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Superbe sculpture de qualité, grand aigle royal aux ailes déployées
1450,00 €La sculpture présentée est une œuvre en bronze massif, exécutée avec une grande finesse et une qualité remarquable.
Elle représente un aigle majestueux aux ailes déployées, capturant un moment de puissance et de grâce.
L’aigle est monté sur une colonne richement ornée, ajoutant à l’élégance et à la sophistication de la pièce.
L’aigle est sculpté avec un souci du détail exceptionnel.
Chaque plume de ses ailes est minutieusement représentée, donnant une impression de réalisme et de mouvement.
Le corps de l’aigle est robuste et bien proportionné, avec des serres acérées et un regard perçant, symbolisant la force et la liberté.
La tête de l’aigle est légèrement tournée, comme s’il scrutait l’horizon, ajoutant une dynamique à la sculpture.
La colonne sur laquelle l’aigle est perché est également un élément clé de cette œuvre.
Elle est richement sculptée avec des motifs floraux et géométriques, apportant une touche de raffinement et de complexité.
La base de la colonne est large et stable, assurant un bon équilibre à l’ensemble de la sculpture.
Les détails des sculptures sur la colonne sont tout aussi impressionnants, avec des reliefs profonds et des textures variées qui captent la lumière de manière subtile.
La sculpture dans son ensemble pèse environ 8 kg, ce qui témoigne de sa solidité et de sa robustesse.
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Vase Majolica Palissy, datant de l’époque victorienne vers 1890
580,00 €Ce superbe vase Majolica Palissy, datant de l’époque victorienne vers 1890, est une véritable œuvre d’art qui témoigne du savoir-faire et de la créativité de son époque.
La majolique, une technique de céramique italienne, a été popularisée en Angleterre au XIXe siècle, et ce vase en est un exemple remarquable.
Le décor en relief de ce vase est particulièrement impressionnant.
Il représente une scène de nature luxuriante, où grenouilles, salamandres, papillons et autres insectes cohabitent harmonieusement sur une végétation de lierre.
Chaque détail est minutieusement sculpté, donnant vie à ces créatures et à leur environnement.
Les grenouilles semblent prêtes à bondir, les salamandres à se faufiler entre les feuilles, et les papillons à prendre leur envol.
Cette représentation réaliste et dynamique de la faune et de la flore est caractéristique du style Palissy, inspiré par les observations naturalistes de Bernard Palissy, un céramiste et naturaliste français du XVIe siècle.
Le vase présente une belle harmonie de couleurs, avec des tons verts et bruns qui évoquent la nature.
Les nuances de vert, allant du vert clair au vert foncé, rappellent les différentes teintes des feuilles de lierre, tandis que les touches de brun ajoutent de la profondeur et du contraste.
Les couleurs sont appliquées avec une grande finesse, soulignant les reliefs et les détails du décor.
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VENDU
« Talisman » est une œuvre remarquable d’Emmanuel Villanis (1858-1904)
« Talisman » est une œuvre remarquable d’Emmanuel Villanis (1858-1904), un sculpteur français dont le talent a marqué la fin du XIXe et le début du XXe siècle.
Cette sculpture en bronze à patine médaille, datant d’environ 1900, est un témoignage de l’art raffiné et de la maîtrise technique de Villanis.
La sculpture représente une figure féminine allongée, dont la posture évoque une grâce et une sérénité intemporelles.
La femme est dépeinte dans une position de repos, les yeux fermés, comme plongée dans un sommeil paisible ou une méditation profonde. Ses traits sont finement ciselés, révélant une expression de calme et de tranquillité.
Les détails de son visage, notamment les paupières closes et les lèvres légèrement entrouvertes, ajoutent une dimension de réalisme et de vulnérabilité à l’œuvre.
Le corps de la femme est drapé dans une étoffe fluide qui épouse ses formes avec élégance.
Les plis du tissu sont rendus avec une grande précision, donnant l’impression de mouvement et de légèreté.
La patine médaille, une technique de finition qui confère au bronze une apparence dorée et lumineuse, accentue les contours et les volumes de la sculpture, créant un jeu subtil de lumière et d’ombre.
La signature de Villanis et le cachet de la « Fonderie de Paris » sont visibles sur la sculpture, attestant de son authenticité et de sa provenance. La « Fonderie de Paris » était renommée pour la qualité de ses épreuves en bronze, et la présence de son cachet est un gage de l’excellence technique de l’œuvre.
La hauteur de la sculpture, 59 cm, en fait une pièce imposante, destinée à être admirée de près.
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Table console de style Louis XV, forme galbée, dessus marbre
750,00 €Cette table console de style Louis XV est un véritable chef-d’œuvre de l’artisanat, reflétant l’élégance et le raffinement caractéristiques de cette période.
Fabriquée au cours de la première moitié du XXe siècle, elle incarne parfaitement le renouveau des styles classiques dans l’ameublement contemporain de l’époque.
Le bois utilisé pour cette table est richement sculpté, mettant en valeur le savoir-faire des artisans.
Les motifs floraux et les volutes délicates qui ornent les pieds et la ceinture de la table témoignent d’une attention minutieuse aux détails.
Les quatre pieds cambrés, réunis par une entretoise centrale, ajoutent une touche de grâce et de légèreté à l’ensemble.
Cette entretoise est particulièrement remarquable, avec une grosse coquille sculptée qui en constitue le point focal.
Le dessus de la table est en marbre blanc, un matériau noble et intemporel qui apporte une touche de luxe et de sophistication.
Le marbre suit parfaitement le mouvement galbé de la ceinture, créant une harmonie visuelle entre les différents éléments de la table.
La surface lisse et polie du marbre contraste magnifiquement avec les sculptures complexes du bois, offrant un équilibre parfait entre simplicité et opulence.
La table est actuellement patinée dans une teinte foncée, ce qui lui confère un aspect antique et authentique.
Cependant, il est possible d’éclaircir cette patine pour obtenir une finition plus claire et plus contemporaine, selon les préférences esthétiques de l’acquéreur.
Cette flexibilité permet à la table de s’adapter à différents styles de décoration, qu’ils soient classiques ou modernes.
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Cheval de manège, attribué à Friedrich Heyn et datant d’environ 1910
2800,00 €Ce cheval de manège, attribué à Friedrich Heyn et datant d’environ 1910, est un magnifique exemple d’art forain allemand de la Neustadt du début du XXe siècle.
Il incarne l’élégance et la nostalgie des carrousels d’autrefois, témoins d’un art populaire précieux et d’un savoir-faire artisanal exceptionnel.
Sculpté en bois polychrome d’origine, ce cheval de manège témoigne d’une finition artisanale de haute qualité.
Chaque détail a été soigneusement travaillé pour offrir un rendu réaliste et expressif.
La hauteur de la pièce est de 117 cm, tandis que sa longueur atteint 103 cm, ce qui en fait une œuvre imposante et majestueuse.
La tête du cheval est particulièrement expressive, avec une gueule ouverte révélant des dents sculptées avec minutie.
Les yeux en sulfure ajoutent un réalisme saisissant, donnant l’impression que le cheval est prêt à s’élancer à tout moment.
Les membres sont chevillés, une technique traditionnelle de fabrication qui assure solidité et durabilité à la structure.
La queue, en crin véritable, conserve son authenticité et son charme, ajoutant une touche de réalisme supplémentaire.
Le harnachement est décoré de motifs géométriques en miroirs et d’éléments polychromes, soulignant le caractère festif et joyeux de l’objet. Ces décorations, typiques des manèges de l’époque, évoquent les fêtes foraines et les moments de plaisir partagés par les enfants et les adultes.
Chaque élément du harnachement a été conçu pour capter la lumière et attirer l’œil, créant un spectacle visuel éblouissant.
Malgré quelques usures dues au temps, telles qu’une oreille endommagée et la perte d’un étrier, la pièce reste en bon état général.
Ces signes de vieillissement ne font qu’ajouter à son charme et à son authenticité, racontant l’histoire de nombreuses années de service et de joie apportée aux visiteurs des fêtes foraines.
La patine actuelle de l’objet est un témoignage de son passé riche et en fait un objet de collection unique et précieux.
Quelques restaurations sont à prévoir pour lui rendre son éclat d’origine.
Une restauration minutieuse pourrait inclure la réparation de l’oreille endommagée, le remplacement de l’étrier manquant, et peut-être un léger polissage pour raviver les couleurs et les détails.
Cependant, il est important de préserver autant que possible la patine et les marques du temps, qui font partie intégrante de l’histoire de l’objet.
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VENDU
Une éclatante paire de bougeoirs anciens en bronze doré et argenté
Une Éclatante Paire de Bougeoirs Anciens en Bronze Doré et Argenté – Témoins du Raffinement du XIXe Siècle
Plongez dans l’élégance intemporelle du XIXe siècle avec cette magnifique paire de bougeoirs anciens en bronze doré et argenté.
Ces pièces remarquables illustrent l’excellence artistique et le savoir-faire exceptionnel des artisans de l’époque.
Parfaitement conservées, elles représentent non seulement des objets utilitaires, mais également de véritables œuvres d’art, témoins du style néo-classique en vogue à cette époque.
Une Composition Harmonieuse
Chaque bougeoir est conçu pour accueillir deux bougies, une configuration qui ajoute une dimension symétrique et équilibrée à leur design. Les bras qui soutiennent les porte-bougies sont élégamment sculptés et ornés de chaînes décoratives finement travaillées, témoignant de la minutie des détails propres à l’artisanat du XIXe siècle.
Ces chaînes, d’une délicatesse, relient les différents éléments de manière à la fois fonctionnelle et décorative, accentuant l’harmonie visuelle de l’ensemble.
L’Éclat des Figures Néo-Classiques
Au cœur du design, des personnages féminins sculptés dans un style néo-classique dominent la composition.
Ces figures gracieuses, inspirées de l’Antiquité, incarnent le raffinement et la sophistication de leur époque.
Drapées dans des étoffes délicatement travaillées et rehaussées de dorures, elles se tiennent dans des poses dynamiques, donnant vie et mouvement à l’ensemble.
Les visages finement ciselés, empreints de douceur et d’expression, traduisent une maîtrise exceptionnelle dans la sculpture du bronze.
Ces figures ne sont pas seulement des éléments décoratifs, mais elles apportent une narration subtile, rappelant les mythes et légendes antiques.
Elles tiennent en hauteur les bras soutenant les bougies, leur posture conférant une majesté naturelle à l’ensemble.
Une Base d’une Richesse Exceptionnelle
Les bougeoirs reposent sur des bases solidement travaillées, elles-mêmes décorées avec une grande richesse.
Ces bases sont ornées de motifs floraux et géométriques délicats, caractéristiques des tendances ornementales du XIXe siècle.
Les pieds courbés, à la fois élégants et robustes, offrent une stabilité impeccable tout en apportant une touche supplémentaire de raffinement.
