenues rares sur le marché de l’art.
Ce modèle particulier pourrait également avoir été conçu comme une œuvre commémorative ou une interprétation libre destinée à valoriser les cultures extra européennes dans un contexte colonial.
Un atout pour vos espaces
Avec ses proportions imposantes et son allure grandiose, cette statue s’intègrera parfaitement dans divers environnements : une galerie d’art, un hall spacieux, un intérieur à la décoration classique ou éclectique.Elle ne manquera pas de devenir une pièce maîtresse, attirant l’attention et suscitant l’admiration des visiteurs.
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Sculpture en terre cuite patinée – Le Fleuve – D’après Jean Jacques Caffieri
2800,00 €Sculpture en terre cuite patinée – « Le Fleuve »
d’après Jean-Jacques Caffieri, école française du XVIIIe siècleCette sculpture en terre cuite patinée, intitulée « Le Fleuve », est une œuvre d’une grande finesse, inspirée du modèle original en marbre du sculpteur français Jean-Jacques Caffieri (1725-1792), figure emblématique de l’école française du XVIIIe siècle.
Réalisée probablement vers la fin du XIXe siècle, elle témoigne de la fascination pour les chefs-d’œuvre classiques et de l’engouement pour les reproductions d’artistes illustres de cette époque.
Un hommage à l’excellence de Caffieri
Signée sur la base « Monsieur Caffier 1759 », cette pièce rend hommage à l’œuvre originale de Caffieri, conservée au musée du Louvre à Paris. Jean-Jacques Caffieri, connu pour ses portraits sculptés et ses allégories, a marqué le XVIIIe siècle par son élégance et son attention méticuleuse aux détails.
Ce modèle marbre, créé dans une période de faste artistique, représente une figure allégorique d’un fleuve, symbole de puissance et de continuité.
Cette version en terre cuite témoigne d’un savoir-faire remarquable.
Le matériau utilisé, patiné avec soin, imite avec subtilité la noblesse du marbre tout en offrant une chaleur et une légèreté propres à la terre cuite.
Sa patine confère à l’œuvre un caractère intemporel, renforçant l’impression d’avoir affaire à un original d’époque.
Description et détails
Haute de 58 cm, cette sculpture attire immédiatement le regard par ses proportions harmonieuses et la délicatesse de ses détails.
La figure allégorique, probablement masculine, est représentée dans une posture majestueuse.
Les drapés fluides et dynamiques soulignent le mouvement de l’eau, tandis que les muscles finement sculptés traduisent la force et la vigueur associées aux cours d’eau puissants.
Les traits expressifs et le travail minutieux des cheveux témoignent de l’influence baroque sur Caffieri, qui mêle puissance et grâce.
Les courbes douces et les contrastes subtilement marqués entre les surfaces lisses et texturées ajoutent à l’attrait visuel de l’œuvre. L’inscription sur la base, évoquant la date de 1759, renforce la filiation avec l’original tout en ajoutant une touche d’authenticité et d’histoire à cette version postérieure.
Une sculpture d’époque, mais intemporelle
Bien que cette œuvre ait été réalisée à la fin du XIXe siècle, elle s’inscrit dans une longue tradition d’admiration et de réinterprétation des maîtres du XVIIIe siècle.
À cette époque, les reproductions d’œuvres célèbres étaient très recherchées par les amateurs d’art et les collectionneurs, désireux de posséder une part de l’héritage artistique français.
Ce type de création, qui marie un sujet classique à une technique raffinée, reflète également l’essor de la bourgeoisie et l’élargissement de l’accès à l’art.
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Belle et ancienne aiguière en étain art nouveau signé de Noel Ruffier
580,00 €Noël Ruffier, sculpteur et orfèvre français actif à la fin du XIXᵉ siècle et au début du XXᵉ siècle, est connu pour ses créations alliant symbolisme et virtuosité technique.
Né en 1847, il s’inscrit dans le mouvement de l’Art Nouveau, qui privilégie l’expression organique, les motifs naturalistes et une vision esthétique souvent empreinte de mystère et de sensualité.
L’aiguière qu’il a créée, une pièce remarquable datant d’environ 1900, témoigne de ce style et de l’habilité de Ruffier à marier fonctionnalité et art sculptural.
**Description de l’œuvre**
L’aiguière, d’une hauteur de 39 cm, est réalisée en bronze avec une sculpture en relief en étain sur sa panse.
Elle adopte une forme saisissante et narrative : celle d’un *Kantor* ou d’un satyre, créature mythologique symbolisant souvent les instincts primaires et la séduction, tendant une embuscade à une belle femme endormie.
Ce choix iconographique évoque des thématiques classiques mêlées à l’imaginaire romantique de l’Art Nouveau.
La scène sculptée présente un contraste frappant entre la douceur paisible de la femme et l’énergie dynamique du satyre.
La femme, représentée dans une pose alanguie et vulnérable, incarne un idéal de beauté gracieuse, tandis que le satyre, caractérisé par des muscles tendus et un regard intense, exprime une tension dramatique.
Ces détails donnent vie à la composition et plongent l’observateur dans une scène théâtrale où le désir et le rêve se confondent.
L’aiguière n’est pas seulement une pièce fonctionnelle destinée à contenir un liquide ; elle s’impose comme un objet d’art à part entière.
Le mélange du bronze et de l’étain enrichit l’œuvre en apportant des textures variées.
Le bronze confère une robustesse et une patine qui accentuent la richesse visuelle, tandis que l’étain, utilisé pour la scène en relief, offre un contraste subtil et raffiné.
**Signature et authenticité**
La signature de Noël Ruffier figure sur la panse de l’aiguière, confirmant son attribution à l’artiste.
Ce détail témoigne de l’importance qu’il accordait à ses créations, qu’il voyait comme des œuvres uniques et précieuses.
Ruffier, bien que moins connu que certains de ses contemporains comme René Lalique ou Emile Gallé, partage leur ambition de repousser les limites des matériaux pour créer des objets empreints de poésie et d’une qualité technique irréprochable.
