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Ours blanc de Pierre Chenet, épreuve en bronze patinée vert, XXe
Cette épreuve en bronze à patine brun vert nuancé représente un ours blanc en balade, une création emblématique de l’artiste sculpteur Pierre Chenet. La pièce, une fonte d’édition, porte la signature de l’auteur et a été réalisée par lui-même dans sa fonderie d’art située à Apt. Pierre Chenet est un artiste reconnu pour ses œuvres animalières, et cette sculpture est une parfaite illustration de son talent et de son expertise dans ce domaine.
Pierre Chenet, né au XXe siècle, est un sculpteur français de renommée internationale. Il possède une fonderie d’art à Apt, où il réalise lui-même ses sculptures. Chenet est particulièrement connu pour ses représentations animalières. Ses œuvres captent l’essence des animaux avec une précision et une sensibilité qui témoignent de sa profonde compréhension de la nature. L’ours blanc en bronze est l’une de ses nombreuses créations qui illustre parfaitement cette maîtrise.
L’œuvre est réalisée en bronze, un matériau noble et durable qui permet une grande finesse de détails. Pierre Chenet excelle dans l’art de la patine, un procédé complexe qui consiste à appliquer une couche superficielle sur le bronze pour lui donner une couleur et une texture particulières. La patine brun vert nuancé de cette sculpture donne à l’ours une apparence à la fois réaliste et intemporelle, ajoutant une profondeur et une richesse visuelle à l’œuvre.
Bien que les éditions en bronze soient nombreuses, chaque pièce réalisée par Pierre Chenet est unique grâce à sa patine particulière. Chenet applique une patine différente à chaque sculpture, ce qui confère à chacune d’entre elles un caractère distinct. Cette approche assure que, même dans une série d’œuvres similaires, chaque sculpture est une pièce unique en son genre. Pour cette épreuve d’ours blanc, la patine brun vert nuancé accentue les lignes et les textures de la sculpture, mettant en valeur les détails et les expressions de l’animal.
L’œuvre mesure 34,5 cm de largeur et 17 cm de hauteur, des dimensions qui permettent d’apprécier pleinement le travail minutieux de l’artiste. Elle est en bon état général, un témoignage de la qualité du bronze utilisé et du savoir-faire de Pierre Chenet en matière de conservation des sculptures.
Cette sculpture a été réalisée au cours du XXe siècle, une période durant laquelle Pierre Chenet a perfectionné son art et s’est établi comme un maître dans le domaine de la sculpture animalière. Les œuvres de cette époque sont particulièrement prisées par les collectionneurs et les amateurs d’art en raison de leur qualité et de leur originalité.
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Taureau en pleine action, épreuve en bronze massif à patine vert nuancée
750,00 €L’œuvre que nous vous présentons est une épreuve en bronze à patine brun vert nuancé, représentant un taureau en pleine action, prêt à charger. Cette sculpture dynamique et pleine de vie est l’œuvre de Pierre Chenet, un sculpteur renommé qui possède toujours sa propre fonderie d’art à Apt, en France.
Pierre Chenet est particulièrement connu pour ses œuvres animalières, qu’il réalise avec une grande maîtrise technique et artistique. Son expertise dans l’art de la patine est indéniable, et chaque pièce en bronze qu’il crée bénéficie d’une patine unique qui confère à chacune un caractère particulier et inimitable. Bien que les éditions en bronze soient nombreuses, cette capacité à offrir à chaque sculpture une finition singulière fait toute la différence dans son travail.
Cette épreuve-ci est signée et réalisée par l’auteur lui-même, attestant de l’authenticité et de la qualité de l’œuvre. La patine brun vert nuancé de ce taureau en charge accentue les détails et les lignes de la sculpture, mettant en valeur la puissance et la détermination de l’animal. Le taureau est représenté dans un moment de grande intensité, prêt à bondir, les muscles tendus et l’expression féroce. Cette représentation réaliste et énergique témoigne du talent de Chenet pour capturer l’essence et l’esprit des animaux dans ses sculptures.
L’œuvre date du XXe siècle et est en bon état général, ce qui témoigne de la qualité de la fonte et de la durabilité des matériaux utilisés. Les dimensions de la sculpture sont de 41 cm de largeur et de 28 cm de hauteur, ce qui en fait une pièce imposante mais équilibrée, capable d’attirer le regard et d’animer l’espace dans lequel elle est exposée.
La fonderie de Pierre Chenet, toujours en activité à Apt, est un lieu où l’art et la technique se rencontrent pour donner naissance à des œuvres d’exception. En tant qu’artiste, Chenet met un point d’honneur à superviser et à participer directement à la création de ses pièces, de la conception à la réalisation finale. Cela garantit non seulement la qualité de chaque œuvre, mais également sa singularité.
Cette sculpture de taureau en pleine action est donc une pièce remarquable pour plusieurs raisons. Elle illustre le talent de Pierre Chenet pour capturer la vitalité et la force des animaux, sa maîtrise de la patine qui rend chaque pièce unique, et son engagement personnel dans chaque étape du processus de création.
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Bronze à patine brun vert nuancé, buste d’un homme dénudé et musclé
L’épreuve en bronze à patine brun vert nuancé représente le buste d’un homme dénudé et musclé. Cette sculpture captivante est une fonte d’édition, signée et réalisée par Pierre Chenet, un artiste renommé. Chenet possède une fonderie d’art à Apt, où il se consacre principalement à la création d’œuvres animalières. Cependant, cette pièce montre sa capacité à capturer la beauté et la force du corps humain avec une grande précision et sensibilité.