L’Alliance Parfaite entre Esthétique et Fonctionnalité
Au-delà de leur aspect décoratif, ces bougeoirs témoignent d’une fonctionnalité parfaitement pensée.
Le choix des matériaux – bronze doré et argenté – ne reflète pas seulement une recherche esthétique, mais aussi une durabilité exceptionnelle.
Cette combinaison de matériaux crée un contraste visuel saisissant, renforçant leur attrait.
Ces bougeoirs sont idéals pour illuminer une table ou une cheminée, apportant une ambiance chaleureuse et sophistiquée à n’importe quel intérieur.
Leur design intemporel permet une intégration harmonieuse dans des décors classiques comme modernes, tout en racontant une histoire riche et fascinante.
Une Pièce de Collection
Cette paire de bougeoirs constitue un ajout inestimable pour les amateurs et collectionneurs de mobilier d’époque.
Elle incarne l’alliance parfaite entre l’art et l’artisanat, offrant une fenêtre sur le savoir-faire et l’esthétique du XIXe siècle.
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Rare vierge chryséléphantine en bois sculpté époque XVIIIe siècle
650,00 €Cette sculpture chryséléphantine du 18e siècle est un exemple rare et précieux de l’artisanat de l’époque.
Fabriquée en bois sculpté, elle se distingue par son visage en ivoire finement ciselé, rehaussé d’yeux en verre qui lui confèrent une expression saisissante de réalisme et de profondeur.
La technique chryséléphantine, qui combine l’ivoire et le bois, était particulièrement prisée pour sa capacité à créer des œuvres d’une grande finesse et d’un réalisme frappant.
Cette sculpture en est un parfait exemple, avec un visage en ivoire qui contraste magnifiquement avec le corps en bois sculpté.
Les détails du visage, notamment les yeux en verre, ajoutent une dimension supplémentaire de réalisme et de sophistication à l’œuvre.
La sculpture mesure 42 cm de hauteur, ce qui en fait une pièce de taille respectable, idéale pour être exposée de manière visible dans un intérieur raffiné.
Les proportions harmonieuses et les détails minutieux témoignent du savoir-faire exceptionnel de l’artisan qui l’a créée.
Il est à noter que les mains de la sculpture, probablement en ivoire également, sont manquantes.
Cette absence, bien que regrettable, n’enlève rien à la beauté et à la valeur historique de l’œuvre.
Elle ajoute même une dimension supplémentaire à son histoire, invitant à imaginer les péripéties qu’elle a pu traverser au fil des siècles.
Le bois utilisé pour le corps de la sculpture est finement travaillé, avec des motifs et des textures qui témoignent d’un grand soin apporté à chaque détail.
Les vêtements, en particulier, sont rendus avec une précision qui donne l’impression de tissus réels, ajoutant à l’illusion de réalisme.
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VENDU
Bureau de dame, réalisée par Paul Sormani sur le modèle de Bernard II Van Risen Burgh (BVRB)
Bureau de dame en placage de bois de violette
Ce bureau de dame, remarquable par sa richesse et son raffinement, illustre parfaitement l’art de l’ébénisterie du XIXe siècle, période Napoléon III.
De forme mouvementée, il est conçu en placage de bois de violette, une essence précieuse, prisée pour son veinage élégant et sa teinte chaude.
Le bureau s’ouvre à trois tiroirs en façade, une caractéristique fonctionnelle associée à une esthétique recherchée.
Ses quatre pieds cambrés, signature du style Louis XV, ajoutent une légèreté visuelle à l’ensemble.
L’ornementation en bronze ciselé et doré apporte une touche supplémentaire de sophistication.
Chaque élément, qu’il s’agisse de la lingotière, des chutes, des sabots, des entrées ou des encadrements, témoigne d’un savoir-faire exceptionnel.
Le dessus est habillé de cuir, à la fois pratique et luxueux, offrant une surface de travail noble et durable.
Ce meuble, d’une largeur de 100 cm, d’une profondeur de 51 cm et d’une hauteur de 76 cm, est un exemple éloquent de la fusion entre utilité et élégance.
Une inspiration signée BVRB
Le modèle s’inspire directement des créations de Bernard II Van Risen Burgh (dit BVRB), célèbre ébéniste parisien du XVIIIe siècle.
Les œuvres de BVRB, souvent conservées dans des collections prestigieuses comme celle du musée du Louvre, sont réputées pour leur raffinement et leur équilibre entre opulence et subtilité.
En reprenant ce style, Paul Sormani rend hommage à l’héritage de l’ébénisterie française tout en l’inscrivant dans l’esthétique de son époque.
Une réalisation de Paul Sormani
Ce bureau porte l’estampille de Paul Sormani, un des plus illustres ébénistes du XIXe siècle.
D’origine italienne, Sormani s’installe à Paris et fonde son atelier en 1847 au 7 rue du Cimetière-Saint-Nicolas.
À ses débuts, il se spécialise dans la création de meubles inspirés des styles Louis XV et Louis XVI, combinant élégance classique et perfection technique.
En 1867, il transfère son atelier au 10 rue Charlot, où il poursuivra son activité jusqu’à sa mort en 1877.
Sormani se distingue par sa capacité à reproduire avec une extrême fidélité les meubles des grands maîtres tout en y ajoutant une touche contemporaine propre à l’époque Napoléon III.
Ses meubles séduisent l’élite parisienne et la cour impériale, ce qui le consacre comme l’un des artisans les plus recherchés de son temps.
Sa production est variée : elle inclut des bureaux, des commodes, des tables, mais également des pièces d’artisans de luxe, destinées à des expositions universelles où il remporte régulièrement des prix.
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Rare grand porte bougies, en fer forgé XIXe siècle, religieux
1600,00 €Ce porte-bougies ancien en fer forgé est un témoignage exceptionnel de l’artisanat du XIXe siècle, sublimant le savoir-faire des maîtres ferronniers de l’époque.
Avec une hauteur imposante de 170 cm, il impressionne par son allure majestueuse et son riche décor, qui reflètent à la fois l’élégance et la profondeur symbolique des objets sacrés d’autrefois.
Probablement destiné à un usage religieux dans une église ou une chapelle, cet objet a traversé les époques en conservant son authenticité et son histoire.
Son design soigné et ses détails minutieux évoquent l’atmosphère spirituelle et le raffinement esthétique caractéristique du romantisme.
En effet, cette période visait à réconcilier le sacré et la beauté, créant des œuvres aussi fonctionnelles qu’artistiques.
Le travail du fer forgé, remarquable par sa finesse, est au cœur de cette pièce.
On peut admirer de délicates volutes harmonieusement entrelacées, qui confèrent à l’ensemble une fluidité et une légèreté visuelle malgré sa structure solide.
Ces arabesques témoignent d’une maîtrise parfaite de la technique, où chaque courbe semble soigneusement pensée pour créer un équilibre esthétique.
Une barre centrale ornée de motifs végétaux raffinés ajoute une dimension poétique à l’ensemble. Ce décor, évoquant des feuillages, symbolise la vie, la foi et la connexion avec la nature divine, thèmes chers à l’art religieux de l’époque.
Bien au-delà de sa fonction première de porte-bougies, cette pièce peut être considérée comme une véritable œuvre d’art.
Ses lignes gracieuses et solides incarnent l’esthétique romantique, où chaque objet religieux se voulait porteur de sens tout en étant visuellement captivant.
Ce mariage entre spiritualité et sophistication confère à ce porte-bougies une place unique parmi les objets anciens.
Pour les amateurs d’antiquités religieuses ou de décorations authentiques, cet objet rare représente une trouvaille exceptionnelle.
En plus d’être une pièce de collection, il peut enrichir un intérieur en apportant une atmosphère intemporelle et une touche spirituelle.
Placé dans une pièce, il capte naturellement l’attention, devenant à la fois un point focal et un rappel du patrimoine artisanal et religieux.
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Très grande sculpture bronze art nouveau, femmes nues à la cascade
Cette remarquable sculpture en bronze, datant du début du XXe siècle, illustre avec brio le talent artistique et l’imaginaire mythologique ou naturaliste de son créateur.
Avec une hauteur de 77 cm, cette œuvre imposante captive par son esthétique raffinée et sa patine médaille d’origine, qui lui confère une profondeur et un éclat particuliers.
Bien qu’elle présente des signes d’oxydation et d’encrassement, typiques d’un état de grenier, ces marques n’altèrent en rien sa qualité artistique et peuvent être corrigées par un nettoyage doux et minutieux.
Une scène aquatique dynamique
La sculpture représente une scène vibrante et immersive mettant en scène trois femmes nues dans un environnement aquatique.
La composition, d’une grande complexité, joue sur différents niveaux pour guider l’œil du spectateur à travers l’œuvre.
L’une des figures féminines est assise avec grâce au sommet d’un rocher, dominant la scène d’un air serein et majestueux.
Les deux autres femmes semblent quant à elles émerger ou glisser dans un torrent, leurs corps s’intégrant harmonieusement aux textures fluides de l’eau sculptée.
Détails minutieux et naturalisme
Un des points forts de cette œuvre réside dans l’extraordinaire finesse des détails.
Chaque élément a été réalisé avec un soin méticuleux, contribuant à enrichir l’ensemble de la composition.
Le socle, qui simule un environnement rocheux et aquatique, regorge de détails naturalistes tels que des coquillages, un poisson et une anguille qui semblent s’animer sous nos yeux.
Ces éléments accentuent l’idée que les trois figures féminines évoluent à proximité d’une cascade, dans une scène vibrante et presque tangible.
L’artiste a su capter le mouvement et l’interaction entre les figures humaines et leur environnement, créant un équilibre subtil entre sensualité et dynamisme.
Les textures des rochers, la fluidité de l’eau et la douceur des courbes féminines témoignent du talent exceptionnel du sculpteur, capable de donner vie au bronze avec une précision rare.
Une thématique évocatrice
Cette sculpture se distingue également par la richesse symbolique qu’elle dégage.
L’interaction entre les femmes et leur cadre aquatique pourrait suggérer une inspiration mythologique, évoquant par exemple des nymphes ou des naïades, figures classiques de la culture occidentale associées aux eaux et aux cascades.
Alternativement, elle pourrait s’inscrire dans un courant naturaliste, célébrant la beauté et l’harmonie de la nature.
Ce type de thématique, prisé au début du XXe siècle, reflète un intérêt marqué pour la fusion entre l’humain et le monde naturel, ainsi qu’une exploration de la sensualité et de la vitalité féminine.
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Hermann Haase-Ilsenburg (1869-1960), l’enlèvement d’Europe, sculpture bronze
2500,00 €Je vous présente une sculpture en bronze exceptionnelle, une création captivante qui illustre l’histoire mythique d’Europe, la belle princesse phénicienne enlevée par Zeus, le roi des dieux de l’Olympe » L’enlèvement d’Europe « .