**Contexte artistique et symbolisme**
À travers cette aiguière, Ruffier reflète les aspirations de l’Art Nouveau, qui s’inspire des mythes antiques et de la nature tout en explorant des thèmes psychologiques et émotionnels.
Le choix du satyre, figure de la mythologie gréco-romaine, est emblématique.
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Sculpture bronze de la fin du XIXe siècle, représentant Molière assis dans un fauteuil avec la plume à la main, signé Pradier
1400,00 €Cette sculpture en bronze de la fin du XIXe siècle, signée Pradier, représente Molière, l’un des plus grands dramaturges français de tous les temps, assis dans un fauteuil, une plume à la main. Avec ses dimensions relativement modestes de 26 cm de haut, cette pièce se distingue par la précision de ses détails et l’expressivité de sa posture, qui incarnent l’essence même de l’artiste pensif et créatif.
Le personnage principal de la sculpture est Molière, vêtu de manière élégante avec une longue robe aux plis riches et fluides. L’attention aux détails est frappante, chaque pli de son vêtement étant soigneusement travaillé pour donner une impression de mouvement et de réalisme. La texture du tissu est finement ciselée, créant une juxtaposition entre la douceur de la robe et la dureté du bronze, matériau utilisé pour la réalisation de l’œuvre. Le bronze patiné confère à la sculpture une profondeur et une chaleur qui accentuent son caractère solennel. Molière est représenté dans une posture contemplative, avec la tête appuyée sur sa main gauche, le regard vague, comme s’il était en plein processus créatif ou en réflexion profonde.
L’autre main de Molière tient une plume, symbole indéniable de son métier d’écrivain. La plume, représentée avec une finesse délicate, renforce l’idée que cette sculpture capture un moment de création intellectuelle. Ce détail évoque non seulement la carrière prolifique de Molière, mais aussi son rôle primordial dans l’histoire de la littérature et du théâtre. Molière est connu pour avoir écrit certaines des plus grandes pièces de théâtre comique de l’histoire, telles que *Le Malade imaginaire*, *Tartuffe* et *L’Avare*. Sa plume, ici mise en avant, est l’instrument par lequel il a marqué de manière indélébile le patrimoine culturel français.
Le fauteuil sur lequel Molière est assis est lui aussi une œuvre d’art en soi. De style classique, il est richement décoré avec des motifs sculptés qui démontrent l’expertise du sculpteur. La base du fauteuil, ornée de franges et de motifs géométriques, porte également la signature de Pradier, gravée de manière lisible, affirmant ainsi l’authenticité et la qualité artistique de l’œuvre. Jean-Jacques Pradier, sculpteur de renom du XIXe siècle, est célèbre pour ses œuvres d’une grande finesse et son talent pour capturer les détails anatomiques et textiles de ses sujets.
Cette sculpture reflète parfaitement les tendances artistiques du XIXe siècle, marquées par un retour à des formes classiques et une admiration pour les grands hommes de lettres et d’art. L’art de cette période met souvent en avant les personnages historiques dans des poses héroïques ou méditatives, et cette œuvre ne fait pas exception. Molière est ici montré non pas comme un comédien sur scène, mais comme un penseur, un créateur dans un moment d’introspection. Cette représentation statique mais intense nous rappelle que l’éclat de ses œuvres vient avant tout de son génie créatif.
Le choix de représenter Molière dans un tel moment de quiétude intellectuelle témoigne également de la manière dont la fin du XIXe siècle a vu une réévaluation de la figure de l’écrivain. Molière, autrefois acteur et auteur comique, est ici érigé au rang de penseur profond, presque philosophe, soulignant la dimension intellectuelle de son travail.
Enfin, cette œuvre illustre également le savoir-faire technique des sculpteurs de cette époque.
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Série complète de 12 porte-couteaux YER en verre dans sa boîte d’origine
250,00 €Je propose une série complète de 12 porte-couteaux YER, soigneusement conservés dans leur boîte d’origine, datant des années 1930. Ces porte-couteaux en verre moulé sont une œuvre d’art raffinée de la marque française YER, nommée d’après la vallée de la rivière Yerre dans l’Essonne. Ils incarnent un savoir-faire d’époque et un design intemporel qui ravira les amateurs de pièces de collection et les passionnés de décoration vintage.
La série se compose de douze porte-couteaux, chacun mesurant environ 10 cm. Chaque pièce présente un motif distinctif représentant un animal, apportant ainsi une touche de charme et de diversité à votre table. Les motifs inclus sont deux canards, deux chiens, deux poissons, deux oiseaux de paradis, deux escargots et deux écureuils. Ces animaux sont sculptés avec une précision remarquable, chaque détail du design reflétant l’excellence artisanale de YER. La qualité du verre moulé permet de capturer des détails fins et des textures variées, donnant vie aux animaux représentés.
Les porte-couteaux sont en parfait état, sans fissures, éclats ou autres imperfections, ce qui témoigne de leur conservation minutieuse au fil des décennies. Le verre est transparent, brillant et opaque, avec une finition lisse qui accentue les détails sculptés. Chaque pièce est non seulement fonctionnelle pour maintenir les couteaux en place, mais aussi esthétiquement plaisante, ajoutant une touche de sophistication à toute présentation de table.
La boîte d’origine, également en excellent état, complète cette série de manière élégante. Elle est conçue pour protéger les porte-couteaux tout en les exposant de manière raffinée. Le design de la boîte reflète le style de l’époque, avec une attention particulière aux détails qui la rend aussi précieuse que les porte-couteaux eux-mêmes.
Les porte-couteaux YER des années 1930 sont devenus des pièces de collection recherchées, non seulement pour leur beauté mais aussi pour leur rareté. En effet, la marque YER est reconnue pour sa production limitée et son engagement envers la qualité, ce qui confère à chaque pièce une valeur accrue. Cette série complète représente donc une opportunité unique d’acquérir un ensemble d’objets historiques et décoratifs.