Pierre Chenet est un maître dans l’art de la patine, et bien que ses éditions en bronze soient nombreuses, il confère à chaque pièce une patine particulière, rendant chacune unique. La patine brun vert nuancé de cette sculpture apporte une profondeur et une richesse de ton qui accentuent les détails de la musculature et les contours du visage. La technique de patine utilisée par Chenet donne à cette œuvre une apparence vivante et dynamique, reflétant la lumière de manière subtile et élégante.
Cette sculpture date du XXe siècle et est en bon état général, ce qui témoigne de la qualité et de la durabilité du travail de Chenet. Le buste a des dimensions imposantes avec une largeur de 17 cm, une hauteur de 48 cm et une profondeur de 15 cm. Ces dimensions, associées à la qualité de la patine et à la précision des détails, lui confèrent une présence majestueuse et impressionnante. La musculature est finement travaillée, chaque courbe et chaque saillie sont rendues avec un réalisme saisissant. L’expression du visage est également remarquablement détaillée, capturant une intensité et une sérénité qui ajoutent à l’impact visuel de la pièce.
Pierre Chenet, bien que principalement connu pour ses sculptures animalières, démontre à travers ce buste son talent polyvalent. Il est capable de capturer non seulement l’essence des animaux, mais aussi la beauté et la force du corps humain. Cette œuvre est un excellent exemple de sa capacité à transposer son expertise en sculpture animalière à la représentation humaine, en maintenant un niveau de détail et de réalisme exceptionnel.
La patine brun vert nuancé choisie par Chenet pour cette sculpture est particulièrement réussie. Elle apporte une richesse de couleur qui met en valeur les détails de la sculpture tout en ajoutant une dimension de profondeur et de texture.
La patine est appliquée avec une grande maîtrise, créant des variations subtiles de couleur et de ton qui rendent chaque pièce unique. Cela témoigne du savoir-faire artisanal de Chenet et de son engagement à créer des œuvres d’art uniques et de haute qualité.
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Alexandre Falguière (1831-1900) sculpture en bronze de Diane, déesse Romaine
Alexandre Falguière : Un Maître de la Sculpture Française
Alexandre Falguière, né Jean Alexandre Joseph Falguière le 7 septembre 1831 à Toulouse et décédé le 20 avril 1900 à Paris, est une figure emblématique de la sculpture française du XIXe siècle. Il a marqué son époque par son talent exceptionnel, son inventivité artistique et son influence durable sur les générations suivantes de sculpteurs.
Jeunesse et Formation
Falguière a grandi dans une famille modeste. Très tôt, il montre un intérêt marqué pour les arts. Son talent est rapidement remarqué, et il reçoit une bourse pour étudier à l’École des Beaux-Arts de Toulouse, où il se forme sous la direction de sculpteurs locaux. À 18 ans, il part pour Paris pour poursuivre sa formation à l’École des Beaux-Arts de Paris, une institution prestigieuse qui forme les plus grands artistes de l’époque.
En 1859, Falguière remporte le grand prix de Rome de sculpture pour son bas-relief « Méphistophélès apparaissant à Faust dans son cabinet ». Ce prix lui permet de séjourner à la Villa Médicis à Rome, où il s’imprègne de l’art classique et de la Renaissance italienne, influençant durablement son style. À son retour en France, il commence à exposer régulièrement au Salon, où ses œuvres attirent l’attention du public et des critiques.
En 1864, il réalise « Le Vainqueur au combat de coqs », une sculpture en bronze qui remporte un immense succès et le propulse au premier plan de la scène artistique. Cette œuvre, caractérisée par son dynamisme et sa précision anatomique, révèle son talent pour capter le mouvement et l’émotion.
Œuvres Majeures
Parmi ses œuvres les plus célèbres figure « Diane Chasseresse » (1882), une sculpture en bronze patiné représentant la déesse de la chasse, Diane, en buste. Cette œuvre, signée et portant le cachet du fondeur «Thiébaut Frères fondeurs Paris», est remarquable par sa finesse et son élégance. Falguière excelle dans l’art de rendre la beauté et la grâce féminine tout en respectant les canons classiques de la sculpture.
Enseignement et Influence
Au-delà de sa carrière de sculpteur, Falguière a joué un rôle crucial en tant qu’enseignant. En 1882, il devient professeur à l’École des Beaux-Arts de Paris, où il forme de nombreux élèves qui deviendront à leur tour des sculpteurs renommés. Son enseignement, basé sur une solide compréhension de l’anatomie et du mouvement, a influencé une génération entière d’artistes.
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Buste bronze de Eugène Rousseau représentant une élégante
650,00 €Cette belle statue en bronze représente un buste de femme élégante, signée par l’artiste Eugène Rousseau. Elle mesure 44 cm de hauteur et date du 19e siècle. La sculpture est notable pour sa patine brune, qui présente des reflets de brillance, ajoutant une profondeur et une richesse à la pièce.
Description de l’œuvre
Le buste montre une femme gracieuse et raffinée, caractéristique de l’époque romantique. Les détails minutieux de la coiffure et des vêtements révèlent une grande maîtrise technique. Les cheveux de la femme sont coiffés de manière complexe, avec des mèches élaborées qui encadrent son visage. Son expression sereine et ses yeux fermés ajoutent une sensation de calme et de contemplation à l’œuvre.
Signature et authenticité
La signature d’Eugène Rousseau est présente sur la statue, attestant de son authenticité. Rousseau, connu pour ses œuvres en bronze, était un artiste respecté au 19e siècle. Sa capacité à capturer l’essence et la beauté de ses sujets est bien illustrée dans cette sculpture.
