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Très belle coupe « Bélier » de CRISTAL LALIQUE France
420,00 €La coupe « Bélier » de CRISTAL LALIQUE est une pièce emblématique de la cristallerie française, reconnue pour son élégance et sa finesse.
Cette coupe est le résultat d’un savoir-faire industriel exceptionnel, combinant des techniques de soufflage et de moulage du cristal blanc.
Le design de la coupe « Bélier » est marqué par une esthétique puissante et symbolique.
La tête de bélier, symbole de force et de détermination, est magnifiquement sculptée avec des détails précis, mettant en valeur les cornes enroulées et les traits expressifs de l’animal.
Le cristal blanc, d’une pureté éclatante, capte la lumière de manière subtile, ajoutant une dimension lumineuse à l’objet.
La fabrication de cette coupe repose sur un processus industriel rigoureux.
Le cristal est d’abord soufflé à la bouche par des maîtres verriers, puis moulé pour obtenir la forme désirée.
Chaque étape de ce processus nécessite une grande maîtrise technique pour garantir la qualité et la précision du produit final.
La coupe « Bélier » est signée « Lalique France » à la pointe, une marque de reconnaissance qui atteste de son authenticité et de son origine.
Cette signature est un gage de qualité et de savoir-faire, reflet de l’excellence de la maison Lalique.
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Superbe sculpture de qualité, grand aigle royal aux ailes déployées
1450,00 €La sculpture présentée est une œuvre en bronze massif, exécutée avec une grande finesse et une qualité remarquable.
Elle représente un aigle majestueux aux ailes déployées, capturant un moment de puissance et de grâce.
L’aigle est monté sur une colonne richement ornée, ajoutant à l’élégance et à la sophistication de la pièce.
L’aigle est sculpté avec un souci du détail exceptionnel.
Chaque plume de ses ailes est minutieusement représentée, donnant une impression de réalisme et de mouvement.
Le corps de l’aigle est robuste et bien proportionné, avec des serres acérées et un regard perçant, symbolisant la force et la liberté.
La tête de l’aigle est légèrement tournée, comme s’il scrutait l’horizon, ajoutant une dynamique à la sculpture.
La colonne sur laquelle l’aigle est perché est également un élément clé de cette œuvre.
Elle est richement sculptée avec des motifs floraux et géométriques, apportant une touche de raffinement et de complexité.
La base de la colonne est large et stable, assurant un bon équilibre à l’ensemble de la sculpture.
Les détails des sculptures sur la colonne sont tout aussi impressionnants, avec des reliefs profonds et des textures variées qui captent la lumière de manière subtile.
La sculpture dans son ensemble pèse environ 8 kg, ce qui témoigne de sa solidité et de sa robustesse.
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Tableau Représentant François-henri De Montmorency-bouteville, Duc De Piney-luxembourg XIXe
2200,00 €Le tableau en question est une œuvre d’art remarquable représentant François-Henri de Montmorency-Bouteville, duc de Piney-Luxembourg, également connu sous le nom de maréchal de Luxembourg ou le tapissier de Notre-Dame.
Ce portrait à l’huile sur toile, entouré d’un cadre d’époque du début du XIXe siècle, offre un aperçu saisissant de l’un des plus éminents militaires français du XVIIᵉ siècle.
François-Henri de Montmorency-Bouteville est une figure emblématique de la noblesse et de l’histoire militaire française.
Né en 1628, il devint un chef militaire de premier plan sous le règne de Louis XIV. Son titre complet reflète sa position élevée et son influence : duc de Piney-Luxembourg, comte de Bouteville et comte de Luxe, pair de France et maréchal de France.
Sa carrière est marquée par ses succès sur les champs de bataille et ses contributions notables à l’armée française.
Il est particulièrement connu pour ses stratégies brillantes et ses nombreuses victoires, notamment lors des guerres de la Ligue d’Augsbourg et de la Guerre de Succession d’Espagne.
Le portrait, mesurant 106 cm de hauteur, 87 cm de largeur et 10,5 cm d’épaisseur, capture avec majesté l’allure imposante du maréchal de Luxembourg.
La technique de l’huile sur toile utilisée par l’artiste met en valeur la richesse des détails, des tissus somptueux de ses habits à l’expression déterminée de son visage.
Ce réalisme permet de ressentir la grandeur et la noblesse qui émanaient de François-Henri, tout en soulignant son rôle crucial dans l’histoire militaire de la France.
Le cadre d’époque du début du XIXe siècle qui entoure cette œuvre ajoute une dimension supplémentaire d’authenticité et de prestige. Conçu avec soin, il complète le tableau en lui apportant une aura d’élégance et de respect. Ce cadre, par ses motifs et sa finition, renforce l’impression de grandeur que dégage le portrait.
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Ecole Flamande du XVIIe siècle, huile sur cuivre, suiveur de Rubens
3800,00 €Ce tableau, réalisé par un suiveur de Rubens, est une huile sur cuivre datant du XVIIe siècle.
Il représente la scène biblique du martyre de sainte Catherine, une figure emblématique de la chrétienté.
Le cadre, d’époque Louis XIV, ajoute une touche de grandeur et de raffinement à cette œuvre d’art.
Description de la Scène
La composition est dynamique et dramatique, caractéristique du style baroque que Rubens a si bien maîtrisé.
Au centre de la scène, sainte Catherine est représentée dans un moment de grande souffrance, entourée de ses bourreaux.
Son visage, bien que marqué par la douleur, reflète une sérénité et une résignation qui témoignent de sa foi inébranlable.
Les personnages autour d’elle sont animés par des mouvements expressifs, accentuant la tension et l’émotion de la scène.
Technique et Style
L’utilisation de l’huile sur cuivre permet une grande précision dans les détails et une luminosité particulière, typique des œuvres de cette époque.
Les couleurs sont riches et vibrantes, avec des contrastes marqués entre les teintes sombres et les éclats de lumière qui mettent en valeur les figures centrales.
Le style de Rubens, avec ses formes voluptueuses et ses jeux de lumière, est ici fidèlement reproduit par son suiveur.
Symbolisme et Iconographie
Le martyre de sainte Catherine est un thème récurrent dans l’art chrétien, symbolisant la victoire de la foi sur la persécution.
Sainte Catherine, souvent représentée avec une roue brisée (symbole de son martyre), est ici montrée dans un moment de grande vulnérabilité, mais aussi de grande force spirituelle.
Les anges et les chérubins qui l’entourent ajoutent une dimension céleste à la scène, suggérant que sa souffrance terrestre sera récompensée par une gloire éternelle.
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Vase Majolica Palissy, datant de l’époque victorienne vers 1890
580,00 €Ce superbe vase Majolica Palissy, datant de l’époque victorienne vers 1890, est une véritable œuvre d’art qui témoigne du savoir-faire et de la créativité de son époque.
La majolique, une technique de céramique italienne, a été popularisée en Angleterre au XIXe siècle, et ce vase en est un exemple remarquable.
Le décor en relief de ce vase est particulièrement impressionnant.
Il représente une scène de nature luxuriante, où grenouilles, salamandres, papillons et autres insectes cohabitent harmonieusement sur une végétation de lierre.
Chaque détail est minutieusement sculpté, donnant vie à ces créatures et à leur environnement.
Les grenouilles semblent prêtes à bondir, les salamandres à se faufiler entre les feuilles, et les papillons à prendre leur envol.
Cette représentation réaliste et dynamique de la faune et de la flore est caractéristique du style Palissy, inspiré par les observations naturalistes de Bernard Palissy, un céramiste et naturaliste français du XVIe siècle.
Le vase présente une belle harmonie de couleurs, avec des tons verts et bruns qui évoquent la nature.
Les nuances de vert, allant du vert clair au vert foncé, rappellent les différentes teintes des feuilles de lierre, tandis que les touches de brun ajoutent de la profondeur et du contraste.
Les couleurs sont appliquées avec une grande finesse, soulignant les reliefs et les détails du décor.
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Emile Gallé, très belle bonbonnière en verre multicouche et dégagé à l’acide
1200,00 €Cette magnifique boîte bonbonnière en verre, datant de l’époque Art Nouveau circa 1900, est une véritable œuvre d’art signée par le célèbre maître verrier Émile Gallé.
La pièce se distingue par son décor raffiné de feuillages en multicouche, minutieusement gravé à l’acide, offrant une profondeur et une texture exceptionnelles.
Le verre utilisé pour cette bonbonnière est d’une qualité remarquable, capturant et diffusant la lumière de manière spectaculaire.
Même en lumière naturelle, la boîte émet une luminosité éclatante, grâce à la transparence et à la pureté du verre.
Les motifs de feuillages, inspirés par la nature, sont caractéristiques du style Art Nouveau, qui prône l’harmonie entre l’art et la nature.
Les feuilles et les tiges sont représentées avec une précision botanique, témoignant du souci du détail et de la maîtrise technique de Gallé.
La signature japonisante de Gallé ajoute une touche d’exotisme et de sophistication à cette pièce.
L’influence de l’art japonais, très en vogue à la fin du XIXe siècle, se ressent dans les courbes élégantes et les motifs stylisés des feuillages. Cette fusion entre les styles occidental et oriental est une des caractéristiques distinctives des créations de Gallé, qui cherchait à intégrer des éléments de différentes cultures dans ses œuvres.
La bonbonnière présente un diamètre de 15 cm, ce qui en fait une pièce de taille modeste mais néanmoins imposante par sa beauté et son raffinement.
Le travail de gravure à l’acide, une technique maîtrisée par Gallé, permet de créer des effets de relief et de transparence qui ajoutent à la richesse visuelle de l’objet.
Les différentes couches de verre, superposées et gravées, créent un jeu de lumière et d’ombres qui donne vie aux motifs végétaux.
Émile Gallé, figure emblématique de l’École de Nancy, était réputé pour son innovation et son savoir-faire dans le domaine de la verrerie.
Ses créations, souvent inspirées par la flore et la faune, sont des chefs-d’œuvre de l’Art Nouveau.
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VENDU
« Talisman » est une œuvre remarquable d’Emmanuel Villanis (1858-1904)
« Talisman » est une œuvre remarquable d’Emmanuel Villanis (1858-1904), un sculpteur français dont le talent a marqué la fin du XIXe et le début du XXe siècle.
Cette sculpture en bronze à patine médaille, datant d’environ 1900, est un témoignage de l’art raffiné et de la maîtrise technique de Villanis.
La sculpture représente une figure féminine allongée, dont la posture évoque une grâce et une sérénité intemporelles.
La femme est dépeinte dans une position de repos, les yeux fermés, comme plongée dans un sommeil paisible ou une méditation profonde. Ses traits sont finement ciselés, révélant une expression de calme et de tranquillité.
Les détails de son visage, notamment les paupières closes et les lèvres légèrement entrouvertes, ajoutent une dimension de réalisme et de vulnérabilité à l’œuvre.
Le corps de la femme est drapé dans une étoffe fluide qui épouse ses formes avec élégance.
Les plis du tissu sont rendus avec une grande précision, donnant l’impression de mouvement et de légèreté.
La patine médaille, une technique de finition qui confère au bronze une apparence dorée et lumineuse, accentue les contours et les volumes de la sculpture, créant un jeu subtil de lumière et d’ombre.
La signature de Villanis et le cachet de la « Fonderie de Paris » sont visibles sur la sculpture, attestant de son authenticité et de sa provenance. La « Fonderie de Paris » était renommée pour la qualité de ses épreuves en bronze, et la présence de son cachet est un gage de l’excellence technique de l’œuvre.
La hauteur de la sculpture, 59 cm, en fait une pièce imposante, destinée à être admirée de près.
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Cheval de manège, attribué à Friedrich Heyn et datant d’environ 1910
2800,00 €Ce cheval de manège, attribué à Friedrich Heyn et datant d’environ 1910, est un magnifique exemple d’art forain allemand de la Neustadt du début du XXe siècle.
Il incarne l’élégance et la nostalgie des carrousels d’autrefois, témoins d’un art populaire précieux et d’un savoir-faire artisanal exceptionnel.
Sculpté en bois polychrome d’origine, ce cheval de manège témoigne d’une finition artisanale de haute qualité.
Chaque détail a été soigneusement travaillé pour offrir un rendu réaliste et expressif.
La hauteur de la pièce est de 117 cm, tandis que sa longueur atteint 103 cm, ce qui en fait une œuvre imposante et majestueuse.
La tête du cheval est particulièrement expressive, avec une gueule ouverte révélant des dents sculptées avec minutie.
Les yeux en sulfure ajoutent un réalisme saisissant, donnant l’impression que le cheval est prêt à s’élancer à tout moment.
Les membres sont chevillés, une technique traditionnelle de fabrication qui assure solidité et durabilité à la structure.
La queue, en crin véritable, conserve son authenticité et son charme, ajoutant une touche de réalisme supplémentaire.
Le harnachement est décoré de motifs géométriques en miroirs et d’éléments polychromes, soulignant le caractère festif et joyeux de l’objet. Ces décorations, typiques des manèges de l’époque, évoquent les fêtes foraines et les moments de plaisir partagés par les enfants et les adultes.
Chaque élément du harnachement a été conçu pour capter la lumière et attirer l’œil, créant un spectacle visuel éblouissant.
Malgré quelques usures dues au temps, telles qu’une oreille endommagée et la perte d’un étrier, la pièce reste en bon état général.
Ces signes de vieillissement ne font qu’ajouter à son charme et à son authenticité, racontant l’histoire de nombreuses années de service et de joie apportée aux visiteurs des fêtes foraines.
La patine actuelle de l’objet est un témoignage de son passé riche et en fait un objet de collection unique et précieux.
Quelques restaurations sont à prévoir pour lui rendre son éclat d’origine.
Une restauration minutieuse pourrait inclure la réparation de l’oreille endommagée, le remplacement de l’étrier manquant, et peut-être un léger polissage pour raviver les couleurs et les détails.
Cependant, il est important de préserver autant que possible la patine et les marques du temps, qui font partie intégrante de l’histoire de l’objet.
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Grand pichet en céramique, créé par Jean De Lespinasse dans les années 1950
480,00 €Ce très grand pichet en céramique, créé par Jean De Lespinasse dans les années 1950, est une pièce remarquable qui témoigne du savoir-faire et de l’esthétique unique de cet artiste.
Mesurant 30 cm de hauteur et 35 cm de diamètre à la panse, ce pichet impressionne par sa taille et sa présence imposante.
Jean De Lespinasse, céramiste français renommé, a su marquer son époque par ses créations audacieuses et innovantes.
Né en 1917 et décédé en 1995, il a laissé une empreinte indélébile dans le monde de la céramique, notamment grâce à ses œuvres monumentales et ses décors raffinés.
Ce pichet en est un parfait exemple, alliant une forme généreuse à un décor sophistiqué.
Le décor de ce pichet est particulièrement frappant.
Il se compose de motifs géométriques et floraux stylisés, exécutés avec une grande précision.
Les couleurs dominantes sont le noir, le blanc et l’or, créant un contraste saisissant qui attire immédiatement le regard.
Les motifs sont disposés en bandes verticales, alternant entre des formes arrondies et des lignes plus anguleuses, ce qui confère à l’ensemble une dynamique visuelle captivante.
La technique utilisée par Jean De Lespinasse pour ce pichet est tout aussi impressionnante.
La céramique est finement travaillée, avec une glaçure lisse et brillante qui met en valeur les détails du décor.
Les motifs sont probablement réalisés à l’aide de la technique de l’engobe, où une argile liquide colorée est appliquée sur la surface de la céramique avant la cuisson.
Cette méthode permet d’obtenir des couleurs vives et durables, qui résistent parfaitement au passage du temps.
L’anse du pichet est également un élément notable.
Elle est large et robuste, parfaitement adaptée à la taille de l’objet.
Sa forme arrondie et son épaisseur généreuse permettent une prise en main confortable, tout en ajoutant à l’esthétique générale de la pièce. L’anse est intégrée harmonieusement au corps du pichet, renforçant l’impression de solidité et de cohérence de l’ensemble.
Ce pichet n’est pas seulement un objet utilitaire, mais aussi une œuvre d’art à part entière.
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VENDU
Montre à gousset d’homme de Jaeger, en or massif, Lecoultre suisse
La montre à gousset présentée ici est un véritable trésor horloger, un témoignage de l’excellence et du raffinement des années 1940. Fabriquée par la prestigieuse marque Jaeger, cette montre de poche se distingue par son élégance intemporelle et sa qualité exceptionnelle.
Description Générale
Cette montre à gousset est conçue en or jaune 18 carats, un matériau noble qui confère à l’objet une valeur intrinsèque élevée.
Avec un diamètre de 44 cm, elle possède une taille généreuse qui la rend à la fois imposante et élégante.
Le poids brut de la montre est de 49 grammes, ce qui lui donne une sensation de solidité et de robustesse en main.
Mécanisme et Fonctionnement
Le mouvement de cette montre est un remontage manuel à 18 rubis, une caractéristique qui garantit une précision et une durabilité exceptionnelles.
Le mouvement suisse Lecoultre, réputé pour sa fiabilité et sa qualité, est en parfait état de fonctionnement, assurant une marche précise et fiable.
Esthétique et Design
Le cadran de cette montre est un chef-d’œuvre en soi.
Doré et argenté d’origine, il arbore un style art déco qui était très en vogue à la fin des années 1940.
Les aiguilles, probablement en or, ajoutent une touche de luxe supplémentaire à l’ensemble.
Le design du cadran, avec ses chiffres et ses index, est à la fois sobre et sophistiqué, reflétant l’esthétique raffinée de l’époque.
État et Usure
L’usure de cette montre est conforme à son âge et à son utilisation.
Les signes de vieillissement, tels que les légères rayures et les patines, ne font qu’ajouter à son charme et à son authenticité.
Ces marques du temps témoignent de son histoire et de son utilisation par ses précédents propriétaires.
La chaîne, d’une longueur de 41 cm et d’un poids net de 13,6 grammes, complète parfaitement l’ensemble.
Elle est non seulement fonctionnelle, permettant de porter la montre en toute sécurité, mais elle ajoute également une touche d’élégance supplémentaire.
Conclusion
En somme, cette montre à gousset Jaeger des années 1940 est bien plus qu’un simple instrument de mesure du temps.
C’est un objet de collection, un témoignage de l’art horloger suisse et un symbole de luxe et de raffinement.
Que ce soit pour un collectionneur passionné ou pour un amateur d’objets vintage, cette montre est un investissement qui traversera les générations, continuant à raconter son histoire et à charmer par sa beauté intemporelle.
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VENDU
Une éclatante paire de bougeoirs anciens en bronze doré et argenté
Une Éclatante Paire de Bougeoirs Anciens en Bronze Doré et Argenté – Témoins du Raffinement du XIXe Siècle
Plongez dans l’élégance intemporelle du XIXe siècle avec cette magnifique paire de bougeoirs anciens en bronze doré et argenté.
Ces pièces remarquables illustrent l’excellence artistique et le savoir-faire exceptionnel des artisans de l’époque.
Parfaitement conservées, elles représentent non seulement des objets utilitaires, mais également de véritables œuvres d’art, témoins du style néo-classique en vogue à cette époque.
Une Composition Harmonieuse
Chaque bougeoir est conçu pour accueillir deux bougies, une configuration qui ajoute une dimension symétrique et équilibrée à leur design. Les bras qui soutiennent les porte-bougies sont élégamment sculptés et ornés de chaînes décoratives finement travaillées, témoignant de la minutie des détails propres à l’artisanat du XIXe siècle.
Ces chaînes, d’une délicatesse, relient les différents éléments de manière à la fois fonctionnelle et décorative, accentuant l’harmonie visuelle de l’ensemble.
L’Éclat des Figures Néo-Classiques
Au cœur du design, des personnages féminins sculptés dans un style néo-classique dominent la composition.
Ces figures gracieuses, inspirées de l’Antiquité, incarnent le raffinement et la sophistication de leur époque.
Drapées dans des étoffes délicatement travaillées et rehaussées de dorures, elles se tiennent dans des poses dynamiques, donnant vie et mouvement à l’ensemble.
Les visages finement ciselés, empreints de douceur et d’expression, traduisent une maîtrise exceptionnelle dans la sculpture du bronze.
Ces figures ne sont pas seulement des éléments décoratifs, mais elles apportent une narration subtile, rappelant les mythes et légendes antiques.
Elles tiennent en hauteur les bras soutenant les bougies, leur posture conférant une majesté naturelle à l’ensemble.
Une Base d’une Richesse Exceptionnelle
Les bougeoirs reposent sur des bases solidement travaillées, elles-mêmes décorées avec une grande richesse.
Ces bases sont ornées de motifs floraux et géométriques délicats, caractéristiques des tendances ornementales du XIXe siècle.
Les pieds courbés, à la fois élégants et robustes, offrent une stabilité impeccable tout en apportant une touche supplémentaire de raffinement.
L’Alliance Parfaite entre Esthétique et Fonctionnalité
Au-delà de leur aspect décoratif, ces bougeoirs témoignent d’une fonctionnalité parfaitement pensée.
Le choix des matériaux – bronze doré et argenté – ne reflète pas seulement une recherche esthétique, mais aussi une durabilité exceptionnelle.
Cette combinaison de matériaux crée un contraste visuel saisissant, renforçant leur attrait.
Ces bougeoirs sont idéals pour illuminer une table ou une cheminée, apportant une ambiance chaleureuse et sophistiquée à n’importe quel intérieur.
Leur design intemporel permet une intégration harmonieuse dans des décors classiques comme modernes, tout en racontant une histoire riche et fascinante.
Une Pièce de Collection
Cette paire de bougeoirs constitue un ajout inestimable pour les amateurs et collectionneurs de mobilier d’époque.
Elle incarne l’alliance parfaite entre l’art et l’artisanat, offrant une fenêtre sur le savoir-faire et l’esthétique du XIXe siècle.
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Julien Leroy à Paris, belle pendule en bronze doré XIXe siècle
1400,00 €La pendule en bronze doré du XIXe siècle, circa 1880, est un véritable chef-d’œuvre de style Louis XVI, incarnant une élégance rare et un savoir-faire horloger exceptionnel.
Cette pièce, d’une beauté intemporelle, est ornée de deux amours gracieux qui ajoutent une touche de charme et de délicatesse à l’ensemble. Surmontée d’un bouquet fleuri délicatement travaillé, elle célèbre la nature et la finesse artistique de l’époque.
La pendule est ceinturée de tores de lauriers, symboles de victoire et d’éternité, qui encadrent la borne centrale, élément principal de la composition.
Ces motifs végétaux, finement ciselés, rappellent les couronnes de lauriers des héros antiques, ajoutant une dimension historique et symbolique à la pièce.
La borne centrale est encadrée par des allégories des arts libéraux, témoignant de l’influence culturelle et artistique de l’époque.
Ces allégories, représentant des disciplines telles que la musique, la géométrie et l’astronomie, soulignent l’importance des arts et des sciences dans la société du XIXe siècle.
Le cadran émaillé, sublimé par ses chiffres romains, porte la signature prestigieuse de Julien Le Roy à Paris.
Cette signature est un gage de qualité et de raffinement, renvoyant à une tradition horlogère reconnue et respectée.
Julien Le Roy, horloger du roi Louis XV, était célèbre pour ses créations précises et élégantes, et sa signature sur cette pendule atteste de son héritage et de son savoir-faire.
L’ensemble repose sur des pieds toupies, caractéristiques du style Louis XVI, apportant stabilité et finesse à cette pièce unique.
Ces pieds, élégamment tournés, confèrent à la pendule une allure gracieuse et équilibrée, typique du mobilier de cette époque.
Datée de l’époque Napoléon III, cette pendule incarne parfaitement l’harmonie entre l’héritage classique et l’esthétique du XIXe siècle.
Elle témoigne de la continuité et de l’évolution des styles, mariant la rigueur classique du XVIIIe siècle avec les innovations et les influences artistiques du XIXe siècle.
Avec ses dimensions harmonieuses (H : 48 cm, L : 37 cm, P : 17 cm), cette pendule saura trouver sa place dans tout intérieur élégant, apportant une touche d’histoire et de raffinement à votre décoration.
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Rare vierge chryséléphantine en bois sculpté époque XVIIIe siècle
650,00 €Cette sculpture chryséléphantine du 18e siècle est un exemple rare et précieux de l’artisanat de l’époque.
Fabriquée en bois sculpté, elle se distingue par son visage en ivoire finement ciselé, rehaussé d’yeux en verre qui lui confèrent une expression saisissante de réalisme et de profondeur.
La technique chryséléphantine, qui combine l’ivoire et le bois, était particulièrement prisée pour sa capacité à créer des œuvres d’une grande finesse et d’un réalisme frappant.
Cette sculpture en est un parfait exemple, avec un visage en ivoire qui contraste magnifiquement avec le corps en bois sculpté.
Les détails du visage, notamment les yeux en verre, ajoutent une dimension supplémentaire de réalisme et de sophistication à l’œuvre.
La sculpture mesure 42 cm de hauteur, ce qui en fait une pièce de taille respectable, idéale pour être exposée de manière visible dans un intérieur raffiné.
Les proportions harmonieuses et les détails minutieux témoignent du savoir-faire exceptionnel de l’artisan qui l’a créée.
Il est à noter que les mains de la sculpture, probablement en ivoire également, sont manquantes.
Cette absence, bien que regrettable, n’enlève rien à la beauté et à la valeur historique de l’œuvre.
Elle ajoute même une dimension supplémentaire à son histoire, invitant à imaginer les péripéties qu’elle a pu traverser au fil des siècles.
Le bois utilisé pour le corps de la sculpture est finement travaillé, avec des motifs et des textures qui témoignent d’un grand soin apporté à chaque détail.
Les vêtements, en particulier, sont rendus avec une précision qui donne l’impression de tissus réels, ajoutant à l’illusion de réalisme.
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VENDU
Très grande sculpture bronze art nouveau, femmes nues à la cascade
Cette remarquable sculpture en bronze, datant du début du XXe siècle, illustre avec brio le talent artistique et l’imaginaire mythologique ou naturaliste de son créateur.
Avec une hauteur de 77 cm, cette œuvre imposante captive par son esthétique raffinée et sa patine médaille d’origine, qui lui confère une profondeur et un éclat particuliers.
Bien qu’elle présente des signes d’oxydation et d’encrassement, typiques d’un état de grenier, ces marques n’altèrent en rien sa qualité artistique et peuvent être corrigées par un nettoyage doux et minutieux.
Une scène aquatique dynamique
La sculpture représente une scène vibrante et immersive mettant en scène trois femmes nues dans un environnement aquatique.
La composition, d’une grande complexité, joue sur différents niveaux pour guider l’œil du spectateur à travers l’œuvre.
L’une des figures féminines est assise avec grâce au sommet d’un rocher, dominant la scène d’un air serein et majestueux.
Les deux autres femmes semblent quant à elles émerger ou glisser dans un torrent, leurs corps s’intégrant harmonieusement aux textures fluides de l’eau sculptée.
Détails minutieux et naturalisme
Un des points forts de cette œuvre réside dans l’extraordinaire finesse des détails.
Chaque élément a été réalisé avec un soin méticuleux, contribuant à enrichir l’ensemble de la composition.
Le socle, qui simule un environnement rocheux et aquatique, regorge de détails naturalistes tels que des coquillages, un poisson et une anguille qui semblent s’animer sous nos yeux.
Ces éléments accentuent l’idée que les trois figures féminines évoluent à proximité d’une cascade, dans une scène vibrante et presque tangible.
L’artiste a su capter le mouvement et l’interaction entre les figures humaines et leur environnement, créant un équilibre subtil entre sensualité et dynamisme.
Les textures des rochers, la fluidité de l’eau et la douceur des courbes féminines témoignent du talent exceptionnel du sculpteur, capable de donner vie au bronze avec une précision rare.
Une thématique évocatrice
Cette sculpture se distingue également par la richesse symbolique qu’elle dégage.
L’interaction entre les femmes et leur cadre aquatique pourrait suggérer une inspiration mythologique, évoquant par exemple des nymphes ou des naïades, figures classiques de la culture occidentale associées aux eaux et aux cascades.
Alternativement, elle pourrait s’inscrire dans un courant naturaliste, célébrant la beauté et l’harmonie de la nature.