En possédant cette série de porte-couteaux, vous ne faites pas seulement l’acquisition de pièces fonctionnelles pour vos repas, mais vous investissez également dans un morceau d’histoire du design français. Ils sont parfaits pour les collectionneurs d’objets vintage, les amateurs de verrerie ancienne ou toute personne cherchant à ajouter une touche d’élégance à ses réceptions.
En résumé, cette série de porte-couteaux YER est une pièce rare qui allie l’élégance du design des années 1930 à une qualité de fabrication exceptionnelle. En parfait état et conservée dans sa boîte d’origine, elle constitue une opportunité précieuse pour enrichir une collection ou embellir une table avec un charme d’antan. Ne laissez pas passer cette chance d’acquérir un ensemble de porte-couteaux qui raconte une histoire et ajoute une touche de sophistication à chaque repas.
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Grand buste en plâtre ancien, Jean de La Fontaine, 77 cm, début XXe
Grand Buste en Plâtre Ancien de Jean de La Fontaine
Ce grand buste en plâtre, datant du début du XXe siècle, représente l’une des figures les plus illustres de la littérature française : Jean de La Fontaine. D’une hauteur impressionnante d’environ 80 cm, cette œuvre dégage une présence imposante et majestueuse qui capte immédiatement l’attention.
Jean de La Fontaine : Une Figure Éminente
Jean de La Fontaine (1621-1695) est surtout connu pour ses fables, des récits allégoriques mettant en scène des animaux pour transmettre des leçons morales et philosophiques. Ses œuvres, parmi lesquelles « Le Corbeau et le Renard » et « La Cigale et la Fourmi », font partie intégrante du patrimoine culturel français et ont influencé de nombreuses générations. La Fontaine a su capturer l’essence de la nature humaine avec une simplicité et une élégance littéraire qui demeurent inégalées.
Description et Analyse Artistique
Le buste en plâtre capture La Fontaine dans une posture classique, souvent attribuée aux grands penseurs et écrivains. Les détails minutieusement sculptés reflètent le talent et la dextérité de l’artiste anonyme qui a su donner vie à ce personnage historique.
– Expression Faciale : Le visage de La Fontaine est finement sculpté, avec une expression sereine mais contemplative. Ses yeux semblent perdus dans une réflexion profonde, évoquant l’image du poète philosophe en pleine méditation.
– Chevelure et Détails Vestimentaires : La chevelure, abondante et bouclée, est représentative des portraits classiques de La Fontaine, conférant un aspect à la fois réaliste et idéalisé. Les plis de son vêtement sont rendus avec une grande précision, soulignant le soin apporté à chaque détail.
– Matériau : Le plâtre, matériau souvent utilisé au début du XXe siècle pour la réalisation de bustes et de sculptures, permet un niveau de détail élevé tout en étant plus accessible que le marbre ou le bronze. Bien que plus fragile, le plâtre donne une texture douce et une finition lisse qui accentuent les traits du visage et les courbes du vêtement.
Contexte Historique et Artistique
Au début du XXe siècle, la France connaît un renouveau artistique, avec un intérêt croissant pour les grands auteurs et figures historiques du passé. Les bustes en plâtre de personnalités littéraires deviennent des objets de décoration prisés, symboles de culture et d’érudition.
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Taureau en pleine action, épreuve en bronze massif à patine vert nuancée
L’œuvre que nous vous présentons est une épreuve en bronze à patine brun vert nuancé, représentant un taureau en pleine action, prêt à charger. Cette sculpture dynamique et pleine de vie est l’œuvre de Pierre Chenet, un sculpteur renommé qui possède toujours sa propre fonderie d’art à Apt, en France.
Pierre Chenet est particulièrement connu pour ses œuvres animalières, qu’il réalise avec une grande maîtrise technique et artistique. Son expertise dans l’art de la patine est indéniable, et chaque pièce en bronze qu’il crée bénéficie d’une patine unique qui confère à chacune un caractère particulier et inimitable. Bien que les éditions en bronze soient nombreuses, cette capacité à offrir à chaque sculpture une finition singulière fait toute la différence dans son travail.
Cette épreuve-ci est signée et réalisée par l’auteur lui-même, attestant de l’authenticité et de la qualité de l’œuvre. La patine brun vert nuancé de ce taureau en charge accentue les détails et les lignes de la sculpture, mettant en valeur la puissance et la détermination de l’animal. Le taureau est représenté dans un moment de grande intensité, prêt à bondir, les muscles tendus et l’expression féroce. Cette représentation réaliste et énergique témoigne du talent de Chenet pour capturer l’essence et l’esprit des animaux dans ses sculptures.
L’œuvre date du XXe siècle et est en bon état général, ce qui témoigne de la qualité de la fonte et de la durabilité des matériaux utilisés. Les dimensions de la sculpture sont de 41 cm de largeur et de 28 cm de hauteur, ce qui en fait une pièce imposante mais équilibrée, capable d’attirer le regard et d’animer l’espace dans lequel elle est exposée.
La fonderie de Pierre Chenet, toujours en activité à Apt, est un lieu où l’art et la technique se rencontrent pour donner naissance à des œuvres d’exception. En tant qu’artiste, Chenet met un point d’honneur à superviser et à participer directement à la création de ses pièces, de la conception à la réalisation finale. Cela garantit non seulement la qualité de chaque œuvre, mais également sa singularité.
Cette sculpture de taureau en pleine action est donc une pièce remarquable pour plusieurs raisons. Elle illustre le talent de Pierre Chenet pour capturer la vitalité et la force des animaux, sa maîtrise de la patine qui rend chaque pièce unique, et son engagement personnel dans chaque étape du processus de création.
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Bronze à patine brun vert nuancé, buste d’un homme dénudé et musclé
L’épreuve en bronze à patine brun vert nuancé représente le buste d’un homme dénudé et musclé. Cette sculpture captivante est une fonte d’édition, signée et réalisée par Pierre Chenet, un artiste renommé. Chenet possède une fonderie d’art à Apt, où il se consacre principalement à la création d’œuvres animalières. Cependant, cette pièce montre sa capacité à capturer la beauté et la force du corps humain avec une grande précision et sensibilité.