Patine et esthétique
La patine brune de cette sculpture est particulièrement remarquable. Au fil du temps, la patine s’est développée, donnant à la pièce une brillance subtile qui accentue les détails sculpturaux. Cette patine est un signe de la qualité et de l’âge de la pièce, ajoutant à sa valeur historique et artistique.
Contexte historique
Le 19e siècle était une période de grande innovation et de changement dans l’art, avec l’émergence de styles tels que le romantisme et le réalisme. Les artistes de cette époque, comme Rousseau, étaient influencés par les idéaux de la beauté classique et la recherche de la perfection formelle. Les bustes, en particulier, étaient populaires car ils permettaient de capturer l’essence et le caractère des individus de manière intime et personnelle.
Importance de l’œuvre
Cette statue est non seulement un exemple de l’habileté technique de Rousseau, mais aussi un reflet des valeurs esthétiques de son époque. Le buste de femme qu’il a créé représente une combinaison de grâce, de beauté et de tranquillité, caractéristiques prisées dans l’art du 19e siècle. La finesse des détails et la qualité de la patine font de cette pièce un ajout précieux à toute collection d’art ou musée.
En somme, ce buste en bronze signé Eugène Rousseau est une œuvre d’art magnifique et raffinée. La qualité de la patine, la précision des détails et l’élégance générale de la sculpture en font un exemple remarquable de l’art du 19e siècle.
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Glaneuse, importante sculpture en bronze de Henri Godet
850,00 €Henri Godet (1853-1937) est un sculpteur français de renom, élève de Mathurin Moreau, un autre sculpteur célèbre de la même époque. Godet a commencé à exposer ses œuvres au prestigieux Salon des Artistes Français à partir de 1883, où il a progressivement gagné en notoriété grâce à son talent et à son style distinctif. Sa maîtrise du bronze et sa capacité à capturer des scènes de la vie quotidienne avec une précision et une sensibilité exceptionnelles sont particulièrement remarquables.
L’une de ses œuvres notables est une sculpture en bronze représentant une glaneuse. Cette sculpture, de taille importante (58 cm), incarne la représentation réaliste et émotive de la vie rurale à la fin du XIXe siècle et au début du XXe siècle. La glaneuse, une figure symbolique de l’époque, représente les femmes qui, après la moisson, ramassaient les épis de blé oubliés pour subvenir aux besoins de leur famille. Cette scène humble et quotidienne est élevée à une forme d’art noble par Godet.
Le bronze est un matériau de prédilection pour les sculpteurs de cette époque en raison de sa durabilité et de sa capacité à rendre des détails fins. La sculpture de Godet ne fait pas exception. Elle est marquée par une patine brun foncé, une technique qui non seulement protège le métal mais ajoute également une profondeur visuelle à l’œuvre. La patine brun foncé confère à la sculpture une certaine gravité et une qualité intemporelle, renforçant ainsi l’impact visuel de la scène représentée.
Sur cette sculpture, on trouve le cachet de la pastille ‘Bronze Garanti’, ce qui atteste de l’authenticité et de la qualité de l’œuvre. Ce cachet, bien que légèrement visible, est un signe de la vérification et de l’assurance de la qualité dans le processus de fonderie. De plus, la sculpture est numérotée, ce qui indique qu’il s’agit probablement d’une édition limitée, augmentant ainsi sa valeur pour les collectionneurs.
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Porteur d’eau Tunisien par Jean Didier Debut (1824-1893)
900,00 €Porteur d’eau Tunisien par Jean Didier Debut (1824-1893) est une sculpture orientaliste en bronze qui illustre parfaitement le goût du XIXe siècle pour l’exotisme et l’art détaillé. Cette œuvre mesure 32 cm sans son socle en marbre, qui ajoute 4 cm de hauteur et mesure 15 cm de largeur, offrant ainsi une stabilité optimale et un équilibre visuel harmonieux.
Jean Didier Debut, sculpteur français renommé, a su capturer l’essence de la vie quotidienne en Tunisie à travers cette représentation du porteur d’eau. Cette figure emblématique transporte des récipients d’eau, une scène courante dans les rues animées de la Tunisie de l’époque. Le porteur d’eau est vêtu de manière traditionnelle, ses vêtements finement sculptés révélant une attention méticuleuse aux détails et aux textures. Cette minutie permet de percevoir les plis du tissu, la musculature du porteur et même les expressions subtiles de son visage, ajoutant une dimension de réalisme et d’authenticité à l’œuvre.
Le bronze, matériau de choix pour Debut, permet une restitution fidèle des détails les plus fins et offre une durabilité qui traverse les âges. Le socle en marbre, non seulement améliore la présentation de la sculpture, mais apporte également une touche de sophistication et de noblesse. Le contraste entre la texture lisse et froide du marbre et la chaleur patinée du bronze crée un effet visuel saisissant, rehaussant la beauté de l’œuvre.
L’œuvre de Debut s’inscrit dans le mouvement orientaliste, qui a connu une grande popularité au XIXe siècle en Europe. Ce mouvement artistique et littéraire se caractérisait par une fascination pour les cultures et les paysages de l’Orient, souvent idéalisés et romancés. Les artistes orientalistes, tels que Debut, cherchaient à capturer et à transmettre l’exotisme et le mystère de ces contrées lointaines à travers leurs créations. La sculpture Porteur d’eau Tunisien témoigne de cet engouement pour l’Orient, offrant une vision à la fois poétique et réaliste de la vie en Afrique du Nord.