Ce récit fascinant, parmi les plus célèbres de la mythologie gréco-romaine, a inspiré les artistes depuis des siècles.
Ici, cette légende prend vie dans une interprétation magistrale de l’artiste Hermann Haase-Ilsenburg (1869-1960), un sculpteur allemand renommé, particulièrement apprécié pour ses contributions remarquables dans le style Art déco primitif.
Un sujet mythologique intemporel
La légende d’Europe est un symbole puissant de transformation, de beauté et de mystère.
Dans ce mythe, Zeus se métamorphose en un majestueux taureau blanc pour approcher Europe, la séduire et l’emmener loin de son foyer. Cette scène dramatique, riche en symbolisme, a été maintes fois réinterprétée dans l’histoire de l’art, de la peinture à la sculpture en passant par la littérature et les arts décoratifs.
Hermann Haase s’inscrit dans cette tradition en offrant une version unique, marquée par une sensibilité contemporaine et une maîtrise technique exceptionnelle.
Une œuvre d’Art déco primitif
La sculpture reflète le style Art déco primitif, un mouvement qui conjugue l’élégance moderne et des influences inspirées des cultures anciennes.
Avec sa patine brune, la surface du bronze capte subtilement la lumière, mettant en valeur les détails soigneusement travaillés.
Chaque courbe et chaque expression traduisent la maîtrise artistique de Haase.
La figure repose sur un socle en marbre gris moucheté, ajoutant une base contrastée et raffinée à l’ensemble.
Ce choix de matériaux confère à la sculpture une stabilité et une sophistication qui enrichissent l’impact visuel global de l’œuvre.
Hermann Haase-Ilsenburg : un maître sculpteur
Hermann Haase-Ilsenburg, né en Allemagne en 1869 et décédé en 1960, a marqué le domaine de la sculpture par son talent exceptionnel et sa capacité à capturer l’émotion humaine à travers des formes matérielles.
Formé dans des académies d’art prestigieuses, il a développé un style personnel mêlant les influences classiques et modernes.
Son travail se distingue par une attention rigoureuse aux détails, une expressivité saisissante et un sens aigu de l’équilibre formel.
Il a consacré sa carrière à traduire des récits intemporels et des émotions universelles en œuvres d’art palpables, comme en témoigne cette pièce.
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Magnifique pendule horloge en bronze cathédrale néo gothique XIXe siècle
1600,00 €Cette pendule en bronze doré, mesurant 44 cm de hauteur, est une pièce décorative remarquable datant de la fin du XIXe siècle.
Inspirée par l’architecture gothique, elle se distingue par sa forme évoquant une cathédrale et par une ornementation riche et minutieuse, qui illustre les prouesses artistiques et artisanales de cette époque.
Une architecture miniature d’inspiration gothique
L’ensemble de la pendule s’inscrit dans une esthétique gothique, reprenant les éléments caractéristiques de ce style architectural.La base est ornée d’arcatures finement sculptées, supportées par des colonnes élancées qui rappellent les piliers majestueux des grandes cathédrales médiévales.
Ces détails accentuent l’élan vertical et la complexité ornementale de la pièce, offrant une impression de hauteur et de légèreté.
Le sommet de la pendule est surmonté d’une flèche gothique élancée, symbole architectural par excellence de ce style.
Ce détail renforce l’impression de verticalité, tandis que les ornements ajourés, combinant des motifs floraux et géométriques, enrichissent encore son apparence.
Ces éléments témoignent d’un travail de ferronnerie d’art particulièrement sophistiqué, où chaque détail semble pensé pour capturer l’essence du gothique tout en la transposant à une échelle domestique.
Un cadran raffiné et fonctionnel
Au centre de la structure, un cadran en émail blanc constitue le cœur fonctionnel de la pendule.Ce cadran circulaire est cerclé de motifs floraux délicats qui s’harmonisent avec les autres éléments décoratifs.
Les chiffres romains noirs, associés aux aiguilles en acier finement travaillées, offrent un contraste visuel élégant tout en facilitant la lecture de l’heure.
Ce cadran est également doté d’un mécanisme ingénieux qui permet de le retirer pour le remontage, soulignant à la fois la fonctionnalité et l’ingéniosité technique de l’objet.
Un éclat patiné par le temps
Le bronze doré, utilisé comme matériau principal, confère à la pendule une lumière douce et chaleureuse.Avec le temps, la dorure a acquis une légère patine, accentuant l’impression d’ancienneté et d’authenticité.
Cette combinaison de dorure brillante et de patine subtile rappelle la richesse des intérieurs bourgeois de la fin du XIXe siècle, où de tels objets étaient prisés pour leur capacité à conjuguer utilité et beauté.
Un témoignage du goût historiciste
Cette pendule illustre le goût historiciste caractéristique de la fin du XIXe siècle, période marquée par une réinterprétation des styles artistiques du passé.À travers cette pièce, le style gothique est revisité non pas pour sa fonction architecturale originelle, mais pour sa valeur décorative et symbolique.
L’objet témoigne d’un dialogue entre histoire et modernité, où les formes anciennes sont adaptées aux besoins et aux sensibilités esthétiques de l’époque.
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Paire de consoles d’appliques en bronze doré, mascarons, XIXe siècle
Ces superbes consoles d’appliques, datant de la fin du XIXᵉ siècle, incarnent le raffinement et l’élégance des arts décoratifs français de cette époque.
Réalisées en bronze doré et dotées d’un dessus en bois, elles se distinguent par leur travail d’ornementation richement détaillé et leur conception soignée, qui reflètent l’excellence artisanale de leur temps.
Un Design Élégant et Chargé d’Histoire
Ces pièces présentent une structure ajourée somptueusement travaillée, avec un décor ornemental dominé par un mascaron central, un motif souvent utilisé dans l’art classique pour symboliser la protection ou la puissance.
Le mascaron, finement sculpté, attire immédiatement l’attention et confère une présence imposante aux consoles tout en restant harmonieux avec le reste du design.
Les enroulements gracieux et les guirlandes de fleurs flanquant les consoles illustrent une abondance d’influences stylistiques.
On y perçoit un dialogue entre les inspirations rococo, avec leurs courbes délicates, et les échos néo-classiques, caractérisés par leur symétrie et leur équilibre.
Ce mélange stylistique est typique de la fin du XIXᵉ siècle, où l’éclectisme artistique atteignait son apogée.
Une Réalisation Technique Impressionnante
Le bronze doré utilisé pour ces appliques témoigne d’un savoir-faire exceptionnel.
La dorure, probablement réalisée selon la technique de dorure au mercure, confère aux pièces un éclat chaleureux et une durabilité remarquable.
Les reflets lumineux qui jouent sur la surface sculptée mettent en valeur chaque détail, accentuant la profondeur et le relief des motifs.
Le dessus en bois apporte une note de chaleur et de contraste avec le métal doré.
Cette association élégante de matériaux nobles rehausse la richesse visuelle des consoles tout en ajoutant une touche fonctionnelle, les rendant idéales pour exposer des objets décoratifs.
Dimensions et Proportions Idéales
Avec une largeur de 29,5 cm et une hauteur de 29 cm, ces consoles possèdent des proportions harmonieuses qui s’adaptent aisément à différents types d’intérieurs.
Leur taille les rend suffisamment imposantes pour servir de points focaux dans une pièce, tout en conservant une certaine discrétion, essentielle pour s’intégrer dans un ensemble décoratif plus vaste.
Une Utilisation Polyvalente
Conçues pour être fixées au mur, ces appliques s’adaptent parfaitement à une variété d’environnements.
Placées dans un salon, une entrée ou une chambre, elles peuvent servir de supports pour des objets précieux, tels que des vases, des sculptures ou des bougeoirs.
Leur style intemporel leur permet également de s’intégrer aussi bien dans des décors classiques que dans des espaces contemporains, apportant une touche d’opulence et d’histoire.
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Grande statue XIXe en plâtre représentant un guerrier africain
Je vous présente une pièce rare et spectaculaire : une grande statue en plâtre datant du XIXe siècle, représentant un guerrier africain, une figure iconique et majestueuse.
Avec une hauteur impressionnante de 203 cm (sans compter la lance en bois peint en blanc), cette œuvre combine une présence saisissante et une finesse d’exécution remarquable.
Description et détails
La statue représente un guerrier africain debout, dans une pose noble et affirmée.D’une main, il tient une lance en bois, tandis que l’autre repose sur sa hanche, exprimant force et confiance.
Le visage du guerrier est particulièrement expressif, avec des traits finement sculptés qui témoignent du savoir-faire de l’artiste.
Sa coiffure texturée, son regard fier dirigé vers l’horizon, et les détails soignés des ornements autour de son cou reflètent un réalisme et une sensibilité artistiques caractéristiques de l’époque.
Le vêtement est également élaboré avec soin : le guerrier est vêtu d’un pagne sculpté avec précision, comportant des plis et textures qui accentuent le rendu réaliste de la sculpture.
La base circulaire sur laquelle repose la statue assure stabilité et élégance.
La lance, en bois peint d’une teinte blanche pour s’harmoniser avec la pièce, donne une dynamique supplémentaire à l’ensemble, rappelant les codes du XIXe siècle où les objets exotiques étaient magnifiés dans les arts décoratifs.
Un contexte historique et artistique
Cette statue s’inscrit parfaitement dans l’esprit du XIXe siècle, une période marquée par un fort attrait pour l’exotisme et les représentations idéalisées des cultures du monde.En Europe, cet exotisme romantique influença de nombreux artistes, qui cherchaient à immortaliser des figures emblématiques et à célébrer la diversité culturelle.
Ces sculptures étaient souvent commandées pour des salons, des galeries ou des collections privées, où elles occupaient une place de choix, symbolisant à la fois un goût pour l’art et une fascination pour l’ailleurs.
Les œuvres de cette envergure, tant par leur taille que par leur qualité artistique, sont devenues rares sur le marché de l’art.
Ce modèle particulier pourrait également avoir été conçu comme une œuvre commémorative ou une interprétation libre destinée à valoriser les cultures extra européennes dans un contexte colonial.
Un atout pour vos espaces
Avec ses proportions imposantes et son allure grandiose, cette statue s’intègrera parfaitement dans divers environnements : une galerie d’art, un hall spacieux, un intérieur à la décoration classique ou éclectique.Elle ne manquera pas de devenir une pièce maîtresse, attirant l’attention et suscitant l’admiration des visiteurs.
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Sculpture en terre cuite patinée – Le Fleuve – D’après Jean Jacques Caffieri
2800,00 €Sculpture en terre cuite patinée – « Le Fleuve »
d’après Jean-Jacques Caffieri, école française du XVIIIe siècleCette sculpture en terre cuite patinée, intitulée « Le Fleuve », est une œuvre d’une grande finesse, inspirée du modèle original en marbre du sculpteur français Jean-Jacques Caffieri (1725-1792), figure emblématique de l’école française du XVIIIe siècle.