Pierre Chenet est un maître dans l’art de la patine, et bien que ses éditions en bronze soient nombreuses, il confère à chaque pièce une patine particulière, rendant chacune unique. La patine brun vert nuancé de cette sculpture apporte une profondeur et une richesse de ton qui accentuent les détails de la musculature et les contours du visage. La technique de patine utilisée par Chenet donne à cette œuvre une apparence vivante et dynamique, reflétant la lumière de manière subtile et élégante.
Cette sculpture date du XXe siècle et est en bon état général, ce qui témoigne de la qualité et de la durabilité du travail de Chenet. Le buste a des dimensions imposantes avec une largeur de 17 cm, une hauteur de 48 cm et une profondeur de 15 cm. Ces dimensions, associées à la qualité de la patine et à la précision des détails, lui confèrent une présence majestueuse et impressionnante. La musculature est finement travaillée, chaque courbe et chaque saillie sont rendues avec un réalisme saisissant. L’expression du visage est également remarquablement détaillée, capturant une intensité et une sérénité qui ajoutent à l’impact visuel de la pièce.
Pierre Chenet, bien que principalement connu pour ses sculptures animalières, démontre à travers ce buste son talent polyvalent. Il est capable de capturer non seulement l’essence des animaux, mais aussi la beauté et la force du corps humain. Cette œuvre est un excellent exemple de sa capacité à transposer son expertise en sculpture animalière à la représentation humaine, en maintenant un niveau de détail et de réalisme exceptionnel.
La patine brun vert nuancé choisie par Chenet pour cette sculpture est particulièrement réussie. Elle apporte une richesse de couleur qui met en valeur les détails de la sculpture tout en ajoutant une dimension de profondeur et de texture.
La patine est appliquée avec une grande maîtrise, créant des variations subtiles de couleur et de ton qui rendent chaque pièce unique. Cela témoigne du savoir-faire artisanal de Chenet et de son engagement à créer des œuvres d’art uniques et de haute qualité.
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Alexandre Falguière (1831-1900) sculpture en bronze de Diane, déesse Romaine
Alexandre Falguière : Un Maître de la Sculpture Française
Alexandre Falguière, né Jean Alexandre Joseph Falguière le 7 septembre 1831 à Toulouse et décédé le 20 avril 1900 à Paris, est une figure emblématique de la sculpture française du XIXe siècle. Il a marqué son époque par son talent exceptionnel, son inventivité artistique et son influence durable sur les générations suivantes de sculpteurs.
Jeunesse et Formation
Falguière a grandi dans une famille modeste. Très tôt, il montre un intérêt marqué pour les arts. Son talent est rapidement remarqué, et il reçoit une bourse pour étudier à l’École des Beaux-Arts de Toulouse, où il se forme sous la direction de sculpteurs locaux. À 18 ans, il part pour Paris pour poursuivre sa formation à l’École des Beaux-Arts de Paris, une institution prestigieuse qui forme les plus grands artistes de l’époque.
En 1859, Falguière remporte le grand prix de Rome de sculpture pour son bas-relief « Méphistophélès apparaissant à Faust dans son cabinet ». Ce prix lui permet de séjourner à la Villa Médicis à Rome, où il s’imprègne de l’art classique et de la Renaissance italienne, influençant durablement son style. À son retour en France, il commence à exposer régulièrement au Salon, où ses œuvres attirent l’attention du public et des critiques.
En 1864, il réalise « Le Vainqueur au combat de coqs », une sculpture en bronze qui remporte un immense succès et le propulse au premier plan de la scène artistique. Cette œuvre, caractérisée par son dynamisme et sa précision anatomique, révèle son talent pour capter le mouvement et l’émotion.
Œuvres Majeures
Parmi ses œuvres les plus célèbres figure « Diane Chasseresse » (1882), une sculpture en bronze patiné représentant la déesse de la chasse, Diane, en buste. Cette œuvre, signée et portant le cachet du fondeur «Thiébaut Frères fondeurs Paris», est remarquable par sa finesse et son élégance. Falguière excelle dans l’art de rendre la beauté et la grâce féminine tout en respectant les canons classiques de la sculpture.
Enseignement et Influence
Au-delà de sa carrière de sculpteur, Falguière a joué un rôle crucial en tant qu’enseignant. En 1882, il devient professeur à l’École des Beaux-Arts de Paris, où il forme de nombreux élèves qui deviendront à leur tour des sculpteurs renommés. Son enseignement, basé sur une solide compréhension de l’anatomie et du mouvement, a influencé une génération entière d’artistes.
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Joseph d’Aste, superbe statue de l’enfant Bacchus en marbre blanc
2200,00 €Une Œuvre Magnifique : L’Enfant Bacchus de Joseph d’Aste
Introduction
La sculpture de l’Enfant Bacchus, une œuvre en marbre blanc signée par Joseph d’Aste, est une pièce exceptionnelle qui attire l’œil par sa beauté et sa finesse. Né en 1181 et décédé en 1945, d’Aste a laissé derrière lui un héritage artistique impressionnant, et cette sculpture en est un témoignage remarquable. Haute de 51 cm, elle repose sur un socle aux teintes éclatantes de jaune, bordeaux et blanc, ajoutant une touche de vivacité et de contraste à la pureté du marbre.
Description de l’Œuvre
La sculpture représente Bacchus enfant, le dieu romain du vin et des festivités, avec une expressivité et une vivacité qui captivent immédiatement l’observateur. Dans une main, l’enfant Bacchus tient une coupe, symbole de célébration et de délices dionysiaques. Dans l’autre main, il tient son vêtement délicatement drapé, qui porte une grappe de raisin, emblème de l’abondance et de la fertilité.