Ce type de thématique, prisé au début du XXe siècle, reflète un intérêt marqué pour la fusion entre l’humain et le monde naturel, ainsi qu’une exploration de la sensualité et de la vitalité féminine.
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Hermann Haase-Ilsenburg (1869-1960), l’enlèvement d’Europe, sculpture bronze
2500,00 €Je vous présente une sculpture en bronze exceptionnelle, une création captivante qui illustre l’histoire mythique d’Europe, la belle princesse phénicienne enlevée par Zeus, le roi des dieux de l’Olympe » L’enlèvement d’Europe « .
Ce récit fascinant, parmi les plus célèbres de la mythologie gréco-romaine, a inspiré les artistes depuis des siècles.
Ici, cette légende prend vie dans une interprétation magistrale de l’artiste Hermann Haase-Ilsenburg (1869-1960), un sculpteur allemand renommé, particulièrement apprécié pour ses contributions remarquables dans le style Art déco primitif.
Un sujet mythologique intemporel
La légende d’Europe est un symbole puissant de transformation, de beauté et de mystère.
Dans ce mythe, Zeus se métamorphose en un majestueux taureau blanc pour approcher Europe, la séduire et l’emmener loin de son foyer. Cette scène dramatique, riche en symbolisme, a été maintes fois réinterprétée dans l’histoire de l’art, de la peinture à la sculpture en passant par la littérature et les arts décoratifs.
Hermann Haase s’inscrit dans cette tradition en offrant une version unique, marquée par une sensibilité contemporaine et une maîtrise technique exceptionnelle.
Une œuvre d’Art déco primitif
La sculpture reflète le style Art déco primitif, un mouvement qui conjugue l’élégance moderne et des influences inspirées des cultures anciennes.
Avec sa patine brune, la surface du bronze capte subtilement la lumière, mettant en valeur les détails soigneusement travaillés.
Chaque courbe et chaque expression traduisent la maîtrise artistique de Haase.
La figure repose sur un socle en marbre gris moucheté, ajoutant une base contrastée et raffinée à l’ensemble.
Ce choix de matériaux confère à la sculpture une stabilité et une sophistication qui enrichissent l’impact visuel global de l’œuvre.
Hermann Haase-Ilsenburg : un maître sculpteur
Hermann Haase-Ilsenburg, né en Allemagne en 1869 et décédé en 1960, a marqué le domaine de la sculpture par son talent exceptionnel et sa capacité à capturer l’émotion humaine à travers des formes matérielles.
Formé dans des académies d’art prestigieuses, il a développé un style personnel mêlant les influences classiques et modernes.
Son travail se distingue par une attention rigoureuse aux détails, une expressivité saisissante et un sens aigu de l’équilibre formel.
Il a consacré sa carrière à traduire des récits intemporels et des émotions universelles en œuvres d’art palpables, comme en témoigne cette pièce.
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Magnifique pendule horloge en bronze cathédrale néo gothique XIXe siècle
1600,00 €Cette pendule en bronze doré, mesurant 44 cm de hauteur, est une pièce décorative remarquable datant de la fin du XIXe siècle.
Inspirée par l’architecture gothique, elle se distingue par sa forme évoquant une cathédrale et par une ornementation riche et minutieuse, qui illustre les prouesses artistiques et artisanales de cette époque.
Une architecture miniature d’inspiration gothique
L’ensemble de la pendule s’inscrit dans une esthétique gothique, reprenant les éléments caractéristiques de ce style architectural.La base est ornée d’arcatures finement sculptées, supportées par des colonnes élancées qui rappellent les piliers majestueux des grandes cathédrales médiévales.
Ces détails accentuent l’élan vertical et la complexité ornementale de la pièce, offrant une impression de hauteur et de légèreté.
Le sommet de la pendule est surmonté d’une flèche gothique élancée, symbole architectural par excellence de ce style.
Ce détail renforce l’impression de verticalité, tandis que les ornements ajourés, combinant des motifs floraux et géométriques, enrichissent encore son apparence.
Ces éléments témoignent d’un travail de ferronnerie d’art particulièrement sophistiqué, où chaque détail semble pensé pour capturer l’essence du gothique tout en la transposant à une échelle domestique.
Un cadran raffiné et fonctionnel
Au centre de la structure, un cadran en émail blanc constitue le cœur fonctionnel de la pendule.Ce cadran circulaire est cerclé de motifs floraux délicats qui s’harmonisent avec les autres éléments décoratifs.
Les chiffres romains noirs, associés aux aiguilles en acier finement travaillées, offrent un contraste visuel élégant tout en facilitant la lecture de l’heure.
Ce cadran est également doté d’un mécanisme ingénieux qui permet de le retirer pour le remontage, soulignant à la fois la fonctionnalité et l’ingéniosité technique de l’objet.
Un éclat patiné par le temps
Le bronze doré, utilisé comme matériau principal, confère à la pendule une lumière douce et chaleureuse.Avec le temps, la dorure a acquis une légère patine, accentuant l’impression d’ancienneté et d’authenticité.
Cette combinaison de dorure brillante et de patine subtile rappelle la richesse des intérieurs bourgeois de la fin du XIXe siècle, où de tels objets étaient prisés pour leur capacité à conjuguer utilité et beauté.
Un témoignage du goût historiciste
Cette pendule illustre le goût historiciste caractéristique de la fin du XIXe siècle, période marquée par une réinterprétation des styles artistiques du passé.À travers cette pièce, le style gothique est revisité non pas pour sa fonction architecturale originelle, mais pour sa valeur décorative et symbolique.
L’objet témoigne d’un dialogue entre histoire et modernité, où les formes anciennes sont adaptées aux besoins et aux sensibilités esthétiques de l’époque.
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Grande statue XIXe en plâtre représentant un guerrier africain
Je vous présente une pièce rare et spectaculaire : une grande statue en plâtre datant du XIXe siècle, représentant un guerrier africain, une figure iconique et majestueuse.
Avec une hauteur impressionnante de 203 cm (sans compter la lance en bois peint en blanc), cette œuvre combine une présence saisissante et une finesse d’exécution remarquable.
Description et détails
La statue représente un guerrier africain debout, dans une pose noble et affirmée.D’une main, il tient une lance en bois, tandis que l’autre repose sur sa hanche, exprimant force et confiance.
Le visage du guerrier est particulièrement expressif, avec des traits finement sculptés qui témoignent du savoir-faire de l’artiste.
Sa coiffure texturée, son regard fier dirigé vers l’horizon, et les détails soignés des ornements autour de son cou reflètent un réalisme et une sensibilité artistiques caractéristiques de l’époque.
Le vêtement est également élaboré avec soin : le guerrier est vêtu d’un pagne sculpté avec précision, comportant des plis et textures qui accentuent le rendu réaliste de la sculpture.
La base circulaire sur laquelle repose la statue assure stabilité et élégance.
La lance, en bois peint d’une teinte blanche pour s’harmoniser avec la pièce, donne une dynamique supplémentaire à l’ensemble, rappelant les codes du XIXe siècle où les objets exotiques étaient magnifiés dans les arts décoratifs.
Un contexte historique et artistique
Cette statue s’inscrit parfaitement dans l’esprit du XIXe siècle, une période marquée par un fort attrait pour l’exotisme et les représentations idéalisées des cultures du monde.En Europe, cet exotisme romantique influença de nombreux artistes, qui cherchaient à immortaliser des figures emblématiques et à célébrer la diversité culturelle.
Ces sculptures étaient souvent commandées pour des salons, des galeries ou des collections privées, où elles occupaient une place de choix, symbolisant à la fois un goût pour l’art et une fascination pour l’ailleurs.
Les œuvres de cette envergure, tant par leur taille que par leur qualité artistique, sont devenues rares sur le marché de l’art.
Ce modèle particulier pourrait également avoir été conçu comme une œuvre commémorative ou une interprétation libre destinée à valoriser les cultures extra européennes dans un contexte colonial.
Un atout pour vos espaces
Avec ses proportions imposantes et son allure grandiose, cette statue s’intègrera parfaitement dans divers environnements : une galerie d’art, un hall spacieux, un intérieur à la décoration classique ou éclectique.Elle ne manquera pas de devenir une pièce maîtresse, attirant l’attention et suscitant l’admiration des visiteurs.
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Joli miroir en laiton dit « de sorcière », circa 1950, style Louis XVI
Ce magnifique miroir dit « de sorcière », datant de la fabrication autour des années 1950, est une pièce remarquable qui conjugue élégance et tradition artisanale.
Avec son décor richement orné et son style Louis XVI, il évoque le raffinement intemporel des créations classiques tout en étant représentatif des réinterprétations du milieu du XXᵉ siècle.
Ses dimensions équilibrées et sa qualité de fabrication en font un objet aussi décoratif que fonctionnel, idéal pour agrémenter une variété d’intérieurs.
Un miroir bombé au charme unique
Le miroir présente un verre bombé, caractéristique des miroirs dits « de sorcière ».
Ce type de miroir, souvent associé aux XVIIIᵉ et XIXᵉ siècles, se distingue par sa surface convexe qui offre une vision élargie et légèrement déformée de l’espace.
Cela confère à la pièce une aura mystique et en fait un point focal captivant dans n’importe quelle pièce.
Ici, le diamètre du miroir bombé, mesuré à vue, est de 30 cm, une taille idéale pour capter la lumière et élargir visuellement un espace sans dominer le décor.
Un cadre raffiné dans le style Louis XVI
Le cadre, en laiton travaillé, s’inscrit dans une esthétique classique propre au style Louis XVI.
Il arbore des ornements minutieusement façonnés qui rappellent les codes décoratifs du XVIIIᵉ siècle, réinterprétés ici avec une maîtrise typique des productions d’après-guerre.
Parmi les éléments décoratifs figurent des flambeaux élégamment disposés sur le fronton supérieur.
Ces motifs symbolisent la lumière et la connaissance, renforçant l’idée d’un miroir comme source d’éclat et de clarté.
Des nœuds de rubans délicatement sculptés viennent compléter le décor, évoquant la douceur et l’harmonie souvent associées à l’art ornemental Louis XVI.
Des branchages et des feuillages stylisés, soigneusement agencés autour du cadre, ajoutent une touche organique, ancrant la pièce dans une esthétique naturaliste.
Enfin, une frise de perles souligne le contour du miroir, un détail emblématique des créations Louis XVI qui traduit un goût pour la symétrie et le raffinement.
Des proportions harmonieuses
Ce miroir atteint une hauteur totale de 57 cm, ce qui en fait une pièce d’une présence affirmée mais non envahissante.
Cette hauteur, combinée au diamètre du miroir bombé de 30 cm, offre des proportions équilibrées.
Il peut être suspendu au-dessus d’une cheminée, intégré dans un mur de cadres ou placé dans un vestibule pour apporter une note de distinction.
Une fabrication circa 1950
Bien que ce miroir s’inspire des créations Louis XVI, il a été fabriqué autour des années 1950.
Cette époque a vu un regain d’intérêt pour les styles historiques, souvent revisités avec des techniques modernes de production.
Le choix du laiton, à la fois durable et esthétique, témoigne de cette approche, tandis que le savoir-faire dont il est issu garantit une qualité exceptionnelle.
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Plateau à fond de miroir et contour en argent massif sculpté
Ce superbe plateau ancien, de forme ovale, représente un mariage harmonieux entre élégance et fonctionnalité.
Véritable objet d’art et d’histoire, il séduit immédiatement par son raffinement et le soin apporté à ses détails.
Le centre du plateau est un miroir aux reflets subtils, qui ajoute une touche de lumière et de profondeur à la pièce.
Ce fond en glace est entouré d’un cadre en argent massif poinçonné 800/1000ème, signe de qualité et d’authenticité.
Ce métal précieux présente une patine douce qui lui confère tout le charme des objets anciens tout en soulignant son éclat naturel. L’entourage en argent est sublimé par de délicats motifs sculptés représentant des fleurs en relief, accompagnées de feuillages finement ciselés.
Ces motifs, réalisés avec une grande précision, témoignent d’un artisanat de haute qualité, typique des pièces décoratives des siècles passés.
Le contour du plateau adopte une forme légèrement ondulée, renforçant son esthétique gracieuse et fluide.
Ce design apporte une touche de mouvement et de légèreté à l’ensemble, tandis que les motifs floraux contribuent à son charme romantique. Ces décorations sont typiques de l’orfèvrerie classique, souvent influencée par les styles rococo ou Art nouveau, selon la période de fabrication.
La base du plateau est en bois massif, soigneusement poli et découpé pour correspondre parfaitement à la forme du cadre en argent.
Ce bois apporte un contraste chaleureux à la brillance de l’argent et assure une structure solide et durable.
Le plateau repose sur quatre petits pieds en forme de toupies, également en argent, qui élèvent légèrement la pièce.
Ces pieds ne sont pas seulement fonctionnels, mais également décoratifs, offrant une stabilité parfaite tout en permettant au plateau de s’intégrer avec élégance à toutes les surfaces.
Avec ses dimensions généreuses de 46 cm de longueur et 33 cm de largeur, ce plateau est aussi bien un élément fonctionnel qu’un objet décoratif exceptionnel.
Il peut être utilisé pour servir des boissons, des desserts ou d’autres éléments raffinés lors d’une réception, tout en ajoutant une touche de prestige à l’occasion.
En dehors de son usage pratique, il peut également être exposé en tant que pièce maîtresse sur une table ou un buffet, où il attirera l’attention grâce à son éclat et ses détails minutieux.
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Sculpture en terre cuite patinée – Le Fleuve – D’après Jean Jacques Caffieri
2800,00 €Sculpture en terre cuite patinée – « Le Fleuve »
d’après Jean-Jacques Caffieri, école française du XVIIIe siècleCette sculpture en terre cuite patinée, intitulée « Le Fleuve », est une œuvre d’une grande finesse, inspirée du modèle original en marbre du sculpteur français Jean-Jacques Caffieri (1725-1792), figure emblématique de l’école française du XVIIIe siècle.
Réalisée probablement vers la fin du XIXe siècle, elle témoigne de la fascination pour les chefs-d’œuvre classiques et de l’engouement pour les reproductions d’artistes illustres de cette époque.
Un hommage à l’excellence de Caffieri
Signée sur la base « Monsieur Caffier 1759 », cette pièce rend hommage à l’œuvre originale de Caffieri, conservée au musée du Louvre à Paris. Jean-Jacques Caffieri, connu pour ses portraits sculptés et ses allégories, a marqué le XVIIIe siècle par son élégance et son attention méticuleuse aux détails.
Ce modèle marbre, créé dans une période de faste artistique, représente une figure allégorique d’un fleuve, symbole de puissance et de continuité.
Cette version en terre cuite témoigne d’un savoir-faire remarquable.
Le matériau utilisé, patiné avec soin, imite avec subtilité la noblesse du marbre tout en offrant une chaleur et une légèreté propres à la terre cuite.
Sa patine confère à l’œuvre un caractère intemporel, renforçant l’impression d’avoir affaire à un original d’époque.
Description et détails
Haute de 58 cm, cette sculpture attire immédiatement le regard par ses proportions harmonieuses et la délicatesse de ses détails.
La figure allégorique, probablement masculine, est représentée dans une posture majestueuse.
Les drapés fluides et dynamiques soulignent le mouvement de l’eau, tandis que les muscles finement sculptés traduisent la force et la vigueur associées aux cours d’eau puissants.
Les traits expressifs et le travail minutieux des cheveux témoignent de l’influence baroque sur Caffieri, qui mêle puissance et grâce.
Les courbes douces et les contrastes subtilement marqués entre les surfaces lisses et texturées ajoutent à l’attrait visuel de l’œuvre. L’inscription sur la base, évoquant la date de 1759, renforce la filiation avec l’original tout en ajoutant une touche d’authenticité et d’histoire à cette version postérieure.
Une sculpture d’époque, mais intemporelle
Bien que cette œuvre ait été réalisée à la fin du XIXe siècle, elle s’inscrit dans une longue tradition d’admiration et de réinterprétation des maîtres du XVIIIe siècle.
À cette époque, les reproductions d’œuvres célèbres étaient très recherchées par les amateurs d’art et les collectionneurs, désireux de posséder une part de l’héritage artistique français.
Ce type de création, qui marie un sujet classique à une technique raffinée, reflète également l’essor de la bourgeoisie et l’élargissement de l’accès à l’art.
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Belle sculpture d’un joli bébé souriant en marbre, d’après l’atelier R. d’Arcy
450,00 €Cette œuvre remarquable, réalisée d’après l’atelier R. d’Arcy, incarne l’art de la sculpture dans sa forme la plus expressive et raffinée.
Il s’agit d’une sculpture en marbre représentant un bébé souriant, dont le visage rayonne d’une joie contagieuse, presque à la limite de l’éclat de rire.
Avec une largeur de 30 cm et une hauteur de 31 cm, cette pièce est un véritable chef-d’œuvre de délicatesse et d’émotion.
Un visage lumineux et expressif
Le point focal de cette sculpture est sans conteste l’expression du visage du bébé.
Ce dernier est finement sculpté, chaque détail capturant la pureté et l’innocence propres à la petite enfance.
Les joues rebondies, le front légèrement bombé et les fossettes marquées viennent accentuer le réalisme et la tendresse de cette représentation.
Les lèvres, délicatement entrouvertes dans un sourire éclatant, traduisent une gaieté sincère et spontanée.
Ce visage semble presque vivant, tant l’artisan a su insuffler une dynamique expressive qui capte l’instant d’une émotion fugace, mais universelle.
Les yeux du bébé, sculptés avec soin, reflètent une étincelle de malice et d’innocence, soulignant la maîtrise technique de l’artiste.
L’ensemble évoque une scène empreinte de bonheur et de simplicité, où le spectateur peut presque entendre le rire de l’enfant.
Cette capacité à transmettre des émotions à travers la pierre témoigne d’un savoir-faire exceptionnel.
Un travail de sculpture méticuleux
Réalisée en marbre, une matière noble et durable, cette sculpture met en lumière l’habileté et l’expertise des sculpteurs de l’atelier R. d’Arcy. Chaque détail est soigneusement travaillé, des courbes douces du visage aux légers plis sur le cou, qui ajoutent un réalisme supplémentaire à l’ensemble.
Le polissage impeccable du marbre donne à la surface une texture douce et lumineuse, reflétant la lumière de manière subtile et harmonieuse.
La qualité de la sculpture est telle qu’elle transcende la simple représentation figurative pour atteindre une forme d’art intemporelle.
Le jeu entre les zones lisses et les reliefs accentue la profondeur et le volume, renforçant l’impression que ce bébé pourrait s’animer d’un moment à l’autre.
Une œuvre aux dimensions idéales
Avec ses dimensions équilibrées de 30 cm de largeur et 31 cm de hauteur, cette sculpture s’intègre facilement dans divers espaces intérieurs, tout en conservant une présence imposante.
Ces proportions rendent l’œuvre à la fois accessible et suffisamment imposante pour attirer l’attention, que ce soit dans un salon, une bibliothèque ou une galerie privée.
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Grand plateau ovale, époque Napoléon III (XIXe siècle), en carton bouilli
240,00 €Je vous présente un splendide plateau de forme ovale, témoin du raffinement artistique et des techniques de fabrication caractéristiques de la seconde moitié du XIXe siècle, sous le règne de Napoléon III.
Cet objet d’art et d’usage courant, confectionné en papier mâché ou carton bouilli, illustre l’excellence des artisans de cette époque qui combinaient habilement innovation technique et goût pour l’ornementation délicate.
Un décor floral peint à la main et nacré
Le centre du plateau dévoile un magnifique bouquet de fleurs, peint à la main avec une finesse remarquable.
Ce décor, typique de l’art décoratif sous Napoléon III, met en scène une composition florale vibrante aux couleurs délicates.
L’ajout d’incrustations en nacre rehausse le design en apportant des reflets irisés qui captent la lumière et attirent l’œil.
Ces incrustations, très en vogue à l’époque, témoignent du souci du détail et de l’élégance recherchée dans les objets de ce style.
Une fabrication typique du XIXe siècle
Le plateau est fabriqué à partir de papier mâché ou de carton bouilli, des matériaux prisés au XIXe siècle pour leur légèreté et leur résistance, mais aussi pour leur capacité à être façonnés et décorés avec minutie.
Ce procédé de fabrication consistait à superposer des couches de papier ou de carton, solidifiées par la chaleur et la pression, puis vernies pour leur donner un aspect laqué.
Durant cette période, ces plateaux servaient tant pour leur fonction pratique que pour leur rôle décoratif.
Ils étaient souvent utilisés dans les salons bourgeois ou les demeures élégantes, où l’on appréciait les objets au charme à la fois fonctionnel et esthétique.
Le charme des traces du temps
Comme beaucoup de pièces utilitaires ayant traversé les décennies, ce plateau porte les traces d’un usage intensif et présente quelques anciennes réparations.
Ces marques du temps n’enlèvent rien à son authenticité ni à son charme.
Au contraire, elles racontent une histoire et soulignent la robustesse et la valeur sentimentale de l’objet.
Ce plateau est donc bien plus qu’un simple accessoire : c’est un fragment d’histoire qui saura trouver sa place dans une décoration intérieure où le vintage et l’authentique sont mis à l’honneur.
Dimensions et disponibilité
Avec ses dimensions généreuses de 49 cm x 61 cm, ce plateau s’impose comme un objet aussi pratique que décoratif.
Il peut servir à la fois pour présenter des mets lors de vos réceptions ou pour embellir un espace, tel un élément décoratif accroché au mur ou posé sur un buffet.
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Magnifique grand pichet art nouveau en métal argenté vers 1900
Magnifique aiguière ancienne en métal argenté : une pièce d’exception
Je vous propose une superbe aiguière ancienne, également connue sous le nom de grand pichet, qui incarne le raffinement et l’élégance des arts décoratifs de son époque.
Réalisée en métal argenté de haute qualité, cette pièce exceptionnelle est une véritable œuvre d’art.
Ses finitions soignées et son design richement ornementé témoignent d’un savoir-faire artisanal remarquable.
Un design empreint de poésie et de raffinement
Cette aiguière est ornée de motifs floraux stylisés caractéristiques du mouvement Art Nouveau, un style artistique qui a marqué la fin du XIXᵉ et le début du XXᵉ siècle.
Les fleurs, délicatement sculptées, semblent jaillir de la surface métallique, évoquant une nature vivante et élégante.
Les frises de grecques qui entourent l’aiguière apportent une touche d’harmonie et d’équilibre, renforçant l’impression d’un objet à la fois fonctionnel et décoratif.
L’anse en forme de gargouille est un détail spectaculaire qui attire immédiatement l’attention.
Inspirée des créatures fantastiques qui ornent souvent les édifices gothiques, cette gargouille confère une dimension mystique et fascinante à l’aiguière.
Non seulement elle est impressionnante par son réalisme, mais elle est aussi pensée pour assurer une prise en main confortable et pratique.
Un objet rare et convoité
Avec ses 40,5 cm de hauteur, cette aiguière ne passe pas inaperçue.
Son imposante présence en fait un objet idéal pour agrémenter une table de réception, un buffet ou une vitrine de collection.
Les amateurs d’antiquités et les passionnés de décoration d’intérieur reconnaîtront immédiatement la valeur de cette pièce unique.
Les aiguières en métal argenté aussi finement travaillées sont aujourd’hui extrêmement rares, ce qui ajoute à l’intérêt de cet objet.
Ce pichet ancien se distingue par son état de conservation remarquable et sa qualité de fabrication, des caractéristiques recherchées par les collectionneurs exigeants.
Il s’agit d’une pièce qui saura trouver sa place dans les plus belles demeures et qui apportera une touche de prestige à n’importe quel intérieur.
Une opportunité à saisir à Rouen
Cette pièce d’exception est visible dans ma boutique située sur Rouen Rive Droite, au cœur d’un quartier reconnu pour son charme et ses trésors antiques.
Que vous soyez collectionneur, amateur d’art ou simplement à la recherche d’un cadeau unique et précieux, cette aiguière saura vous séduire. C’est une occasion rare de posséder un objet chargé d’histoire, témoin d’une époque révolue où l’artisanat et le souci du détail étaient au cœur de la création.
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Grande sculpture en marbre de 83 cm, la baigneuse, d’après Falconet
Cette superbe et élégante sculpture en marbre, inspirée de « La Baigneuse » d’Étienne Maurice Falconet, incarne l’art raffiné du XVIIIe siècle. Reprenant avec virtuosité les caractéristiques de la célèbre œuvre originale exposée au musée du Louvre, cette pièce illustre le mariage harmonieux entre la tradition classique et l’esthétique rococo.
Représentant une nymphe descendant du bain, cette sculpture capte avec délicatesse et sensualité l’esprit de l’Antique, réinterprété avec une finesse remarquable.
Une œuvre inspirée par les maîtres de l’Antiquité et du Grand Siècle
L’œuvre originale de Falconet, conçue vers le milieu du XVIIIe siècle, s’inspire elle-même des canons de beauté classique et des peintures mythologiques, notamment celles de François Lemoyne.
Peintre éminent du Grand Siècle, Lemoyne excellait dans l’art de représenter la grâce féminine à travers des scènes mythologiques empreintes de poésie.
Ici, la sculpture reprend cette tradition en traduisant la légèreté et l’élégance picturale dans le langage sculptural.
Falconet, célèbre sculpteur du siècle des Lumières, a réussi à capturer la quintessence de la beauté féminine dans cette figure délicate.
La posture gracieuse de la nymphe, se penchant légèrement en avant tout en tenant son drapé, exprime une douce retenue et une sensualité mesurée, des traits caractéristiques de son style.
Un hommage à la pureté du marbre et au raffinement artistique
Réalisée en marbre blanc de haute qualité, cette sculpture révèle une maîtrise exceptionnelle de la matière.
Le travail des détails est saisissant : des courbes harmonieuses du corps aux plis du drapé subtilement sculptés, chaque élément témoigne d’une précision technique remarquable.
La surface polie du marbre confère à l’ensemble un éclat satiné qui magnifie la douceur des traits du visage et la fluidité des lignes du corps.
Les dimensions généreuses de 83 cm permettent de mettre en valeur cette œuvre dans tout type d’espace.
Qu’elle soit placée sur un piédestal dans un salon, une galerie ou un bureau, cette sculpture devient immédiatement un point focal, attirant les regards par son élégance intemporelle.
Une pièce décorative de grande élégance
En plus de son aspect artistique, cette sculpture constitue un élément décoratif exceptionnel.
Son esthétique classique s’intègre aussi bien dans des intérieurs traditionnels que contemporains, apportant une touche de raffinement et de noblesse.
Que ce soit pour un collectionneur passionné d’art ou un amateur de décoration sophistiquée, cette pièce trouve sa place dans tout cadre recherchant l’équilibre entre l’histoire et le goût moderne.
La thématique de la nymphe descendante du bain, symbole de pureté et de beauté naturelle, évoque également l’intimité et la sérénité.
Ce thème intemporel séduit par sa capacité à transcender les époques et les styles.
Falconet, avec sa vision empreinte de grâce et de sensibilité, a su élever cette scène apparemment simple au rang d’icône artistique.
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Belle et ancienne aiguière en étain art nouveau signé de Noel Ruffier
580,00 €Noël Ruffier, sculpteur et orfèvre français actif à la fin du XIXᵉ siècle et au début du XXᵉ siècle, est connu pour ses créations alliant symbolisme et virtuosité technique.
Né en 1847, il s’inscrit dans le mouvement de l’Art Nouveau, qui privilégie l’expression organique, les motifs naturalistes et une vision esthétique souvent empreinte de mystère et de sensualité.
L’aiguière qu’il a créée, une pièce remarquable datant d’environ 1900, témoigne de ce style et de l’habilité de Ruffier à marier fonctionnalité et art sculptural.
**Description de l’œuvre**
L’aiguière, d’une hauteur de 39 cm, est réalisée en bronze avec une sculpture en relief en étain sur sa panse.
Elle adopte une forme saisissante et narrative : celle d’un *Kantor* ou d’un satyre, créature mythologique symbolisant souvent les instincts primaires et la séduction, tendant une embuscade à une belle femme endormie.
Ce choix iconographique évoque des thématiques classiques mêlées à l’imaginaire romantique de l’Art Nouveau.