Réalisée probablement vers la fin du XIXe siècle, elle témoigne de la fascination pour les chefs-d’œuvre classiques et de l’engouement pour les reproductions d’artistes illustres de cette époque.
Un hommage à l’excellence de Caffieri
Signée sur la base « Monsieur Caffier 1759 », cette pièce rend hommage à l’œuvre originale de Caffieri, conservée au musée du Louvre à Paris. Jean-Jacques Caffieri, connu pour ses portraits sculptés et ses allégories, a marqué le XVIIIe siècle par son élégance et son attention méticuleuse aux détails.
Ce modèle marbre, créé dans une période de faste artistique, représente une figure allégorique d’un fleuve, symbole de puissance et de continuité.
Cette version en terre cuite témoigne d’un savoir-faire remarquable.
Le matériau utilisé, patiné avec soin, imite avec subtilité la noblesse du marbre tout en offrant une chaleur et une légèreté propres à la terre cuite.
Sa patine confère à l’œuvre un caractère intemporel, renforçant l’impression d’avoir affaire à un original d’époque.
Description et détails
Haute de 58 cm, cette sculpture attire immédiatement le regard par ses proportions harmonieuses et la délicatesse de ses détails.
La figure allégorique, probablement masculine, est représentée dans une posture majestueuse.
Les drapés fluides et dynamiques soulignent le mouvement de l’eau, tandis que les muscles finement sculptés traduisent la force et la vigueur associées aux cours d’eau puissants.
Les traits expressifs et le travail minutieux des cheveux témoignent de l’influence baroque sur Caffieri, qui mêle puissance et grâce.
Les courbes douces et les contrastes subtilement marqués entre les surfaces lisses et texturées ajoutent à l’attrait visuel de l’œuvre. L’inscription sur la base, évoquant la date de 1759, renforce la filiation avec l’original tout en ajoutant une touche d’authenticité et d’histoire à cette version postérieure.
Une sculpture d’époque, mais intemporelle
Bien que cette œuvre ait été réalisée à la fin du XIXe siècle, elle s’inscrit dans une longue tradition d’admiration et de réinterprétation des maîtres du XVIIIe siècle.
À cette époque, les reproductions d’œuvres célèbres étaient très recherchées par les amateurs d’art et les collectionneurs, désireux de posséder une part de l’héritage artistique français.
Ce type de création, qui marie un sujet classique à une technique raffinée, reflète également l’essor de la bourgeoisie et l’élargissement de l’accès à l’art.
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Belle sculpture d’un joli bébé souriant en marbre, d’après l’atelier R. d’Arcy
450,00 €Cette œuvre remarquable, réalisée d’après l’atelier R. d’Arcy, incarne l’art de la sculpture dans sa forme la plus expressive et raffinée.
Il s’agit d’une sculpture en marbre représentant un bébé souriant, dont le visage rayonne d’une joie contagieuse, presque à la limite de l’éclat de rire.
Avec une largeur de 30 cm et une hauteur de 31 cm, cette pièce est un véritable chef-d’œuvre de délicatesse et d’émotion.
Un visage lumineux et expressif
Le point focal de cette sculpture est sans conteste l’expression du visage du bébé.
Ce dernier est finement sculpté, chaque détail capturant la pureté et l’innocence propres à la petite enfance.
Les joues rebondies, le front légèrement bombé et les fossettes marquées viennent accentuer le réalisme et la tendresse de cette représentation.
Les lèvres, délicatement entrouvertes dans un sourire éclatant, traduisent une gaieté sincère et spontanée.
Ce visage semble presque vivant, tant l’artisan a su insuffler une dynamique expressive qui capte l’instant d’une émotion fugace, mais universelle.
Les yeux du bébé, sculptés avec soin, reflètent une étincelle de malice et d’innocence, soulignant la maîtrise technique de l’artiste.
L’ensemble évoque une scène empreinte de bonheur et de simplicité, où le spectateur peut presque entendre le rire de l’enfant.
Cette capacité à transmettre des émotions à travers la pierre témoigne d’un savoir-faire exceptionnel.
Un travail de sculpture méticuleux
Réalisée en marbre, une matière noble et durable, cette sculpture met en lumière l’habileté et l’expertise des sculpteurs de l’atelier R. d’Arcy. Chaque détail est soigneusement travaillé, des courbes douces du visage aux légers plis sur le cou, qui ajoutent un réalisme supplémentaire à l’ensemble.
Le polissage impeccable du marbre donne à la surface une texture douce et lumineuse, reflétant la lumière de manière subtile et harmonieuse.
La qualité de la sculpture est telle qu’elle transcende la simple représentation figurative pour atteindre une forme d’art intemporelle.
Le jeu entre les zones lisses et les reliefs accentue la profondeur et le volume, renforçant l’impression que ce bébé pourrait s’animer d’un moment à l’autre.
Une œuvre aux dimensions idéales
Avec ses dimensions équilibrées de 30 cm de largeur et 31 cm de hauteur, cette sculpture s’intègre facilement dans divers espaces intérieurs, tout en conservant une présence imposante.
Ces proportions rendent l’œuvre à la fois accessible et suffisamment imposante pour attirer l’attention, que ce soit dans un salon, une bibliothèque ou une galerie privée.
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Grande sculpture en marbre de 83 cm, la baigneuse, d’après Falconet
Cette superbe et élégante sculpture en marbre, inspirée de « La Baigneuse » d’Étienne Maurice Falconet, incarne l’art raffiné du XVIIIe siècle. Reprenant avec virtuosité les caractéristiques de la célèbre œuvre originale exposée au musée du Louvre, cette pièce illustre le mariage harmonieux entre la tradition classique et l’esthétique rococo.
Représentant une nymphe descendant du bain, cette sculpture capte avec délicatesse et sensualité l’esprit de l’Antique, réinterprété avec une finesse remarquable.
Une œuvre inspirée par les maîtres de l’Antiquité et du Grand Siècle
L’œuvre originale de Falconet, conçue vers le milieu du XVIIIe siècle, s’inspire elle-même des canons de beauté classique et des peintures mythologiques, notamment celles de François Lemoyne.
Peintre éminent du Grand Siècle, Lemoyne excellait dans l’art de représenter la grâce féminine à travers des scènes mythologiques empreintes de poésie.
Ici, la sculpture reprend cette tradition en traduisant la légèreté et l’élégance picturale dans le langage sculptural.
Falconet, célèbre sculpteur du siècle des Lumières, a réussi à capturer la quintessence de la beauté féminine dans cette figure délicate.
La posture gracieuse de la nymphe, se penchant légèrement en avant tout en tenant son drapé, exprime une douce retenue et une sensualité mesurée, des traits caractéristiques de son style.
Un hommage à la pureté du marbre et au raffinement artistique
Réalisée en marbre blanc de haute qualité, cette sculpture révèle une maîtrise exceptionnelle de la matière.
Le travail des détails est saisissant : des courbes harmonieuses du corps aux plis du drapé subtilement sculptés, chaque élément témoigne d’une précision technique remarquable.
La surface polie du marbre confère à l’ensemble un éclat satiné qui magnifie la douceur des traits du visage et la fluidité des lignes du corps.
Les dimensions généreuses de 83 cm permettent de mettre en valeur cette œuvre dans tout type d’espace.
Qu’elle soit placée sur un piédestal dans un salon, une galerie ou un bureau, cette sculpture devient immédiatement un point focal, attirant les regards par son élégance intemporelle.
Une pièce décorative de grande élégance
En plus de son aspect artistique, cette sculpture constitue un élément décoratif exceptionnel.
Son esthétique classique s’intègre aussi bien dans des intérieurs traditionnels que contemporains, apportant une touche de raffinement et de noblesse.
Que ce soit pour un collectionneur passionné d’art ou un amateur de décoration sophistiquée, cette pièce trouve sa place dans tout cadre recherchant l’équilibre entre l’histoire et le goût moderne.
La thématique de la nymphe descendante du bain, symbole de pureté et de beauté naturelle, évoque également l’intimité et la sérénité.
Ce thème intemporel séduit par sa capacité à transcender les époques et les styles.
Falconet, avec sa vision empreinte de grâce et de sensibilité, a su élever cette scène apparemment simple au rang d’icône artistique.
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Belle et ancienne aiguière en étain art nouveau signé de Noel Ruffier
580,00 €Noël Ruffier, sculpteur et orfèvre français actif à la fin du XIXᵉ siècle et au début du XXᵉ siècle, est connu pour ses créations alliant symbolisme et virtuosité technique.
Né en 1847, il s’inscrit dans le mouvement de l’Art Nouveau, qui privilégie l’expression organique, les motifs naturalistes et une vision esthétique souvent empreinte de mystère et de sensualité.
L’aiguière qu’il a créée, une pièce remarquable datant d’environ 1900, témoigne de ce style et de l’habilité de Ruffier à marier fonctionnalité et art sculptural.
**Description de l’œuvre**
L’aiguière, d’une hauteur de 39 cm, est réalisée en bronze avec une sculpture en relief en étain sur sa panse.
Elle adopte une forme saisissante et narrative : celle d’un *Kantor* ou d’un satyre, créature mythologique symbolisant souvent les instincts primaires et la séduction, tendant une embuscade à une belle femme endormie.
Ce choix iconographique évoque des thématiques classiques mêlées à l’imaginaire romantique de l’Art Nouveau.
La scène sculptée présente un contraste frappant entre la douceur paisible de la femme et l’énergie dynamique du satyre.
La femme, représentée dans une pose alanguie et vulnérable, incarne un idéal de beauté gracieuse, tandis que le satyre, caractérisé par des muscles tendus et un regard intense, exprime une tension dramatique.
Ces détails donnent vie à la composition et plongent l’observateur dans une scène théâtrale où le désir et le rêve se confondent.
L’aiguière n’est pas seulement une pièce fonctionnelle destinée à contenir un liquide ; elle s’impose comme un objet d’art à part entière.
Le mélange du bronze et de l’étain enrichit l’œuvre en apportant des textures variées.
Le bronze confère une robustesse et une patine qui accentuent la richesse visuelle, tandis que l’étain, utilisé pour la scène en relief, offre un contraste subtil et raffiné.
**Signature et authenticité**
La signature de Noël Ruffier figure sur la panse de l’aiguière, confirmant son attribution à l’artiste.
Ce détail témoigne de l’importance qu’il accordait à ses créations, qu’il voyait comme des œuvres uniques et précieuses.
Ruffier, bien que moins connu que certains de ses contemporains comme René Lalique ou Emile Gallé, partage leur ambition de repousser les limites des matériaux pour créer des objets empreints de poésie et d’une qualité technique irréprochable.