Détails du Socle
Le socle de la sculpture, avec ses couleurs mouchetées de jaune, de bordeaux et de blanc, offre un contraste saisissant avec le marbre blanc immaculé de la statue. Les nuances vives du socle rehaussent l’éclat et la délicatesse de la figure en marbre, tout en apportant une dimension supplémentaire à l’ensemble de l’œuvre. Cette base soigneusement choisie et colorée semble souligner l’importance de la sculpture tout en la mettant subtilement en valeur.
Expression et Posture
L’expression du jeune Bacchus est d’une douceur et d’une innocence désarmantes, capturant parfaitement la joie insouciante de l’enfance divine. Sa posture, à la fois gracieuse et naturelle, témoigne de la maîtrise de d’Aste dans le rendu des formes humaines et de la vitalité. Chaque détail, des boucles de ses cheveux aux plis de son vêtement, est exécuté avec une précision minutieuse, révélant le talent exceptionnel de l’artiste.
Signification Symbolique
L’Enfant Bacchus, tenant une coupe et des raisins, symbolise la jeunesse, la vitalité et l’abondance. Cette représentation d’un dieu souvent associé à l’excès et à la joie de vivre, mais ici en version enfantine, offre une interprétation fraîche et touchante de la mythologie classique. Elle rappelle également l’importance de la nature et des cycles de croissance, des thèmes chers à d’Aste et souvent présents dans ses œuvres.
L’Héritage de Joseph d’Aste
Joseph d’Aste, dont la vie s’étend sur plusieurs siècles, a su marier tradition et innovation dans ses créations.
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Imposante sculpture du faucon Horus des année 1950
650,00 €La grande sculpture en question est un moulage en plâtre réalisé vers 1950, représentant le faucon Horus avec une patine blanche et un aspect géométrique prononcé. Ce type de sculpture était probablement vendu à la sortie du Louvre dans les années 50, témoignant de l’intérêt grandissant pour l’art et la culture de l’Égypte ancienne en Europe à cette époque.
Le faucon Horus, divinité majeure dans la mythologie égyptienne, symbolise le pouvoir royal et la protection divine. Souvent représenté sous la forme d’un faucon ou d’un homme à tête de faucon, Horus est le fils d’Osiris et d’Isis, et est connu pour avoir vaincu Seth, l’usurpateur du trône. Dans cette œuvre, les formes géométriques et la patine blanche apportent une dimension moderne tout en respectant les canons esthétiques de l’art égyptien traditionnel. Les traits stylisés et épurés reflètent une interprétation contemporaine, adaptée aux goûts artistiques de l’après-guerre.
La sculpture, mesurant 57 cm de hauteur, impressionne par sa présence imposante et sa qualité de réalisation. Le plâtre, matériau choisi pour cette sculpture, confère à l’œuvre une certaine lourdeur et robustesse, accentuant son caractère monumental malgré une taille relativement modeste. La patine blanche, soigneusement appliquée, donne à la sculpture une apparence de pierre, renforçant l’illusion d’une œuvre ancienne et noble.
Dans les années 50, les moulages en plâtre étaient populaires comme souvenirs, permettant aux amateurs d’art de posséder une réplique d’œuvres emblématiques. Les visiteurs du Louvre, séduits par les trésors égyptiens exposés, pouvaient ainsi emporter chez eux une pièce rappelant leur visite. Ce faucon Horus, par sa qualité et son esthétique, aurait été un choix prisé.
La qualité de cette sculpture réside non seulement dans son matériau et sa patine, mais aussi dans la précision de ses détails. Les lignes nettes et les angles précis montrent une maîtrise technique remarquable. Le poids de la sculpture, dû au plâtre dense, ajoute une sensation de solidité et de permanence, contrastant avec la fragilité apparente du plâtre.
L’intérêt pour l’Égypte ancienne dans les années 50 était en grande partie stimulé par les découvertes archéologiques et les expositions muséales. Le Louvre, avec ses collections riches et variées, jouait un rôle clé dans la diffusion de cette passion. Les sculptures comme ce faucon Horus permettaient de démocratiser l’accès à l’art égyptien, rendant les symboles et les histoires de cette civilisation millénaire accessibles à un public plus large.
Aujourd’hui, cette sculpture en plâtre du faucon Horus reste un témoignage fascinant de cette époque. Elle incarne à la fois une admiration pour l’art ancien et une interprétation moderne de ses formes.
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Grande statue en bois sculpté de la fin du XVIIe siècle représente Saint François de Sales
3500,00 €La grande statue en bois sculpté représentant Saint François de Sales, datant de la fin du XVIIe siècle, est un chef-d’œuvre de l’art sacré baroque. Mesurant 176 cm de hauteur, elle incarne l’essence même de la dévotion religieuse et de l’artisanat raffiné de cette époque.
Contexte Historique et Artistique
La fin du XVIIe siècle marque une période prolifique pour l’art religieux en Europe. Le style baroque, avec son goût pour le dramatique, l’émotionnel et le détaillé, était prédominant. Les statues de saints étaient couramment commandées par les églises et les monastères pour inspirer les fidèles et embellir les lieux de culte. Cette statue de Saint François de Sales s’inscrit parfaitement dans ce contexte, reflétant à la fois la piété et la magnificence artistique de l’époque.
Description de la Statue
La sculpture en bois de 176 cm représente Saint François de Sales, une figure éminente de l’Église catholique né le 21 août 1567. Connu pour sa douceur, sa patience et son éloquence, il a été un modèle de dévotion et de réforme spirituelle. La statue capture cette essence avec une précision remarquable.
Le visage de Saint François est sculpté avec une expression de sérénité et de contemplation, ses yeux légèrement baissés comme s’il était plongé dans une prière silencieuse. Ses traits sont finement détaillés, chaque ride et courbe du visage reflétant l’expérience et la sagesse accumulées au cours de sa vie. La chevelure et la barbe sont minutieusement travaillées, chaque mèche semblant presque réelle, ajoutant à la vivacité de la sculpture.
Vêtements et Symbolisme
Les vêtements de Saint François de Sales sont sculptés avec un soin particulier, chaque pli et drapé du tissu ajoutant à la richesse visuelle de la statue. Il est représenté en habit épiscopal, rappelant son statut de Prince-Évêque de Genève. La crosse épiscopale qu’il tient dans sa main gauche et la mitre posée à ses pieds sont des symboles de son autorité et de son rôle au sein de l’Église.