La scène sculptée présente un contraste frappant entre la douceur paisible de la femme et l’énergie dynamique du satyre.
La femme, représentée dans une pose alanguie et vulnérable, incarne un idéal de beauté gracieuse, tandis que le satyre, caractérisé par des muscles tendus et un regard intense, exprime une tension dramatique.
Ces détails donnent vie à la composition et plongent l’observateur dans une scène théâtrale où le désir et le rêve se confondent.
L’aiguière n’est pas seulement une pièce fonctionnelle destinée à contenir un liquide ; elle s’impose comme un objet d’art à part entière.
Le mélange du bronze et de l’étain enrichit l’œuvre en apportant des textures variées.
Le bronze confère une robustesse et une patine qui accentuent la richesse visuelle, tandis que l’étain, utilisé pour la scène en relief, offre un contraste subtil et raffiné.
**Signature et authenticité**
La signature de Noël Ruffier figure sur la panse de l’aiguière, confirmant son attribution à l’artiste.
Ce détail témoigne de l’importance qu’il accordait à ses créations, qu’il voyait comme des œuvres uniques et précieuses.
Ruffier, bien que moins connu que certains de ses contemporains comme René Lalique ou Emile Gallé, partage leur ambition de repousser les limites des matériaux pour créer des objets empreints de poésie et d’une qualité technique irréprochable.
**Contexte artistique et symbolisme**
À travers cette aiguière, Ruffier reflète les aspirations de l’Art Nouveau, qui s’inspire des mythes antiques et de la nature tout en explorant des thèmes psychologiques et émotionnels.
Le choix du satyre, figure de la mythologie gréco-romaine, est emblématique.
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Très beau tableau cubiste signé de Marcel Mouillot, à restaurer
Une œuvre cubiste exceptionnelle signée Marcel Mouillot
Laissez-vous séduire par une pièce d’art remarquable, une huile sur toile cubiste signée par Marcel Mouillot et numérotée 178. Cette œuvre, aux dimensions de **54 x 64,5 cm**, incarne une vision unique et captivante : une terrasse surplombant un lac, où des voiliers évoluent paisiblement, entourés par des habitations accrochées à une falaise.
Un chef-d’œuvre dans la veine cubiste
Marcel Mouillot, artiste à la touche innovante et singulière, revisite dans cette toile les codes du cubisme. Les formes géométriques, les lignes fragmentées et les jeux de perspective s’unissent pour proposer une interprétation à la fois abstraite et émotionnelle du paysage. Le regard est guidé à travers des plans successifs : d’abord la terrasse, avec ses contours nets et modernes, puis le lac, animé par des voiliers esquissés dans des tonalités vives et lumineuses. Enfin, au loin, les habitations sur la falaise offrent un contraste saisissant avec leur solidité angulaire et leurs teintes plus sourdes.Les couleurs de cette œuvre jouent un rôle essentiel : des tons chauds et vibrants, mêlés à des nuances plus douces, créent une harmonie visuelle fascinante. Le lac est magnifiquement rendu avec des variations de bleus et de gris qui évoquent à la fois la profondeur et le mouvement de l’eau, tandis que les voiliers se distinguent par des touches claires et légères.
Une toile marquée par le vécu
Bien que cette pièce présente quelques **accidents** — des marques visibles du passage du temps ou d’incidents passés —, cela ne fait qu’ajouter à son authenticité et à son charme. Ces imperfections, loin de diminuer sa valeur, rappellent l’histoire de l’œuvre, sa vie antérieure et les mains par lesquelles elle est passée. Une restauration discrète pourrait être envisagée pour sublimer encore davantage sa beauté sans trahir son authenticité. -
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Tables gigognes en laiton et cuir des années 1950 par Jacques ADNET
Les tables basses gigognes de Jacques Adnet, conçues dans les années 50, sont une illustration parfaite de l’élégance sobre et de l’ingéniosité du design de cette époque. Adnet, connu pour son approche moderniste alliée à une grande sophistication matérielle, a créé un ensemble qui incarne l’esprit du milieu du XXe siècle, alliant fonctionnalité et esthétique raffinée.
Ces tables, conçues pour être modulables et polyvalentes, peuvent être disposées en diverses configurations, leur permettant de s’adapter aisément aux besoins et à la disposition d’un espace de vie.
Design et Matériaux
L’ensemble est composé de trois tables de tailles différentes qui s’emboîtent, d’où leur appellation de « tables gigognes ».Ce design est non seulement fonctionnel mais aussi astucieux, permettant un rangement facile et une grande flexibilité d’utilisation.
Ces tables sont en laiton patiné, travaillé pour imiter la texture et l’apparence du bambou, un choix de matériau et de finition qui témoigne de l’originalité de l’époque et du talent de Jacques Adnet.
Le laiton patiné confère à l’ensemble une teinte chaude et un aspect vieilli qui ajoute de la profondeur et de la richesse au design.
Le choix du laiton patiné façon bambou n’est pas anodin. Adnet, influencé par l’esthétique Art déco et le modernisme, cherche à introduire des matériaux naturels dans des formes épurées.
Le laiton patiné a été travaillé pour imiter le bambou, alliant ainsi le naturel au luxe, tout en offrant une solidité et une durabilité que le bambou réel n’aurait pas permis.
Cette technique de patine donne aux tables une apparence singulière, ajoutant une touche d’exotisme discrète tout en restant dans le cadre d’un design sophistiqué.
Les plateaux des tables sont recouverts d’un cuir noir, un autre choix emblématique de Jacques Adnet, souvent associé à ses créations.
Le cuir, matériau noble et durable, apporte une texture et une élégance supplémentaire à l’ensemble.
Le contraste entre le cuir noir profond et le laiton doré patiné crée un effet visuel saisissant, alliant sobriété et raffinement.
Aux quatre angles de chaque plateau, de petites pièces en laiton viennent renforcer la structure et ajoutent un détail esthétique subtil mais significatif, évoquant la qualité de fabrication et l’attention aux détails caractéristiques des créations d’Adnet.
État et Caractéristiques de l’Ensemble
Cet ensemble est en bon état vintage, et bien qu’il présente quelques traces du temps, cela ajoute à son charme et à son authenticité.Le cuir des plateaux, qui montre des marques d’usage, est le témoin de son histoire et de son vécu, offrant une patine naturelle qui témoigne du passage du temps.
Ces marques ne sont pas des défauts mais des traces d’authenticité qui renforcent la valeur vintage de l’ensemble.
De même, le laiton présente quelques zones d’oxydation, caractéristiques des matériaux en métal anciens qui réagissent naturellement avec l’environnement au fil des décennies.
Cette oxydation ne compromet en rien la solidité ou la stabilité des tables ; au contraire, elle ajoute une touche de charme et témoigne de l’ancienneté de la pièce, la rendant unique.
Les éléments en laiton patiné, tout en conservant une certaine brillance, montrent des signes naturels d’oxydation qui se manifestent par de petites variations de couleur sur la structure en bambou.
Cet aspect vieilli est recherché par les collectionneurs et amateurs de design vintage car il confère à l’ensemble un cachet historique tout en conservant l’élégance intemporelle qui fait la réputation des créations d’Adnet.
Absence de Restauration
Il est important de noter que cet ensemble n’a subi aucune restauration, ce qui en fait un témoignage authentique du design d’origine des années 50.L’absence de restauration garantit que chaque élément est d’origine, du laiton patiné au cuir noir, conservant ainsi toute la valeur historique et l’intégrité esthétique de l’ensemble.
Les collectionneurs et les amateurs de mobilier d’époque recherchent souvent des pièces non restaurées, car elles offrent un aperçu direct des matériaux et des techniques d’époque sans intervention moderne.
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Miniature ancienne, réalisée à la fin du XIXe siècle et signée par l’artiste J. Cavana
Cette délicate miniature du XIXe siècle, signée par l’artiste Jean Cavana, est un témoignage captivant de l’élégance de son époque. Réalisée vers la fin du siècle, elle représente une femme raffinée, probablement Marie Thérèse Blonel d’Haraucourt, une figure de la noblesse. Cavana, en mettant en avant chaque détail, des tissus sophistiqués de sa tenue aux subtiles variations des traits de son visage, démontre l’étendue de son talent. L’œuvre traduit avec finesse l’atmosphère et l’esthétique de la société aristocratique de l’époque.
Jean Cavana, né en Italie en 1830, s’est installé en France où il s’est rapidement distingué par son habileté à capturer l’essence de ses modèles dans des formats miniatures. Sa formation dans la lignée des maîtres classiques lui a permis de développer une technique précise, un savoir-faire qui a séduit les élites de son temps. Ces dernières recherchaient un artiste capable de figer sur des supports de petite taille non seulement l’apparence mais aussi la personnalité de ceux qu’il peignait. Cavana a ainsi su s’imposer comme un portraitiste de renom, en grande partie grâce à cette capacité à rendre les traits psychologiques visibles dans de si petits formats.
La carrière de Jean Cavana a été marquée par de nombreuses commandes provenant de la haute société, désireuse de posséder ces miniatures raffinées, symboles à la fois d’un statut social et d’un goût pour l’art. Cavana a d’ailleurs su tirer parti de cette demande croissante pour la miniature, un genre particulièrement prisé au XIXe siècle, époque où la photographie n’avait pas encore supplanté la peinture dans l’art du portrait. Ses œuvres se distinguent par une précision remarquable et une attention méticuleuse aux détails, qu’il s’agisse des vêtements, des textures ou des visages.
La maîtrise technique de Cavana ne s’arrête pas au portrait miniature. Au-delà de ce genre, il a exploré divers thèmes, s’essayant notamment au paysage, et ses œuvres dégagent souvent une certaine nostalgie. Ce sentiment, présent dans ses peintures, contribue à leur caractère unique et à leur profondeur. L’artiste semblait avoir une sensibilité particulière pour les moments suspendus dans le temps, qu’il capturait avec une délicatesse certaine.
Dans cette miniature spécifique, Cavana excelle en restituant l’élégance d’une dame de la noblesse, sans doute Marie Thérèse Blonel d’Haraucourt. La précision des plis de la robe, les jeux d’ombre et de lumière sur le visage, et la douceur du regard traduisent un travail minutieux et une grande habileté artistique. Ces caractéristiques témoignent de l’attention que l’artiste portait à chaque élément de ses compositions, révélant ainsi sa capacité à donner vie à ses sujets dans des formats si réduits.
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Miniature ancienne, réalisée à la fin du XIXe siècle et signée par l’artiste J. Cavana
Cette délicate miniature du XIXe siècle, signée par l’artiste Jean Cavana, est un témoignage captivant de l’élégance de son époque. Réalisée vers la fin du siècle, elle représente une femme raffinée, probablement Marie Thérèse Blonel d’Haraucourt, une figure de la noblesse. Cavana, en mettant en avant chaque détail, des tissus sophistiqués de sa tenue aux subtiles variations des traits de son visage, démontre l’étendue de son talent. L’œuvre traduit avec finesse l’atmosphère et l’esthétique de la société aristocratique de l’époque.
Jean Cavana, né en Italie en 1830, s’est installé en France où il s’est rapidement distingué par son habileté à capturer l’essence de ses modèles dans des formats miniatures. Sa formation dans la lignée des maîtres classiques lui a permis de développer une technique précise, un savoir-faire qui a séduit les élites de son temps. Ces dernières recherchaient un artiste capable de figer sur des supports de petite taille non seulement l’apparence mais aussi la personnalité de ceux qu’il peignait. Cavana a ainsi su s’imposer comme un portraitiste de renom, en grande partie grâce à cette capacité à rendre les traits psychologiques visibles dans de si petits formats.
La carrière de Jean Cavana a été marquée par de nombreuses commandes provenant de la haute société, désireuse de posséder ces miniatures raffinées, symboles à la fois d’un statut social et d’un goût pour l’art. Cavana a d’ailleurs su tirer parti de cette demande croissante pour la miniature, un genre particulièrement prisé au XIXe siècle, époque où la photographie n’avait pas encore supplanté la peinture dans l’art du portrait. Ses œuvres se distinguent par une précision remarquable et une attention méticuleuse aux détails, qu’il s’agisse des vêtements, des textures ou des visages.
La maîtrise technique de Cavana ne s’arrête pas au portrait miniature. Au-delà de ce genre, il a exploré divers thèmes, s’essayant notamment au paysage, et ses œuvres dégagent souvent une certaine nostalgie. Ce sentiment, présent dans ses peintures, contribue à leur caractère unique et à leur profondeur. L’artiste semblait avoir une sensibilité particulière pour les moments suspendus dans le temps, qu’il capturait avec une délicatesse certaine.
Dans cette miniature spécifique, Cavana excelle en restituant l’élégance d’une dame de la noblesse, sans doute Marie Thérèse Blonel d’Haraucourt. La précision des plis de la robe, les jeux d’ombre et de lumière sur le visage, et la douceur du regard traduisent un travail minutieux et une grande habileté artistique. Ces caractéristiques témoignent de l’attention que l’artiste portait à chaque élément de ses compositions, révélant ainsi sa capacité à donner vie à ses sujets dans des formats si réduits.
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Miniature ancienne, réalisée à la fin du XIXe siècle et signée par l’artiste J. Cavana
Cette délicate miniature du XIXe siècle, signée par l’artiste Jean Cavana, est un témoignage captivant de l’élégance de son époque. Réalisée vers la fin du siècle, elle représente une femme raffinée, probablement Marie Thérèse Blonel d’Haraucourt, une figure de la noblesse. Cavana, en mettant en avant chaque détail, des tissus sophistiqués de sa tenue aux subtiles variations des traits de son visage, démontre l’étendue de son talent. L’œuvre traduit avec finesse l’atmosphère et l’esthétique de la société aristocratique de l’époque.
Jean Cavana, né en Italie en 1830, s’est installé en France où il s’est rapidement distingué par son habileté à capturer l’essence de ses modèles dans des formats miniatures. Sa formation dans la lignée des maîtres classiques lui a permis de développer une technique précise, un savoir-faire qui a séduit les élites de son temps. Ces dernières recherchaient un artiste capable de figer sur des supports de petite taille non seulement l’apparence mais aussi la personnalité de ceux qu’il peignait. Cavana a ainsi su s’imposer comme un portraitiste de renom, en grande partie grâce à cette capacité à rendre les traits psychologiques visibles dans de si petits formats.
La carrière de Jean Cavana a été marquée par de nombreuses commandes provenant de la haute société, désireuse de posséder ces miniatures raffinées, symboles à la fois d’un statut social et d’un goût pour l’art. Cavana a d’ailleurs su tirer parti de cette demande croissante pour la miniature, un genre particulièrement prisé au XIXe siècle, époque où la photographie n’avait pas encore supplanté la peinture dans l’art du portrait. Ses œuvres se distinguent par une précision remarquable et une attention méticuleuse aux détails, qu’il s’agisse des vêtements, des textures ou des visages.
La maîtrise technique de Cavana ne s’arrête pas au portrait miniature. Au-delà de ce genre, il a exploré divers thèmes, s’essayant notamment au paysage, et ses œuvres dégagent souvent une certaine nostalgie. Ce sentiment, présent dans ses peintures, contribue à leur caractère unique et à leur profondeur. L’artiste semblait avoir une sensibilité particulière pour les moments suspendus dans le temps, qu’il capturait avec une délicatesse certaine.
Dans cette miniature spécifique, Cavana excelle en restituant l’élégance d’une dame de la noblesse, sans doute Marie Thérèse Blonel d’Haraucourt. La précision des plis de la robe, les jeux d’ombre et de lumière sur le visage, et la douceur du regard traduisent un travail minutieux et une grande habileté artistique. Ces caractéristiques témoignent de l’attention que l’artiste portait à chaque élément de ses compositions, révélant ainsi sa capacité à donner vie à ses sujets dans des formats si réduits.
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Miniature ancienne, réalisée à la fin du XIXe siècle et signée par l’artiste J. Cavana
Cette délicate miniature du XIXe siècle, signée par l’artiste Jean Cavana, est un témoignage captivant de l’élégance de son époque. Réalisée vers la fin du siècle, elle représente une femme raffinée, probablement Marie Thérèse Blonel d’Haraucourt, une figure de la noblesse. Cavana, en mettant en avant chaque détail, des tissus sophistiqués de sa tenue aux subtiles variations des traits de son visage, démontre l’étendue de son talent. L’œuvre traduit avec finesse l’atmosphère et l’esthétique de la société aristocratique de l’époque.
Jean Cavana, né en Italie en 1830, s’est installé en France où il s’est rapidement distingué par son habileté à capturer l’essence de ses modèles dans des formats miniatures. Sa formation dans la lignée des maîtres classiques lui a permis de développer une technique précise, un savoir-faire qui a séduit les élites de son temps. Ces dernières recherchaient un artiste capable de figer sur des supports de petite taille non seulement l’apparence mais aussi la personnalité de ceux qu’il peignait. Cavana a ainsi su s’imposer comme un portraitiste de renom, en grande partie grâce à cette capacité à rendre les traits psychologiques visibles dans de si petits formats.
La carrière de Jean Cavana a été marquée par de nombreuses commandes provenant de la haute société, désireuse de posséder ces miniatures raffinées, symboles à la fois d’un statut social et d’un goût pour l’art. Cavana a d’ailleurs su tirer parti de cette demande croissante pour la miniature, un genre particulièrement prisé au XIXe siècle, époque où la photographie n’avait pas encore supplanté la peinture dans l’art du portrait. Ses œuvres se distinguent par une précision remarquable et une attention méticuleuse aux détails, qu’il s’agisse des vêtements, des textures ou des visages.
La maîtrise technique de Cavana ne s’arrête pas au portrait miniature. Au-delà de ce genre, il a exploré divers thèmes, s’essayant notamment au paysage, et ses œuvres dégagent souvent une certaine nostalgie. Ce sentiment, présent dans ses peintures, contribue à leur caractère unique et à leur profondeur. L’artiste semblait avoir une sensibilité particulière pour les moments suspendus dans le temps, qu’il capturait avec une délicatesse certaine.
Dans cette miniature spécifique, Cavana excelle en restituant l’élégance d’une dame de la noblesse, sans doute Marie Thérèse Blonel d’Haraucourt. La précision des plis de la robe, les jeux d’ombre et de lumière sur le visage, et la douceur du regard traduisent un travail minutieux et une grande habileté artistique. Ces caractéristiques témoignent de l’attention que l’artiste portait à chaque élément de ses compositions, révélant ainsi sa capacité à donner vie à ses sujets dans des formats si réduits.
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Cette délicate miniature du XIXe siècle, signée par l’artiste Jean Cavana, est un témoignage captivant de l’élégance de son époque. Réalisée vers la fin du siècle, elle représente une femme raffinée, probablement Marie Thérèse Blonel d’Haraucourt, une figure de la noblesse. Cavana, en mettant en avant chaque détail, des tissus sophistiqués de sa tenue aux subtiles variations des traits de son visage, démontre l’étendue de son talent. L’œuvre traduit avec finesse l’atmosphère et l’esthétique de la société aristocratique de l’époque.
Jean Cavana, né en Italie en 1830, s’est installé en France où il s’est rapidement distingué par son habileté à capturer l’essence de ses modèles dans des formats miniatures. Sa formation dans la lignée des maîtres classiques lui a permis de développer une technique précise, un savoir-faire qui a séduit les élites de son temps. Ces dernières recherchaient un artiste capable de figer sur des supports de petite taille non seulement l’apparence mais aussi la personnalité de ceux qu’il peignait. Cavana a ainsi su s’imposer comme un portraitiste de renom, en grande partie grâce à cette capacité à rendre les traits psychologiques visibles dans de si petits formats.
La carrière de Jean Cavana a été marquée par de nombreuses commandes provenant de la haute société, désireuse de posséder ces miniatures raffinées, symboles à la fois d’un statut social et d’un goût pour l’art. Cavana a d’ailleurs su tirer parti de cette demande croissante pour la miniature, un genre particulièrement prisé au XIXe siècle, époque où la photographie n’avait pas encore supplanté la peinture dans l’art du portrait. Ses œuvres se distinguent par une précision remarquable et une attention méticuleuse aux détails, qu’il s’agisse des vêtements, des textures ou des visages.
La maîtrise technique de Cavana ne s’arrête pas au portrait miniature. Au-delà de ce genre, il a exploré divers thèmes, s’essayant notamment au paysage, et ses œuvres dégagent souvent une certaine nostalgie. Ce sentiment, présent dans ses peintures, contribue à leur caractère unique et à leur profondeur. L’artiste semblait avoir une sensibilité particulière pour les moments suspendus dans le temps, qu’il capturait avec une délicatesse certaine.
Dans cette miniature spécifique, Cavana excelle en restituant l’élégance d’une dame de la noblesse, sans doute Marie Thérèse Blonel d’Haraucourt. La précision des plis de la robe, les jeux d’ombre et de lumière sur le visage, et la douceur du regard traduisent un travail minutieux et une grande habileté artistique. Ces caractéristiques témoignent de l’attention que l’artiste portait à chaque élément de ses compositions, révélant ainsi sa capacité à donner vie à ses sujets dans des formats si réduits.
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Miniature ancienne, réalisée à la fin du XIXe siècle et signée par l’artiste J. Cavana
Cette délicate miniature du XIXe siècle, signée par l’artiste Jean Cavana, est un témoignage captivant de l’élégance de son époque. Réalisée vers la fin du siècle, elle représente une femme raffinée, probablement Marie Thérèse Blonel d’Haraucourt, une figure de la noblesse. Cavana, en mettant en avant chaque détail, des tissus sophistiqués de sa tenue aux subtiles variations des traits de son visage, démontre l’étendue de son talent. L’œuvre traduit avec finesse l’atmosphère et l’esthétique de la société aristocratique de l’époque.
Jean Cavana, né en Italie en 1830, s’est installé en France où il s’est rapidement distingué par son habileté à capturer l’essence de ses modèles dans des formats miniatures. Sa formation dans la lignée des maîtres classiques lui a permis de développer une technique précise, un savoir-faire qui a séduit les élites de son temps. Ces dernières recherchaient un artiste capable de figer sur des supports de petite taille non seulement l’apparence mais aussi la personnalité de ceux qu’il peignait. Cavana a ainsi su s’imposer comme un portraitiste de renom, en grande partie grâce à cette capacité à rendre les traits psychologiques visibles dans de si petits formats.
La carrière de Jean Cavana a été marquée par de nombreuses commandes provenant de la haute société, désireuse de posséder ces miniatures raffinées, symboles à la fois d’un statut social et d’un goût pour l’art. Cavana a d’ailleurs su tirer parti de cette demande croissante pour la miniature, un genre particulièrement prisé au XIXe siècle, époque où la photographie n’avait pas encore supplanté la peinture dans l’art du portrait. Ses œuvres se distinguent par une précision remarquable et une attention méticuleuse aux détails, qu’il s’agisse des vêtements, des textures ou des visages.
La maîtrise technique de Cavana ne s’arrête pas au portrait miniature. Au-delà de ce genre, il a exploré divers thèmes, s’essayant notamment au paysage, et ses œuvres dégagent souvent une certaine nostalgie. Ce sentiment, présent dans ses peintures, contribue à leur caractère unique et à leur profondeur. L’artiste semblait avoir une sensibilité particulière pour les moments suspendus dans le temps, qu’il capturait avec une délicatesse certaine.
Dans cette miniature spécifique, Cavana excelle en restituant l’élégance d’une dame de la noblesse, sans doute Marie Thérèse Blonel d’Haraucourt. La précision des plis de la robe, les jeux d’ombre et de lumière sur le visage, et la douceur du regard traduisent un travail minutieux et une grande habileté artistique. Ces caractéristiques témoignent de l’attention que l’artiste portait à chaque élément de ses compositions, révélant ainsi sa capacité à donner vie à ses sujets dans des formats si réduits.
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Miniature ancienne, réalisée à la fin du XIXe siècle et signée par l’artiste J. Cavana
Cette délicate miniature du XIXe siècle, signée par l’artiste Jean Cavana, est un témoignage captivant de l’élégance de son époque. Réalisée vers la fin du siècle, elle représente une femme raffinée, probablement Marie Thérèse Blonel d’Haraucourt, une figure de la noblesse. Cavana, en mettant en avant chaque détail, des tissus sophistiqués de sa tenue aux subtiles variations des traits de son visage, démontre l’étendue de son talent. L’œuvre traduit avec finesse l’atmosphère et l’esthétique de la société aristocratique de l’époque.
Jean Cavana, né en Italie en 1830, s’est installé en France où il s’est rapidement distingué par son habileté à capturer l’essence de ses modèles dans des formats miniatures. Sa formation dans la lignée des maîtres classiques lui a permis de développer une technique précise, un savoir-faire qui a séduit les élites de son temps. Ces dernières recherchaient un artiste capable de figer sur des supports de petite taille non seulement l’apparence mais aussi la personnalité de ceux qu’il peignait. Cavana a ainsi su s’imposer comme un portraitiste de renom, en grande partie grâce à cette capacité à rendre les traits psychologiques visibles dans de si petits formats.
La carrière de Jean Cavana a été marquée par de nombreuses commandes provenant de la haute société, désireuse de posséder ces miniatures raffinées, symboles à la fois d’un statut social et d’un goût pour l’art. Cavana a d’ailleurs su tirer parti de cette demande croissante pour la miniature, un genre particulièrement prisé au XIXe siècle, époque où la photographie n’avait pas encore supplanté la peinture dans l’art du portrait. Ses œuvres se distinguent par une précision remarquable et une attention méticuleuse aux détails, qu’il s’agisse des vêtements, des textures ou des visages.
La maîtrise technique de Cavana ne s’arrête pas au portrait miniature. Au-delà de ce genre, il a exploré divers thèmes, s’essayant notamment au paysage, et ses œuvres dégagent souvent une certaine nostalgie. Ce sentiment, présent dans ses peintures, contribue à leur caractère unique et à leur profondeur. L’artiste semblait avoir une sensibilité particulière pour les moments suspendus dans le temps, qu’il capturait avec une délicatesse certaine.
Dans cette miniature spécifique, Cavana excelle en restituant l’élégance d’une dame de la noblesse, sans doute Marie Thérèse Blonel d’Haraucourt. La précision des plis de la robe, les jeux d’ombre et de lumière sur le visage, et la douceur du regard traduisent un travail minutieux et une grande habileté artistique. Ces caractéristiques témoignent de l’attention que l’artiste portait à chaque élément de ses compositions, révélant ainsi sa capacité à donner vie à ses sujets dans des formats si réduits.
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Miniature ancienne, réalisée à la fin du XIXe siècle et signée par l’artiste J. Cavana
Cette délicate miniature du XIXe siècle, signée par l’artiste Jean Cavana, est un témoignage captivant de l’élégance de son époque. Réalisée vers la fin du siècle, elle représente une femme raffinée, probablement Marie Thérèse Blonel d’Haraucourt, une figure de la noblesse. Cavana, en mettant en avant chaque détail, des tissus sophistiqués de sa tenue aux subtiles variations des traits de son visage, démontre l’étendue de son talent. L’œuvre traduit avec finesse l’atmosphère et l’esthétique de la société aristocratique de l’époque.
Jean Cavana, né en Italie en 1830, s’est installé en France où il s’est rapidement distingué par son habileté à capturer l’essence de ses modèles dans des formats miniatures. Sa formation dans la lignée des maîtres classiques lui a permis de développer une technique précise, un savoir-faire qui a séduit les élites de son temps. Ces dernières recherchaient un artiste capable de figer sur des supports de petite taille non seulement l’apparence mais aussi la personnalité de ceux qu’il peignait. Cavana a ainsi su s’imposer comme un portraitiste de renom, en grande partie grâce à cette capacité à rendre les traits psychologiques visibles dans de si petits formats.
La carrière de Jean Cavana a été marquée par de nombreuses commandes provenant de la haute société, désireuse de posséder ces miniatures raffinées, symboles à la fois d’un statut social et d’un goût pour l’art. Cavana a d’ailleurs su tirer parti de cette demande croissante pour la miniature, un genre particulièrement prisé au XIXe siècle, époque où la photographie n’avait pas encore supplanté la peinture dans l’art du portrait. Ses œuvres se distinguent par une précision remarquable et une attention méticuleuse aux détails, qu’il s’agisse des vêtements, des textures ou des visages.