**Contexte artistique et symbolisme**
À travers cette aiguière, Ruffier reflète les aspirations de l’Art Nouveau, qui s’inspire des mythes antiques et de la nature tout en explorant des thèmes psychologiques et émotionnels.
Le choix du satyre, figure de la mythologie gréco-romaine, est emblématique.
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Paire de chandelier candélabre en cristal de Baccarat, Hauteur 56 cm
1600,00 €Grande Paire de Candélabres en Cristal de Baccarat
Ces superbes candélabres en cristal de Baccarat, mesurant 56 cm de hauteur, incarnent l’élégance et l’artisanat du 19e siècle, période où le savoir-faire de Baccarat en matière de verrerie et de cristal atteint des sommets inégalés.
Avec leurs trois bras de lumière gracieux et un assemblage de pendeloques étincelantes, ces pièces illuminent non seulement par leur fonction, mais également par leur esthétique, en témoignant de l’expertise et du prestige de la cristallerie française.
La présence de la marque Baccarat au revers confirme leur authenticité, offrant ainsi aux amateurs de beaux objets une opportunité d’acquérir une œuvre véritablement emblématique de cet atelier de renommée mondiale.
Description et Détails Techniques
Chaque candélabre de cette paire repose sur une monture en métal ornée, qui ajoute un contraste subtil et raffiné au cristal éclatant.
Les bras de lumière, habillés de pendeloques, projettent une luminosité qui magnifie les surfaces environnantes, rappelant l’atmosphère chaleureuse des salons aristocratiques et des demeures nobles du passé.
Les pampilles, ou « pendeloques », suspendues aux bras de lumière, créent un jeu de reflets fascinant qui attire naturellement le regard.
En examinant de plus près, quelques détails montrent que ces candélabres ont traversé les âges.
Certaines pampilles, fragiles par nature, sont manquantes ; néanmoins, il est possible de retrouver des pampilles d’époque qui pourront parfaitement compléter l’ensemble et rétablir son intégrité visuelle.
De plus, l’une des coupelles a été recollée, mais le travail de réparation a été fait avec soin, sans altérer l’harmonie globale du candélabre.
Enfin, parmi les deux bobèches qui accueillent les bougies, l’une présente quelques égrenures, témoins de son utilisation et de son passage à travers le temps, tandis que l’autre est restée intacte.
La Signature Baccarat : Tradition et Excellence
Baccarat, fondée en 1764 sous le règne de Louis XV, est devenue synonyme de cristal de luxe et d’excellence française.
Reconnaissable à son éclat inégalé et à sa qualité exceptionnelle, chaque pièce de Baccarat est le résultat de plusieurs centaines d’années d’expertise transmise de génération en génération.
La marque Baccarat, visible au revers de ces candélabres, assure aux collectionneurs la provenance et l’authenticité de ces pièces.
Cette signature est un gage de qualité qui rappelle les nombreuses commandes prestigieuses de Baccarat au fil de l’histoire, des tables royales aux maisons de la haute société européenne.
L’histoire de Baccarat est ponctuée de collaborations artistiques, et la maison est également reconnue pour avoir constamment innové dans ses designs et ses techniques de production, créant des œuvres qui marient tradition et modernité.
Ces candélabres, bien que d’une autre époque, sont représentatifs de cette capacité unique de Baccarat à concevoir des objets intemporels, qui continuent de captiver par leur sophistication et leur beauté.
Un Témoignage du Passé
L’intérêt particulier pour cette paire réside dans la dualité entre leur caractère intact et les petites imperfections qu’ils portent, comme des marques du temps.
Ce type de pièces suscite un charme unique et raconte une histoire ; il est possible d’imaginer ces candélabres illuminant des salles de réception somptueuses, témoins muets de conversations élégantes et de soirées fastueuses.
Leur acquisition invite le collectionneur non seulement à posséder un objet précieux, mais également à faire revivre une époque où l’art de la table était élevé au rang de cérémonie.
Posséder cette paire de candélabres en cristal Baccarat, c’est offrir une seconde vie à un vestige du passé et l’inscrire dans une nouvelle histoire.
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Belle sculpture ancienne de la fin du 18e, Dieux le père et Jésus
450,00 €Cette sculpture en bois massif, datant de la fin du XVIIIe au début du XIXe siècle, est une œuvre remarquable à bien des égards, tant par sa qualité artistique que par son importance historique et spirituelle.
Elle représente le Dieu Père tenant l’enfant Jésus, une iconographie rare et significative qui témoigne de la profonde dévotion religieuse de l’époque.
D’une hauteur de 62 cm et d’une largeur de 25 cm, cette sculpture imposante attire l’attention par sa présence à la fois majestueuse et apaisante, incarnant à la fois la force et la douceur des figures représentées.
Un héritage artistique du bois sculpté normand
La Normandie, région célèbre pour ses traditions artisanales, notamment dans le travail du bois, a produit au fil des siècles des œuvres d’une qualité exceptionnelle, alliant rigueur technique et expression spirituelle.
Cette sculpture semble s’inscrire dans cette lignée artistique, avec un soin particulier apporté aux détails qui suggère un savoir-faire local et une profonde sensibilité pour l’expression religieuse.
Le choix du bois massif confère à la pièce une solidité et une stabilité remarquables, mais également une patine qui révèle son ancienneté.
Les sculpteurs normands de cette période utilisaient souvent des essences de bois locales, comme le chêne ou le hêtre, réputées pour leur robustesse et leur grain fin, permettant de détailler des expressions faciales et des drapés avec une grande précision.
La représentation du Dieu Père et de l’enfant Jésus
La sculpture met en scène le Dieu Père portant l’Enfant Jésus, un sujet iconographique qui demeure relativement rare.
Traditionnellement, la représentation de Dieu le Père dans l’art chrétien était souvent réservée à des œuvres monumentales ou à des compositions plus abstraites.
Ici, le sculpteur a choisi une approche plus humaine et touchante, dépeignant Dieu le Père dans une posture de tendresse et de protection envers l’Enfant.
L’expression de bienveillance sur le visage du Dieu Père, les courbes de ses mains qui soutiennent délicatement l’enfant, créent un contraste saisissant entre la puissance divine et la fragilité humaine.
L’enfant Jésus, quant à lui, est représenté avec une expression douce et confiante, rappelant l’innocence et la pureté.
Le sculpteur a réussi à capturer cette dualité entre l’innocence de l’enfance et la dimension sacrée du personnage, symbolisant l’amour et la protection divine.
Cette juxtaposition entre le divin et l’humain confère à cette sculpture une force émotionnelle indéniable, témoignant de la foi et de la dévotion qui inspiraient les artistes de l’époque.
Traces du passé et authenticité
Cette œuvre ancienne porte les marques du temps, des signes d’usure et de vieillissement naturels, qui lui confèrent une authenticité et une profondeur supplémentaires.
Les traces d’usure sur la surface révèlent un passé chargé d’histoire, peut-être des siècles de vénération ou d’exposition dans un lieu de culte. Ces marques ne sont pas seulement des signes du temps, elles rappellent également la valeur sentimentale et spirituelle de l’œuvre pour les générations précédentes.
Une sculpture de haute qualité, témoin de son époque
Au-delà de son esthétique, cette sculpture se distingue par la finesse de son exécution.
Les détails des traits du visage, le traitement des drapés, et la qualité des proportions témoignent d’une maîtrise artistique exceptionnelle, probablement le fruit du travail d’un sculpteur chevronné.
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Sculpture bronze de la fin du XIXe siècle, représentant Molière assis dans un fauteuil avec la plume à la main, signé Pradier
1400,00 €Cette sculpture en bronze de la fin du XIXe siècle, signée Pradier, représente Molière, l’un des plus grands dramaturges français de tous les temps, assis dans un fauteuil, une plume à la main. Avec ses dimensions relativement modestes de 26 cm de haut, cette pièce se distingue par la précision de ses détails et l’expressivité de sa posture, qui incarnent l’essence même de l’artiste pensif et créatif.
Le personnage principal de la sculpture est Molière, vêtu de manière élégante avec une longue robe aux plis riches et fluides. L’attention aux détails est frappante, chaque pli de son vêtement étant soigneusement travaillé pour donner une impression de mouvement et de réalisme. La texture du tissu est finement ciselée, créant une juxtaposition entre la douceur de la robe et la dureté du bronze, matériau utilisé pour la réalisation de l’œuvre. Le bronze patiné confère à la sculpture une profondeur et une chaleur qui accentuent son caractère solennel. Molière est représenté dans une posture contemplative, avec la tête appuyée sur sa main gauche, le regard vague, comme s’il était en plein processus créatif ou en réflexion profonde.
L’autre main de Molière tient une plume, symbole indéniable de son métier d’écrivain. La plume, représentée avec une finesse délicate, renforce l’idée que cette sculpture capture un moment de création intellectuelle. Ce détail évoque non seulement la carrière prolifique de Molière, mais aussi son rôle primordial dans l’histoire de la littérature et du théâtre. Molière est connu pour avoir écrit certaines des plus grandes pièces de théâtre comique de l’histoire, telles que *Le Malade imaginaire*, *Tartuffe* et *L’Avare*. Sa plume, ici mise en avant, est l’instrument par lequel il a marqué de manière indélébile le patrimoine culturel français.
Le fauteuil sur lequel Molière est assis est lui aussi une œuvre d’art en soi. De style classique, il est richement décoré avec des motifs sculptés qui démontrent l’expertise du sculpteur. La base du fauteuil, ornée de franges et de motifs géométriques, porte également la signature de Pradier, gravée de manière lisible, affirmant ainsi l’authenticité et la qualité artistique de l’œuvre. Jean-Jacques Pradier, sculpteur de renom du XIXe siècle, est célèbre pour ses œuvres d’une grande finesse et son talent pour capturer les détails anatomiques et textiles de ses sujets.
Cette sculpture reflète parfaitement les tendances artistiques du XIXe siècle, marquées par un retour à des formes classiques et une admiration pour les grands hommes de lettres et d’art. L’art de cette période met souvent en avant les personnages historiques dans des poses héroïques ou méditatives, et cette œuvre ne fait pas exception. Molière est ici montré non pas comme un comédien sur scène, mais comme un penseur, un créateur dans un moment d’introspection. Cette représentation statique mais intense nous rappelle que l’éclat de ses œuvres vient avant tout de son génie créatif.
Le choix de représenter Molière dans un tel moment de quiétude intellectuelle témoigne également de la manière dont la fin du XIXe siècle a vu une réévaluation de la figure de l’écrivain. Molière, autrefois acteur et auteur comique, est ici érigé au rang de penseur profond, presque philosophe, soulignant la dimension intellectuelle de son travail.
Enfin, cette œuvre illustre également le savoir-faire technique des sculpteurs de cette époque.