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Lampe à décor de personnages à l’antique en marbre et bronze XIXe
1350,00 €La lampe ancienne du XIXe siècle est une pièce d’exception alliant art et fonctionnalité, caractéristique du style raffiné de cette époque. Elle présente un décor sophistiqué mettant en scène deux personnages antiques, chacun tenant dans leurs mains des urnes magnifiquement décorées. Le dessus des urnes est orné d’émaux cloisonnés, technique artisanale consistant à séparer les différentes zones de couleur par des cloisons en métal, offrant un rendu visuel particulièrement riche et coloré.
Les personnages, réalisés en bronze à patine brune, témoignent du savoir-faire des artisans de l’époque. La patine brune, obtenue par l’application de divers produits chimiques sur le bronze chauffé, confère aux personnages une profondeur et une texture qui accentuent les détails de leur réalisation. Ces figures, habilement sculptées, évoquent la grandeur de l’Antiquité, période souvent revisitée par les artistes du XIXe siècle.
Le socle de la lampe est en marbre portor vert, un matériau précieux reconnu pour sa beauté et sa durabilité. Le marbre portor, avec ses veines dorées sur fond vert profond, apporte une touche de luxe et d’élégance. Ce socle massif, d’une épaisseur de 4,2 cm, assure une stabilité parfaite à la lampe tout en rehaussant son aspect esthétique. Les veines dorées du marbre créent un contraste subtil mais élégant avec les figures en bronze, unissant harmonieusement les différents éléments de la lampe.
La tulipe cache ampoule, en verre de couleur marmoréen, est signée Muller Frères à Lunéville, réputés pour leur maîtrise de l’art verrier. Ce choix de matériau et de fabricant ajoute une dimension supplémentaire de sophistication. Le verre marmoréen, avec ses nuances délicates et son effet de marbrure, diffuse une lumière douce et chaleureuse, créant une ambiance agréable et intimiste. La signature Muller Frères garantit l’authenticité et la qualité de cette pièce, associée aux créations de verrerie de haute gamme.
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Sculpture « Mephistopheles » par Alfredo Morelli en marbre et bronze
7500,00 €Sculpture : Tête d’homme ou le Diable par Alfredo Morelli
La sculpture en question est une œuvre intrigante et complexe réalisée par l’artiste Alfredo Morelli, actif à Florence au XIXe siècle. Elle représente une tête d’homme ou peut-être le visage du diable, une dualité qui invite à la réflexion sur la nature humaine et le mal. L’œuvre est composée de plusieurs matériaux : le visage est en bronze, le capuchon en marbre rouge, et les yeux sont en verre de couleur rouge, ajoutant une dimension inquiétante et mystique à la pièce. La sculpture repose sur un socle en marbre noir chiné, de forme trapézoïdale, qui confère à l’ensemble une stabilité visuelle et physique tout en accentuant l’élégance de la composition.
L’œuvre porte la signature gravée « Morelli – Florence » au dos, ainsi qu’un titre. Alfredo Morelli est un sculpteur reconnu pour son travail méticuleux et expressif. Il a étudié à l’Institut d’Art de Florence, un établissement prestigieux où il a perfectionné son art et acquis les compétences nécessaires pour créer des œuvres d’une grande qualité technique et esthétique.
En 1885, alors qu’il est encore étudiant, Morelli participe aux expositions d’Anvers et de Haarlem, où il obtient une mention, soulignant déjà la reconnaissance de son talent par la critique internationale. Cette participation à des événements artistiques de renom témoigne de son engagement dans le monde de l’art et de son désir de se mesurer aux autres artistes de son époque.
En 1898, Morelli prend part au deuxième concours pour la création d’un monument dédié à Rossini à Santa Croce, à Florence. Bien que les détails sur l’issue de ce concours ne soient pas précisés, sa participation démontre son implication continue dans des projets ambitieux et prestigieux. Le concours pour le monument à Rossini aurait été une excellente plateforme pour exhiber son talent et son sens de la monumentalité.
Pour ceux qui souhaitent approfondir leurs connaissances sur Alfredo Morelli et son œuvre, plusieurs références bibliographiques sont disponibles. Parmi elles, le livre de Sissi publié en 1989, les travaux de Capelli et Soldani de 1994, ainsi que l’ouvrage de Panzetta de la même année. Ces textes offrent un éclairage précieux sur la carrière et les œuvres de Morelli, fournissant un contexte historique et artistique essentiel à la compréhension de sa contribution au monde de la sculpture.
Les dimensions de cette sculpture sont également notables : elle mesure 42 cm de hauteur, une taille qui la rend imposante et remarquablement détaillée pour une sculpture de cette nature. Les matériaux utilisés — bronze, marbre rouge et noir, et verre rouge — sont choisis avec soin pour créer une harmonie visuelle et tactile, tout en évoquant des sensations variées. Le contraste entre le bronze et le marbre, ainsi que la vive couleur des yeux en verre, attire et retient l’attention du spectateur, suscitant une réflexion sur les thèmes de la dualité et de l’apparence.
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Antoine Louis Barye, bel éléphant en bronze a patine brune et verdâtre, XIXe siècle
L’éléphant de Barye en bronze à patine brune est une œuvre emblématique de l’artiste français Antoine-Louis Barye, un sculpteur du XIXe siècle célèbre pour ses représentations animalières. Cette pièce magnifique, avec ses dimensions imposantes et sa patine caractéristique, incarne à la fois la force majestueuse de l’éléphant et le talent artistique exceptionnel de Barye.