La maîtrise technique de Cavana ne s’arrête pas au portrait miniature. Au-delà de ce genre, il a exploré divers thèmes, s’essayant notamment au paysage, et ses œuvres dégagent souvent une certaine nostalgie. Ce sentiment, présent dans ses peintures, contribue à leur caractère unique et à leur profondeur. L’artiste semblait avoir une sensibilité particulière pour les moments suspendus dans le temps, qu’il capturait avec une délicatesse certaine.
Dans cette miniature spécifique, Cavana excelle en restituant l’élégance d’une dame de la noblesse, sans doute Marie Thérèse Blonel d’Haraucourt. La précision des plis de la robe, les jeux d’ombre et de lumière sur le visage, et la douceur du regard traduisent un travail minutieux et une grande habileté artistique. Ces caractéristiques témoignent de l’attention que l’artiste portait à chaque élément de ses compositions, révélant ainsi sa capacité à donner vie à ses sujets dans des formats si réduits.
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Miniature ancienne, réalisée à la fin du XIXe siècle et signée par l’artiste J. Cavana
Cette délicate miniature du XIXe siècle, signée par l’artiste Jean Cavana, est un témoignage captivant de l’élégance de son époque. Réalisée vers la fin du siècle, elle représente une femme raffinée, probablement Marie Thérèse Blonel d’Haraucourt, une figure de la noblesse. Cavana, en mettant en avant chaque détail, des tissus sophistiqués de sa tenue aux subtiles variations des traits de son visage, démontre l’étendue de son talent. L’œuvre traduit avec finesse l’atmosphère et l’esthétique de la société aristocratique de l’époque.
Jean Cavana, né en Italie en 1830, s’est installé en France où il s’est rapidement distingué par son habileté à capturer l’essence de ses modèles dans des formats miniatures. Sa formation dans la lignée des maîtres classiques lui a permis de développer une technique précise, un savoir-faire qui a séduit les élites de son temps. Ces dernières recherchaient un artiste capable de figer sur des supports de petite taille non seulement l’apparence mais aussi la personnalité de ceux qu’il peignait. Cavana a ainsi su s’imposer comme un portraitiste de renom, en grande partie grâce à cette capacité à rendre les traits psychologiques visibles dans de si petits formats.
La carrière de Jean Cavana a été marquée par de nombreuses commandes provenant de la haute société, désireuse de posséder ces miniatures raffinées, symboles à la fois d’un statut social et d’un goût pour l’art. Cavana a d’ailleurs su tirer parti de cette demande croissante pour la miniature, un genre particulièrement prisé au XIXe siècle, époque où la photographie n’avait pas encore supplanté la peinture dans l’art du portrait. Ses œuvres se distinguent par une précision remarquable et une attention méticuleuse aux détails, qu’il s’agisse des vêtements, des textures ou des visages.
La maîtrise technique de Cavana ne s’arrête pas au portrait miniature. Au-delà de ce genre, il a exploré divers thèmes, s’essayant notamment au paysage, et ses œuvres dégagent souvent une certaine nostalgie. Ce sentiment, présent dans ses peintures, contribue à leur caractère unique et à leur profondeur. L’artiste semblait avoir une sensibilité particulière pour les moments suspendus dans le temps, qu’il capturait avec une délicatesse certaine.
Dans cette miniature spécifique, Cavana excelle en restituant l’élégance d’une dame de la noblesse, sans doute Marie Thérèse Blonel d’Haraucourt. La précision des plis de la robe, les jeux d’ombre et de lumière sur le visage, et la douceur du regard traduisent un travail minutieux et une grande habileté artistique. Ces caractéristiques témoignent de l’attention que l’artiste portait à chaque élément de ses compositions, révélant ainsi sa capacité à donner vie à ses sujets dans des formats si réduits.
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Rare fauteuil pivotant ancien de Paquebot, Le France, Le Normandie
850,00 €Ce rare fauteuil de paquebot incarne toute la splendeur et le raffinement des voyages maritimes de l’âge d’or des transatlantiques, comme ceux qui ont équipé des navires légendaires tels que le *Titanic* et le *Normandie*.
Véritable pièce de collection, ce fauteuil est un hommage aux lignes élégantes et aux matériaux nobles que l’on retrouvait dans les intérieurs de ces navires prestigieux.
Conception et matériaux nobles
Ce fauteuil impressionne dès le premier regard par sa boiserie massive et finement sculptée, qui révèle un travail artisanal d’exception.
Les détails gravés dans le bois témoignent d’un savoir-faire riche et minutieux, sans doute réalisé par des ébénistes spécialisés, formés à produire des meubles pour les espaces de première classe.
Contrairement aux sièges standards, la partie supérieure de ce fauteuil est taillée dans un unique morceau de bois, ce qui permet une continuité parfaite et un design harmonieux, renforcé par les accoudoirs qui semblent faire corps avec l’ensemble.
Cette approche monobloc n’était réservée qu’aux mobiliers les plus exclusifs de l’époque, destinés à des espaces luxueux.
L’assise est revêtue d’un cuir bordeaux qui complète le bois sculpté, ajoutant une touche de confort et d’élégance supplémentaire.
Cette couleur profonde contraste harmonieusement avec la structure en bois, tout en évoquant l’atmosphère feutrée et distinguée des salons de première classe des grands paquebots.
Le cuir, en plus d’être d’une grande qualité, est légèrement patiné, ce qui ajoute encore au charme de cette pièce historique.
Mécanisme pivotant et fixation au sol
Le fauteuil est également doté d’un mécanisme pivotant, permettant à l’occupant de se tourner sans effort, offrant à l’origine la possibilité d’admirer le panorama marin ou de participer aux conversations avec plus d’aisance.
Ce pivotement était un luxe rare, réservé aux sièges les plus prestigieux de ces paquebots.
Ce fauteuil a été conçu pour être fixé au sol, avec une base en fonte solidement ancrée en son centre, offrant ainsi une stabilité inégalée.
La base en fonte elle-même est sculptée, avec des motifs qui ajoutent encore à la beauté et au caractère de la pièce.
Au niveau des pieds, sous l’emplacement de fixation, des protections en caoutchouc ont été ajoutées pour éviter d’endommager les parquets, même lorsque le fauteuil est solidement vissé au sol.
Ces protections sont amovibles, ce qui permet de les retirer aisément si nécessaire.
Cet ajout montre que les concepteurs ont non seulement pris en compte l’esthétique, mais aussi le souci de préserver les matériaux précieux environnants.
Historique et hypothèse d’utilisation
Bien que nous ne connaissions pas avec certitude le navire auquel ce fauteuil était destiné, sa conception, sa qualité et son luxe laissent fortement supposer qu’il équipait les salons ou cabines de première classe d’un paquebot célèbre.
Les premiers transatlantiques se distinguaient par une décoration somptueuse et un confort exceptionnel pour attirer une clientèle fortunée, et ce fauteuil incarne parfaitement cet esprit.
Sa construction robuste et son allure imposante suggèrent qu’il pourrait avoir appartenu à un paquebot de renom, où chaque détail était soigneusement pensé pour garantir un confort et un prestige sans égal.
Un fauteuil polyvalent et intemporel
Aujourd’hui, ce fauteuil rare peut être intégré dans un espace moderne ou classique.
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Paire de chandelier candélabre en cristal de Baccarat, Hauteur 56 cm
1600,00 €Grande Paire de Candélabres en Cristal de Baccarat
Ces superbes candélabres en cristal de Baccarat, mesurant 56 cm de hauteur, incarnent l’élégance et l’artisanat du 19e siècle, période où le savoir-faire de Baccarat en matière de verrerie et de cristal atteint des sommets inégalés.
Avec leurs trois bras de lumière gracieux et un assemblage de pendeloques étincelantes, ces pièces illuminent non seulement par leur fonction, mais également par leur esthétique, en témoignant de l’expertise et du prestige de la cristallerie française.
La présence de la marque Baccarat au revers confirme leur authenticité, offrant ainsi aux amateurs de beaux objets une opportunité d’acquérir une œuvre véritablement emblématique de cet atelier de renommée mondiale.
Description et Détails Techniques
Chaque candélabre de cette paire repose sur une monture en métal ornée, qui ajoute un contraste subtil et raffiné au cristal éclatant.
Les bras de lumière, habillés de pendeloques, projettent une luminosité qui magnifie les surfaces environnantes, rappelant l’atmosphère chaleureuse des salons aristocratiques et des demeures nobles du passé.
Les pampilles, ou « pendeloques », suspendues aux bras de lumière, créent un jeu de reflets fascinant qui attire naturellement le regard.
En examinant de plus près, quelques détails montrent que ces candélabres ont traversé les âges.
Certaines pampilles, fragiles par nature, sont manquantes ; néanmoins, il est possible de retrouver des pampilles d’époque qui pourront parfaitement compléter l’ensemble et rétablir son intégrité visuelle.
De plus, l’une des coupelles a été recollée, mais le travail de réparation a été fait avec soin, sans altérer l’harmonie globale du candélabre.
Enfin, parmi les deux bobèches qui accueillent les bougies, l’une présente quelques égrenures, témoins de son utilisation et de son passage à travers le temps, tandis que l’autre est restée intacte.
La Signature Baccarat : Tradition et Excellence
Baccarat, fondée en 1764 sous le règne de Louis XV, est devenue synonyme de cristal de luxe et d’excellence française.
Reconnaissable à son éclat inégalé et à sa qualité exceptionnelle, chaque pièce de Baccarat est le résultat de plusieurs centaines d’années d’expertise transmise de génération en génération.
La marque Baccarat, visible au revers de ces candélabres, assure aux collectionneurs la provenance et l’authenticité de ces pièces.
Cette signature est un gage de qualité qui rappelle les nombreuses commandes prestigieuses de Baccarat au fil de l’histoire, des tables royales aux maisons de la haute société européenne.
L’histoire de Baccarat est ponctuée de collaborations artistiques, et la maison est également reconnue pour avoir constamment innové dans ses designs et ses techniques de production, créant des œuvres qui marient tradition et modernité.
Ces candélabres, bien que d’une autre époque, sont représentatifs de cette capacité unique de Baccarat à concevoir des objets intemporels, qui continuent de captiver par leur sophistication et leur beauté.
Un Témoignage du Passé
L’intérêt particulier pour cette paire réside dans la dualité entre leur caractère intact et les petites imperfections qu’ils portent, comme des marques du temps.
Ce type de pièces suscite un charme unique et raconte une histoire ; il est possible d’imaginer ces candélabres illuminant des salles de réception somptueuses, témoins muets de conversations élégantes et de soirées fastueuses.
Leur acquisition invite le collectionneur non seulement à posséder un objet précieux, mais également à faire revivre une époque où l’art de la table était élevé au rang de cérémonie.
Posséder cette paire de candélabres en cristal Baccarat, c’est offrir une seconde vie à un vestige du passé et l’inscrire dans une nouvelle histoire.
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Belle sculpture ancienne de la fin du 18e, Dieux le père et Jésus
450,00 €Cette sculpture en bois massif, datant de la fin du XVIIIe au début du XIXe siècle, est une œuvre remarquable à bien des égards, tant par sa qualité artistique que par son importance historique et spirituelle.
Elle représente le Dieu Père tenant l’enfant Jésus, une iconographie rare et significative qui témoigne de la profonde dévotion religieuse de l’époque.
D’une hauteur de 62 cm et d’une largeur de 25 cm, cette sculpture imposante attire l’attention par sa présence à la fois majestueuse et apaisante, incarnant à la fois la force et la douceur des figures représentées.
Un héritage artistique du bois sculpté normand
La Normandie, région célèbre pour ses traditions artisanales, notamment dans le travail du bois, a produit au fil des siècles des œuvres d’une qualité exceptionnelle, alliant rigueur technique et expression spirituelle.
Cette sculpture semble s’inscrire dans cette lignée artistique, avec un soin particulier apporté aux détails qui suggère un savoir-faire local et une profonde sensibilité pour l’expression religieuse.
Le choix du bois massif confère à la pièce une solidité et une stabilité remarquables, mais également une patine qui révèle son ancienneté.
Les sculpteurs normands de cette période utilisaient souvent des essences de bois locales, comme le chêne ou le hêtre, réputées pour leur robustesse et leur grain fin, permettant de détailler des expressions faciales et des drapés avec une grande précision.
La représentation du Dieu Père et de l’enfant Jésus
La sculpture met en scène le Dieu Père portant l’Enfant Jésus, un sujet iconographique qui demeure relativement rare.
Traditionnellement, la représentation de Dieu le Père dans l’art chrétien était souvent réservée à des œuvres monumentales ou à des compositions plus abstraites.
Ici, le sculpteur a choisi une approche plus humaine et touchante, dépeignant Dieu le Père dans une posture de tendresse et de protection envers l’Enfant.
L’expression de bienveillance sur le visage du Dieu Père, les courbes de ses mains qui soutiennent délicatement l’enfant, créent un contraste saisissant entre la puissance divine et la fragilité humaine.
L’enfant Jésus, quant à lui, est représenté avec une expression douce et confiante, rappelant l’innocence et la pureté.
Le sculpteur a réussi à capturer cette dualité entre l’innocence de l’enfance et la dimension sacrée du personnage, symbolisant l’amour et la protection divine.
Cette juxtaposition entre le divin et l’humain confère à cette sculpture une force émotionnelle indéniable, témoignant de la foi et de la dévotion qui inspiraient les artistes de l’époque.
Traces du passé et authenticité
Cette œuvre ancienne porte les marques du temps, des signes d’usure et de vieillissement naturels, qui lui confèrent une authenticité et une profondeur supplémentaires.
Les traces d’usure sur la surface révèlent un passé chargé d’histoire, peut-être des siècles de vénération ou d’exposition dans un lieu de culte. Ces marques ne sont pas seulement des signes du temps, elles rappellent également la valeur sentimentale et spirituelle de l’œuvre pour les générations précédentes.
Une sculpture de haute qualité, témoin de son époque
Au-delà de son esthétique, cette sculpture se distingue par la finesse de son exécution.
Les détails des traits du visage, le traitement des drapés, et la qualité des proportions témoignent d’une maîtrise artistique exceptionnelle, probablement le fruit du travail d’un sculpteur chevronné.
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Miniature ancienne, réalisée à la fin du XIXe siècle et signée par l’artiste J. Cavana
Cette délicate miniature du XIXe siècle, signée par l’artiste J. Cavana, est une représentation saisissante de l’élégance et du raffinement propres à son époque. L’œuvre illustre une femme gracieuse, dont l’allure et les traits sont immortalisés avec une précision remarquable. La minutie apportée à la réalisation de cette miniature est évidente, des plis soyeux de la robe aux teintes subtiles du visage de la dame. Chaque détail témoigne de l’expertise de Cavana, qui parvient à capturer non seulement l’apparence physique de son sujet, mais aussi une certaine aura, une présence presque palpable, malgré la petite taille du support.
Jean Cavana, né en 1830 en Italie, est un artiste qui a su se forger une place de choix dans le milieu artistique français de la fin du XIXe siècle. Il s’est installé en France, où son talent pour la miniature l’a rapidement fait connaître. Formé dans la lignée des grands maîtres, Cavana a acquis une maîtrise technique exceptionnelle qui lui permettait de traduire avec finesse les émotions et les caractéristiques de ses modèles. Sa renommée a grandi au fil des ans, notamment grâce aux nombreuses commandes qu’il recevait de la part de la haute société, qui voyait en lui un peintre capable de saisir l’essence de ses contemporains avec une rare justesse.
Cavana s’est distingué par son art de la miniature, un genre particulièrement prisé au XIXe siècle, car il permettait d’immortaliser les traits des personnes dans des formats réduits, souvent sous forme de portraits intimes. Il était capable de retranscrire à la perfection les moindres détails, de la texture des étoffes aux expressions faciales les plus subtiles, apportant à chaque portrait une profondeur psychologique singulière. La précision de son pinceau lui permettait de transformer de simples portraits en véritables témoignages visuels de l’âme de ses modèles.
Mais si Cavana est principalement reconnu pour ses miniatures, il ne s’est pas limité à ce genre. Son œuvre s’étendait également à d’autres domaines, comme le paysage ou des scènes plus complexes, où il exprimait son goût pour la beauté et la mélancolie. Ses créations, empreintes d’une certaine nostalgie, invitent à la contemplation et à la réflexion, révélant une sensibilité artistique raffinée. Il utilisait la miniature pour célébrer non seulement la beauté physique, mais aussi l’esprit et la personnalité des personnes qu’il représentait. Ainsi, chaque œuvre qu’il réalisait devenait un hommage à son époque et à la tradition du portrait intime, dont il s’est fait le maître incontesté.
La miniature en question est un exemple parfait de son savoir-faire. L’élégance et la grâce du sujet, rehaussées par la finesse de l’exécution, sont autant de preuves du talent exceptionnel de Cavana.
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Miniature ancienne, réalisée à la fin du XIXe siècle et signée par l’artiste J. Cavana
Cette délicate miniature du XIXe siècle, signée par l’artiste Jean Cavana, est un témoignage captivant de l’élégance de son époque. Réalisée vers la fin du siècle, elle représente une femme raffinée, probablement Marie Thérèse Blonel d’Haraucourt, une figure de la noblesse. Cavana, en mettant en avant chaque détail, des tissus sophistiqués de sa tenue aux subtiles variations des traits de son visage, démontre l’étendue de son talent. L’œuvre traduit avec finesse l’atmosphère et l’esthétique de la société aristocratique de l’époque.
Jean Cavana, né en Italie en 1830, s’est installé en France où il s’est rapidement distingué par son habileté à capturer l’essence de ses modèles dans des formats miniatures. Sa formation dans la lignée des maîtres classiques lui a permis de développer une technique précise, un savoir-faire qui a séduit les élites de son temps. Ces dernières recherchaient un artiste capable de figer sur des supports de petite taille non seulement l’apparence mais aussi la personnalité de ceux qu’il peignait. Cavana a ainsi su s’imposer comme un portraitiste de renom, en grande partie grâce à cette capacité à rendre les traits psychologiques visibles dans de si petits formats.
La carrière de Jean Cavana a été marquée par de nombreuses commandes provenant de la haute société, désireuse de posséder ces miniatures raffinées, symboles à la fois d’un statut social et d’un goût pour l’art. Cavana a d’ailleurs su tirer parti de cette demande croissante pour la miniature, un genre particulièrement prisé au XIXe siècle, époque où la photographie n’avait pas encore supplanté la peinture dans l’art du portrait. Ses œuvres se distinguent par une précision remarquable et une attention méticuleuse aux détails, qu’il s’agisse des vêtements, des textures ou des visages.
La maîtrise technique de Cavana ne s’arrête pas au portrait miniature. Au-delà de ce genre, il a exploré divers thèmes, s’essayant notamment au paysage, et ses œuvres dégagent souvent une certaine nostalgie. Ce sentiment, présent dans ses peintures, contribue à leur caractère unique et à leur profondeur. L’artiste semblait avoir une sensibilité particulière pour les moments suspendus dans le temps, qu’il capturait avec une délicatesse certaine.
Dans cette miniature spécifique, Cavana excelle en restituant l’élégance d’une dame de la noblesse, sans doute Marie Thérèse Blonel d’Haraucourt. La précision des plis de la robe, les jeux d’ombre et de lumière sur le visage, et la douceur du regard traduisent un travail minutieux et une grande habileté artistique. Ces caractéristiques témoignent de l’attention que l’artiste portait à chaque élément de ses compositions, révélant ainsi sa capacité à donner vie à ses sujets dans des formats si réduits.
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Belle cave à liqueur ancienne, époque XIXe siècle, Napoléon III, Baccarat
Cette cave à liqueur, d’une grande beauté et d’une remarquable finesse, est un exemple exceptionnel de l’art décoratif du XIXe siècle, en plein dans la période du style Napoléon III. À cette époque, l’Empire français connaît un regain d’intérêt pour le faste et l’ornementation, et cette œuvre s’inscrit parfaitement dans cette tendance artistique.
La cave est réalisée en bois de placage de loupe de thuya, un matériau précieux et recherché pour son aspect décoratif unique. Le thuya, grâce à ses veines tourmentées et ses nœuds, offre un effet visuel sophistiqué, plein de relief et de contrastes, qui confère une élégance discrète à l’objet. Ce placage est encadré par du bois de rose, un autre bois noble, très prisé pour sa teinte chaude et sa texture fine, souvent utilisé dans l’ébénisterie de luxe. À cela s’ajoute un décor de bois noirci, qui vient accentuer le contraste des matériaux et donner une touche de sobriété, tout en mettant en valeur les filets de laiton qui parcourent l’ensemble de la cave. Ces filets, d’une finesse admirable, soulignent les contours et les volumes de l’objet, lui apportant une certaine légèreté et un raffinement supplémentaire.
L’une des particularités de cette cave à liqueur réside dans sa façade mouvementée. Loin des formes géométriques strictes ou des lignes droites qui caractérisaient parfois les productions antérieures, cette façade adopte des courbes sinueuses et harmonieuses, propres au style Napoléon III. Cette forme mouvementée confère à l’ensemble un dynamisme et une fluidité qui captent immédiatement le regard et témoignent du grand savoir-faire de l’artisan qui a réalisé cet objet. Le travail de la façade se prolonge sur l’abattant, qui se distingue par un cartouche feuillagé incrusté de laiton et de nacre. Cette ornementation, réalisée avec une grande précision, évoque un motif végétal riche et délicat, typique des décors de la seconde moitié du XIXe siècle. La combinaison du laiton et de la nacre apporte non seulement une brillance et une richesse visuelle, mais aussi une certaine douceur grâce aux reflets irisés de la nacre, qui varie selon la lumière. Fait intéressant, ce cartouche n’est pas monogrammé, ce qui laisse supposer qu’il n’était pas destiné à une commande spécifique, ou que son propriétaire n’a pas souhaité y apposer ses initiales, permettant ainsi à cette cave de conserver une certaine universalité.
En ouvrant cette cave, on découvre un ensemble tout aussi raffiné de 4 carafes et de 16 verres à liqueur, tous réalisés en cristal de Baccarat, un nom qui incarne l’excellence dans l’art de la verrerie et du cristal depuis le XVIIIe siècle. Chaque pièce est finement décorée de rehauts de dorure, un ornement qui ajoute une touche d’éclat et de luxe à l’ensemble. Le cristal de Baccarat, réputé pour sa pureté, sa transparence et son éclat, est ici sublimé par cette dorure délicate, qui vient rehausser les courbes des carafes et des verres. Ces derniers, de taille idéale pour déguster des liqueurs, sont non seulement des objets fonctionnels, mais aussi des pièces décoratives qui témoignent du goût raffiné de l’époque.
L’agencement interne de la cave est étudié avec soin, permettant de ranger et de protéger chaque carafe et chaque verre dans un compartiment spécifique, afin d’éviter tout choc ou dommage. Ce souci du détail montre l’importance accordée non seulement à l’apparence extérieure de l’objet, mais aussi à sa fonctionnalité.
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Belle et ancienne lampe à pétrole en bronze doré, attribué à Georges Leleu
850,00 €La grande lampe à pétrole en bronze massif que je vous présentes est une pièce d’exception, à la fois par sa richesse sculpturale et par son appartenance à l’époque de l’Art nouveau, un mouvement artistique qui a marqué la fin du XIXe siècle et le début du XXe.
Attribuée à Georges Leleu, artiste et créateur reconnu pour ses œuvres dans le domaine des arts décoratifs, cette lampe se distingue par son design floral raffiné et son exécution minutieuse.
La lampe, haute de 47 cm, est un exemple remarquable de la fusion entre fonctionnalité et esthétisme, deux principes chers aux créateurs de l’Art nouveau.
L’Art nouveau, dont l’influence s’est propagée dans toute l’Europe entre 1890 et 1910, était caractérisé par l’utilisation de formes naturelles et organiques.
Ce style visait à rompre avec les traditions académiques et à intégrer la beauté dans les objets du quotidien. Les créateurs de cette époque, qu’ils soient architectes, peintres ou artisans, cherchaient à fondre l’art dans la vie quotidienne.
La lampe en question s’inscrit pleinement dans cette démarche, en alliant l’aspect utilitaire d’un éclairage à pétrole avec une recherche artistique poussée.
Georges Leleu, bien qu’étant moins connu que certains de ses contemporains comme Emile Gallé ou Hector Guimard, a laissé une empreinte dans le domaine des arts décoratifs.
Sa maîtrise du bronze et sa capacité à retranscrire la nature dans ses créations font de lui un créateur typique de l’Art nouveau. La lampe attribuée à Leleu présente un riche motif floral, gravé dans le bronze massif, qui semble presque en mouvement, comme si les fleurs se déployaient au contact de la lumière.
La technique de sculpture du bronze, maîtrisée ici avec un soin particulier, témoigne du savoir-faire artisanal propre à cette époque. Les lignes souples et sinueuses des motifs floraux, emblématiques de l’Art nouveau, viennent adoucir la robustesse du bronze.
On y retrouve également un travail de ciselure remarquable, notamment dans les détails des pétales et des tiges, qui accentue le relief et la profondeur des motifs.
Cette dualité entre la solidité du matériau et la légèreté des formes est caractéristique des objets d’art de cette période.
Cette lampe ne se distingue pas seulement par son esthétique, mais aussi par son mode d’éclairage.
Fonctionnant à l’origine au pétrole, ce type de lampe était très répandu avant l’avènement de l’électricité dans les foyers.
Les lampes à pétrole étaient non seulement des objets pratiques, mais aussi des symboles de modernité et de confort à la fin du XIXe siècle. En tant qu’objet décoratif, elles étaient souvent réalisées avec un soin tout particulier, afin de s’intégrer harmonieusement dans les intérieurs bourgeois de l’époque.
Le design floral de la lampe fait écho aux mouvements artistiques qui cherchaient à réhabiliter les éléments naturels dans les objets quotidiens.
Les artistes de l’Art nouveau considéraient la nature comme une source d’inspiration infinie, et les motifs végétaux, floraux ou animaliers étaient souvent stylisés pour orner des meubles, des lampes et d’autres objets décoratifs.
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Sculpture bronze de la fin du XIXe siècle, représentant Molière assis dans un fauteuil avec la plume à la main, signé Pradier
1400,00 €Cette sculpture en bronze de la fin du XIXe siècle, signée Pradier, représente Molière, l’un des plus grands dramaturges français de tous les temps, assis dans un fauteuil, une plume à la main. Avec ses dimensions relativement modestes de 26 cm de haut, cette pièce se distingue par la précision de ses détails et l’expressivité de sa posture, qui incarnent l’essence même de l’artiste pensif et créatif.
Le personnage principal de la sculpture est Molière, vêtu de manière élégante avec une longue robe aux plis riches et fluides. L’attention aux détails est frappante, chaque pli de son vêtement étant soigneusement travaillé pour donner une impression de mouvement et de réalisme. La texture du tissu est finement ciselée, créant une juxtaposition entre la douceur de la robe et la dureté du bronze, matériau utilisé pour la réalisation de l’œuvre. Le bronze patiné confère à la sculpture une profondeur et une chaleur qui accentuent son caractère solennel. Molière est représenté dans une posture contemplative, avec la tête appuyée sur sa main gauche, le regard vague, comme s’il était en plein processus créatif ou en réflexion profonde.
L’autre main de Molière tient une plume, symbole indéniable de son métier d’écrivain. La plume, représentée avec une finesse délicate, renforce l’idée que cette sculpture capture un moment de création intellectuelle. Ce détail évoque non seulement la carrière prolifique de Molière, mais aussi son rôle primordial dans l’histoire de la littérature et du théâtre. Molière est connu pour avoir écrit certaines des plus grandes pièces de théâtre comique de l’histoire, telles que *Le Malade imaginaire*, *Tartuffe* et *L’Avare*. Sa plume, ici mise en avant, est l’instrument par lequel il a marqué de manière indélébile le patrimoine culturel français.
Le fauteuil sur lequel Molière est assis est lui aussi une œuvre d’art en soi. De style classique, il est richement décoré avec des motifs sculptés qui démontrent l’expertise du sculpteur. La base du fauteuil, ornée de franges et de motifs géométriques, porte également la signature de Pradier, gravée de manière lisible, affirmant ainsi l’authenticité et la qualité artistique de l’œuvre. Jean-Jacques Pradier, sculpteur de renom du XIXe siècle, est célèbre pour ses œuvres d’une grande finesse et son talent pour capturer les détails anatomiques et textiles de ses sujets.