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Grand pique cierge ancien en bois sculpté, époque 17e siècle
1300,00 €Le grand pique-cierge ancien en bois sculpté que nous présentons est une œuvre remarquable datant du XVIIe siècle. Ce type de mobilier liturgique était couramment utilisé dans les églises pour soutenir de grands cierges, participant ainsi à l’atmosphère solennelle des cérémonies religieuses. Cet exemplaire, mesurant 156 cm de hauteur totale, se distingue par son design élégant et sa finesse de réalisation, caractéristiques du savoir-faire artisanal de l’époque.
Description détaillée
Bois sculpté : Le bois utilisé pour ce pique-cierge est finement sculpté, témoignant d’une grande maîtrise technique et artistique. Chaque détail est travaillé avec soin, ce qui confère à l’objet une grande richesse visuelle. Les motifs sculptés pourraient inclure des éléments floraux, des arabesques ou des motifs géométriques typiques de l’époque baroque, bien que l’usure du temps puisse en avoir atténué certains aspects.
Piétement tripode : Le support repose sur un piétement tripode, une configuration classique qui assure une stabilité optimale. Chaque pied est magnifiquement sculpté en forme de griffe, une caractéristique stylistique qui évoque la force et la majesté. Sous chaque griffe, une boule décorative ajoute une touche supplémentaire de sophistication et de stabilité visuelle.
Conversion en lampe : À une période ultérieure de son histoire, ce pique-cierge a été transformé en lampe. Cette adaptation témoigne de la polyvalence de l’objet et de sa capacité à traverser les époques en s’adaptant à des usages divers. Cette transformation a probablement impliqué l’ajout de composants électriques, tout en respectant l’intégrité esthétique de la pièce originale.
État de conservation
Malgré les siècles écoulés, ce pique-cierge est en relativement bon état. Les signes d’usure naturelle, tels que les petites fissures, les éraflures ou les altérations mineures du bois, ajoutent à son charme et attestent de son authenticité. Le bois a probablement été traité et entretenu au fil des ans pour prévenir la dégradation et conserver sa beauté d’origine.
Importance historique et esthétique
Ce grand pique-cierge est plus qu’un simple objet décoratif. Il représente un morceau d’histoire, une fenêtre sur les pratiques et l’artisanat du XVIIe siècle. À cette époque, les objets liturgiques étaient souvent conçus avec une grande attention aux détails et à la symbolique, chaque élément ayant une signification particulière. Les pieds en forme de griffe, par exemple, pouvaient symboliser la protection divine ou la force spirituelle.
Utilisation contemporaine
Dans un contexte moderne, ce pique-cierge peut être intégré dans divers environnements. Dans une collection privée, il servira de pièce maîtresse, illustrant le goût pour les antiquités et l’art sacré.
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Statuette de prière, moine Bouddhiste fin XVIIIe en bois sculpté
Voici une magnifique et ancienne sculpture en bois polychromé, représentant un moine bouddhiste en prière. Datant de la fin du XVIIIe siècle ou du début du XIXe siècle, cette œuvre est un exemple remarquable de l’artisanat de cette époque. Le bois utilisé pour la sculpture est exceptionnellement léger, un détail qui souligne l’habileté et la maîtrise des artisans de l’époque. Cette légèreté pourrait également indiquer l’utilisation de bois de haute qualité, soigneusement sélectionné pour ce type de travail délicat.
La statuette présente une particularité intrigante : sa tête est amovible, se détachant comme un bouchon. Cette caractéristique unique suggère que la sculpture pouvait être utilisée pour cacher un objet de valeur ou une lettre de prière. Dans les traditions bouddhistes, il n’est pas rare que des objets sacrés soient dissimulés à l’intérieur de statues, ajoutant ainsi une dimension mystique et fonctionnelle à l’œuvre. Cette possibilité confère à la statuette un intérêt supplémentaire, transformant un simple objet de dévotion en un réceptacle de secrets spirituels.
Mesurant 19,5 cm de hauteur, la statuette est d’une taille idéale pour être manipulée et exposée avec élégance. Sa taille compacte n’enlève rien à la richesse de ses détails. Les traits du visage du moine et la position de ses mains en prière sont finement sculptés, reflétant une profonde dévotion et une sérénité intérieure. La polychromie, bien que partiellement usée par le temps, reste visible et ajoute une dimension colorée et vivante à l’œuvre. Les pigments utilisés sont typiques de l’époque et apportent une touche d’authenticité supplémentaire à cette pièce ancienne.
Il est important de noter que, malgré son ancienneté, la statuette a conservé une grande partie de sa beauté originale. Quelques imperfections sont visibles, comme en témoignent les photos, mais ces marques du temps ne font qu’ajouter à son charme et à son authenticité. Elles racontent l’histoire de l’objet, témoignant de son passage à travers les siècles et de son utilisation par des générations de fidèles. Ces imperfections ne sont pas des défauts, mais des preuves de l’histoire riche et complexe de cette œuvre.
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Série complète de 12 porte-couteaux YER en verre dans sa boîte d’origine
250,00 €Je propose une série complète de 12 porte-couteaux YER, soigneusement conservés dans leur boîte d’origine, datant des années 1930. Ces porte-couteaux en verre moulé sont une œuvre d’art raffinée de la marque française YER, nommée d’après la vallée de la rivière Yerre dans l’Essonne. Ils incarnent un savoir-faire d’époque et un design intemporel qui ravira les amateurs de pièces de collection et les passionnés de décoration vintage.
La série se compose de douze porte-couteaux, chacun mesurant environ 10 cm. Chaque pièce présente un motif distinctif représentant un animal, apportant ainsi une touche de charme et de diversité à votre table. Les motifs inclus sont deux canards, deux chiens, deux poissons, deux oiseaux de paradis, deux escargots et deux écureuils. Ces animaux sont sculptés avec une précision remarquable, chaque détail du design reflétant l’excellence artisanale de YER. La qualité du verre moulé permet de capturer des détails fins et des textures variées, donnant vie aux animaux représentés.
Les porte-couteaux sont en parfait état, sans fissures, éclats ou autres imperfections, ce qui témoigne de leur conservation minutieuse au fil des décennies. Le verre est transparent, brillant et opaque, avec une finition lisse qui accentue les détails sculptés. Chaque pièce est non seulement fonctionnelle pour maintenir les couteaux en place, mais aussi esthétiquement plaisante, ajoutant une touche de sophistication à toute présentation de table.
La boîte d’origine, également en excellent état, complète cette série de manière élégante. Elle est conçue pour protéger les porte-couteaux tout en les exposant de manière raffinée. Le design de la boîte reflète le style de l’époque, avec une attention particulière aux détails qui la rend aussi précieuse que les porte-couteaux eux-mêmes.
Les porte-couteaux YER des années 1930 sont devenus des pièces de collection recherchées, non seulement pour leur beauté mais aussi pour leur rareté. En effet, la marque YER est reconnue pour sa production limitée et son engagement envers la qualité, ce qui confère à chaque pièce une valeur accrue. Cette série complète représente donc une opportunité unique d’acquérir un ensemble d’objets historiques et décoratifs.
En possédant cette série de porte-couteaux, vous ne faites pas seulement l’acquisition de pièces fonctionnelles pour vos repas, mais vous investissez également dans un morceau d’histoire du design français. Ils sont parfaits pour les collectionneurs d’objets vintage, les amateurs de verrerie ancienne ou toute personne cherchant à ajouter une touche d’élégance à ses réceptions.
En résumé, cette série de porte-couteaux YER est une pièce rare qui allie l’élégance du design des années 1930 à une qualité de fabrication exceptionnelle. En parfait état et conservée dans sa boîte d’origine, elle constitue une opportunité précieuse pour enrichir une collection ou embellir une table avec un charme d’antan. Ne laissez pas passer cette chance d’acquérir un ensemble de porte-couteaux qui raconte une histoire et ajoute une touche de sophistication à chaque repas.
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Sculpture en plâtre, œuvre remarquable inspirée du sculpteur Jean-Baptiste Pigalle
120,00 €Le buste en plâtre blanc intitulé « La Rieuse » est une œuvre inspirée du sculpteur français Jean-Baptiste Pigalle, un maître du XVIIIe siècle réputé pour ses créations expressives et délicates. Cette pièce particulière, mesurant 33 cm de hauteur et 25,5 cm de largeur, capture l’essence du style rococo, avec une attention méticuleuse aux détails et une exécution raffinée.
Description Physique et Esthétique
« La Rieuse » représente une jeune femme arborant un sourire éclatant, caractéristique de l’allégresse et de la vivacité de l’époque rococo. La sculpture en plâtre blanc permet une clarté et une netteté des traits, rendant justice à l’habileté de Pigalle à capturer l’émotion humaine. Les cheveux de la femme sont délicatement sculptés, tombant en boucles légères et naturelles qui encadrent son visage rayonnant. La signature sous un bras ajoute une touche d’authenticité et de valeur historique à la pièce, indiquant l’origine et le respect envers l’œuvre originale de Pigalle.
Contexte Historique
Jean-Baptiste Pigalle (1714-1785) était un sculpteur de renom durant le règne de Louis XV et Louis XVI, ayant reçu des commandes de la cour royale et d’éminentes figures de l’époque. Son style, souvent associé au rococo, se distingue par une fluidité et une expressivité qui captivent l’essence humaine. « La Rieuse » s’inscrit parfaitement dans ce cadre, illustrant non seulement les compétences techniques de Pigalle mais aussi son talent à véhiculer une émotion pure à travers le medium du plâtre.
Technique et Exécution
Le choix du plâtre comme matériau de ce buste n’est pas anodin. Le plâtre permet une finesse des détails et une légèreté visuelle qui mettent en valeur la grâce et la spontanéité du sujet. La technique de Pigalle, bien que traditionnelle, était innovante pour son temps, combinant des influences classiques avec une sensibilité moderne. La finition lisse et la précision des traits montrent une maîtrise parfaite de la sculpture en plâtre, où chaque courbe et chaque expression sont rendues avec une délicatesse inégalée.
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Grand buste en plâtre ancien, Jean de La Fontaine, 77 cm, début XXe
Grand Buste en Plâtre Ancien de Jean de La Fontaine
Ce grand buste en plâtre, datant du début du XXe siècle, représente l’une des figures les plus illustres de la littérature française : Jean de La Fontaine. D’une hauteur impressionnante d’environ 80 cm, cette œuvre dégage une présence imposante et majestueuse qui capte immédiatement l’attention.
Jean de La Fontaine : Une Figure Éminente
Jean de La Fontaine (1621-1695) est surtout connu pour ses fables, des récits allégoriques mettant en scène des animaux pour transmettre des leçons morales et philosophiques. Ses œuvres, parmi lesquelles « Le Corbeau et le Renard » et « La Cigale et la Fourmi », font partie intégrante du patrimoine culturel français et ont influencé de nombreuses générations. La Fontaine a su capturer l’essence de la nature humaine avec une simplicité et une élégance littéraire qui demeurent inégalées.