Antoine-Louis Barye, né en 1795, était un sculpteur renommé de son époque, reconnu pour sa capacité à capturer la vitalité et la grâce des animaux dans ses œuvres. L’éléphant de Barye est l’une de ses créations les plus célèbres, réalisée avec un souci méticuleux du détail et une compréhension profonde de l’anatomie de l’éléphant.
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Ours couché en bronze massif a patine brune, signé de Barye
L’ours couché de Barye en bronze à patine brune est une œuvre d’art qui incarne la majesté et la force de la nature capturée dans un matériau durable et noble. Créé par le célèbre sculpteur français Antoine-Louis Barye au 19e siècle, cet ours couché est un exemple éloquent de son talent pour représenter la vie sauvage avec un réalisme saisissant.
Antoine-Louis Barye, né en 1795, était un sculpteur renommé de son époque, reconnu pour son habileté à capturer l’anatomie et le mouvement des animaux dans ses œuvres. Son intérêt pour la zoologie et ses études approfondies des animaux sauvages ont influencé son travail, lui permettant de créer des sculptures qui semblent prendre vie sous ses mains expertes.
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Sculpture en Bronze de Barye représentant le lion et l’antilope
2400,00 €La sculpture de Barye représentant un lion et une antilope est un chef-d’œuvre emblématique de l’art animalier du XIXe siècle.
Créée par Antoine-Louis Barye, un sculpteur français renommé,
cette œuvre incarne la fascination de l’époque pour la représentation naturaliste des animaux et la maîtrise technique de l’artiste.
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Théodore-Joseph-Napoléon Jacques, dit Napoléon Jacques ( 1804-1876) marchand de poissons
La sculpture de Théodore-Joseph-Napoléon Jacques, surnommé Napoléon Jacques, est une pièce remarquable qui incarne à la fois le talent artistique et l’artisanat exceptionnel de ce sculpteur français du XIXe siècle. Né le 12 mai 1804 à Paris et décédé le 28 mars 1876, Napoléon Jacques a laissé un héritage durable dans le domaine de la sculpture, avec des œuvres qui continuent de susciter l’admiration et l’intérêt des amateurs d’art et des collectionneurs.
Cette sculpture en bronze doré représente un marchand de poissons, capturant un instant de la vie quotidienne dans une composition figée dans le temps. La qualité de l’exécution est superbe, témoignant du savoir-faire et de la maîtrise technique de l’artiste. Chaque détail est minutieusement travaillé, depuis les expressions du visage jusqu’aux plis des vêtements, en passant par la texture réaliste des poissons eux-mêmes.
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Paire de candélabres chandeliers bougeoirs en bronze doré au mercure XIXe siècle
Dans l’éclatante ambiance des fêtes et des rassemblements distingués du XIXe siècle, ces candélabres majestueux se dressent comme des témoins intemporels du raffinement et de l’opulence. Fabriqués à partir de bronze massif et dorés au mercure, ils portent l’héritage d’une époque où l’artisanat atteignait des sommets de perfection et où la beauté était une exigence.
Chaque détail de ces pièces exquises est un hommage à l’art et à l’esthétique de leur époque. Leurs lignes élégantes, leurs volutes gracieuses et leur décor orné d’oiseaux évoquent un sentiment de grâce et d’harmonie. Ces candélabres ne sont pas simplement des objets fonctionnels, mais des œuvres d’art en elles-mêmes, capturant l’essence de leur époque avec une finesse remarquable.
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Grand médaillon en bronze représentant Jeanne d’Arc, par Henri CHAPU / Barbedienne
650,00 €Le médaillon représentant Jeanne d’Arc, conçu par le talentueux sculpteur Henri Chapu en collaboration avec le fondeur renommé Ferdinand Barbedienne, incarne une œuvre d’une beauté saisissante et d’une signification profonde. Créé entre les années 1833 et 1891, ce chef-d’œuvre artistique a été façonné dans un bronze massif à la patine délicatement chocolatée, lui conférant une aura de noblesse et de durabilité.
Henri Chapu, artiste français de renom du XIXe siècle, est réputé pour son style néo-classique et sa capacité à capturer la grâce et l’émotion dans ses œuvres. Son partenariat avec Ferdinand Barbedienne, un fondeur de bronze célèbre pour son savoir-faire exceptionnel, a donné naissance à des pièces d’art d’une qualité et d’une élégance incomparables.
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Grande sculpture en bronze « Mignon » d’Eugène Aizelin, 1880
Eugène Antoine Aizelin (1821-1902) était un sculpteur français dont l’œuvre a laissé une marque significative dans le monde de l’art du XIXe siècle. Né à Paris, Aizelin a développé un talent précoce pour la sculpture et a étudié à l’École des Beaux-Arts de Paris, où il a été élève d’Auguste Dumont et de Jules Ramey. Son style a été influencé par le mouvement néo-classique, mais il a également incorporé des éléments du réalisme dans ses œuvres, les dotant d’une certaine vivacité et d’une sensibilité particulière.
L’une de ses grandes sculptures en bronze les plus remarquables est « Mignon », qui représente une paysanne assise se reposant avec sa petite guitare. Cette pièce captivante capture un moment d’intimité et de tranquillité, où la figure féminine semble être plongée dans ses pensées tout en prenant un moment de repos. La posture délicate de la paysanne et la présence de la guitare évoquent un sentiment de grâce et de douceur.
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Sculpture française en bronze d’Eugène Aizelin représentant Psyché par la fonderie F. Barbedienne
Eugène Aizelin, un sculpteur français né en 1821 et décédé en 1902, demeure une figure emblématique de l’art sculptural du XIXe siècle. Son œuvre témoigne d’une maîtrise exceptionnelle de la forme, de la composition et de l’expression, faisant de lui l’un des artistes les plus remarquables de son époque.