Cette sculpture reflète parfaitement les tendances artistiques du XIXe siècle, marquées par un retour à des formes classiques et une admiration pour les grands hommes de lettres et d’art. L’art de cette période met souvent en avant les personnages historiques dans des poses héroïques ou méditatives, et cette œuvre ne fait pas exception. Molière est ici montré non pas comme un comédien sur scène, mais comme un penseur, un créateur dans un moment d’introspection. Cette représentation statique mais intense nous rappelle que l’éclat de ses œuvres vient avant tout de son génie créatif.
Le choix de représenter Molière dans un tel moment de quiétude intellectuelle témoigne également de la manière dont la fin du XIXe siècle a vu une réévaluation de la figure de l’écrivain. Molière, autrefois acteur et auteur comique, est ici érigé au rang de penseur profond, presque philosophe, soulignant la dimension intellectuelle de son travail.
Enfin, cette œuvre illustre également le savoir-faire technique des sculpteurs de cette époque.
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Coffret de 12 porte couteaux en métal chromé de Benjamin Rabier
Cet ensemble de douze porte-couteaux en métal argenté, inspiré par les célèbres Fables de La Fontaine, constitue une œuvre remarquable de l’époque Art déco. Créés par Benjamin Rabier (1869-1939), un artiste français de renom, ces porte-couteaux sont non seulement des objets d’art, mais aussi des témoignages d’une époque où l’élégance et le raffinement se reflétaient jusque dans les moindres détails du quotidien.
Benjamin Rabier, né en 1869, est souvent considéré comme l’un des précurseurs de la bande dessinée moderne. Il est particulièrement connu pour ses illustrations animalières, qui ont su capturer l’imaginaire populaire grâce à leur vivacité et leur humour subtil. Rabier a travaillé pour de nombreux journaux et éditeurs, et ses dessins ont marqué plusieurs générations. L’une de ses créations les plus célèbres est « La Vache qui rit », un logo emblématique qui est toujours utilisé aujourd’hui.
Rabier avait une affinité particulière pour les animaux, qu’il parvenait à humaniser sans pour autant leur faire perdre leur essence. Cette capacité se retrouve dans les illustrations qu’il a réalisées pour les Fables de La Fontaine, où chaque animal devient un personnage à part entière, doté de caractéristiques expressives et souvent humoristiques. Il a ainsi contribué à rendre ces fables, déjà populaires, encore plus accessibles et vivantes pour le grand public.
Les douze porte-couteaux de cet ensemble sont chacun une représentation minutieuse des animaux des fables de La Fontaine, signée « Benjamin Rabier » en creux sur la base. Ces petites sculptures traduisent la finesse du travail de l’artiste, qui a su donner vie aux histoires de La Fontaine à travers des figures telles que la Cigale et la Fourmi, le Corbeau et le Renard, ou encore le Loup et l’Agneau. Chaque porte-couteau raconte une histoire, capturant l’essence même des leçons morales que La Fontaine a voulu transmettre à travers ses récits.
Le choix de l’argenté pour ces objets n’est pas anodin. L’orfèvre Dilecta, reconnu pour la qualité de son travail durant la période Art déco, a collaboré avec Rabier pour créer des pièces qui allient esthétique et fonctionnalité. Le poinçon d’orfèvre apposé sur chaque porte-couteau atteste de la qualité du métal utilisé et du savoir-faire artisanal mis en œuvre. La période Art déco, avec son goût pour les lignes épurées et l’élégance sobre, se reflète parfaitement dans ces porte-couteaux qui allient tradition et modernité.
Les dimensions des porte-couteaux, variant entre 8 cm et 10 cm de longueur pour une largeur d’environ 2,5 cm, en font des objets à la fois pratiques et décoratifs.
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Belle table basse ronde en laiton de la maison Baguès, deux plateaux
650,00 €Belle Table Basse Ronde de Baguès : Élégance Intemporelle du XXe Siècle
La maison Baguès, synonyme de luxe et de raffinement, propose une somptueuse table basse de forme ronde, qui illustre parfaitement l’élégance intemporelle du mobilier du XXe siècle. Cette pièce distinctive, véritable chef-d’œuvre de décoration intérieure, se caractérise par une structure en laiton et deux plateaux en verre, conjuguant harmonieusement des matériaux nobles et un design raffiné.
Structure en Laiton : Éclat et Robustesse
Le laiton, un alliage précieux de cuivre et de zinc, est réputé pour sa durabilité et son apparence luxueuse. Dans cette table basse, la structure en laiton n’est pas seulement un choix esthétique mais également une déclaration de qualité et de solidité. Les artisans de Baguès ont façonné ce métal avec une précision exceptionnelle, créant une structure délicate mais robuste, capable de traverser les décennies sans perdre de son éclat ni de sa stabilité.
Les finitions en laiton poli confèrent à la table une brillance subtile qui capte la lumière de manière exquise, rehaussant ainsi son attrait visuel. Cette brillance est accentuée par les formes élégantes et arrondies de la structure, qui apportent une sensation de fluidité et de mouvement à l’ensemble. Les pieds de la table, finement travaillés, ajoutent une touche de sophistication supplémentaire, témoignant de l’attention portée aux moindres détails par les artisans de Baguès.
Plateaux en Verre : Transparence et Modernité
Cette table basse se distingue également par ses deux plateaux en verre, qui ajoutent une dimension de transparence et de légèreté. Le verre, matériau noble par excellence, apporte une touche de modernité tout en conservant une esthétique intemporelle. Les plateaux sont méticuleusement polis pour offrir une surface lisse et brillante, idéale pour mettre en valeur les objets décoratifs ou les livres disposés dessus.
Les deux niveaux de plateaux offrent une fonctionnalité supplémentaire. Le plateau supérieur, spacieux, est parfait pour y poser des magazines, des vases ou des tasses de café, tandis que le plateau inférieur offre un espace de rangement discret pour d’autres objets, permettant de garder la surface principale dégagée et ordonnée. Cette conception à deux niveaux est non seulement pratique, mais elle ajoute également une dimension visuelle intéressante, créant un jeu de perspectives et de reflets.Conception et Fabrication Artisanale
La maison Baguès est reconnue pour son savoir-faire artisanal et ses créations de haute qualité. Chaque table basse est le fruit d’un travail minutieux, où chaque détail est soigneusement pensé et réalisé. La combinaison de laiton et de verre n’est pas seulement esthétique mais aussi technique, nécessitant une précision et une maîtrise parfaite des matériaux.
Les artisans de Baguès utilisent des techniques traditionnelles, transmises de génération en génération, pour garantir la perfection de chaque pièce. Le processus de fabrication comprend plusieurs étapes, allant de la sélection des matériaux à l’assemblage final, chaque étape étant réalisée avec une attention particulière aux détails. Cette approche artisanale garantit que chaque table basse est unique, portant la signature de l’excellence et de l’authenticité.
Un Mobilier Intemporel
La table basse ronde de Baguès est plus qu’un simple meuble; c’est une œuvre d’art qui traverse le temps. Son design intemporel permet de l’intégrer aussi bien dans un intérieur classique que contemporain, apportant à chaque fois une touche de raffinement. Cette pièce s’inscrit parfaitement dans l’héritage de la maison Baguès, connue pour ses créations élégantes et ses techniques de fabrication traditionnelles.
Posséder une telle table, c’est s’offrir un morceau d’histoire du design et de l’artisanat français. Chaque élément de cette table, du laiton aux plateaux en verre, raconte une histoire de passion et de savoir-faire, reflet d’une époque où le mobilier était conçu pour durer et pour être admiré.
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Magnifique œuvre de Clément Serveau (1886-1972) La robe Crétoise
2800,00 €Clément Serveau, né en 1886 et décédé en 1972, est un peintre français renommé pour ses portraits réalistes empreints de sensibilité. Son œuvre « La robe Crétoise, » une huile sur panneau réalisée en 1935, illustre magnifiquement son talent. Cette peinture, mesurant 65 x 54 cm, est une démonstration éclatante de la maîtrise technique de Serveau et de sa capacité à capturer l’essence de ses sujets avec une précision remarquable.
« La robe Crétoise » présente une femme vêtue d’une robe traditionnelle crétoise, riche en détails et en textures. Les plis du tissu et les motifs brodés sont rendus avec une finesse extraordinaire, témoignant de l’attention méticuleuse de l’artiste aux particularités culturelles du costume. La lumière, subtilement appliquée, met en valeur la texture de la robe et la douceur de la peau du modèle, créant un contraste saisissant avec le fond sombre. Cela confère à la composition une profondeur et une dimension supplémentaires, attirant l’œil du spectateur vers le visage expressif de la femme.
Le portrait montre une expression empreinte de douceur et de réflexion, capturant non seulement l’apparence physique du modèle mais aussi une profondeur psychologique. L’attention de Serveau aux détails anatomiques, comme la délicatesse des mains et la complexité des traits du visage, ajoute une dimension de réalisme qui rend le sujet presque tangible. La femme semble plongée dans ses pensées, ce qui ajoute une narration silencieuse à l’œuvre, invitant les spectateurs à imaginer son histoire et ses émotions.
La signature de Clément Serveau et la date de création, clairement visibles en bas de l’œuvre, attestent de son authenticité. Serveau, qui a traversé plusieurs courants artistiques au cours de sa carrière, reste fidèle à un style réaliste tout en intégrant des éléments impressionnistes dans ses jeux de lumière et ses palettes de couleurs. Cette peinture reflète cette synthèse artistique, où la précision du trait se marie harmonieusement avec une approche plus libre et expressive de la couleur.
Clément Serveau est souvent célébré pour sa capacité à immortaliser la beauté intemporelle de ses sujets tout en capturant l’esprit de l’époque. « La robe Crétoise » n’échappe pas à cette règle.
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Ensemble de 4 Moineaux en Cristal Lalique France, par Marc Lalique
Ensemble de 4 moineaux en cristal de la maison Lalique, signé en sur le devant de la terrasse, fabrication de la période de Marc Lalique.
Marc Lalique (1900-1977), fils de René Lalique, a su perpétuer et enrichir l’héritage de la célèbre maison Lalique, fondée par son père en 1888. René Lalique, maître-verrier et joaillier de renommée mondiale, était connu pour ses créations Art Nouveau et Art Déco. Marc, ayant grandi dans cet environnement artistique, a naturellement été imprégné de l’expertise et de la vision de son père, qu’il a su adapter et transformer avec son propre style et ses innovations techniques.
Après la mort de René Lalique en 1945, Marc a pris les rênes de l’entreprise familiale. L’une de ses premières grandes contributions a été la transition de la production Lalique vers le cristal. Avant cette époque, les créations Lalique étaient principalement en verre. Marc a compris que le cristal offrait de nouvelles possibilités en termes de pureté, de brillance et de subtilité des détails. Cette transition a marqué un tournant décisif pour la maison Lalique, consolidant sa réputation de créateur de pièces de luxe d’une qualité inégalée.
Les moineaux en cristal, un des thèmes récurrents et iconiques de la maison Lalique, illustrent parfaitement la vision de Marc. Sous sa direction, la maison a continué à produire des œuvres d’une beauté saisissante et d’une qualité exceptionnelle, alliant des techniques de soufflage et de taille de cristal héritées de son père à des innovations modernes. Chaque moineau est sculpté avec une minutie exemplaire, capturant la légèreté et la délicatesse de l’oiseau, tout en jouant avec la transparence et la luminosité du cristal. La signature sur le devant de la terrasse témoigne de l’authenticité et de la qualité de l’œuvre.
Marc Lalique n’a pas seulement maintenu l’excellence de la maison, il a aussi su la faire évoluer. Sous sa direction, Lalique a étendu sa gamme de produits pour inclure des luminaires, des vases, des flacons de parfum et des objets décoratifs, tout en continuant à produire des bijoux de haute qualité. Il a également collaboré avec des designers et des artistes de renom, élargissant ainsi l’influence et l’attrait de la marque.
La période de Marc Lalique est souvent considérée comme une époque d’innovation et de consolidation. Ses créations ont su capter l’esprit de leur temps tout en restant fidèles aux principes esthétiques et techniques de la maison Lalique. Ses œuvres sont aujourd’hui très recherchées par les collectionneurs et les amateurs d’art, témoignant de leur valeur artistique et historique.
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Superbe pendule, datant de l’époque de la Restauration au début du XIXe siècle
Cette pendule est une pièce d’exception datant de l’époque de la Restauration, au début du XIXe siècle. Fabriquée en bronze doré au mercure, elle incarne l’art et le savoir-faire horloger de cette période historique. La dorure au mercure, une technique exigeante et hautement qualifiée, confère à la pendule une brillance et une durabilité remarquables, témoignant de l’attention minutieuse portée à sa création.
D’une grandeur majestueuse, cette pendule attire immédiatement le regard par sa présence imposante et son élégance. La dorure resplendissante met en valeur les détails finement ciselés, soulignant la maîtrise artistique des artisans de l’époque. La figure classique de Cérès, déesse de l’agriculture et de la fertilité, trône au sommet de cette œuvre d’art. Cérès est représentée vêtue d’une robe drapée, illustrant à la fois la grâce et la dignité de la divinité. Les plis de sa robe sont délicatement sculptés, chaque détail contribuant à l’impression de mouvement et de vie.
Le cadran de la pendule porte la signature de Mazillier à Verdun, attestant de son origine prestigieuse. Mazillier était un horloger renommé, et sa signature sur cette pièce ajoute une valeur historique et authentique. Le cadran, lui-même un exemple de sophistication, est orné de chiffres romains et de fines aiguilles, permettant une lecture claire et élégante de l’heure.
Le mouvement de cette pendule est équipé d’une suspension à fil, un mécanisme typique de l’époque, connu pour sa précision et sa fiabilité. Cette caractéristique technique témoigne de l’avancement des connaissances horlogères au début du XIXe siècle et de l’engagement des horlogers à produire des instruments de haute qualité.
L’ensemble de la pendule, de par sa grandeur, sa dorure éclatante, et sa figure de Cérès, représente un hommage à la prospérité et à la fertilité. Cérès, dans la mythologie romaine, est la déesse qui préside aux moissons et à la fertilité des terres, symbolisant ainsi l’abondance et la générosité de la nature. Cette représentation est particulièrement appropriée pour une pendule, un objet qui, par essence, mesure le passage du temps, tout en évoquant la cyclicité des saisons et des récoltes.
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Série complète de 12 porte-couteaux YER en verre dans sa boîte d’origine
250,00 €Je propose une série complète de 12 porte-couteaux YER, soigneusement conservés dans leur boîte d’origine, datant des années 1930. Ces porte-couteaux en verre moulé sont une œuvre d’art raffinée de la marque française YER, nommée d’après la vallée de la rivière Yerre dans l’Essonne. Ils incarnent un savoir-faire d’époque et un design intemporel qui ravira les amateurs de pièces de collection et les passionnés de décoration vintage.
La série se compose de douze porte-couteaux, chacun mesurant environ 10 cm. Chaque pièce présente un motif distinctif représentant un animal, apportant ainsi une touche de charme et de diversité à votre table. Les motifs inclus sont deux canards, deux chiens, deux poissons, deux oiseaux de paradis, deux escargots et deux écureuils. Ces animaux sont sculptés avec une précision remarquable, chaque détail du design reflétant l’excellence artisanale de YER. La qualité du verre moulé permet de capturer des détails fins et des textures variées, donnant vie aux animaux représentés.
Les porte-couteaux sont en parfait état, sans fissures, éclats ou autres imperfections, ce qui témoigne de leur conservation minutieuse au fil des décennies. Le verre est transparent, brillant et opaque, avec une finition lisse qui accentue les détails sculptés. Chaque pièce est non seulement fonctionnelle pour maintenir les couteaux en place, mais aussi esthétiquement plaisante, ajoutant une touche de sophistication à toute présentation de table.
La boîte d’origine, également en excellent état, complète cette série de manière élégante. Elle est conçue pour protéger les porte-couteaux tout en les exposant de manière raffinée. Le design de la boîte reflète le style de l’époque, avec une attention particulière aux détails qui la rend aussi précieuse que les porte-couteaux eux-mêmes.
Les porte-couteaux YER des années 1930 sont devenus des pièces de collection recherchées, non seulement pour leur beauté mais aussi pour leur rareté. En effet, la marque YER est reconnue pour sa production limitée et son engagement envers la qualité, ce qui confère à chaque pièce une valeur accrue. Cette série complète représente donc une opportunité unique d’acquérir un ensemble d’objets historiques et décoratifs.
En possédant cette série de porte-couteaux, vous ne faites pas seulement l’acquisition de pièces fonctionnelles pour vos repas, mais vous investissez également dans un morceau d’histoire du design français. Ils sont parfaits pour les collectionneurs d’objets vintage, les amateurs de verrerie ancienne ou toute personne cherchant à ajouter une touche d’élégance à ses réceptions.
En résumé, cette série de porte-couteaux YER est une pièce rare qui allie l’élégance du design des années 1930 à une qualité de fabrication exceptionnelle. En parfait état et conservée dans sa boîte d’origine, elle constitue une opportunité précieuse pour enrichir une collection ou embellir une table avec un charme d’antan. Ne laissez pas passer cette chance d’acquérir un ensemble de porte-couteaux qui raconte une histoire et ajoute une touche de sophistication à chaque repas.
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Très beau Bonheur-du-jour à système, milieu XIXe siècle en acajou
Parmi les meubles anciens, certains se distinguent par une beauté indéniable. Ce bonheur-du-jour à système du milieu du XIXe siècle en est un exemple remarquable. Ce bureau de dame, entièrement réalisé en acajou de Cuba massif et en placages, est un témoignage d’une élégance rare et d’un savoir-faire artisanal d’exception.
Le meuble est conçu autour d’un miroir biseauté central, flanqué de chaque côté par deux colonnes de quatre tiroirs chacune, surmontées d’un plateau de marbre. Les tiroirs, les montants, la ceinture et la galerie sont ornés de bronze doré finement ciselé, présentant des motifs en filets et draperies délicatement travaillés. Sous le miroir, un large tiroir central renforce la symétrie parfaite de ce meuble classique.
L’une des caractéristiques les plus remarquables de ce bonheur-du-jour est son plateau amovible. En le tirant, on découvre une élégante tablette d’écriture recouverte de tissus type velours de couleur moutarde. Ce geste déclenche un mécanisme ingénieux qui déverrouille simultanément le tiroir vitrine central et les deux tiroirs latéraux. Le motif central, riche en entrelacs, rappelle les goûts néogothiques et l’éclectisme naissant de l’époque. À gauche du bureau se trouve un encrier, tandis qu’à droite, on trouve une saupoudreuse.
La ceinture du meuble est ornée de fines draperies, créant une harmonie visuelle avec le plateau. Les pieds cannelés du bureau sont agrémentés de bronze doré et se terminent en pieds toupie. Le grand tiroir central, habilement divisé visuellement en trois sections, poursuit l’idée de symétrie inspirée du néoclassicisme. En tout, ce bureau de dame comporte dix tiroirs, tous en parfait état de fonctionnement.
Ce bonheur-du-jour ne se distingue pas seulement par son apparence, mais également par la complexité de son mécanisme. En effet, le système qui permet de déverrouiller les tiroirs est une merveille d’ingénierie du XIXe siècle, intégrant à la fois esthétique et fonctionnalité. La présence de ces tiroirs et de leurs mécanismes sophistiqués montre bien l’importance accordée à la praticité et à l’organisation, tout en restant fidèle à une ligne élégante et décorative.
Le miroir biseauté, central dans la conception du meuble, non seulement ajoute à son allure majestueuse, mais reflète également la lumière, illuminant ainsi l’ensemble de la pièce où il est placé. Le marbre du plateau ajoute une touche de luxe, complétant ainsi l’acajou et le bronze doré pour un effet visuel harmonieux.
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Belle commode marqueterie importé d’Egypte de style Empire du XXe siècle
Commode de style Empire du XXe siècle
Origine et Style
Cette commode, importée d’Égypte, est un magnifique exemple de mobilier de style Empire du XXe siècle. Le style Empire, qui a prospéré sous le règne de Napoléon Bonaparte au début du XIXe siècle, est caractérisé par son opulence et ses références à l’art et à l’architecture de l’Antiquité, notamment égyptienne. Bien que cette commode soit du XXe siècle, elle conserve fidèlement les éléments stylistiques de l’époque Empire, soulignant un renouveau de l’intérêt pour ce style classique.Matériaux et Construction
Fabriquée en bois de plaquage, cette commode présente un éclat et une finesse qui témoignent de la qualité du travail artisanal de l’époque. Le bois de plaquage utilisé confère à la pièce une apparence luxueuse et durable. La commode s’ouvre par quatre tiroirs, offrant un espace de rangement généreux et pratique.Décoration et Marqueterie
L’un des éléments les plus remarquables de cette commode est sa décoration en marqueterie. Les deux grands tiroirs centraux sont ornés d’un motif délicat représentant un flambeau et une couronne de laurier. Ces symboles étaient couramment utilisés dans le style Empire pour évoquer la victoire, la gloire et l’immortalité, rappelant les triomphes de l’Antiquité classique.Ornements en Bronze
Les ornements en bronze ajoutent une dimension supplémentaire de grandeur et de sophistication à cette commode. De chaque côté, deux figures égyptiennes assises et allongées sont magnifiquement sculptées, illustrant l’influence de l’Égyptomanie qui a marqué le style Empire. Ces figures symbolisent la fascination pour l’Égypte ancienne, ravivée par les campagnes napoléoniennes en Égypte et les découvertes archéologiques de cette époque.Les montants de la commode sont également gainés de bronze, ajoutant à la robustesse et à l’élégance de la pièce. Les pieds, quant à eux, se terminent en pattes de lion, un autre motif récurrent dans le style Empire. Les pattes de lion symbolisent la force et la puissance, et leur inclusion dans le design de cette commode renforce son apparence majestueuse.
Plateau en Marbre
Le dessus de la commode est surmonté d’un épais plateau en marbre vert de mer. Ce marbre, avec ses nuances de vert profond, ajoute une touche de couleur et de luxe à l’ensemble. Le marbre vert de mer était prisé pour son aspect raffiné et sa durabilité, et il complète parfaitement les tons riches du bois et les reflets dorés des ornements en bronze. -
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Ours blanc de Pierre Chenet, épreuve en bronze patinée vert, XXe
Cette épreuve en bronze à patine brun vert nuancé représente un ours blanc en balade, une création emblématique de l’artiste sculpteur Pierre Chenet. La pièce, une fonte d’édition, porte la signature de l’auteur et a été réalisée par lui-même dans sa fonderie d’art située à Apt. Pierre Chenet est un artiste reconnu pour ses œuvres animalières, et cette sculpture est une parfaite illustration de son talent et de son expertise dans ce domaine.
Pierre Chenet, né au XXe siècle, est un sculpteur français de renommée internationale. Il possède une fonderie d’art à Apt, où il réalise lui-même ses sculptures. Chenet est particulièrement connu pour ses représentations animalières. Ses œuvres captent l’essence des animaux avec une précision et une sensibilité qui témoignent de sa profonde compréhension de la nature. L’ours blanc en bronze est l’une de ses nombreuses créations qui illustre parfaitement cette maîtrise.
L’œuvre est réalisée en bronze, un matériau noble et durable qui permet une grande finesse de détails. Pierre Chenet excelle dans l’art de la patine, un procédé complexe qui consiste à appliquer une couche superficielle sur le bronze pour lui donner une couleur et une texture particulières. La patine brun vert nuancé de cette sculpture donne à l’ours une apparence à la fois réaliste et intemporelle, ajoutant une profondeur et une richesse visuelle à l’œuvre.
Bien que les éditions en bronze soient nombreuses, chaque pièce réalisée par Pierre Chenet est unique grâce à sa patine particulière. Chenet applique une patine différente à chaque sculpture, ce qui confère à chacune d’entre elles un caractère distinct. Cette approche assure que, même dans une série d’œuvres similaires, chaque sculpture est une pièce unique en son genre. Pour cette épreuve d’ours blanc, la patine brun vert nuancé accentue les lignes et les textures de la sculpture, mettant en valeur les détails et les expressions de l’animal.
L’œuvre mesure 34,5 cm de largeur et 17 cm de hauteur, des dimensions qui permettent d’apprécier pleinement le travail minutieux de l’artiste. Elle est en bon état général, un témoignage de la qualité du bronze utilisé et du savoir-faire de Pierre Chenet en matière de conservation des sculptures.
Cette sculpture a été réalisée au cours du XXe siècle, une période durant laquelle Pierre Chenet a perfectionné son art et s’est établi comme un maître dans le domaine de la sculpture animalière. Les œuvres de cette époque sont particulièrement prisées par les collectionneurs et les amateurs d’art en raison de leur qualité et de leur originalité.
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Taureau en pleine action, épreuve en bronze massif à patine vert nuancée
L’œuvre que nous vous présentons est une épreuve en bronze à patine brun vert nuancé, représentant un taureau en pleine action, prêt à charger. Cette sculpture dynamique et pleine de vie est l’œuvre de Pierre Chenet, un sculpteur renommé qui possède toujours sa propre fonderie d’art à Apt, en France.
Pierre Chenet est particulièrement connu pour ses œuvres animalières, qu’il réalise avec une grande maîtrise technique et artistique. Son expertise dans l’art de la patine est indéniable, et chaque pièce en bronze qu’il crée bénéficie d’une patine unique qui confère à chacune un caractère particulier et inimitable. Bien que les éditions en bronze soient nombreuses, cette capacité à offrir à chaque sculpture une finition singulière fait toute la différence dans son travail.
Cette épreuve-ci est signée et réalisée par l’auteur lui-même, attestant de l’authenticité et de la qualité de l’œuvre. La patine brun vert nuancé de ce taureau en charge accentue les détails et les lignes de la sculpture, mettant en valeur la puissance et la détermination de l’animal. Le taureau est représenté dans un moment de grande intensité, prêt à bondir, les muscles tendus et l’expression féroce. Cette représentation réaliste et énergique témoigne du talent de Chenet pour capturer l’essence et l’esprit des animaux dans ses sculptures.
L’œuvre date du XXe siècle et est en bon état général, ce qui témoigne de la qualité de la fonte et de la durabilité des matériaux utilisés. Les dimensions de la sculpture sont de 41 cm de largeur et de 28 cm de hauteur, ce qui en fait une pièce imposante mais équilibrée, capable d’attirer le regard et d’animer l’espace dans lequel elle est exposée.
La fonderie de Pierre Chenet, toujours en activité à Apt, est un lieu où l’art et la technique se rencontrent pour donner naissance à des œuvres d’exception. En tant qu’artiste, Chenet met un point d’honneur à superviser et à participer directement à la création de ses pièces, de la conception à la réalisation finale. Cela garantit non seulement la qualité de chaque œuvre, mais également sa singularité.
Cette sculpture de taureau en pleine action est donc une pièce remarquable pour plusieurs raisons. Elle illustre le talent de Pierre Chenet pour capturer la vitalité et la force des animaux, sa maîtrise de la patine qui rend chaque pièce unique, et son engagement personnel dans chaque étape du processus de création.
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Bronze à patine brun vert nuancé, buste d’un homme dénudé et musclé
L’épreuve en bronze à patine brun vert nuancé représente le buste d’un homme dénudé et musclé. Cette sculpture captivante est une fonte d’édition, signée et réalisée par Pierre Chenet, un artiste renommé. Chenet possède une fonderie d’art à Apt, où il se consacre principalement à la création d’œuvres animalières. Cependant, cette pièce montre sa capacité à capturer la beauté et la force du corps humain avec une grande précision et sensibilité.
Pierre Chenet est un maître dans l’art de la patine, et bien que ses éditions en bronze soient nombreuses, il confère à chaque pièce une patine particulière, rendant chacune unique. La patine brun vert nuancé de cette sculpture apporte une profondeur et une richesse de ton qui accentuent les détails de la musculature et les contours du visage. La technique de patine utilisée par Chenet donne à cette œuvre une apparence vivante et dynamique, reflétant la lumière de manière subtile et élégante.