Description et Analyse Artistique
Le buste en plâtre capture La Fontaine dans une posture classique, souvent attribuée aux grands penseurs et écrivains. Les détails minutieusement sculptés reflètent le talent et la dextérité de l’artiste anonyme qui a su donner vie à ce personnage historique.
– Expression Faciale : Le visage de La Fontaine est finement sculpté, avec une expression sereine mais contemplative. Ses yeux semblent perdus dans une réflexion profonde, évoquant l’image du poète philosophe en pleine méditation.
– Chevelure et Détails Vestimentaires : La chevelure, abondante et bouclée, est représentative des portraits classiques de La Fontaine, conférant un aspect à la fois réaliste et idéalisé. Les plis de son vêtement sont rendus avec une grande précision, soulignant le soin apporté à chaque détail.
– Matériau : Le plâtre, matériau souvent utilisé au début du XXe siècle pour la réalisation de bustes et de sculptures, permet un niveau de détail élevé tout en étant plus accessible que le marbre ou le bronze. Bien que plus fragile, le plâtre donne une texture douce et une finition lisse qui accentuent les traits du visage et les courbes du vêtement.
Contexte Historique et Artistique
Au début du XXe siècle, la France connaît un renouveau artistique, avec un intérêt croissant pour les grands auteurs et figures historiques du passé. Les bustes en plâtre de personnalités littéraires deviennent des objets de décoration prisés, symboles de culture et d’érudition.
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Ours blanc de Pierre Chenet, épreuve en bronze patinée vert, XXe
Cette épreuve en bronze à patine brun vert nuancé représente un ours blanc en balade, une création emblématique de l’artiste sculpteur Pierre Chenet. La pièce, une fonte d’édition, porte la signature de l’auteur et a été réalisée par lui-même dans sa fonderie d’art située à Apt. Pierre Chenet est un artiste reconnu pour ses œuvres animalières, et cette sculpture est une parfaite illustration de son talent et de son expertise dans ce domaine.
Pierre Chenet, né au XXe siècle, est un sculpteur français de renommée internationale. Il possède une fonderie d’art à Apt, où il réalise lui-même ses sculptures. Chenet est particulièrement connu pour ses représentations animalières. Ses œuvres captent l’essence des animaux avec une précision et une sensibilité qui témoignent de sa profonde compréhension de la nature. L’ours blanc en bronze est l’une de ses nombreuses créations qui illustre parfaitement cette maîtrise.
L’œuvre est réalisée en bronze, un matériau noble et durable qui permet une grande finesse de détails. Pierre Chenet excelle dans l’art de la patine, un procédé complexe qui consiste à appliquer une couche superficielle sur le bronze pour lui donner une couleur et une texture particulières. La patine brun vert nuancé de cette sculpture donne à l’ours une apparence à la fois réaliste et intemporelle, ajoutant une profondeur et une richesse visuelle à l’œuvre.
Bien que les éditions en bronze soient nombreuses, chaque pièce réalisée par Pierre Chenet est unique grâce à sa patine particulière. Chenet applique une patine différente à chaque sculpture, ce qui confère à chacune d’entre elles un caractère distinct. Cette approche assure que, même dans une série d’œuvres similaires, chaque sculpture est une pièce unique en son genre. Pour cette épreuve d’ours blanc, la patine brun vert nuancé accentue les lignes et les textures de la sculpture, mettant en valeur les détails et les expressions de l’animal.
L’œuvre mesure 34,5 cm de largeur et 17 cm de hauteur, des dimensions qui permettent d’apprécier pleinement le travail minutieux de l’artiste. Elle est en bon état général, un témoignage de la qualité du bronze utilisé et du savoir-faire de Pierre Chenet en matière de conservation des sculptures.
Cette sculpture a été réalisée au cours du XXe siècle, une période durant laquelle Pierre Chenet a perfectionné son art et s’est établi comme un maître dans le domaine de la sculpture animalière. Les œuvres de cette époque sont particulièrement prisées par les collectionneurs et les amateurs d’art en raison de leur qualité et de leur originalité.
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Taureau en pleine action, épreuve en bronze massif à patine vert nuancée
L’œuvre que nous vous présentons est une épreuve en bronze à patine brun vert nuancé, représentant un taureau en pleine action, prêt à charger. Cette sculpture dynamique et pleine de vie est l’œuvre de Pierre Chenet, un sculpteur renommé qui possède toujours sa propre fonderie d’art à Apt, en France.
Pierre Chenet est particulièrement connu pour ses œuvres animalières, qu’il réalise avec une grande maîtrise technique et artistique. Son expertise dans l’art de la patine est indéniable, et chaque pièce en bronze qu’il crée bénéficie d’une patine unique qui confère à chacune un caractère particulier et inimitable. Bien que les éditions en bronze soient nombreuses, cette capacité à offrir à chaque sculpture une finition singulière fait toute la différence dans son travail.
Cette épreuve-ci est signée et réalisée par l’auteur lui-même, attestant de l’authenticité et de la qualité de l’œuvre. La patine brun vert nuancé de ce taureau en charge accentue les détails et les lignes de la sculpture, mettant en valeur la puissance et la détermination de l’animal. Le taureau est représenté dans un moment de grande intensité, prêt à bondir, les muscles tendus et l’expression féroce. Cette représentation réaliste et énergique témoigne du talent de Chenet pour capturer l’essence et l’esprit des animaux dans ses sculptures.
L’œuvre date du XXe siècle et est en bon état général, ce qui témoigne de la qualité de la fonte et de la durabilité des matériaux utilisés. Les dimensions de la sculpture sont de 41 cm de largeur et de 28 cm de hauteur, ce qui en fait une pièce imposante mais équilibrée, capable d’attirer le regard et d’animer l’espace dans lequel elle est exposée.
La fonderie de Pierre Chenet, toujours en activité à Apt, est un lieu où l’art et la technique se rencontrent pour donner naissance à des œuvres d’exception. En tant qu’artiste, Chenet met un point d’honneur à superviser et à participer directement à la création de ses pièces, de la conception à la réalisation finale. Cela garantit non seulement la qualité de chaque œuvre, mais également sa singularité.
Cette sculpture de taureau en pleine action est donc une pièce remarquable pour plusieurs raisons. Elle illustre le talent de Pierre Chenet pour capturer la vitalité et la force des animaux, sa maîtrise de la patine qui rend chaque pièce unique, et son engagement personnel dans chaque étape du processus de création.
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Bronze à patine brun vert nuancé, buste d’un homme dénudé et musclé
L’épreuve en bronze à patine brun vert nuancé représente le buste d’un homme dénudé et musclé. Cette sculpture captivante est une fonte d’édition, signée et réalisée par Pierre Chenet, un artiste renommé. Chenet possède une fonderie d’art à Apt, où il se consacre principalement à la création d’œuvres animalières. Cependant, cette pièce montre sa capacité à capturer la beauté et la force du corps humain avec une grande précision et sensibilité.
Pierre Chenet est un maître dans l’art de la patine, et bien que ses éditions en bronze soient nombreuses, il confère à chaque pièce une patine particulière, rendant chacune unique. La patine brun vert nuancé de cette sculpture apporte une profondeur et une richesse de ton qui accentuent les détails de la musculature et les contours du visage. La technique de patine utilisée par Chenet donne à cette œuvre une apparence vivante et dynamique, reflétant la lumière de manière subtile et élégante.
Cette sculpture date du XXe siècle et est en bon état général, ce qui témoigne de la qualité et de la durabilité du travail de Chenet. Le buste a des dimensions imposantes avec une largeur de 17 cm, une hauteur de 48 cm et une profondeur de 15 cm. Ces dimensions, associées à la qualité de la patine et à la précision des détails, lui confèrent une présence majestueuse et impressionnante. La musculature est finement travaillée, chaque courbe et chaque saillie sont rendues avec un réalisme saisissant. L’expression du visage est également remarquablement détaillée, capturant une intensité et une sérénité qui ajoutent à l’impact visuel de la pièce.
Pierre Chenet, bien que principalement connu pour ses sculptures animalières, démontre à travers ce buste son talent polyvalent. Il est capable de capturer non seulement l’essence des animaux, mais aussi la beauté et la force du corps humain. Cette œuvre est un excellent exemple de sa capacité à transposer son expertise en sculpture animalière à la représentation humaine, en maintenant un niveau de détail et de réalisme exceptionnel.
La patine brun vert nuancé choisie par Chenet pour cette sculpture est particulièrement réussie. Elle apporte une richesse de couleur qui met en valeur les détails de la sculpture tout en ajoutant une dimension de profondeur et de texture.
La patine est appliquée avec une grande maîtrise, créant des variations subtiles de couleur et de ton qui rendent chaque pièce unique. Cela témoigne du savoir-faire artisanal de Chenet et de son engagement à créer des œuvres d’art uniques et de haute qualité.
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Alexandre Falguière (1831-1900) sculpture en bronze de Diane, déesse Romaine
Alexandre Falguière : Un Maître de la Sculpture Française
Alexandre Falguière, né Jean Alexandre Joseph Falguière le 7 septembre 1831 à Toulouse et décédé le 20 avril 1900 à Paris, est une figure emblématique de la sculpture française du XIXe siècle. Il a marqué son époque par son talent exceptionnel, son inventivité artistique et son influence durable sur les générations suivantes de sculpteurs.
Jeunesse et Formation
Falguière a grandi dans une famille modeste. Très tôt, il montre un intérêt marqué pour les arts. Son talent est rapidement remarqué, et il reçoit une bourse pour étudier à l’École des Beaux-Arts de Toulouse, où il se forme sous la direction de sculpteurs locaux. À 18 ans, il part pour Paris pour poursuivre sa formation à l’École des Beaux-Arts de Paris, une institution prestigieuse qui forme les plus grands artistes de l’époque.
En 1859, Falguière remporte le grand prix de Rome de sculpture pour son bas-relief « Méphistophélès apparaissant à Faust dans son cabinet ». Ce prix lui permet de séjourner à la Villa Médicis à Rome, où il s’imprègne de l’art classique et de la Renaissance italienne, influençant durablement son style. À son retour en France, il commence à exposer régulièrement au Salon, où ses œuvres attirent l’attention du public et des critiques.
En 1864, il réalise « Le Vainqueur au combat de coqs », une sculpture en bronze qui remporte un immense succès et le propulse au premier plan de la scène artistique. Cette œuvre, caractérisée par son dynamisme et sa précision anatomique, révèle son talent pour capter le mouvement et l’émotion.
Œuvres Majeures
Parmi ses œuvres les plus célèbres figure « Diane Chasseresse » (1882), une sculpture en bronze patiné représentant la déesse de la chasse, Diane, en buste. Cette œuvre, signée et portant le cachet du fondeur «Thiébaut Frères fondeurs Paris», est remarquable par sa finesse et son élégance. Falguière excelle dans l’art de rendre la beauté et la grâce féminine tout en respectant les canons classiques de la sculpture.