L’artiste a également incorporé des éléments symboliques dans la sculpture. Un livre ouvert dans sa main droite rappelle les nombreux écrits de Saint François, notamment « Introduction à la vie dévote », une œuvre majeure de spiritualité chrétienne. La présence de ce livre souligne son rôle en tant qu’auteur et théologien, dont les enseignements ont profondément influencé la pratique religieuse.
Technique et Artisanat
Le bois sculpté est un matériau exigeant, nécessitant une grande habileté et une connaissance approfondie de ses propriétés. La sculpture de cette statue témoigne d’un savoir-faire exceptionnel. L’artiste a utilisé des techniques de taille directe, sculptant directement dans le bloc de bois pour créer des détails précis et des textures réalistes. La finition polie et la patine ajoutent une dimension de profondeur et de vieillissement, conférant à la statue une aura de vénérabilité.
Conclusion
Cette statue de Saint François de Sales de la fin du XVIIe siècle est une pièce maîtresse de l’art sacré baroque. Elle incarne non seulement la dévotion religieuse mais aussi l’excellence artistique de son temps. À travers sa taille imposante, ses détails minutieux et son symbolisme riche, elle continue d’inspirer et de captiver ceux qui la contemplent, rappelant la vie et l’œuvre d’un des saints les plus respectés de l’Église catholique.
Cependant, l’usure du temps n’a pas épargné cette œuvre d’art. Plusieurs parties de la statue montrent des signes d’endommagement, notamment dus à l’infestation par les mythes. Ces insectes xylophages ont creusé dans le bois, affaiblissant la structure de certaines zones. En observant attentivement, on peut noter des trous et des cavités, particulièrement visibles sur les surfaces les moins exposées, comme par exemple à l’arrière.
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Lampe à décor de personnages à l’antique en marbre et bronze XIXe
1350,00 €La lampe ancienne du XIXe siècle est une pièce d’exception alliant art et fonctionnalité, caractéristique du style raffiné de cette époque. Elle présente un décor sophistiqué mettant en scène deux personnages antiques, chacun tenant dans leurs mains des urnes magnifiquement décorées. Le dessus des urnes est orné d’émaux cloisonnés, technique artisanale consistant à séparer les différentes zones de couleur par des cloisons en métal, offrant un rendu visuel particulièrement riche et coloré.
Les personnages, réalisés en bronze à patine brune, témoignent du savoir-faire des artisans de l’époque. La patine brune, obtenue par l’application de divers produits chimiques sur le bronze chauffé, confère aux personnages une profondeur et une texture qui accentuent les détails de leur réalisation. Ces figures, habilement sculptées, évoquent la grandeur de l’Antiquité, période souvent revisitée par les artistes du XIXe siècle.
Le socle de la lampe est en marbre portor vert, un matériau précieux reconnu pour sa beauté et sa durabilité. Le marbre portor, avec ses veines dorées sur fond vert profond, apporte une touche de luxe et d’élégance. Ce socle massif, d’une épaisseur de 4,2 cm, assure une stabilité parfaite à la lampe tout en rehaussant son aspect esthétique. Les veines dorées du marbre créent un contraste subtil mais élégant avec les figures en bronze, unissant harmonieusement les différents éléments de la lampe.
La tulipe cache ampoule, en verre de couleur marmoréen, est signée Muller Frères à Lunéville, réputés pour leur maîtrise de l’art verrier. Ce choix de matériau et de fabricant ajoute une dimension supplémentaire de sophistication. Le verre marmoréen, avec ses nuances délicates et son effet de marbrure, diffuse une lumière douce et chaleureuse, créant une ambiance agréable et intimiste. La signature Muller Frères garantit l’authenticité et la qualité de cette pièce, associée aux créations de verrerie de haute gamme.
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Sculpture « Mephistopheles » par Alfredo Morelli en marbre et bronze
7500,00 €Sculpture : Tête d’homme ou le Diable par Alfredo Morelli
La sculpture en question est une œuvre intrigante et complexe réalisée par l’artiste Alfredo Morelli, actif à Florence au XIXe siècle. Elle représente une tête d’homme ou peut-être le visage du diable, une dualité qui invite à la réflexion sur la nature humaine et le mal. L’œuvre est composée de plusieurs matériaux : le visage est en bronze, le capuchon en marbre rouge, et les yeux sont en verre de couleur rouge, ajoutant une dimension inquiétante et mystique à la pièce. La sculpture repose sur un socle en marbre noir chiné, de forme trapézoïdale, qui confère à l’ensemble une stabilité visuelle et physique tout en accentuant l’élégance de la composition.
L’œuvre porte la signature gravée « Morelli – Florence » au dos, ainsi qu’un titre. Alfredo Morelli est un sculpteur reconnu pour son travail méticuleux et expressif. Il a étudié à l’Institut d’Art de Florence, un établissement prestigieux où il a perfectionné son art et acquis les compétences nécessaires pour créer des œuvres d’une grande qualité technique et esthétique.
En 1885, alors qu’il est encore étudiant, Morelli participe aux expositions d’Anvers et de Haarlem, où il obtient une mention, soulignant déjà la reconnaissance de son talent par la critique internationale. Cette participation à des événements artistiques de renom témoigne de son engagement dans le monde de l’art et de son désir de se mesurer aux autres artistes de son époque.
En 1898, Morelli prend part au deuxième concours pour la création d’un monument dédié à Rossini à Santa Croce, à Florence. Bien que les détails sur l’issue de ce concours ne soient pas précisés, sa participation démontre son implication continue dans des projets ambitieux et prestigieux. Le concours pour le monument à Rossini aurait été une excellente plateforme pour exhiber son talent et son sens de la monumentalité.