Cette sculpture date du XXe siècle et est en bon état général, ce qui témoigne de la qualité et de la durabilité du travail de Chenet. Le buste a des dimensions imposantes avec une largeur de 17 cm, une hauteur de 48 cm et une profondeur de 15 cm. Ces dimensions, associées à la qualité de la patine et à la précision des détails, lui confèrent une présence majestueuse et impressionnante. La musculature est finement travaillée, chaque courbe et chaque saillie sont rendues avec un réalisme saisissant. L’expression du visage est également remarquablement détaillée, capturant une intensité et une sérénité qui ajoutent à l’impact visuel de la pièce.
Pierre Chenet, bien que principalement connu pour ses sculptures animalières, démontre à travers ce buste son talent polyvalent. Il est capable de capturer non seulement l’essence des animaux, mais aussi la beauté et la force du corps humain. Cette œuvre est un excellent exemple de sa capacité à transposer son expertise en sculpture animalière à la représentation humaine, en maintenant un niveau de détail et de réalisme exceptionnel.
La patine brun vert nuancé choisie par Chenet pour cette sculpture est particulièrement réussie. Elle apporte une richesse de couleur qui met en valeur les détails de la sculpture tout en ajoutant une dimension de profondeur et de texture.
La patine est appliquée avec une grande maîtrise, créant des variations subtiles de couleur et de ton qui rendent chaque pièce unique. Cela témoigne du savoir-faire artisanal de Chenet et de son engagement à créer des œuvres d’art uniques et de haute qualité.
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Alexandre Falguière (1831-1900) sculpture en bronze de Diane, déesse Romaine
Alexandre Falguière : Un Maître de la Sculpture Française
Alexandre Falguière, né Jean Alexandre Joseph Falguière le 7 septembre 1831 à Toulouse et décédé le 20 avril 1900 à Paris, est une figure emblématique de la sculpture française du XIXe siècle. Il a marqué son époque par son talent exceptionnel, son inventivité artistique et son influence durable sur les générations suivantes de sculpteurs.
Jeunesse et Formation
Falguière a grandi dans une famille modeste. Très tôt, il montre un intérêt marqué pour les arts. Son talent est rapidement remarqué, et il reçoit une bourse pour étudier à l’École des Beaux-Arts de Toulouse, où il se forme sous la direction de sculpteurs locaux. À 18 ans, il part pour Paris pour poursuivre sa formation à l’École des Beaux-Arts de Paris, une institution prestigieuse qui forme les plus grands artistes de l’époque.
En 1859, Falguière remporte le grand prix de Rome de sculpture pour son bas-relief « Méphistophélès apparaissant à Faust dans son cabinet ». Ce prix lui permet de séjourner à la Villa Médicis à Rome, où il s’imprègne de l’art classique et de la Renaissance italienne, influençant durablement son style. À son retour en France, il commence à exposer régulièrement au Salon, où ses œuvres attirent l’attention du public et des critiques.
En 1864, il réalise « Le Vainqueur au combat de coqs », une sculpture en bronze qui remporte un immense succès et le propulse au premier plan de la scène artistique. Cette œuvre, caractérisée par son dynamisme et sa précision anatomique, révèle son talent pour capter le mouvement et l’émotion.
Œuvres Majeures
Parmi ses œuvres les plus célèbres figure « Diane Chasseresse » (1882), une sculpture en bronze patiné représentant la déesse de la chasse, Diane, en buste. Cette œuvre, signée et portant le cachet du fondeur «Thiébaut Frères fondeurs Paris», est remarquable par sa finesse et son élégance. Falguière excelle dans l’art de rendre la beauté et la grâce féminine tout en respectant les canons classiques de la sculpture.
Enseignement et Influence
Au-delà de sa carrière de sculpteur, Falguière a joué un rôle crucial en tant qu’enseignant. En 1882, il devient professeur à l’École des Beaux-Arts de Paris, où il forme de nombreux élèves qui deviendront à leur tour des sculpteurs renommés. Son enseignement, basé sur une solide compréhension de l’anatomie et du mouvement, a influencé une génération entière d’artistes.
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Buste bronze de Eugène Rousseau représentant une élégante
650,00 €Cette belle statue en bronze représente un buste de femme élégante, signée par l’artiste Eugène Rousseau. Elle mesure 44 cm de hauteur et date du 19e siècle. La sculpture est notable pour sa patine brune, qui présente des reflets de brillance, ajoutant une profondeur et une richesse à la pièce.
Description de l’œuvre
Le buste montre une femme gracieuse et raffinée, caractéristique de l’époque romantique. Les détails minutieux de la coiffure et des vêtements révèlent une grande maîtrise technique. Les cheveux de la femme sont coiffés de manière complexe, avec des mèches élaborées qui encadrent son visage. Son expression sereine et ses yeux fermés ajoutent une sensation de calme et de contemplation à l’œuvre.
Signature et authenticité
La signature d’Eugène Rousseau est présente sur la statue, attestant de son authenticité. Rousseau, connu pour ses œuvres en bronze, était un artiste respecté au 19e siècle. Sa capacité à capturer l’essence et la beauté de ses sujets est bien illustrée dans cette sculpture.
Patine et esthétique
La patine brune de cette sculpture est particulièrement remarquable. Au fil du temps, la patine s’est développée, donnant à la pièce une brillance subtile qui accentue les détails sculpturaux. Cette patine est un signe de la qualité et de l’âge de la pièce, ajoutant à sa valeur historique et artistique.
Contexte historique
Le 19e siècle était une période de grande innovation et de changement dans l’art, avec l’émergence de styles tels que le romantisme et le réalisme. Les artistes de cette époque, comme Rousseau, étaient influencés par les idéaux de la beauté classique et la recherche de la perfection formelle. Les bustes, en particulier, étaient populaires car ils permettaient de capturer l’essence et le caractère des individus de manière intime et personnelle.
Importance de l’œuvre
Cette statue est non seulement un exemple de l’habileté technique de Rousseau, mais aussi un reflet des valeurs esthétiques de son époque. Le buste de femme qu’il a créé représente une combinaison de grâce, de beauté et de tranquillité, caractéristiques prisées dans l’art du 19e siècle. La finesse des détails et la qualité de la patine font de cette pièce un ajout précieux à toute collection d’art ou musée.
En somme, ce buste en bronze signé Eugène Rousseau est une œuvre d’art magnifique et raffinée. La qualité de la patine, la précision des détails et l’élégance générale de la sculpture en font un exemple remarquable de l’art du 19e siècle.
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Rare grande tasse couverte en porcelaine Allemande Berlin KPM XIXe
La pièce en question est une superbe tasse couverte en porcelaine allemande, fabriquée à Berlin par la célèbre Manufacture royale de porcelaine, plus connue sous l’acronyme KPM (Konigliche Porzellan Manufaktur Berlin). Datant approximativement de la période 1820-1840, cette tasse représente une véritable œuvre d’art de son époque.
Le paysage représenté sur cette tasse transporte l’observateur dans une ambiance paisible et nostalgique. Le pont, symbole de passage et de connexion, est magnifiquement dessiné, et les ruines ajoutent une touche de mystère et de romantisme. Ce genre de décor était très apprécié à l’époque, car il évoquait à la fois la beauté de la nature et les vestiges du passé.
La tasse elle-même est d’une élégance indéniable. Sa forme est gracieuse et équilibrée, avec des lignes fluides et harmonieuses. Le couvercle assorti ajoute non seulement à la fonctionnalité de la pièce, mais aussi à son esthétique globale. La dorure qui orne la tasse et son couvercle apporte une touche de luxe et de sophistication supplémentaire. Bien que la pièce soit en très bon état général, il convient de noter un léger manque de dorure sur le couvercle, signe discret du passage du temps mais n’altérant en rien la beauté et la valeur de l’objet.
La Manufacture royale de porcelaine de Berlin, fondée en 1763 sous les auspices du roi Frédéric II de Prusse, a toujours été synonyme de qualité et de perfection dans le domaine de la porcelaine. Les pièces produites par KPM sont prisées des collectionneurs du monde entier pour leur beauté, leur finesse et leur durabilité. La manufacture a su maintenir des standards de production élevés, alliant tradition et innovation pour créer des pièces uniques et précieuses.
La porcelaine de Berlin, réputée pour sa qualité exceptionnelle et son raffinement, est ici parfaitement illustrée. La tasse arbore une signature distinctive avec le sceptre bleu, une marque de fabrique de KPM, garantissant son authenticité et son origine prestigieuse. Le sceau du sceptre bleu est un symbole de la qualité et de l’excellence des productions de la manufacture royale.
Le décor de cette tasse est particulièrement remarquable. Elle présente un paysage lacustre pittoresque, mettant en scène un pont et de vieilles ruines. Le choix du motif témoigne d’un goût prononcé pour les scènes romantiques et idylliques, très en vogue au début du XIXe siècle. Les détails du décor sont finement exécutés, chaque élément étant peint avec une grande précision et une délicatesse qui reflètent le savoir-faire des artisans de KPM.
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Joseph d’Aste, superbe statue de l’enfant Bacchus en marbre blanc
2200,00 €Une Œuvre Magnifique : L’Enfant Bacchus de Joseph d’Aste
Introduction
La sculpture de l’Enfant Bacchus, une œuvre en marbre blanc signée par Joseph d’Aste, est une pièce exceptionnelle qui attire l’œil par sa beauté et sa finesse. Né en 1181 et décédé en 1945, d’Aste a laissé derrière lui un héritage artistique impressionnant, et cette sculpture en est un témoignage remarquable. Haute de 51 cm, elle repose sur un socle aux teintes éclatantes de jaune, bordeaux et blanc, ajoutant une touche de vivacité et de contraste à la pureté du marbre.
Description de l’Œuvre
La sculpture représente Bacchus enfant, le dieu romain du vin et des festivités, avec une expressivité et une vivacité qui captivent immédiatement l’observateur. Dans une main, l’enfant Bacchus tient une coupe, symbole de célébration et de délices dionysiaques. Dans l’autre main, il tient son vêtement délicatement drapé, qui porte une grappe de raisin, emblème de l’abondance et de la fertilité.
Détails du Socle
Le socle de la sculpture, avec ses couleurs mouchetées de jaune, de bordeaux et de blanc, offre un contraste saisissant avec le marbre blanc immaculé de la statue. Les nuances vives du socle rehaussent l’éclat et la délicatesse de la figure en marbre, tout en apportant une dimension supplémentaire à l’ensemble de l’œuvre. Cette base soigneusement choisie et colorée semble souligner l’importance de la sculpture tout en la mettant subtilement en valeur.
Expression et Posture
L’expression du jeune Bacchus est d’une douceur et d’une innocence désarmantes, capturant parfaitement la joie insouciante de l’enfance divine. Sa posture, à la fois gracieuse et naturelle, témoigne de la maîtrise de d’Aste dans le rendu des formes humaines et de la vitalité. Chaque détail, des boucles de ses cheveux aux plis de son vêtement, est exécuté avec une précision minutieuse, révélant le talent exceptionnel de l’artiste.
Signification Symbolique
L’Enfant Bacchus, tenant une coupe et des raisins, symbolise la jeunesse, la vitalité et l’abondance. Cette représentation d’un dieu souvent associé à l’excès et à la joie de vivre, mais ici en version enfantine, offre une interprétation fraîche et touchante de la mythologie classique. Elle rappelle également l’importance de la nature et des cycles de croissance, des thèmes chers à d’Aste et souvent présents dans ses œuvres.
L’Héritage de Joseph d’Aste
Joseph d’Aste, dont la vie s’étend sur plusieurs siècles, a su marier tradition et innovation dans ses créations.
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Ensemble de luminaires par Flam & Luce pour Roche Bobois vers 1960
1600,00 €Présentation d’un Ensemble de Luminaires Flam & Luce pour Roche Bobois
L’ensemble de luminaires que nous avons ici comprend un grand lampadaire et une paire de lampes, conçus par Flam & Luce pour la prestigieuse marque Roche Bobois. Datant probablement des années 1960-1970, ces pièces se distinguent par un design sophistiqué et l’utilisation de matériaux de haute qualité, typiques de l’époque.
Description des Pièces :
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Grand Lampadaire :
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Matériaux : Le pied du lampadaire est fabriqué en bois exotique, peut-être du palissandre, un matériau apprécié pour sa durabilité et son allure luxueuse. Ce bois confère au lampadaire une présence imposante et élégante.
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Abat-jour : L’abat-jour en tissu écru, de forme trapézoïdale, diffuse une lumière douce et agréable, créant une ambiance chaleureuse et invitante. Le contraste entre le bois sombre et le tissu clair accentue l’aspect raffiné du design.
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Dimensions : Ce lampadaire de grande taille attire immédiatement l’attention, devenant un point focal dans n’importe quelle pièce. Sa hauteur impressionnante et sa silhouette élancée ajoutent une touche de grandeur et de modernité.
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Paire de Lampes :
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Matériaux : Les pieds des deux lampes sont également en bois exotique, assurant une continuité esthétique avec le lampadaire. Le choix de ce matériau reflète l’importance accordée à la qualité et à la durabilité.
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Abat-jour : Les abat-jours en tissu écru, similaires à ceux du lampadaire, garantissent une diffusion uniforme de la lumière, créant une ambiance cohérente et harmonieuse dans la pièce. La forme géométrique des abat-jours ajoute une touche de modernité.
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Dimensions : Ces lampes, de taille plus modeste que le lampadaire, sont idéales pour une utilisation sur des tables de chevet, des buffets ou des bureaux. Leur design compact et élégant les rend polyvalentes et faciles à intégrer dans divers espaces.
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Caractéristiques Distinctives
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Style Vintage : L’ensemble reflète parfaitement l’esthétique des années 60 et 70, une période marquée par une exploration audacieuse des formes et des matériaux. Les lignes géométriques et l’utilisation de bois exotique sont caractéristiques de cette époque.
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Qualité de Fabrication : La collaboration entre Flam & Luce et Roche Bobois est synonyme de qualité exceptionnelle. Les matériaux soigneusement sélectionnés et la précision dans la fabrication témoignent du savoir-faire artisanal.
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État de Conservation : Malgré leur âge, ces luminaires semblent avoir été bien entretenus. Leur état de conservation exceptionnel en fait des objets de collection prisés, capables d’ajouter une valeur esthétique et historique à tout intérieur.
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Marque Réputée : Roche Bobois est une marque emblématique dans le domaine du design d’intérieur. Posséder des pièces de cette marque, en particulier celles issues de collaborations avec des designers renommés comme Flam & Luce, est un gage de sophistication et de bon goût.
Utilisation et Intégration
Cet ensemble de luminaires est idéal pour les amateurs de design vintage et les collectionneurs. Il peut être intégré dans divers styles de décoration intérieure, du moderne au classique, en passant par l’éclectique. Voici quelques suggestions d’intégration :
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Salon : Le grand lampadaire peut être placé dans un coin de salon, à côté d’un canapé ou d’un fauteuil, pour créer un coin lecture élégant et lumineux. Les petites lampes peuvent être disposées sur des tables d’appoint pour un éclairage d’ambiance subtil.
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Paire de statues en marbre de Carrare, les baigneuses, d’après Falconet
Les sculptures en marbre de Carrare, d’une hauteur de 42 cm, représentent deux baigneuses inspirées des œuvres d’Étienne-Maurice Falconet. Elles incarnent l’élégance et la délicatesse du style rococo du XVIIIe siècle. Ces sculptures rappellent fortement la célèbre statue de Falconet, « Nymphe qui descend au bain » ou « La Baigneuse », présentée au Salon de 1757 et aujourd’hui exposée au Louvre.
Ces sculptures sont d’une pureté et d’une finesse remarquables, réalisées en marbre blanc de Carrare, un matériau prisé pour sa texture lisse et son éclat lumineux. Chaque détail est minutieusement sculpté, des traits du visage de la jeune fille à la courbe gracieuse de son corps. La statue représente une jeune femme nue, saisie dans un moment de douceur et d’intimité, alors qu’elle s’apprête à tester la température de l’eau avec son pied délicat. Sa posture est à la fois naturelle et empreinte de sensualité, caractéristique des œuvres de Falconet.
La main de la baigneuse repose légèrement sur une souche d’arbre enveloppée de feuillage, ajoutant une touche de nature à la scène et servant de point d’appui à la figure gracile. Ce détail accentue l’harmonie entre l’être humain et son environnement. La robe, entrelacée autour de sa cuisse, semble glisser doucement, suggérant le mouvement et la fluidité, un autre hommage à la maîtrise technique de Falconet.
Ces sculptures ne sont pas seulement des reproductions fidèles de l’œuvre originale, mais elles capturent également l’esprit du rococo, avec son accent sur l’intimité, la nature et la beauté féminine. La précision des détails, comme les plis de la robe, la texture de la peau et l’expression douce du visage, montrent le haut niveau de compétence des sculpteurs qui ont recréé ces œuvres. Chaque sculpture respire la grâce et la sensualité, créant une impression de légèreté et de douceur.
L’originalité et la rareté de ces sculptures en font des pièces particulièrement recherchées par les collectionneurs et les amateurs d’art. Il est rare de trouver ces sculptures vendues en paire, car elles sont souvent proposées à la pièce. Posséder une paire de ces œuvres permet d’apprécier pleinement l’équilibre et la symétrie qui sont si caractéristiques de l’art classique et rococo.
La qualité du marbre de Carrare ajoute une dimension supplémentaire à ces sculptures. Connue pour sa durabilité et son éclat, cette pierre a été utilisée par certains des plus grands sculpteurs de l’histoire, y compris Michel-Ange. Le choix de ce matériau pour recréer les baigneuses de Falconet témoigne du soin apporté à chaque aspect de ces œuvres.
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Glaneuse, importante sculpture en bronze de Henri Godet
850,00 €Henri Godet (1853-1937) est un sculpteur français de renom, élève de Mathurin Moreau, un autre sculpteur célèbre de la même époque. Godet a commencé à exposer ses œuvres au prestigieux Salon des Artistes Français à partir de 1883, où il a progressivement gagné en notoriété grâce à son talent et à son style distinctif. Sa maîtrise du bronze et sa capacité à capturer des scènes de la vie quotidienne avec une précision et une sensibilité exceptionnelles sont particulièrement remarquables.
L’une de ses œuvres notables est une sculpture en bronze représentant une glaneuse. Cette sculpture, de taille importante (58 cm), incarne la représentation réaliste et émotive de la vie rurale à la fin du XIXe siècle et au début du XXe siècle. La glaneuse, une figure symbolique de l’époque, représente les femmes qui, après la moisson, ramassaient les épis de blé oubliés pour subvenir aux besoins de leur famille. Cette scène humble et quotidienne est élevée à une forme d’art noble par Godet.
Le bronze est un matériau de prédilection pour les sculpteurs de cette époque en raison de sa durabilité et de sa capacité à rendre des détails fins. La sculpture de Godet ne fait pas exception. Elle est marquée par une patine brun foncé, une technique qui non seulement protège le métal mais ajoute également une profondeur visuelle à l’œuvre. La patine brun foncé confère à la sculpture une certaine gravité et une qualité intemporelle, renforçant ainsi l’impact visuel de la scène représentée.
Sur cette sculpture, on trouve le cachet de la pastille ‘Bronze Garanti’, ce qui atteste de l’authenticité et de la qualité de l’œuvre. Ce cachet, bien que légèrement visible, est un signe de la vérification et de l’assurance de la qualité dans le processus de fonderie. De plus, la sculpture est numérotée, ce qui indique qu’il s’agit probablement d’une édition limitée, augmentant ainsi sa valeur pour les collectionneurs.
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Œuvre de Gérard Dechamps, peinture technique de cousage et craie
750,00 €Présentation de l’œuvre de Gérard Deschamps
Né en 1937 à Lyon, Gérard Deschamps est un artiste phare du mouvement du Nouveau Réalisme, célèbre pour ses panoplies qui marient objets du quotidien et expressions artistiques. Le Nouveau Réalisme, apparu à la fin des années 1950 en pleine période d’après-guerre, a été l’un des premiers mouvements qualifiés de « contemporain » dans le panorama artistique français. Les artistes de ce courant se sont distingués par leur utilisation innovante d’objets trouvés, qu’ils intégraient dans leurs œuvres pour incarner les réalités de la société de consommation.
L’œuvre de Deschamps que nous présentons ici est datée de 1981. Elle est emblématique du Nouveau Réalisme par son approche matérielle et conceptuelle. Il s’agit d’une peinture réalisée à partir de cousage et de craie, mesurant 60 x 60 cm avec son encadrement. Cette œuvre s’inscrit dans une période de transition pour l’artiste, qui, depuis le milieu des années 1980, a exploré de nouvelles directions en incorporant des couleurs fluorescentes et des textures innovantes dans ses panoplies. Il s’est intéressé à des thèmes modernes tels que le surf et les ballons de plage, enrichissant ainsi son répertoire visuel.
Deschamps est notamment reconnu pour ses « pneumostructures » plus récentes, qui continuent de repousser les limites de son art en jouant avec les formes et les matériaux de manière audacieuse et créative. Cependant, cette œuvre de 1981 se situe juste avant cette période de transformation, offrant un aperçu fascinant de son travail antérieur tout en préfigurant ses expérimentations futures.
Le Nouveau Réalisme, tel que théorisé par Raymond Hains, se caractérise par l’utilisation d’objets de consommation courante, lesquels sont réappropriés par les artistes pour créer des œuvres d’art qui interrogent et reflètent les réalités sociales et économiques de leur époque. Dans cette œuvre, Deschamps utilise la technique de cousage, qui implique l’assemblage de divers matériaux textiles. L’utilisation de la craie, quant à elle, introduit une dimension éphémère et tactile, contrastant avec la permanence des matériaux cousus.
L’approche de Deschamps se distingue par son habileté à transformer des objets ordinaires en artefacts artistiques chargés de signification. Chaque élément de l’œuvre, qu’il s’agisse des matériaux textiles ou de la craie, est choisi pour sa capacité à évoquer des aspects spécifiques de la culture contemporaine et de la société de consommation. Par cette technique, Deschamps ne se contente pas de représenter le réel ; il l’incarne et le transcende, offrant au spectateur une nouvelle manière de voir et de comprendre le monde qui l’entoure.
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Table de Salle à Manger des Années 1930, rallonges à systèmes
450,00 €Présentation d’une Table de Salle à Manger des Années 1930
Description Générale
Cette table de salle à manger, datant des années 1930, est une pièce exemplaire du style Art Déco. Probablement réalisée en frêne, elle incarne l’élégance et la sophistication de cette période, se distinguant par son design raffiné et ses fonctionnalités ingénieuses. Avec ses deux rallonges à chaque extrémité, cette table offre une grande flexibilité pour accueillir plus de convives, tout en maintenant une esthétique cohérente et élégante.
Matériaux et Construction
Le frêne, connu pour sa robustesse et son grain distinct, a été choisi pour la fabrication de cette table, conférant à la pièce une durabilité remarquable et une beauté naturelle. Le plateau est orné d’un décor de damier, un motif typique de l’Art Déco, apportant une touche de sophistication et de modernité. Ce motif géométrique est non seulement esthétiquement plaisant mais aussi emblématique de l’ère, rappelant l’influence des mouvements artistiques contemporains tels que le Cubisme.
Fonctionnalité et Ingéniosité
L’une des caractéristiques les plus remarquables de cette table est son système de rallonges. Les deux rallonges, situées à chaque extrémité, sont des abattants qui se replient discrètement sous le plateau principal grâce à un ingénieux système de charnières. Ce mécanisme permet une manipulation facile et rapide, transformant la table d’une taille compacte à une grande surface de réception en quelques mouvements simples. Lorsqu’elles ne sont pas utilisées, les rallonges se replient harmonieusement, ne perturbant en rien l’esthétique globale de la table.
Design et Influence
Le piétement de la table rappelle le style de Jules Leleu, un designer de renom de l’époque, connu pour ses créations élégantes et ses lignes épurées. Les pieds de cette table, solides et finement travaillés, ajoutent une stabilité remarquable tout en conservant une légèreté visuelle. Leur design reflète une attention particulière aux détails et une maîtrise artisanale exceptionnelle, caractéristiques typiques des œuvres de Leleu.
Contexte Historique et Esthétique
Le style Art Déco, prédominant dans les années 1930, se caractérise par ses formes géométriques, ses motifs audacieux et son utilisation de matériaux luxueux. Cette table incarne parfaitement ces éléments, combinant esthétique et fonctionnalité de manière harmonieuse. L’utilisation du frêne et du décor de damier souligne l’importance de la qualité des matériaux et de l’innovation dans le design de mobilier de cette époque.
Les années 1930 furent une période de transition et de modernisation dans le design, où les influences du mouvement moderne se mêlaient aux traditions artisanales. Cette table de salle à manger reflète cette dualité, mêlant l’élégance intemporelle du bois et du travail artisanal à des solutions pratiques et modernes pour répondre aux besoins changeants des foyers de l’époque.
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Imposante sculpture du faucon Horus des année 1950
650,00 €La grande sculpture en question est un moulage en plâtre réalisé vers 1950, représentant le faucon Horus avec une patine blanche et un aspect géométrique prononcé. Ce type de sculpture était probablement vendu à la sortie du Louvre dans les années 50, témoignant de l’intérêt grandissant pour l’art et la culture de l’Égypte ancienne en Europe à cette époque.
Le faucon Horus, divinité majeure dans la mythologie égyptienne, symbolise le pouvoir royal et la protection divine. Souvent représenté sous la forme d’un faucon ou d’un homme à tête de faucon, Horus est le fils d’Osiris et d’Isis, et est connu pour avoir vaincu Seth, l’usurpateur du trône. Dans cette œuvre, les formes géométriques et la patine blanche apportent une dimension moderne tout en respectant les canons esthétiques de l’art égyptien traditionnel. Les traits stylisés et épurés reflètent une interprétation contemporaine, adaptée aux goûts artistiques de l’après-guerre.
La sculpture, mesurant 57 cm de hauteur, impressionne par sa présence imposante et sa qualité de réalisation. Le plâtre, matériau choisi pour cette sculpture, confère à l’œuvre une certaine lourdeur et robustesse, accentuant son caractère monumental malgré une taille relativement modeste. La patine blanche, soigneusement appliquée, donne à la sculpture une apparence de pierre, renforçant l’illusion d’une œuvre ancienne et noble.
Dans les années 50, les moulages en plâtre étaient populaires comme souvenirs, permettant aux amateurs d’art de posséder une réplique d’œuvres emblématiques. Les visiteurs du Louvre, séduits par les trésors égyptiens exposés, pouvaient ainsi emporter chez eux une pièce rappelant leur visite. Ce faucon Horus, par sa qualité et son esthétique, aurait été un choix prisé.
La qualité de cette sculpture réside non seulement dans son matériau et sa patine, mais aussi dans la précision de ses détails. Les lignes nettes et les angles précis montrent une maîtrise technique remarquable. Le poids de la sculpture, dû au plâtre dense, ajoute une sensation de solidité et de permanence, contrastant avec la fragilité apparente du plâtre.
L’intérêt pour l’Égypte ancienne dans les années 50 était en grande partie stimulé par les découvertes archéologiques et les expositions muséales. Le Louvre, avec ses collections riches et variées, jouait un rôle clé dans la diffusion de cette passion. Les sculptures comme ce faucon Horus permettaient de démocratiser l’accès à l’art égyptien, rendant les symboles et les histoires de cette civilisation millénaire accessibles à un public plus large.
Aujourd’hui, cette sculpture en plâtre du faucon Horus reste un témoignage fascinant de cette époque. Elle incarne à la fois une admiration pour l’art ancien et une interprétation moderne de ses formes.
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Magnifique vase en porcelaine de Sèvres par Charles Fritz
Présentation d’un Vase Exceptionnel : Chef-d’œuvre Art Déco de Charles Fritz
Nous avons le plaisir de vous présenter un magnifique vase en porcelaine, un véritable joyau de l’époque Art Déco. Fabriqué dans les prestigieux ateliers de Sèvres en France, ce vase est une œuvre exceptionnelle de Charles Fritz, célèbre pour ses créations raffinées et son talent incomparable. Signé des initiales « CF » et daté de 1925, ce vase incarne parfaitement l’élégance et le style distinctif de cette période artistique.