La sculpture antique en bronze « Psyché », réalisée par Aizelin, incarne à elle seule l’excellence de son talent. Réalisée en 1863, cette pièce magnifique capture l’essence même de la mythologie grecque à travers la figure mythique de Psyché, une jeune femme d’une beauté incomparable.
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Encensoir – Hebreux dans la fournaise – Brûle encens- Orfèvrerie médiévale – Haute époque
Cet encensoir en bronze doré est véritablement une pièce remarquable, à la fois par sa beauté et son histoire fascinante. Il incarne l’élégance et la sophistication de l’art néo-romain, tout en portant en lui des liens avec une époque ancienne et des artisans légendaires.
D’une hauteur imposante de 20 centimètres et d’une largeur équivalente pour son assiette, cet encensoir est une reproduction fidèle de l’original conservé au musée des beaux-arts de Lille. Son design évoque les riches traditions artistiques de l’Antiquité romaine, mais ce qui rend cet objet encore plus spécial, c’est son histoire et son attribution.
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Louis Vidal (l’aveugle) dit Natavel, Grande sculpture bronze d’un taureau, 50 x 32 x 18
Superbe et grande sculpture en bronze massif représentant un taureau.
Cette sculpture de Louis Vidal est très connue, car elle a été réalisé par l’artiste étant aveugle.
Elle a une très belle patine, elle est en bon état
Dimensions : Longueur 50 cm, Largeur 18 cm et Hauteur 32 cm
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Tahoser, harpiste égyptienne – Georges Charles Coudray (1862-1944)
La sculpture en bronze intitulée « Tahoser », représentant un harpiste égyptien, est une œuvre magnifique et significative datant du XIXe siècle, réalisée par l’artiste Georges Charles Coudray (1862-1944). Coudray, né à Paris le 31 janvier 1862 et décédé dans la même ville le 6 décembre 1944, était un sculpteur et médaillé français renommé de son époque. Son œuvre « Tahoser » témoigne de son talent et de sa maîtrise dans le domaine de la sculpture.
Cette sculpture en bronze a été produite par la prestigieuse « Société des bronzes de Paris », ce qui garantit sa qualité et son authenticité. La signature et le tampon de la société attestent de l’origine et de l’authenticité de l’œuvre, ajoutant une valeur supplémentaire à cette pièce d’art exceptionnelle.
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Tahoser, harpiste égyptienne – Georges Charles Coudray (1862-1944)
La sculpture en bronze intitulée « Tahoser », représentant un harpiste égyptien, est une pièce remarquable qui témoigne du talent artistique de Georges Charles Coudray, un sculpteur français du XIXe siècle. Né à Paris le 31 janvier 1862 et décédé dans la même ville le 6 décembre 1944, Coudray a laissé un héritage artistique significatif à travers ses œuvres, dont cette sculpture en bronze qui demeure une création emblématique de son époque.
La sculpture capture la figure gracieuse et majestueuse d’un harpiste égyptien, probablement inspirée par l’art et la culture de l’Égypte ancienne qui ont fasciné de nombreux artistes à cette période. « Tahoser » incarne une harmonie entre la précision anatomique et la fluidité des lignes, démontrant le savoir-faire exceptionnel de Coudray dans la représentation sculpturale. La posture du harpiste, captée dans un moment d’intense concentration, évoque la passion et le dévouement de l’artiste pour son art.
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Sculpture en bronze, pyrogène, moine, tonneau, XIXe
350,00 €Ce pyrogène en bronze massif est une pièce d’une grande beauté et d’une grande valeur historique. Cette sculpture représente avec finesse et détails un moine, symbole de sagesse et de tranquillité, en train de savourer un verre de vin directement de la bouteille. La scène dépeinte est empreinte de calme et de sérénité, le moine semblant trouver une forme de réconfort dans ce moment de dégustation.
La posture du moine est minutieusement travaillée : le panier sous le bras suggère un voyage ou une quête, le bougeoir dans une main évoque une ambiance chaleureuse et intime, tandis que le tire-bouchon reposant près de ses pieds évoque le plaisir de la dégustation du vin. À ses côtés, un tonneau, qui joue un double rôle : celui de contenir les allumettes, avec un système ingénieux de cordage permettant de les gratter pour les allumer.
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Très beau taureau en bronze massif signé SOHER
680,00 €La majesté brute de la nature s’anime dans cette sculpture saisissante d’un taureau en bronze massif, figé dans l’instant avant l’assaut. Son allure puissante est capturée avec précision, chaque muscle tendu dans un élan de force et de détermination. L’expression intense de sa tête, les naseaux dilatés, les yeux concentrés sur sa proie potentielle, transmettent une énergie sauvage et indomptable.
L’artiste a capturé un moment dynamique, avec la patte arrière du taureau grattant le sol, prête à bondir dans une action rapide et décisive. Chaque détail de cette sculpture respire la vie, de la texture rugueuse de la peau du taureau aux reflets subtils du bronze qui lui confèrent une qualité visuellement saisissante
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Sculpture en bronze de Jean Hugues représentant un soldat
350,00 €Joli sculpture de bronze représentant un soldat porte drapeau, allongé sur le sol
Cette sculpture est posé sur une terrasse en bois avec un filet en marqueterie
Dimensions : Largeur 18 cm, profondeur 10 cm et hauteur 9 cm
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Sculpture de bronze d’un poilu de la guerre 1914, signé A. Falcinelli
550,00 €Le bronze que je vais vous présenter est une pièce remarquable, témoignage poignant de l’histoire et de la mémoire de la Première Guerre mondiale. Il s’agit d’une sculpture d’un soldat datant de 1914-1918, réalisée en bronze massif, qui incarne à la fois la force et la résolution de ceux qui ont combattu lors de ce conflit dévastateur.