Pour ceux qui souhaitent approfondir leurs connaissances sur Alfredo Morelli et son œuvre, plusieurs références bibliographiques sont disponibles. Parmi elles, le livre de Sissi publié en 1989, les travaux de Capelli et Soldani de 1994, ainsi que l’ouvrage de Panzetta de la même année. Ces textes offrent un éclairage précieux sur la carrière et les œuvres de Morelli, fournissant un contexte historique et artistique essentiel à la compréhension de sa contribution au monde de la sculpture.
Les dimensions de cette sculpture sont également notables : elle mesure 42 cm de hauteur, une taille qui la rend imposante et remarquablement détaillée pour une sculpture de cette nature. Les matériaux utilisés — bronze, marbre rouge et noir, et verre rouge — sont choisis avec soin pour créer une harmonie visuelle et tactile, tout en évoquant des sensations variées. Le contraste entre le bronze et le marbre, ainsi que la vive couleur des yeux en verre, attire et retient l’attention du spectateur, suscitant une réflexion sur les thèmes de la dualité et de l’apparence.
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Etagère en plâtre imitant le bois, à décor d’un bouffon du roi jouant de la musique, début XXe
L’étagère ancienne que je m’apprête à vous présenter est bien plus qu’un simple meuble. C’est un témoignage vivant d’une époque révolue, une pièce d’art à part entière qui évoque le charme et l’élégance d’un passé lointain. Imaginez-vous transporté dans les couloirs d’un château médiéval, où les fêtes et les réjouissances étaient monnaie courante, où les bouffons du roi divertissaient la cour avec leur esprit vif et leur talent musical. Cette étagère en plâtre imitant le bois, représentant un bouffon du roi jouant de la musique, est un véritable trésor artistique.
Le plâtre polychrome qui compose cette pièce lui confère une apparence presque vivante. Chaque détail, chaque pli de la tenue du bouffon, chaque note de musique gravée dans les airs semble figé dans le temps, capturant l’énergie et la jovialité de l’époque. Malgré les années qui ont passé, cette étagère est dans un bon état général, préservant ainsi son caractère authentique et sa valeur historique.
Avec ses dimensions modestes, une hauteur de 58 cm et une largeur de 38 cm, cette étagère peut facilement s’intégrer dans n’importe quel espace, qu’il s’agisse d’un salon, d’une bibliothèque ou même d’un bureau. Elle apporte une touche de raffinement et d’originalité à n’importe quelle pièce, tout en suscitant la curiosité et l’admiration de ceux qui la contemplent.
Mais au-delà de son aspect esthétique, cette étagère raconte une histoire. Elle nous rappelle une époque où l’art et la musique étaient au cœur de la vie quotidienne, où les artistes et les bouffons étaient vénérés pour leur capacité à émerveiller et à divertir. En possédant une telle pièce, vous devenez le gardien d’un morceau de passé, un lien tangible avec une époque révolue mais jamais oubliée.
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Masque de faune en grès émaillé polychrome, hauteur 23 cm
Le Masque de Faune en grès émaillé polychrome, d’une hauteur de 23 cm et d’une largeur de 18,5 cm, incarne une pièce d’art fascinante imprégnée de mystère et de symbolisme. Au-delà de sa simple forme, ce masque révèle une histoire complexe et intrigante à travers chaque trait minutieusement sculpté et chaque nuance de couleur vibrante.
Dès le premier regard, l’observateur est captivé par l’expression saisissante du visage. Les traits du faune, mi-humain mi-animal, sont rendus avec une maîtrise artistique remarquable. Les yeux, profonds et énigmatiques, semblent refléter les secrets de l’âme de cette créature mythique. La bouche entrouverte évoque une émotion intense, peut-être un rire malicieux ou un cri de jubilation. Chaque détail, des narines délicatement ciselées aux sourcils arqués, contribue à donner vie à cette figure mythologique.
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étrange sculpture contemporaine sur bois représentant une demi femme, signé BER
La sculpture en bois que vous décrivez incarne l’étrangeté et la mystère dans sa forme et sa conception. Elle ne se contente pas d’être une simple représentation artistique, mais elle évoque des sentiments profonds et des questions sur son origine et sa signification.
À première vue, cette sculpture semble défier les lois de la physique, car elle représente une demi-femme qui semble fusionner avec le mur sur lequel elle est accrochée. Cette intégration harmonieuse avec le mur donne l’impression que la sculpture transcende les limites du monde matériel pour entrer dans un autre royaume, peut-être même l’au-delà. L’absence de tête, de jambes et de pieds crée une sorte de dissonance visuelle qui attire immédiatement l’attention du spectateur et le pousse à réfléchir à la signification de cette forme incomplète.
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Grand médaillon en bronze représentant Jeanne d’Arc, par Henri CHAPU / Barbedienne
650,00 €Le médaillon représentant Jeanne d’Arc, conçu par le talentueux sculpteur Henri Chapu en collaboration avec le fondeur renommé Ferdinand Barbedienne, incarne une œuvre d’une beauté saisissante et d’une signification profonde. Créé entre les années 1833 et 1891, ce chef-d’œuvre artistique a été façonné dans un bronze massif à la patine délicatement chocolatée, lui conférant une aura de noblesse et de durabilité.
Henri Chapu, artiste français de renom du XIXe siècle, est réputé pour son style néo-classique et sa capacité à capturer la grâce et l’émotion dans ses œuvres. Son partenariat avec Ferdinand Barbedienne, un fondeur de bronze célèbre pour son savoir-faire exceptionnel, a donné naissance à des pièces d’art d’une qualité et d’une élégance incomparables.
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Danny LANE ( Attribué ) belle grande lampe en plaquettes de verres des années 1980
480,00 €Danny Lane, artiste et designer américain, a marqué le paysage du design contemporain avec ses créations uniques, dont une lampe remarquable datant de circa 1980. Cette lampe, mesurant 60 cm de hauteur, est un exemple éblouissant de son travail, composée de plaquettes de verre taillé et montée avec des fils de fer. Bien que cette pièce ne soit pas directement attribuée à Lane, elle reflète parfaitement son esthétique distinctive et son engagement envers l’innovation dans l’utilisation du verre comme matériau.