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Porteur d’eau Tunisien par Jean Didier Debut (1824-1893)
900,00 €Porteur d’eau Tunisien par Jean Didier Debut (1824-1893) est une sculpture orientaliste en bronze qui illustre parfaitement le goût du XIXe siècle pour l’exotisme et l’art détaillé. Cette œuvre mesure 32 cm sans son socle en marbre, qui ajoute 4 cm de hauteur et mesure 15 cm de largeur, offrant ainsi une stabilité optimale et un équilibre visuel harmonieux.
Jean Didier Debut, sculpteur français renommé, a su capturer l’essence de la vie quotidienne en Tunisie à travers cette représentation du porteur d’eau. Cette figure emblématique transporte des récipients d’eau, une scène courante dans les rues animées de la Tunisie de l’époque. Le porteur d’eau est vêtu de manière traditionnelle, ses vêtements finement sculptés révélant une attention méticuleuse aux détails et aux textures. Cette minutie permet de percevoir les plis du tissu, la musculature du porteur et même les expressions subtiles de son visage, ajoutant une dimension de réalisme et d’authenticité à l’œuvre.
Le bronze, matériau de choix pour Debut, permet une restitution fidèle des détails les plus fins et offre une durabilité qui traverse les âges. Le socle en marbre, non seulement améliore la présentation de la sculpture, mais apporte également une touche de sophistication et de noblesse. Le contraste entre la texture lisse et froide du marbre et la chaleur patinée du bronze crée un effet visuel saisissant, rehaussant la beauté de l’œuvre.
L’œuvre de Debut s’inscrit dans le mouvement orientaliste, qui a connu une grande popularité au XIXe siècle en Europe. Ce mouvement artistique et littéraire se caractérisait par une fascination pour les cultures et les paysages de l’Orient, souvent idéalisés et romancés. Les artistes orientalistes, tels que Debut, cherchaient à capturer et à transmettre l’exotisme et le mystère de ces contrées lointaines à travers leurs créations. La sculpture Porteur d’eau Tunisien témoigne de cet engouement pour l’Orient, offrant une vision à la fois poétique et réaliste de la vie en Afrique du Nord.
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Grande statue en bois sculpté de la fin du XVIIe siècle représente Saint François de Sales
3500,00 €La grande statue en bois sculpté représentant Saint François de Sales, datant de la fin du XVIIe siècle, est un chef-d’œuvre de l’art sacré baroque. Mesurant 176 cm de hauteur, elle incarne l’essence même de la dévotion religieuse et de l’artisanat raffiné de cette époque.
Contexte Historique et Artistique
La fin du XVIIe siècle marque une période prolifique pour l’art religieux en Europe. Le style baroque, avec son goût pour le dramatique, l’émotionnel et le détaillé, était prédominant. Les statues de saints étaient couramment commandées par les églises et les monastères pour inspirer les fidèles et embellir les lieux de culte. Cette statue de Saint François de Sales s’inscrit parfaitement dans ce contexte, reflétant à la fois la piété et la magnificence artistique de l’époque.
Description de la Statue
La sculpture en bois de 176 cm représente Saint François de Sales, une figure éminente de l’Église catholique né le 21 août 1567. Connu pour sa douceur, sa patience et son éloquence, il a été un modèle de dévotion et de réforme spirituelle. La statue capture cette essence avec une précision remarquable.
Le visage de Saint François est sculpté avec une expression de sérénité et de contemplation, ses yeux légèrement baissés comme s’il était plongé dans une prière silencieuse. Ses traits sont finement détaillés, chaque ride et courbe du visage reflétant l’expérience et la sagesse accumulées au cours de sa vie. La chevelure et la barbe sont minutieusement travaillées, chaque mèche semblant presque réelle, ajoutant à la vivacité de la sculpture.
Vêtements et Symbolisme
Les vêtements de Saint François de Sales sont sculptés avec un soin particulier, chaque pli et drapé du tissu ajoutant à la richesse visuelle de la statue. Il est représenté en habit épiscopal, rappelant son statut de Prince-Évêque de Genève. La crosse épiscopale qu’il tient dans sa main gauche et la mitre posée à ses pieds sont des symboles de son autorité et de son rôle au sein de l’Église.
L’artiste a également incorporé des éléments symboliques dans la sculpture. Un livre ouvert dans sa main droite rappelle les nombreux écrits de Saint François, notamment « Introduction à la vie dévote », une œuvre majeure de spiritualité chrétienne. La présence de ce livre souligne son rôle en tant qu’auteur et théologien, dont les enseignements ont profondément influencé la pratique religieuse.
Technique et Artisanat
Le bois sculpté est un matériau exigeant, nécessitant une grande habileté et une connaissance approfondie de ses propriétés. La sculpture de cette statue témoigne d’un savoir-faire exceptionnel. L’artiste a utilisé des techniques de taille directe, sculptant directement dans le bloc de bois pour créer des détails précis et des textures réalistes. La finition polie et la patine ajoutent une dimension de profondeur et de vieillissement, conférant à la statue une aura de vénérabilité.
Conclusion
Cette statue de Saint François de Sales de la fin du XVIIe siècle est une pièce maîtresse de l’art sacré baroque. Elle incarne non seulement la dévotion religieuse mais aussi l’excellence artistique de son temps. À travers sa taille imposante, ses détails minutieux et son symbolisme riche, elle continue d’inspirer et de captiver ceux qui la contemplent, rappelant la vie et l’œuvre d’un des saints les plus respectés de l’Église catholique.
Cependant, l’usure du temps n’a pas épargné cette œuvre d’art. Plusieurs parties de la statue montrent des signes d’endommagement, notamment dus à l’infestation par les mythes. Ces insectes xylophages ont creusé dans le bois, affaiblissant la structure de certaines zones. En observant attentivement, on peut noter des trous et des cavités, particulièrement visibles sur les surfaces les moins exposées, comme par exemple à l’arrière.
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Imposante garniture de cheminée XIXe en bronze de Moreau
Description de la garniture de cheminée
La garniture de cheminée est une pièce exceptionnelle comprenant une pendule en bronze patiné et une paire de candélabres assortis. Cette garniture se distingue par la richesse de ses détails et son exécution raffinée, signée par Mathurin Moreau, célèbre sculpteur français du XIXe siècle, né en 1822 et décédé en 1912.
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Sculpture « Mephistopheles » par Alfredo Morelli en marbre et bronze
7500,00 €Sculpture : Tête d’homme ou le Diable par Alfredo Morelli
La sculpture en question est une œuvre intrigante et complexe réalisée par l’artiste Alfredo Morelli, actif à Florence au XIXe siècle. Elle représente une tête d’homme ou peut-être le visage du diable, une dualité qui invite à la réflexion sur la nature humaine et le mal. L’œuvre est composée de plusieurs matériaux : le visage est en bronze, le capuchon en marbre rouge, et les yeux sont en verre de couleur rouge, ajoutant une dimension inquiétante et mystique à la pièce. La sculpture repose sur un socle en marbre noir chiné, de forme trapézoïdale, qui confère à l’ensemble une stabilité visuelle et physique tout en accentuant l’élégance de la composition.
L’œuvre porte la signature gravée « Morelli – Florence » au dos, ainsi qu’un titre. Alfredo Morelli est un sculpteur reconnu pour son travail méticuleux et expressif. Il a étudié à l’Institut d’Art de Florence, un établissement prestigieux où il a perfectionné son art et acquis les compétences nécessaires pour créer des œuvres d’une grande qualité technique et esthétique.
En 1885, alors qu’il est encore étudiant, Morelli participe aux expositions d’Anvers et de Haarlem, où il obtient une mention, soulignant déjà la reconnaissance de son talent par la critique internationale. Cette participation à des événements artistiques de renom témoigne de son engagement dans le monde de l’art et de son désir de se mesurer aux autres artistes de son époque.
En 1898, Morelli prend part au deuxième concours pour la création d’un monument dédié à Rossini à Santa Croce, à Florence. Bien que les détails sur l’issue de ce concours ne soient pas précisés, sa participation démontre son implication continue dans des projets ambitieux et prestigieux. Le concours pour le monument à Rossini aurait été une excellente plateforme pour exhiber son talent et son sens de la monumentalité.
Pour ceux qui souhaitent approfondir leurs connaissances sur Alfredo Morelli et son œuvre, plusieurs références bibliographiques sont disponibles. Parmi elles, le livre de Sissi publié en 1989, les travaux de Capelli et Soldani de 1994, ainsi que l’ouvrage de Panzetta de la même année. Ces textes offrent un éclairage précieux sur la carrière et les œuvres de Morelli, fournissant un contexte historique et artistique essentiel à la compréhension de sa contribution au monde de la sculpture.
Les dimensions de cette sculpture sont également notables : elle mesure 42 cm de hauteur, une taille qui la rend imposante et remarquablement détaillée pour une sculpture de cette nature. Les matériaux utilisés — bronze, marbre rouge et noir, et verre rouge — sont choisis avec soin pour créer une harmonie visuelle et tactile, tout en évoquant des sensations variées. Le contraste entre le bronze et le marbre, ainsi que la vive couleur des yeux en verre, attire et retient l’attention du spectateur, suscitant une réflexion sur les thèmes de la dualité et de l’apparence.
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Alexandre Thomas FRANCIA, huile sur toile à thème marin avec voiliers
400,00 €« Alexandre Thomas » pourrait être le nom d’un artiste français du XIXe siècle, mais sans plus de détails, il est difficile de donner une description précise de son œuvre. Cependant, en supposant qu’il s’agisse d’un peintre du 19e siècle, voici une présentation générale qui pourrait convenir à votre demande :
L’œuvre intitulée « Francia » semble incarner l’esprit de la marine française du XIXe siècle, capturant la majesté des voiliers et la vie animée le long des côtes. Cette huile sur toile offre un paysage maritime vivant, où les voiliers naviguent gracieusement sur les eaux, accompagnés d’une barque ornée de deux figures humaines.
Au cœur de cette composition, les voiliers se dressent fièrement, leurs voiles gonflées par le vent, évoquant un sentiment de liberté et d’aventure propre à l’époque des grandes découvertes maritimes. La lumière joue un rôle crucial dans la mise en valeur de chaque détail, baignant la scène dans une atmosphère chaleureuse et enveloppante. Les nuances de bleu et de vert évoquent la profondeur et la variété des eaux, tandis que les touches de blanc captent la lumière du soleil qui se reflète sur les vagues.
Au premier plan, une barque traditionnelle occupe une place centrale, transportant deux personnages dont les activités restent sujettes à interprétation. Peut-être s’agit-il de pêcheurs rentrant de leur journée en mer ou de navigateurs discutant des prochaines destinations à explorer. Leur présence ajoute une dimension humaine à la scène, invitant le spectateur à s’immerger davantage dans cet univers maritime.
En arrière-plan, des habitations côtières se dessinent, témoignant de la vie quotidienne des communautés riveraines. Ces maisons pittoresques évoquent un sentiment de familiarité et de chaleur, contrastant avec l’immensité de l’océan qui s’étend à perte de vue.
La signature discrète en bas à gauche de la toile atteste de l’authenticité de l’œuvre et de son attribution à Alexandre Thomas Francia, un artiste qui pourrait être associé à la tradition picturale française du XIXe siècle.
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Edouard John E. RAVEL est un artiste né en Suisse en 1847 et mort en 1920, HST scène de taverne
650,00 €Edouard John E. Ravel est un artiste suisse né en 1847 et décédé en 1920, dont l’œuvre évoque souvent des scènes de la vie quotidienne, souvent empreintes de réalisme et d’un soupçon de satire sociale. L’une de ses pièces les plus remarquables est une huile sur toile captivante représentant une scène de taverne, un instantané de la vie nocturne animée de l’époque. Cette œuvre, avec ses deux personnages tenant des verres de vin, l’un assis sur une chaise et l’autre sur un tonneau, capture l’ambiance et l’esprit de l’époque de manière saisissante.
La composition de l’œuvre de Ravel est remarquablement dynamique, avec une disposition des personnages qui crée un contraste visuel intéressant. Le choix de placer un personnage sur une chaise et l’autre sur un tonneau souligne également les différences sociales ou peut-être même symbolise l’idée que l’alcool peut affecter les individus de toutes les couches de la société. Les expressions des personnages, avec leur air bien alcoolisé, ajoutent une touche de réalisme et de comédie à la scène, invitant le spectateur à s’immerger dans l’atmosphère de la taverne.
L’utilisation de la lumière et de l’ombre dans cette œuvre est également remarquable. Ravel parvient à capturer l’éclairage tamisé et chaleureux des tavernes de l’époque, créant ainsi une atmosphère accueillante et intime. Les reflets dorés de la lumière sur les verres et l’encadrement en bois doré ajoutent une touche de luxe à la scène, tout en renforçant le contraste avec la pénombre environnante.
L’encadrement en bois doré, mentionné dans la description de l’œuvre, joue un rôle important dans la présentation de celle-ci. Il encadre la scène de manière élégante, ajoutant une touche de sophistication et mettant en valeur le travail de l’artiste. De plus, il renforce le lien entre l’œuvre et son époque, évoquant le style décoratif caractéristique de la fin du XIXe siècle.
En examinant cette œuvre, on peut également envisager les thèmes plus larges qu’elle aborde. La représentation de la consommation d’alcool et de ses effets peut être interprétée comme une réflexion sur les excès de la société de l’époque, ou même comme une critique subtile des inégalités sociales. De plus, la scène de la taverne peut être vue comme un microcosme de la vie urbaine et de ses interactions sociales, offrant ainsi un aperçu fascinant de la vie quotidienne à cette époque.
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Etagère en plâtre imitant le bois, à décor d’un bouffon du roi jouant de la musique, début XXe
L’étagère ancienne que je m’apprête à vous présenter est bien plus qu’un simple meuble. C’est un témoignage vivant d’une époque révolue, une pièce d’art à part entière qui évoque le charme et l’élégance d’un passé lointain. Imaginez-vous transporté dans les couloirs d’un château médiéval, où les fêtes et les réjouissances étaient monnaie courante, où les bouffons du roi divertissaient la cour avec leur esprit vif et leur talent musical. Cette étagère en plâtre imitant le bois, représentant un bouffon du roi jouant de la musique, est un véritable trésor artistique.
Le plâtre polychrome qui compose cette pièce lui confère une apparence presque vivante. Chaque détail, chaque pli de la tenue du bouffon, chaque note de musique gravée dans les airs semble figé dans le temps, capturant l’énergie et la jovialité de l’époque. Malgré les années qui ont passé, cette étagère est dans un bon état général, préservant ainsi son caractère authentique et sa valeur historique.
Avec ses dimensions modestes, une hauteur de 58 cm et une largeur de 38 cm, cette étagère peut facilement s’intégrer dans n’importe quel espace, qu’il s’agisse d’un salon, d’une bibliothèque ou même d’un bureau. Elle apporte une touche de raffinement et d’originalité à n’importe quelle pièce, tout en suscitant la curiosité et l’admiration de ceux qui la contemplent.
Mais au-delà de son aspect esthétique, cette étagère raconte une histoire. Elle nous rappelle une époque où l’art et la musique étaient au cœur de la vie quotidienne, où les artistes et les bouffons étaient vénérés pour leur capacité à émerveiller et à divertir. En possédant une telle pièce, vous devenez le gardien d’un morceau de passé, un lien tangible avec une époque révolue mais jamais oubliée.
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Très belle petite boîte à musique en laiton et tôle émaillée
Imaginez-vous entrer dans une petite boutique antique, l’odeur douce et familière du bois vieilli et de la poussière flottant dans l’air. Vos yeux se posent sur une magnifique boîte à musique ancienne, éblouissante dans sa simplicité et son élégance. Fabriquée à la fin du XIXe ou au début du XXe siècle dans le style Art Nouveau, elle dégage une aura de charme intemporel.
La boîte à musique est en laiton doré, avec une patine délicate qui témoigne de son âge et de son histoire. Ses dimensions modestes de 9,8 cm de longueur, 8 cm de largeur et 4 cm de hauteur lui confèrent une présence discrète mais néanmoins captivante. Le couvercle bombé ajoute une touche de sophistication à son design déjà remarquable.
Mais ce qui rend cette boîte à musique vraiment spéciale, c’est la miniature en tôle peinte et émaillée qui orne son centre. Une jeune élégante, vue de profil, est représentée avec une finesse exquise. Sa silhouette gracieuse et ses traits délicats sont capturés dans les moindres détails, témoignant du talent et du savoir-faire des artisans qui l’ont créée.
Lorsque vous ouvrez la boîte, le doux tintement de la musique résonne dans l’air, un rappel enchanté d’une époque révolue. La mécanique est en parfait état de fonctionnement, produisant une mélodie enchanteresse qui transporte l’esprit vers des temps plus simples et plus romantiques.
Bien sûr, après tant d’années d’utilisation et d’amour, la boîte à musique porte quelques marques du temps. Des signes d’âge et d’usure, des éraflures et des petites imperfections qui ajoutent à son charme vintage. Ces marques racontent une histoire, une histoire de moments partagés et de souvenirs chéris.
Cette boîte à musique ancienne est bien plus qu’un simple objet décoratif.
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Armoire Normande en chêne joliment sculpté du XIXe siècle
650,00 €L’armoire normande du XIXe siècle incarne une pièce de mobilier emblématique de l’artisanat et du design français de cette époque. Taillée dans le robuste chêne, cette armoire sculptée présente une esthétique remarquable et une qualité de fabrication qui témoignent du savoir-faire traditionnel transmis de génération en génération.
Dès le premier regard, l’œil est captivé par la finesse des détails sculptés qui ornent chaque centimètre de cette pièce. Sur la traverse supérieure, un motif délicat de panier fleuri évoque la nature dans toute sa splendeur. Les artisans qui ont façonné cette armoire ont su capturer la beauté éphémère des fleurs dans un élan de pérennité, conférant ainsi à cette pièce une élégance intemporelle.
Les portes de l’armoire sont encadrées par un entourage sculpté de la monnaie du pape, un motif botanique classique qui ajoute une subtile touche de sophistication à l’ensemble. Ce choix de décor témoigne non seulement du goût esthétique de l’époque, mais aussi de l’attachement à la nature et à ses symboles.
La corniche droite qui couronne l’armoire confère une majesté supplémentaire à l’ensemble, tandis que les pieds en forme de coquilles apportent une note de fantaisie et d’originalité. Ces détails architecturaux soulignent le caractère unique de cette pièce et en font un exemple exceptionnel du style normand du XIXe siècle.
À l’intérieur, des étagères offrent un espace généreux pour ranger et organiser les vêtements, la vaisselle ou tout autre objet précieux.
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Masque de faune en grès émaillé polychrome, hauteur 23 cm
Le Masque de Faune en grès émaillé polychrome, d’une hauteur de 23 cm et d’une largeur de 18,5 cm, incarne une pièce d’art fascinante imprégnée de mystère et de symbolisme. Au-delà de sa simple forme, ce masque révèle une histoire complexe et intrigante à travers chaque trait minutieusement sculpté et chaque nuance de couleur vibrante.
Dès le premier regard, l’observateur est captivé par l’expression saisissante du visage. Les traits du faune, mi-humain mi-animal, sont rendus avec une maîtrise artistique remarquable. Les yeux, profonds et énigmatiques, semblent refléter les secrets de l’âme de cette créature mythique. La bouche entrouverte évoque une émotion intense, peut-être un rire malicieux ou un cri de jubilation. Chaque détail, des narines délicatement ciselées aux sourcils arqués, contribue à donner vie à cette figure mythologique.
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Antoine Louis Barye, bel éléphant en bronze a patine brune et verdâtre, XIXe siècle
L’éléphant de Barye en bronze à patine brune est une œuvre emblématique de l’artiste français Antoine-Louis Barye, un sculpteur du XIXe siècle célèbre pour ses représentations animalières. Cette pièce magnifique, avec ses dimensions imposantes et sa patine caractéristique, incarne à la fois la force majestueuse de l’éléphant et le talent artistique exceptionnel de Barye.
Antoine-Louis Barye, né en 1795, était un sculpteur renommé de son époque, reconnu pour sa capacité à capturer la vitalité et la grâce des animaux dans ses œuvres. L’éléphant de Barye est l’une de ses créations les plus célèbres, réalisée avec un souci méticuleux du détail et une compréhension profonde de l’anatomie de l’éléphant.
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Ours couché en bronze massif a patine brune, signé de Barye
L’ours couché de Barye en bronze à patine brune est une œuvre d’art qui incarne la majesté et la force de la nature capturée dans un matériau durable et noble. Créé par le célèbre sculpteur français Antoine-Louis Barye au 19e siècle, cet ours couché est un exemple éloquent de son talent pour représenter la vie sauvage avec un réalisme saisissant.
Antoine-Louis Barye, né en 1795, était un sculpteur renommé de son époque, reconnu pour son habileté à capturer l’anatomie et le mouvement des animaux dans ses œuvres. Son intérêt pour la zoologie et ses études approfondies des animaux sauvages ont influencé son travail, lui permettant de créer des sculptures qui semblent prendre vie sous ses mains expertes.
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SAXOPHONE ALTO MAURICE BOISTE SÉRIE ARTISTE dans son coffret
400,00 €Le saxophone alto Maurice Boiste de la série Artiste, un instrument de musique de renom, incarne l’essence même de l’art et de l’artisanat. Avec ses caractéristiques remarquables et son héritage de qualité, cet instrument captivant est bien plus qu’un simple outil pour produire des notes mélodieuses ; il représente une fusion harmonieuse entre la tradition et l’innovation.
Le saxophone alto, d’une importance capitale dans le monde de la musique, est apprécié pour sa sonorité riche et sa polyvalence. Le modèle de la série Artiste de Maurice Boiste élève cet instrument à de nouveaux sommets, grâce à une attention méticuleuse aux détails et à une fabrication de haute qualité. Chaque composant, chaque courbe est soigneusement travaillé pour garantir une performance exceptionnelle.
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Saxo Weltklang est la marque « populaire » utilisé par B&S pendant la période RDA.
250,00 €Saxo Weltklang, une marque emblématique de l’époque de la RDA, porte l’héritage d’une période musicale et politique mouvementée. Fabriquée par B&S, cette ligne de saxophones est devenue synonyme de qualité et de fiabilité dans le monde de la musique. Un des modèles les plus remarquables de cette gamme est le saxophone alto Weltklang Solist, qui incarne l’excellence artisanale et sonore de la marque.
L’histoire de Saxo Weltklang est étroitement liée à celle de la République démocratique allemande (RDA), où elle était la marque « populaire » de B&S. Durant cette période, l’Allemagne était divisée en deux États distincts, chacun avec sa propre histoire, culture et économie. Malgré les défis politiques et économiques, les artisans de B&S ont réussi à créer des instruments de musique de haute qualité qui ont su conquérir les cœurs des musiciens, tant en Allemagne qu’à l’étranger.
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étrange sculpture contemporaine sur bois représentant une demi femme, signé BER
La sculpture en bois que vous décrivez incarne l’étrangeté et la mystère dans sa forme et sa conception. Elle ne se contente pas d’être une simple représentation artistique, mais elle évoque des sentiments profonds et des questions sur son origine et sa signification.
À première vue, cette sculpture semble défier les lois de la physique, car elle représente une demi-femme qui semble fusionner avec le mur sur lequel elle est accrochée. Cette intégration harmonieuse avec le mur donne l’impression que la sculpture transcende les limites du monde matériel pour entrer dans un autre royaume, peut-être même l’au-delà. L’absence de tête, de jambes et de pieds crée une sorte de dissonance visuelle qui attire immédiatement l’attention du spectateur et le pousse à réfléchir à la signification de cette forme incomplète.
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Grand plat signé D’Avesn en verre opalescent représentant l’oiseau du Paradis
680,00 €Le plat « Oiseau du Paradis » par D’Avesn est une œuvre d’art verrier emblématique,
imprégnée de l’essence même de l’Art Déco.
Créé par le maître verrier français, Maurice Marinot, dans les années 1920,
ce plat incarne l’élégance et la sophistication de cette période artistique.
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Sculpture en Bronze de Barye représentant le lion et l’antilope
2400,00 €La sculpture de Barye représentant un lion et une antilope est un chef-d’œuvre emblématique de l’art animalier du XIXe siècle.
Créée par Antoine-Louis Barye, un sculpteur français renommé,
cette œuvre incarne la fascination de l’époque pour la représentation naturaliste des animaux et la maîtrise technique de l’artiste.
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Théodore-Joseph-Napoléon Jacques, dit Napoléon Jacques ( 1804-1876) marchand de poissons
La sculpture de Théodore-Joseph-Napoléon Jacques, surnommé Napoléon Jacques, est une pièce remarquable qui incarne à la fois le talent artistique et l’artisanat exceptionnel de ce sculpteur français du XIXe siècle. Né le 12 mai 1804 à Paris et décédé le 28 mars 1876, Napoléon Jacques a laissé un héritage durable dans le domaine de la sculpture, avec des œuvres qui continuent de susciter l’admiration et l’intérêt des amateurs d’art et des collectionneurs.
Cette sculpture en bronze doré représente un marchand de poissons, capturant un instant de la vie quotidienne dans une composition figée dans le temps. La qualité de l’exécution est superbe, témoignant du savoir-faire et de la maîtrise technique de l’artiste. Chaque détail est minutieusement travaillé, depuis les expressions du visage jusqu’aux plis des vêtements, en passant par la texture réaliste des poissons eux-mêmes.
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Magnifique tableau marine signé François Nardi ( 1861-1936 )
Magnifique tableau représentant une vue de Venise.
François Nardi est un artiste contemporain français connu pour ses peintures inspirées de paysages urbains, notamment ses représentations de Venise.
Nardi est né dans une famille d’artistes et a développé son talent dès son plus jeune âge.
Il a étudié les beaux-arts à Paris avant de se lancer dans une carrière artistique prolifique.
Cette huile sur toile est en très bon état
Dimensions : Hauteur 63 cm et Largeur 71 cm
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Porte perruque ou porte chapeau en porcelaine de Chine XXe siècle
Le vase Maotong en porcelaine de Chine, de la famille rose, est une pièce remarquable à bien des égards. Doté d’une élégante forme hexagonale et de charmeur, il est bien plus qu’un simple récipient décoratif. Ses ouvertures polylobées sur les côtés ajoutent une dimension de sophistication à son allure générale.
Ce qui distingue immédiatement ce vase, ce sont ses riches décorations. Les paysages fleuris qui l’ornent captivent instantanément le regard, évoquant des scènes de tranquillité et de beauté naturelle. Mais ce n’est pas tout. Ce vase regorge également d’enfants joyeux, chacun accompagné de pots de fleurs colorés, ajoutant une touche de vie et d’innocence à son esthétique déjà captivante.
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Porte perruque ou porte chapeau en porcelaine de Chine XXe siècle
Le vase Maotong en porcelaine de Chine de la famille rose est bien plus qu’un simple récipient. C’est une pièce d’art qui transcende les frontières du fonctionnel pour devenir une expression vivante de l’esthétique et de la culture chinoise. Avec ses dimensions imposantes et son design hexagonal orné d’ouvertures polylobées sur les côtés, ce vase capture l’imagination dès le premier regard.
La porcelaine de Chine, renommée pour sa finesse et sa beauté, est ici magnifiée dans la tradition de la famille rose. Cette technique de décoration, caractérisée par l’utilisation de couleurs vives et lumineuses, trouve son apogée dans ce vase où les teintes chatoyantes éclatent avec une intensité captivante. Les paysages fleuris qui s’étirent sur sa surface invitent au voyage, tandis que les personnages qui l’animent semblent raconter des histoires anciennes.
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Grand médaillon en bronze représentant Jeanne d’Arc, par Henri CHAPU / Barbedienne
650,00 €Le médaillon représentant Jeanne d’Arc, conçu par le talentueux sculpteur Henri Chapu en collaboration avec le fondeur renommé Ferdinand Barbedienne, incarne une œuvre d’une beauté saisissante et d’une signification profonde. Créé entre les années 1833 et 1891, ce chef-d’œuvre artistique a été façonné dans un bronze massif à la patine délicatement chocolatée, lui conférant une aura de noblesse et de durabilité.