D’une qualité artistique indéniable, cette sculpture capture l’essence même du soldat en pleine action. Imaginez-le, le poing serré, le regard déterminé, prêt à mener ses camarades au combat. Dans sa main gauche, il tient fermement son fusil, symbole de sa bravoure et de sa détermination à défendre sa patrie. Son paquetage solidement attaché sur le dos, il est prêt à affronter les épreuves avec courage et abnégation.
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Sculpture bronze animalier, panthère de Tunis no 2, par Antoine Louis Barye XIXe siècle
La sculpture en bronze animalier « Panthère de Tunis no 2 » par Antoine Louis Barye, réalisée au XIXe siècle, incarne la fusion magistrale entre l’art et la nature. Barye, un maître sculpteur français, est largement reconnu pour son expertise dans la représentation de la faune sauvage avec une précision remarquable. Cette œuvre, captivante dans sa beauté brute, témoigne de son talent inégalé.
La « Panthère de Tunis no 2 » est une incarnation éblouissante de la majesté féline. À travers ses traits ciselés avec soin, Barye capture l’essence même de la panthère, créant une représentation vivante de sa puissance et de sa grâce. Chaque muscle est sculpté avec une minutie impressionnante, capturant le mouvement fluide de l’animal dans une pose à la fois dynamique et équilibrée. Les détails minutieux, des griffes acérées aux poils soigneusement texturés, ajoutent une dimension de réalisme saisissant à l’œuvre.
Dimensions: Longueur 18,5 cm x Profondeur 6,5 cm
Hauteur 9 cm -
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Alexandre Leonard (1821-1877), sculpture scène animalière en bronze massif
La sculpture en bronze d’Alexandre Léonard (1821-1877) représente une scène captivante d’une attaque de cerf par deux loups, capturée avec une finesse artistique remarquable. Léonard, un sculpteur français du XIXe siècle, est souvent salué pour sa maîtrise du réalisme animalier, et cette œuvre ne fait pas exception à cette réputation.
D’une hauteur imposante de 26 centimètres et avec des dimensions généreuses de 38,5 centimètres de largeur et 17 centimètres de profondeur, cette pièce se présente comme une pièce centrale dans toute collection d’art. La taille de la sculpture permet une appréciation détaillée de chaque élément de la scène, capturant ainsi l’essence même de l’interaction entre le cerf et les loups.
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Profil d’homme vêtu d’une armure à l’antique, attribuée à César Cerebelli
1500,00 €Dans l’atmosphère feutrée d’une galerie d’art, trône majestueusement le profil d’un homme vêtu d’une armure à l’antique.
Cette œuvre, attribuée à César Cerebelli, captive instantanément le regard et l’imagination des visiteurs par son réalisme saisissant et son aura intemporelle.
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Sculpture de Pradier et fondeur Susse Frères, en bronze massif.
1800,00 €Les candélabres créés par James Pradier et fondus par Susse Frères incarnent l’excellence de l’artisanat français du XIXe siècle, mêlant l’art sculptural à la fonctionnalité domestique.
Ces pièces en bronze massif captivent par leur élégance intemporelle et leur raffinement.
James Pradier, célèbre sculpteur suisse du XIXe siècle, était renommé pour son talent à capturer la beauté féminine dans ses œuvres. Son style néoclassique se caractérise par des formes harmonieuses et des détails minutieux, inspirés de l’art antique.
Les candélabres représentent des figures féminines à l’antique, gracieusement drapées dans des tuniques évoquant l’esthétique de la Grèce antique.
Leurs poses évoquent la grâce et la noblesse, tandis que leurs visages expriment une sérénité intemporelle.
La collaboration entre Pradier et Susse Frères, une fonderie renommée de l’époque, a donné naissance à des pièces d’une qualité exceptionnelle. Susse Frères, fondée en 1807, était réputée pour sa maîtrise de la fonte du bronze et sa capacité à reproduire fidèlement les œuvres des plus grands sculpteurs. Les candélabres Pradier Susse Frères illustrent parfaitement cette expertise, avec leur finition soignée et leur attention aux détails.
Chaque candélabre est un chef-d’œuvre de métal travaillé avec minutie. Les détails des drapés, des visages et des accessoires sont finement ciselés, ajoutant une dimension de réalisme et de grâce à chaque pièce. La patine richement nuancée confère une profondeur et une chaleur supplémentaires à ces sculptures en bronze massif, créant un contraste saisissant avec la lumière des bougies qui illuminent leur présence.
Dimensions : Hauteur 66 cm
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Exceptionnel grande sculpture en bronze de Hans Guradze (1861-1922)
La sculpture en bronze de Hans Guradze (1861-1922), reproduite dans les années 1950, est une œuvre exceptionnelle qui captivera tant les amateurs d’art que les connaisseurs.
Guradze, artiste prolifique de la fin du XIXe et du début du XXe siècle, a laissé un héritage artistique impressionnant, et cette reproduction de son travail en bronze témoigne de son génie intemporel.