Né à Londres en 1955, Danny Lane a été initié au travail du verre coloré par Patrick Reyntiens, un artiste renommé dans ce domaine. Inspiré par le visionnaire Cecil Collins et formé aux Beaux-Arts à la Byam Shaw School of Art et à la Central School of Art and Design, Lane a rapidement développé sa propre vision du design, où l’art et l’architecture se fusionnent harmonieusement.
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François-Désiré Froment-Meurice, joli coupe papier en argent, Art nouveau
François-Désiré Froment-Meurice était un maître orfèvre français du XIXe siècle, dont le nom est intimement lié à l’Art nouveau et à la création de magnifiques pièces en argent, telles que le joli coupe-papier que vous décrivez. Né à Paris en 1837, Froment-Meurice était le fils de l’orfèvre François-Desire Froment, et il a hérité de son père un talent inné pour la création d’œuvres d’art exceptionnelles.
Le coupe-papier en argent que vous mentionnez incarne parfaitement le style de Froment-Meurice et l’esthétique de l’Art nouveau. Mesurant 20,5 cm de longueur, cette pièce remarquable capture l’essence même de cette période artistique avec son motif délicat représentant une grenouille reposant sur un nénuphar. L’Art nouveau, caractérisé par ses lignes organiques et ses motifs inspirés par la nature, trouve une expression éclatante dans ce coupe-papier où la grenouille semble figée dans un mouvement gracieux, et le nénuphar est dépeint avec une attention méticuleuse aux détails.
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Tableau religieux en bois sculpté et polychrome du XVIIIe siècle
Ce magnifique tableau ancien en bois sculpté et polychrome religieux est véritablement une pièce d’art remarquable. Avec ses représentations détaillées de saints et de la Vierge Marie, il offre une fenêtre fascinante sur l’artisanat et la dévotion du XVIIIe siècle.
L’attention portée aux détails est frappante, chaque figure sculptée avec une précision minutieuse, témoignant du talent et de la passion de l’artiste qui l’a créé. Les saints semblent presque prendre vie sous nos yeux, chacun racontant une histoire ou symbolisant une vertu particulière, tandis que la Vierge Marie trône au centre, une aura de grâce et de majesté émanant de sa représentation.
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Masque en cuivre, représentant la tête du christ, A. Modesto
320,00 €Visage du christ en cuivre patiné légèrement martelé, regardant vers le ciel.
Cette sculpture est signé A. MODESTO et daté 1968.
Cette sculpture est un masque, et contient quelques petites griffures d’usage.
Dimensions : Hauteur 41 cm
Largeur 25.5 cm
Poids : 1.180 kg
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Sculpture en bronze, pyrogène, moine, tonneau, XIXe
350,00 €Ce pyrogène en bronze massif est une pièce d’une grande beauté et d’une grande valeur historique. Cette sculpture représente avec finesse et détails un moine, symbole de sagesse et de tranquillité, en train de savourer un verre de vin directement de la bouteille. La scène dépeinte est empreinte de calme et de sérénité, le moine semblant trouver une forme de réconfort dans ce moment de dégustation.
La posture du moine est minutieusement travaillée : le panier sous le bras suggère un voyage ou une quête, le bougeoir dans une main évoque une ambiance chaleureuse et intime, tandis que le tire-bouchon reposant près de ses pieds évoque le plaisir de la dégustation du vin. À ses côtés, un tonneau, qui joue un double rôle : celui de contenir les allumettes, avec un système ingénieux de cordage permettant de les gratter pour les allumer.
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Sculpture de marbre représentant une main posé sur un oiseau
Jolie sculpture ancienne du XIXe siècle,
en marbre de carrare, représentant une main posé sur un oiseau.
C’est un très beau presse papier ancien, objet de vitrine.
Je signal malheureusement, une réparation ancienne de la tête de l’oiseau
Dimensions : Diamètre de la base de forme légèrement ovale 10.5 cm x 11.5 cm, et la hauteur 4.5 cm
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Sculpture en bronze de Jean Hugues représentant un soldat
350,00 €Joli sculpture de bronze représentant un soldat porte drapeau, allongé sur le sol
Cette sculpture est posé sur une terrasse en bois avec un filet en marqueterie
Dimensions : Largeur 18 cm, profondeur 10 cm et hauteur 9 cm
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Sculpture de bronze d’un poilu de la guerre 1914, signé A. Falcinelli
Le bronze que je vais vous présenter est une pièce remarquable, témoignage poignant de l’histoire et de la mémoire de la Première Guerre mondiale. Il s’agit d’une sculpture d’un soldat datant de 1914-1918, réalisée en bronze massif, qui incarne à la fois la force et la résolution de ceux qui ont combattu lors de ce conflit dévastateur.
D’une qualité artistique indéniable, cette sculpture capture l’essence même du soldat en pleine action. Imaginez-le, le poing serré, le regard déterminé, prêt à mener ses camarades au combat. Dans sa main gauche, il tient fermement son fusil, symbole de sa bravoure et de sa détermination à défendre sa patrie. Son paquetage solidement attaché sur le dos, il est prêt à affronter les épreuves avec courage et abnégation.
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Christ en albâtre dans un cadre en bois doré époque XVIIe siècle
L’œuvre présentée est un Christ en albâtre exceptionnel, datant du XVIIe siècle, encadré dans un magnifique cadre en bois doré de la même époque. Cette sculpture saisissante capture la figure du Christ avec une profondeur et une intensité qui transcendent le matériau dans lequel elle est réalisée.
Le Christ est représenté avec la tête légèrement inclinée, les yeux clos, ce qui renforce une expression de calme et de sérénité. Sa chevelure est rendue avec des mèches ondulées, détaillées avec une grande minutie, tandis qu’une barbe bifide encadre son visage. Le buste du Christ est marqué par la douleur de la crucifixion, avec une lance qui perce son flanc droit, symbolisant la blessure infligée lors de sa crucifixion.