Henri Chapu, artiste français de renom du XIXe siècle, est réputé pour son style néo-classique et sa capacité à capturer la grâce et l’émotion dans ses œuvres. Son partenariat avec Ferdinand Barbedienne, un fondeur de bronze célèbre pour son savoir-faire exceptionnel, a donné naissance à des pièces d’art d’une qualité et d’une élégance incomparables.
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Magnifique lustre à corbeille et pendeloques à Goutte d’eau de couleur
Le lustre corbeille ancien est bien plus qu’un simple luminaire. C’est une pièce de caractère qui allie l’opulence du passé avec l’éclat intemporel de l’élégance. Avec ses 12 points de lumière et ses 6 portes-bougies, il offre une luminosité somptueuse tout en diffusant une ambiance chaleureuse et accueillante dans n’importe quel espace qu’il occupe.
La monture en bronze et laiton confère à ce lustre une solidité et une noblesse indéniables. Ces matériaux précieux ont traversé les époques, témoignant de la qualité artisanale et de la durabilité des pièces d’antan. Ils ajoutent également une touche de raffinement et de sophistication à l’ensemble, rappelant les époques où le luxe était synonyme de magnificence.
Orné de pendeloques ou pampilles à goutte d’eau de couleur, ce lustre ne se contente pas d’éclairer l’espace, il le transforme en un spectacle visuel captivant. Les pendeloques, avec leurs reflets chatoyants, captent la lumière et la diffusent en mille éclats scintillants, créant ainsi une atmosphère enchanteresse et féérique. Chaque goutte d’eau semble suspendue dans l’air, ajoutant une dimension de mystère et de magie à l’ensemble.
Les rubans de perles qui finalisent l’élégance de ce lustre ajoutent une touche de délicatesse et de finesse. Leur disposition soigneusement pensée et leur brillance subtile viennent parfaire l’ensemble, créant un contraste harmonieux avec la robustesse de la monture en bronze et laiton. Ces détails délicats témoignent du souci du détail et du savoir-faire artisanal qui ont présidé à la création de cette pièce d’exception.
En termes de dimensions, ce lustre corbeille ancien affiche des proportions imposantes qui en font un véritable point focal dans n’importe quelle pièce.
Avec une hauteur de 90 cm et un diamètre de 52 cm, il occupe l’espace avec prestance et élégance, sans pour autant l’écraser. Sa présence imposante est équilibrée par sa grâce et sa beauté intemporelle, en faisant une pièce maîtresse dans la décoration d’intérieur.
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Grand vase ancien en biscuit de porcelaine et monture en bronze doré
Le vase fuseau en biscuit de porcelaine que je m’apprête à vous présenter est une pièce d’une élégance saisissante, témoignant du raffinement artistique et de l’artisanat exquis de la fin du XIXe au début du XXe siècle. Avec une hauteur imposante de 51 cm, il occupe majestueusement l’espace, captant instantanément l’attention de quiconque pose les yeux sur lui.
Le décor de ce vase est tout simplement enchanteur. Sur sa surface, une scène en relief attire le regard : une femme, représentée avec une grâce intemporelle, est assise sur un char tiré par des puttis ou angelots. Ces derniers, joufflus et ailés, ajoutent une touche de fantaisie à la composition, évoquant une ambiance à la fois mythologique et céleste. Chaque détail est minutieusement sculpté dans la porcelaine, témoignant du savoir-faire exceptionnel des artisans qui ont donné vie à cette œuvre.
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Nicolas François CHIFFLART ( 1925-1901 ) Huile sur panneau, sous bois et lac
Le tableau que vous décrivez, œuvre de Nicolas François Chifflard, semble capturer la beauté sereine d’un sous-bois en bordure d’un lac animé par la présence gracieuse de voiliers. Cette pièce d’art, réalisée à l’aide de la technique de l’huile sur panneau, évoque un sentiment de tranquillité et d’harmonie avec la nature.
Dès le premier regard, l’observateur est transporté dans un paysage idyllique où les couleurs et les formes se mêlent pour créer une scène envoûtante. Les tons verdoyants du sous-bois contrastent avec les reflets chatoyants du lac, tandis que les voiliers dansent gracieusement sur les eaux calmes, ajoutant une touche de mouvement et de grâce à la composition.
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Magnifique paire de bougeoirs avec personnages et fleurs en porcelaine de Paris XIXe
Les bougeoirs en porcelaine de Paris du XIXe siècle sont une manifestation magnifique de l’artisanat et du design de cette époque. Ces pièces exquises, ornées de décors évoquant le style du XVIIIe siècle, captivent par leur élégance intemporelle et leur raffinement.
Fabriqués en porcelaine de Paris, ces bougeoirs incarnent l’excellence et le savoir-faire des artisans de l’époque. Chaque détail est méticuleusement travaillé, des personnages représentés dans le style du XVIIIe siècle à la signature distinctive de Paris, qui atteste de leur origine et de leur qualité.
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Danny LANE ( Attribué ) belle grande lampe en plaquettes de verres des années 1980
480,00 €Danny Lane, artiste et designer américain, a marqué le paysage du design contemporain avec ses créations uniques, dont une lampe remarquable datant de circa 1980. Cette lampe, mesurant 60 cm de hauteur, est un exemple éblouissant de son travail, composée de plaquettes de verre taillé et montée avec des fils de fer. Bien que cette pièce ne soit pas directement attribuée à Lane, elle reflète parfaitement son esthétique distinctive et son engagement envers l’innovation dans l’utilisation du verre comme matériau.
Né à Londres en 1955, Danny Lane a été initié au travail du verre coloré par Patrick Reyntiens, un artiste renommé dans ce domaine. Inspiré par le visionnaire Cecil Collins et formé aux Beaux-Arts à la Byam Shaw School of Art et à la Central School of Art and Design, Lane a rapidement développé sa propre vision du design, où l’art et l’architecture se fusionnent harmonieusement.
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Grande sculpture ancienne en régule signé Auguste Moreau.
La majesté figée dans le temps, l’élégance immortalisée dans le bronze – voici la Grande Statue de l’Ange Cupidon, une œuvre captivante du célèbre sculpteur Auguste Moreau. Cette pièce exquise, sculptée dans du régule avec une patine brune, incarne la quintessence de la beauté et de la grâce dans l’art sculptural.
Au premier regard, l’Ange Cupidon se révèle comme un jeune homme d’une grande prestance, ses ailes déployées lui conférant une aura de puissance et de liberté. Il tient dans sa main une flèche, prête à être décochée vers les cœurs des amoureux. Cette posture saisissante, figée pour l’éternité, capture l’instant précis où l’amour prend son envol, où les destins se croisent et où les passions s’enflamment.
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Double applique ressort chromée de Andréa Lazzari, pour Marosini, Italie 1960
L’applique « Double Applique Ressort Chromé » conçue par le designer Andrea Lazzari et éditée par Marosini incarne parfaitement l’esthétique et le design des années 60/70. Symbole d’une époque où l’innovation et la créativité étaient au cœur de la conception industrielle, cette pièce allie fonctionnalité et élégance dans un équilibre subtil qui en fait un objet d’admiration intemporel.
Fabriquée en Italie, cette applique témoigne du savoir-faire artisanal et de l’excellence des matériaux qui caractérisent souvent la production italienne. En acier inoxydable et agrémentée de ressorts chromés, elle incarne à la fois la solidité et la finesse, mariant la robustesse des matériaux avec une esthétique raffinée et avant-gardiste.
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Rare série de 5 appliques de Murano Borek Sipek ( 1949-2016 ) Forme de fleurs
950,00 €La série de cinq appliques vintage que je vous présente est véritablement une pièce rare et magnifique, imprégnée d’un charme intemporel. Conçues par le célèbre artiste Borek Sipek à Murano, ces appliques sont bien plus que de simples luminaires. Elles incarnent une fusion élégante entre l’art et la fonctionnalité, capturant l’essence même de l’esthétique vintage tout en conservant une modernité subtile.
Ce qui distingue ces appliques, ce sont leurs formes délicates de fleurs qui évoquent une douce poésie visuelle. Chaque détail, minutieusement travaillé, témoigne du savoir-faire artisanal et de la créativité de leur créateur. Les pétales s’ouvrent avec grâce, capturant la lumière de manière éclatante et diffusant une ambiance chaleureuse et accueillante dans n’importe quel espace.
Fabriquées avec soin, ces appliques sont complètes, avec leur monture en laiton doré qui ajoute une touche de luxe et de raffinement à leur design. Les tulipes en verre de couleurs ajoutent une dimension supplémentaire à leur beauté, offrant une palette de nuances sublimes qui illuminent l’espace environnant d’une lueur enchanteresse.
Bien que ces pièces soient vintage, elles sont en excellent état, témoignant de leur qualité exceptionnelle et de leur durabilité. Bien sûr, comme tout objet ancien, elles portent les traces du temps, mais cela ajoute à leur charme et à leur caractère authentique. Une seule fleur a été légèrement restaurée, avec un pétale recollé de manière experte, imperceptible à l’œil, préservant ainsi l’intégrité et la beauté de l’ensemble.
Les dimensions de ces appliques sont parfaites pour s’adapter à une variété d’espaces. Avec une hauteur de 16,5 cm et un diamètre de patères de 8,5 cm, elles occupent juste assez d’espace pour attirer l’attention sans être imposantes. Les tulipes ont une largeur d’environ 13 à 14 cm, offrant une présence visuelle impressionnante tout en restant délicatement proportionnées.
Il convient de noter que ces appliques seront livrées sans le câblage blanc, qui est disponible au magasin pour brancher les luminaires. Cela permet une installation facile et personnalisée selon les besoins spécifiques de chaque espace, tout en préservant l’intégrité et l’authenticité de ces pièces uniques.
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Cube en résine avec inclusions d’appareils médicaux des années 1970
60,00 €Le cube en résine que je vous présente est bien plus qu’un simple objet décoratif. Il est un véritable témoignage des avancées médicales et technologiques des années 70, capturant l’essence même de cette époque dans un assemblage unique d’appareils médicaux miniatures. Mesurant une hauteur imposante de 9.5 cm et une largeur de 10 cm, ce cube est à la fois une pièce d’exposition et une fenêtre sur le passé.
Dès le premier regard, on est frappé par la diversité des inclusions qui parsèment la résine. Des seringues, des capsules, des ampoules et d’autres appareils médicaux sont figés dans un état intemporel, semblant presque prêts à être utilisés à nouveau. Chaque détail, chaque élément, raconte une histoire propre, évoquant les avancées médicales de cette époque et l’espoir qu’elles ont suscité.
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Muller Frères Lunéville – Tulipes en « pâte de verre » laiteuse à décor nuage.
La beauté éternelle et l’élégance intemporelle d’une pièce d’art décoratif peuvent transcender les époques et les styles. Tel est le cas de cette superbe tulipe de lampe, lustre ou applique, une création à la fois belle et ancienne qui respire le charme et le raffinement. Fabriquée à partir de pâte de verre, elle présente un décor marmoréen qui évoque un éclat délicat et une texture saisissante. Cependant, ce n’est pas seulement son apparence qui impressionne, mais aussi son pedigree artistique. Signée du prestigieux nom « Muller Frères Lunéville », cette pièce incarne l’essence même du savoir-faire artisanal français.
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Muller Frères Lunéville – Tulipes en « pâte de verre » laiteuse à décor nuage.
45,00 €La lampe tulipe antique est bien plus qu’un simple objet d’éclairage ; elle est une pièce d’histoire, de beauté et de savoir-faire artisanal. Créée par les célèbres Muller Frères de Lunéville, cette pièce en pâte de verre à l’éclat marmoréen évoque une époque révolue où l’artisanat était célébré pour sa finesse et son art.
La pâte de verre, technique méticuleuse et exigeante, confère à cette tulipe une texture et une luminosité uniques. Chaque détail, chaque veinure marbrée, semble capturer la lumière de manière éthérée, créant une ambiance chaleureuse et enveloppante dans n’importe quelle pièce où elle est placée. Cette technique, développée par les maîtres verriers de l’époque, donne à la tulipe une élégance intemporelle, lui permettant de traverser les âges sans perdre de sa splendeur.
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Muller Frères Lunéville – Tulipes en « pâte de verre » laiteuse à décor nuage.
45,00 €La tulipe de lampe, lustre ou applique que je vous présente aujourd’hui est véritablement un trésor ancien, un témoignage de l’artisanat et du savoir-faire exceptionnel de l’époque. Fabriquée en pâte de verre, elle arbore un décor marmoréen qui lui confère une élégance intemporelle. Mais ce n’est pas tout, elle porte également la prestigieuse signature « Muller Frères Lunéville », ajoutant ainsi une dimension historique et une valeur supplémentaire à cet objet.
Imaginons là, suspendue à un lustre majestueux, ou illuminant délicatement une table d’appoint. Sa beauté réside dans ses détails subtils, dans la finesse de sa fabrication et dans l’histoire qu’elle porte. Les tulipes de verre, avec leur transparence et leurs motifs délicats, ont toujours eu une place spéciale dans la décoration intérieure, apportant une touche de raffinement et de lumière à n’importe quel espace.
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Vase en verre marmoréen signé Waltersperger, verrerie de Normandie
80,00 €Le vase en verre épais de Normandie est bien plus qu’un simple objet décoratif ; il incarne l’élégance intemporelle et le savoir-faire artisanal raffiné qui caractérisent l’artisanat verrier de la région. Avec ses caractéristiques distinctives, il se présente comme une pièce maîtresse dans tout intérieur, capturant le regard et stimulant l’imagination.
Tout d’abord, son apparence visuelle est saisissante. Le verre épais, symbole de solidité et de durabilité, est un témoignage de l’expertise des artisans verriers de Normandie. La couleur mouchetée marmoréenne rosâtre confère au vase une aura de mystère et de sophistication. C’est une teinte qui évoque à la fois la délicatesse des pétales de rose et la profondeur des pierres précieuses, créant ainsi une esthétique captivante et polyvalente qui s’adapte à différents styles de décoration intérieure.
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Tabouret bidet ancien, début du XIXe siècle, forme de livres
650,00 €Le tabouret bidet ancien, datant du début du XIXe siècle, est une pièce fascinante qui offre un aperçu intrigant de l’artisanat et du design de cette époque. Fabriqué à partir de bois mouluré, de carton et de papier marouflé, cet objet unique incarne à la fois l’esthétique et la fonctionnalité caractéristiques de son temps.
Au premier regard, on est immédiatement frappé par son allure élégante et son décor simulé de livres. Les détails minutieux et la finesse du travail sur le bois mouluré témoignent du savoir-faire artisanal qui a été investi dans sa création. Chaque élément semble avoir été soigneusement pensé et exécuté pour créer une harmonie visuelle remarquable.
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Inna MOSHKOVA, Jeune femme en costume traditionnel russe, aquarelle
450,00 €Inna Moshkova est une artiste russe née en 1975, dont le talent s’exprime à travers des œuvres empreintes de la richesse culturelle et historique de son pays. Parmi ses réalisations, une aquarelle sur papier se distingue particulièrement, tant par sa technique délicate que par la profondeur de son sujet.
Cette aquarelle représente une jeune femme vêtue d’un costume traditionnel russe du XVIIIe siècle, capturant ainsi l’essence même de l’histoire et de la tradition russes. Dans cette œuvre, Moshkova rend hommage à l’esthétique et à l’élégance intemporelles de ce vêtement, mettant en lumière la finesse des détails et la grâce naturelle de son modèle.
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Buste de femme en bois sculpté, époque XVIIIe siècle
650,00 €Au cœur de l’élégance et de la simplicité, trône un magnifique buste du XVIIIe siècle, une ode à la beauté féminine qui semble émerger du passé pour captiver les regards émerveillés du présent. Sculpté dans du bois avec une habileté sans pareille, ce buste incarne l’artisanat exquis et le raffinement artistique de son époque.
D’une hauteur imposante de 41 cm, une largeur de 20 cm et une profondeur de 8.5 cm, cette œuvre saisissante offre une présence remarquable malgré sa modestie de dimensions. Elle révèle une femme, peut-être une paysanne, figée dans le temps, son essence capturée pour l’éternité dans le grain du bois.
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Grande sculpture en bronze « Mignon » d’Eugène Aizelin, 1880
Eugène Antoine Aizelin (1821-1902) était un sculpteur français dont l’œuvre a laissé une marque significative dans le monde de l’art du XIXe siècle. Né à Paris, Aizelin a développé un talent précoce pour la sculpture et a étudié à l’École des Beaux-Arts de Paris, où il a été élève d’Auguste Dumont et de Jules Ramey. Son style a été influencé par le mouvement néo-classique, mais il a également incorporé des éléments du réalisme dans ses œuvres, les dotant d’une certaine vivacité et d’une sensibilité particulière.
L’une de ses grandes sculptures en bronze les plus remarquables est « Mignon », qui représente une paysanne assise se reposant avec sa petite guitare. Cette pièce captivante capture un moment d’intimité et de tranquillité, où la figure féminine semble être plongée dans ses pensées tout en prenant un moment de repos. La posture délicate de la paysanne et la présence de la guitare évoquent un sentiment de grâce et de douceur.
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Sculpture française en bronze d’Eugène Aizelin représentant Psyché par la fonderie F. Barbedienne
Eugène Aizelin, un sculpteur français né en 1821 et décédé en 1902, demeure une figure emblématique de l’art sculptural du XIXe siècle. Son œuvre témoigne d’une maîtrise exceptionnelle de la forme, de la composition et de l’expression, faisant de lui l’un des artistes les plus remarquables de son époque.
La sculpture antique en bronze « Psyché », réalisée par Aizelin, incarne à elle seule l’excellence de son talent. Réalisée en 1863, cette pièce magnifique capture l’essence même de la mythologie grecque à travers la figure mythique de Psyché, une jeune femme d’une beauté incomparable.
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Joli vase en verre multicouche dégagé a l’acide, signé DAUM Nancy, vers 1900
Le vase que nous avons sous les yeux incarne l’essence même de l’artisanat de la verrerie de la fin du XIXe siècle. D’une élégance intemporelle, il invite à un voyage dans l’univers délicat et raffiné de la production Daum Nancy, une maison qui a su marquer son époque par son savoir-faire incomparable.
De petit format, ce vase ne se contente pas d’être un simple objet utilitaire, mais il devient une véritable œuvre d’art. Sa taille réduite lui confère une certaine intimité, une proximité presque tactile qui invite à l’admiration minutieuse de ses détails. Pourtant, malgré sa modestie en taille, il se distingue par son caractère exceptionnel, véritable joyau de l’artisanat verrier.
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François-Désiré Froment-Meurice, joli coupe papier en argent, Art nouveau
François-Désiré Froment-Meurice était un maître orfèvre français du XIXe siècle, dont le nom est intimement lié à l’Art nouveau et à la création de magnifiques pièces en argent, telles que le joli coupe-papier que vous décrivez. Né à Paris en 1837, Froment-Meurice était le fils de l’orfèvre François-Desire Froment, et il a hérité de son père un talent inné pour la création d’œuvres d’art exceptionnelles.
Le coupe-papier en argent que vous mentionnez incarne parfaitement le style de Froment-Meurice et l’esthétique de l’Art nouveau. Mesurant 20,5 cm de longueur, cette pièce remarquable capture l’essence même de cette période artistique avec son motif délicat représentant une grenouille reposant sur un nénuphar. L’Art nouveau, caractérisé par ses lignes organiques et ses motifs inspirés par la nature, trouve une expression éclatante dans ce coupe-papier où la grenouille semble figée dans un mouvement gracieux, et le nénuphar est dépeint avec une attention méticuleuse aux détails.
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Tableau religieux en bois sculpté et polychrome du XVIIIe siècle
Ce magnifique tableau ancien en bois sculpté et polychrome religieux est véritablement une pièce d’art remarquable. Avec ses représentations détaillées de saints et de la Vierge Marie, il offre une fenêtre fascinante sur l’artisanat et la dévotion du XVIIIe siècle.
L’attention portée aux détails est frappante, chaque figure sculptée avec une précision minutieuse, témoignant du talent et de la passion de l’artiste qui l’a créé. Les saints semblent presque prendre vie sous nos yeux, chacun racontant une histoire ou symbolisant une vertu particulière, tandis que la Vierge Marie trône au centre, une aura de grâce et de majesté émanant de sa représentation.
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Tourisme au bord du lac. Tapisserie sur soie, daté 1905
150,00 €La tapisserie sur soie lyonnaise représentant le tourisme au bord du lac, datée de 1905, est une pièce remarquable qui capture l’essence même d’une époque révolue. Avec des dimensions imposantes de 33 cm de hauteur sur 43 cm de largeur, elle offre une scène riche en détails et en émotions, mettant en vedette un couple élégant accompagné de leur chauffeur, se déplaçant dans une voiture à carrosserie tonneau. Cette œuvre d’art tissée à la main dans l’atelier lyonnais reflète à la fois la maîtrise technique des artisans de l’époque et l’esthétique luxueuse qui caractérisait le début du 20e siècle.
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Magnifique buffet deux corps normand de mariage, Fécampoise, dit d’armateur !
L’armoire de mariage de Fécamp, en Normandie, est bien plus qu’un simple meuble en chêne sculpté. C’est une pièce d’histoire, de prestige et de splendeur qui incarne toute l’élégance et le raffinement de son époque. Construite avec du chêne blond, elle se distingue par sa magnificence et ses détails exquis, dont les trois roses sculptées qui lui confèrent une aura particulière.
Dès le premier regard, cette armoire transporte ses spectateurs dans un monde de luxe et de sophistication. Chaque courbe, chaque motif sculpté révèle l’habileté et le savoir-faire des artisans qui l’ont façonnée. Mais c’est surtout la symbolique des trois roses qui intrigue et fascine. Ces fleurs, bien plus que de simples ornements, étaient le signe distinctif de la bourgeoisie importante à laquelle appartenait son propriétaire. Elles représentent la prospérité, le statut social et le goût pour le raffinement qui caractérisaient l’époque
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Grand vase en verre multicouche et dégagé à l’acide, signé Gallé en camée
Le vase que vous décrivez semble être une pièce vraiment remarquable, à la fois en termes d’esthétique et d’histoire. Datant de l’époque Art Nouveau vers 1900, il incarne l’élégance et l’innovation artistique de cette période fascinante de l’histoire de l’art.
L’utilisation du verre multicouche et de la technique de gravure à l’acide témoigne du savoir-faire artisanal exceptionnel de l’époque. Ces méthodes permettaient aux artisans de créer des œuvres d’une beauté et d’une complexité remarquables. Le fait que le vase soit décoré d’un paysage lacustre, avec un dégradé de couleurs orange, marron, vert jaune et une belle transparence, évoque immédiatement une atmosphère de nature paisible et harmonieuse. Ces couleurs chaudes et nuancées semblent inviter à la contemplation et à la méditation, transportant le spectateur dans un monde de tranquillité et de sérénité.
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Gravure couleur d’après DALI, Erotic Lily, signé et numéroté
La gravure intitulée « Erotic Lily » sur papier de style japonais, en couleur, d’après l’œuvre de Salvador Dalí, offre une fusion captivante de l’érotisme et de la floraison artistique. Dalí, connu pour son exploration audacieuse de l’inconscient et son penchant pour le surréalisme, a créé une œuvre qui transcende les limites de la réalité et de l’imagination. Cette gravure, signée et numérotée à la main, incarne l’essence même de son génie artistique.
L’utilisation du papier japonais ajoute une dimension supplémentaire à cette pièce, évoquant la délicatesse et la finesse de la culture japonaise tout en offrant un support de qualité pour la reproduction de l’œuvre de Dalí. Les couleurs vives et riches utilisées dans la gravure captent l’attention et invitent le spectateur à plonger dans un monde où les frontières entre le réel et le fantastique s’effacent.
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Gravure couleur d’après DALI, Cactus, les béquilles, signé et numéroté
La proposition est une description détaillée d’une gravure sur papier de style japonais, en couleur, inspirée par l’œuvre de Salvador Dalí. La pièce est signée et numérotée à la main, ce qui lui confère une certaine authenticité et valeur. Elle représente un cactus avec ses béquilles, une image qui évoque peut-être la symbolique de la force et de la résilience.
L’élément de numérotation (24/350) suggère qu’il s’agit d’une édition limitée, ce qui peut être attrayant pour les collectionneurs d’art. Le fait que la gravure soit en couleur ajoute de la richesse visuelle à l’œuvre, capturant probablement l’imagerie distinctive et surréaliste souvent associée au travail de Dalí.
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Gravure couleur d’après DALI, Erotic Lily, signé et numéroté
La gravure intitulée « Erotic Lily » d’après Salvador Dalí est une pièce remarquable à bien des égards. Créée dans un style qui reflète l’influence de l’art japonais, elle offre une fusion unique entre l’esthétique surréaliste emblématique de Dalí et les techniques artistiques traditionnelles de l’Extrême-Orient. La combinaison de ces deux influences crée une œuvre captivante qui attire l’œil et captive l’imagination.
L’utilisation de la couleur dans cette gravure est particulièrement frappante. Dalí était un maître de la palette, et cela se reflète dans chaque nuance et teinte utilisée dans « Erotic Lily ». Les couleurs vives et vibrantes attirent instantanément l’attention du spectateur, les transportant dans un monde où la réalité et le rêve se confondent. Chaque élément de la composition semble être soigneusement choisi pour susciter une réponse émotionnelle chez celui qui regarde, renforçant ainsi l’impact global de l’œuvre.
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Gravure couleur d’après DALI, roses et tiroirs, signé et numéroté
La proposition d’une belle gravure sur papier de style japonais, en couleur et inspirée par l’art de Dali, est véritablement captivante. Imaginez-vous contempler cette œuvre, ses couleurs vibrantes et son esthétique exquise, le tout signé et numéroté à la main, ce qui ajoute une touche d’authenticité et de valeur à cette pièce artistique unique.
La représentation de « Narcisse Telephonans inondis » offre un aperçu fascinant de l’imagination débordante de Dali. À travers cette gravure, on peut s’attendre à découvrir un mélange intrigant de symbolisme, de surréalisme et de détails minutieux qui caractérisent le style distinctif de l’artiste. Peut-être que dans cette interprétation, les éléments surréalistes de Dali se combinent avec des éléments japonais pour créer une fusion artistique des cultures et des idées.
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Gravure couleur d’après DALI, Cactus, les béquilles, signé et numéroté
La gravure que vous décrivez semble capturer l’esthétique saisissante de l’art de Salvador Dalí d’une manière véritablement remarquable. Avec une telle précision et un tel détail, elle transporte le spectateur dans l’univers unique de ce maître du surréalisme.
Dès le premier regard, l’œuvre semble être une fusion de cultures artistiques, avec son support en papier rappelant le style japonais, offrant ainsi une toile parfaite pour la vision excentrique de Dalí. Les couleurs vives et vibrantes, caractéristiques de son style distinctif, éclatent sur la page, capturant l’imagination et invitant à une exploration plus approfondie.
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Gravure couleur d’après DALI, fleur et montre, signé et numéroté
La description que je vous fournis est celle d’une pièce artistique remarquable. Une gravure sur papier de style japonais, colorée, d’après Salvador Dalí, signée et numérotée à la main. La combinaison de ces éléments évoque une œuvre d’une grande valeur artistique et historique.
Lorsque l’on évoque Salvador Dalí, l’imaginaire se tourne instantanément vers un monde surréaliste, où la réalité et le rêve se confondent dans un tourbillon de couleurs et de formes étranges. Dalí, célèbre pour ses peintures, ses sculptures et ses écrits, a marqué le monde de l’art du XXe siècle par son génie créatif et son approche unique de l’expression artistique.
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Gravure couleur d’après DALI, fleur et pécheur, signé et numéroté
La proposition que vous fait concerne une belle gravure sur papier de style japonais, en couleur, basée sur une œuvre de Salvador Dalí. La pièce est signée et numérotée à la main, et représente une fleur et un pécheur. La gravure est une édition limitée, numérotée 200 sur 350.
Salvador Dalí, un des artistes les plus emblématiques du mouvement surréaliste, est célèbre pour ses œuvres aux images oniriques et aux perspectives déformées. Ses peintures souvent fantastiques et énigmatiques offrent un terrain fertile pour l’interprétation et la réflexion.