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Marie-Thérèse BEINEIX-MAMECIER Sculpture bronze d’une femme assise
Très grande sculpture en bronze massif à patine brune, représentant une femme nue assise. Cette sculpture a été faite en 8 exemplaires seulement et celle-ci porte le numéro 2
Marie-Thérèse Beineix-Mamecier est une figure éminente dans le domaine de l’art et de la culture en France. Née le 15 avril 1950 à Paris, elle est connue pour son engagement en faveur de la promotion de l’art contemporain et de la diversité culturelle.
Diplômée en histoire de l’art et en archéologie, elle a débuté sa carrière dans le monde de l’art en tant que conservatrice de musée. Passionnée par la création artistique sous toutes ses formes, elle a contribué à mettre en lumière de nombreux artistes émergents et à promouvoir le dialogue interculturel à travers l’art.
Au fil des ans, Marie-Thérèse Beineix-Mamecier a occupé divers postes de responsabilité dans des institutions culturelles françaises et internationales. Son dévouement à la préservation du patrimoine culturel et à la promotion de la création contemporaine lui a valu une reconnaissance tant au niveau national qu’international.
Sa vision novatrice et son engagement indéfectible en font une personnalité incontournable dans le paysage artistique français, contribuant ainsi à enrichir et à dynamiser le monde de l’art contemporain.
Hauteur 56 cm, largeur 48 cm et profondeur 32 cm
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Grande pendule bronze sculptée de Hébé et Jupiter par James Pradier (1790-1852)
La pendule “Hébé et Jupiter” de James Pradier est une œuvre emblématique de l’horlogerie du XIXe siècle. Cette pièce magnifique incarne l’esthétique néoclassique tout en capturant l’essence de la mythologie grecque. Au cœur de cette pendule se trouve la représentation de deux figures divines : Hébé, la déesse de la jeunesse, et Jupiter, le roi des dieux. Hébé est souvent dépeinte comme une figure gracieuse, symbolisant la jeunesse éternelle, tandis que Jupiter incarne la puissance et l’autorité.
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Jules Moignez, grande sculpture en bronze représentant un héron à deux patines 55 cm
La sculpture « Le Héron » de Jules Moigniez est une œuvre remarquable du XIXe siècle, représentant un héron en bronze patiné. Créée vers 1860, cette pièce capture la grâce et la beauté de l’oiseau dans un moment figé d’observation ou de préparation à la chasse.
Moigniez était réputé pour sa capacité à capturer les détails anatomiques avec une grande précision, et cela se reflète dans « Le Héron ». Chaque plume, chaque contour du bec et des pattes est finement rendu, ajoutant à la réalité de la sculpture.
Cette œuvre témoigne également du mouvement naturaliste qui prévalait à l’époque, où les artistes s’efforçaient de représenter fidèlement la nature. « Le Héron » de Moigniez est non seulement une pièce d’art décoratif élégante, mais aussi un hommage à la beauté et à l’élégance de la faune aviaire.
Dimension : Hauteur 55 cm
En bon état général -
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Christophe Fratin, bronze, jument et son poulain, groupe de chevaux, l’accolade, XIXe
La sculpture « La Jument et son Poulain » est l’une des œuvres les plus célèbres de Christophe Fratin, un sculpteur animalier français du 19e siècle. Créée en 1850, elle représente une jument qui protège son poulain avec une tendresse maternelle. Fratin capture magistralement l’instant de connexion émotionnelle entre la mère et son petit, exprimant à la fois la force et la douceur à travers les formes gracieuses des chevaux.
La composition dynamique de la sculpture donne vie à la scène, avec la jument abaissant doucement sa tête vers son poulain, créant une atmosphère de protection et d’amour inconditionnel. Fratin était réputé pour sa capacité à saisir la véritable essence des animaux, et dans cette œuvre, il transcende le simple réalisme pour exprimer des sentiments profonds et universels.
« La Jument et son Poulain » de Fratin est non seulement une représentation remarquable de la relation maternelle dans le règne animal, mais aussi un témoignage émouvant du talent artistique de Fratin dans la sculpture animalière.
Dimension : Hauteur 17.5 cm, Largeur 28 cm et profondeur 14 cm
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Pierre-Jules Mène (1810-1879) – Cheval de course en bronze
La sculpture « Cheval de Course » de Pierre Jules Mêne est une pièce emblématique de l’art équin du XIXe siècle.
Créée par le célèbre sculpteur français, cette œuvre captivante incarne la grâce, la puissance et la vitalité du cheval de course.
Très bon état de conservation et de patine .Dimensions : 30 cm x 41,2 cm x 13,7 cm
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Grand Coq en bronze massif doré de type Asie
Le Grand Coq en bronze massif doré de type Asie est une œuvre d’art remarquable qui incarne à la fois la majesté de la nature et la finesse de l’artisanat asiatique.
Cette pièce captivante, souvent exposée dans des collections d’art ou des musées, attire l’attention par sa taille imposante, sa beauté sculpturale et son symbolisme profondément enraciné.
Dimension : Hauteur 55 cm
En bon état général -
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Paire de bougeoirs ancien XIXe, bronze doré, dauphins et coquillages
Les bougeoirs anciens du XIXe siècle évoquent une époque de sophistication et de raffinement dans le domaine de la décoration intérieure.
Parmi ces pièces, une paire de bougeoirs en bronze doré se distingue par son élégance et son caractère distinctif.
Chaque bougeoir incarne l’esthétique opulente de l’époque, avec des détails minutieux qui captivent l’œil et racontent une histoire de goût et de style.
Le bronze doré, un matériau prisé depuis des siècles pour sa beauté et sa durabilité, est magnifiquement travaillé pour créer des formes organiques et des motifs délicats.
Dimension : Hauteur 25 cm
En très bon état général