Enseignement et Influence
Au-delà de sa carrière de sculpteur, Falguière a joué un rôle crucial en tant qu’enseignant. En 1882, il devient professeur à l’École des Beaux-Arts de Paris, où il forme de nombreux élèves qui deviendront à leur tour des sculpteurs renommés. Son enseignement, basé sur une solide compréhension de l’anatomie et du mouvement, a influencé une génération entière d’artistes.
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Buste bronze de Eugène Rousseau représentant une élégante
650,00 €Cette belle statue en bronze représente un buste de femme élégante, signée par l’artiste Eugène Rousseau. Elle mesure 44 cm de hauteur et date du 19e siècle. La sculpture est notable pour sa patine brune, qui présente des reflets de brillance, ajoutant une profondeur et une richesse à la pièce.
Description de l’œuvre
Le buste montre une femme gracieuse et raffinée, caractéristique de l’époque romantique. Les détails minutieux de la coiffure et des vêtements révèlent une grande maîtrise technique. Les cheveux de la femme sont coiffés de manière complexe, avec des mèches élaborées qui encadrent son visage. Son expression sereine et ses yeux fermés ajoutent une sensation de calme et de contemplation à l’œuvre.
Signature et authenticité
La signature d’Eugène Rousseau est présente sur la statue, attestant de son authenticité. Rousseau, connu pour ses œuvres en bronze, était un artiste respecté au 19e siècle. Sa capacité à capturer l’essence et la beauté de ses sujets est bien illustrée dans cette sculpture.
Patine et esthétique
La patine brune de cette sculpture est particulièrement remarquable. Au fil du temps, la patine s’est développée, donnant à la pièce une brillance subtile qui accentue les détails sculpturaux. Cette patine est un signe de la qualité et de l’âge de la pièce, ajoutant à sa valeur historique et artistique.
Contexte historique
Le 19e siècle était une période de grande innovation et de changement dans l’art, avec l’émergence de styles tels que le romantisme et le réalisme. Les artistes de cette époque, comme Rousseau, étaient influencés par les idéaux de la beauté classique et la recherche de la perfection formelle. Les bustes, en particulier, étaient populaires car ils permettaient de capturer l’essence et le caractère des individus de manière intime et personnelle.
Importance de l’œuvre
Cette statue est non seulement un exemple de l’habileté technique de Rousseau, mais aussi un reflet des valeurs esthétiques de son époque. Le buste de femme qu’il a créé représente une combinaison de grâce, de beauté et de tranquillité, caractéristiques prisées dans l’art du 19e siècle. La finesse des détails et la qualité de la patine font de cette pièce un ajout précieux à toute collection d’art ou musée.
En somme, ce buste en bronze signé Eugène Rousseau est une œuvre d’art magnifique et raffinée. La qualité de la patine, la précision des détails et l’élégance générale de la sculpture en font un exemple remarquable de l’art du 19e siècle.
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Joseph d’Aste, superbe statue de l’enfant Bacchus en marbre blanc
2200,00 €Une Œuvre Magnifique : L’Enfant Bacchus de Joseph d’Aste
Introduction
La sculpture de l’Enfant Bacchus, une œuvre en marbre blanc signée par Joseph d’Aste, est une pièce exceptionnelle qui attire l’œil par sa beauté et sa finesse. Né en 1181 et décédé en 1945, d’Aste a laissé derrière lui un héritage artistique impressionnant, et cette sculpture en est un témoignage remarquable. Haute de 51 cm, elle repose sur un socle aux teintes éclatantes de jaune, bordeaux et blanc, ajoutant une touche de vivacité et de contraste à la pureté du marbre.
Description de l’Œuvre
La sculpture représente Bacchus enfant, le dieu romain du vin et des festivités, avec une expressivité et une vivacité qui captivent immédiatement l’observateur. Dans une main, l’enfant Bacchus tient une coupe, symbole de célébration et de délices dionysiaques. Dans l’autre main, il tient son vêtement délicatement drapé, qui porte une grappe de raisin, emblème de l’abondance et de la fertilité.
Détails du Socle
Le socle de la sculpture, avec ses couleurs mouchetées de jaune, de bordeaux et de blanc, offre un contraste saisissant avec le marbre blanc immaculé de la statue. Les nuances vives du socle rehaussent l’éclat et la délicatesse de la figure en marbre, tout en apportant une dimension supplémentaire à l’ensemble de l’œuvre. Cette base soigneusement choisie et colorée semble souligner l’importance de la sculpture tout en la mettant subtilement en valeur.
Expression et Posture
L’expression du jeune Bacchus est d’une douceur et d’une innocence désarmantes, capturant parfaitement la joie insouciante de l’enfance divine. Sa posture, à la fois gracieuse et naturelle, témoigne de la maîtrise de d’Aste dans le rendu des formes humaines et de la vitalité. Chaque détail, des boucles de ses cheveux aux plis de son vêtement, est exécuté avec une précision minutieuse, révélant le talent exceptionnel de l’artiste.
Signification Symbolique
L’Enfant Bacchus, tenant une coupe et des raisins, symbolise la jeunesse, la vitalité et l’abondance. Cette représentation d’un dieu souvent associé à l’excès et à la joie de vivre, mais ici en version enfantine, offre une interprétation fraîche et touchante de la mythologie classique. Elle rappelle également l’importance de la nature et des cycles de croissance, des thèmes chers à d’Aste et souvent présents dans ses œuvres.
L’Héritage de Joseph d’Aste
Joseph d’Aste, dont la vie s’étend sur plusieurs siècles, a su marier tradition et innovation dans ses créations.
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Ensemble de luminaires par Flam & Luce pour Roche Bobois vers 1960
1600,00 €Présentation d’un Ensemble de Luminaires Flam & Luce pour Roche Bobois
L’ensemble de luminaires que nous avons ici comprend un grand lampadaire et une paire de lampes, conçus par Flam & Luce pour la prestigieuse marque Roche Bobois. Datant probablement des années 1960-1970, ces pièces se distinguent par un design sophistiqué et l’utilisation de matériaux de haute qualité, typiques de l’époque.
Description des Pièces :
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Grand Lampadaire :
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Matériaux : Le pied du lampadaire est fabriqué en bois exotique, peut-être du palissandre, un matériau apprécié pour sa durabilité et son allure luxueuse. Ce bois confère au lampadaire une présence imposante et élégante.
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Abat-jour : L’abat-jour en tissu écru, de forme trapézoïdale, diffuse une lumière douce et agréable, créant une ambiance chaleureuse et invitante. Le contraste entre le bois sombre et le tissu clair accentue l’aspect raffiné du design.
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Dimensions : Ce lampadaire de grande taille attire immédiatement l’attention, devenant un point focal dans n’importe quelle pièce. Sa hauteur impressionnante et sa silhouette élancée ajoutent une touche de grandeur et de modernité.
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Paire de Lampes :
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Matériaux : Les pieds des deux lampes sont également en bois exotique, assurant une continuité esthétique avec le lampadaire. Le choix de ce matériau reflète l’importance accordée à la qualité et à la durabilité.
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Abat-jour : Les abat-jours en tissu écru, similaires à ceux du lampadaire, garantissent une diffusion uniforme de la lumière, créant une ambiance cohérente et harmonieuse dans la pièce. La forme géométrique des abat-jours ajoute une touche de modernité.
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Dimensions : Ces lampes, de taille plus modeste que le lampadaire, sont idéales pour une utilisation sur des tables de chevet, des buffets ou des bureaux. Leur design compact et élégant les rend polyvalentes et faciles à intégrer dans divers espaces.
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Caractéristiques Distinctives
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Style Vintage : L’ensemble reflète parfaitement l’esthétique des années 60 et 70, une période marquée par une exploration audacieuse des formes et des matériaux. Les lignes géométriques et l’utilisation de bois exotique sont caractéristiques de cette époque.
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Qualité de Fabrication : La collaboration entre Flam & Luce et Roche Bobois est synonyme de qualité exceptionnelle. Les matériaux soigneusement sélectionnés et la précision dans la fabrication témoignent du savoir-faire artisanal.
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État de Conservation : Malgré leur âge, ces luminaires semblent avoir été bien entretenus. Leur état de conservation exceptionnel en fait des objets de collection prisés, capables d’ajouter une valeur esthétique et historique à tout intérieur.
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Marque Réputée : Roche Bobois est une marque emblématique dans le domaine du design d’intérieur. Posséder des pièces de cette marque, en particulier celles issues de collaborations avec des designers renommés comme Flam & Luce, est un gage de sophistication et de bon goût.
Utilisation et Intégration
Cet ensemble de luminaires est idéal pour les amateurs de design vintage et les collectionneurs. Il peut être intégré dans divers styles de décoration intérieure, du moderne au classique, en passant par l’éclectique. Voici quelques suggestions d’intégration :
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Salon : Le grand lampadaire peut être placé dans un coin de salon, à côté d’un canapé ou d’un fauteuil, pour créer un coin lecture élégant et lumineux. Les petites lampes peuvent être disposées sur des tables d’appoint pour un éclairage d’ambiance subtil.
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Paire de statues en marbre de Carrare, les baigneuses, d’après Falconet
Les sculptures en marbre de Carrare, d’une hauteur de 42 cm, représentent deux baigneuses inspirées des œuvres d’Étienne-Maurice Falconet. Elles incarnent l’élégance et la délicatesse du style rococo du XVIIIe siècle. Ces sculptures rappellent fortement la célèbre statue de Falconet, « Nymphe qui descend au bain » ou « La Baigneuse », présentée au Salon de 1757 et aujourd’hui exposée au Louvre.
Ces sculptures sont d’une pureté et d’une finesse remarquables, réalisées en marbre blanc de Carrare, un matériau prisé pour sa texture lisse et son éclat lumineux. Chaque détail est minutieusement sculpté, des traits du visage de la jeune fille à la courbe gracieuse de son corps. La statue représente une jeune femme nue, saisie dans un moment de douceur et d’intimité, alors qu’elle s’apprête à tester la température de l’eau avec son pied délicat. Sa posture est à la fois naturelle et empreinte de sensualité, caractéristique des œuvres de Falconet.
La main de la baigneuse repose légèrement sur une souche d’arbre enveloppée de feuillage, ajoutant une touche de nature à la scène et servant de point d’appui à la figure gracile. Ce détail accentue l’harmonie entre l’être humain et son environnement. La robe, entrelacée autour de sa cuisse, semble glisser doucement, suggérant le mouvement et la fluidité, un autre hommage à la maîtrise technique de Falconet.
Ces sculptures ne sont pas seulement des reproductions fidèles de l’œuvre originale, mais elles capturent également l’esprit du rococo, avec son accent sur l’intimité, la nature et la beauté féminine. La précision des détails, comme les plis de la robe, la texture de la peau et l’expression douce du visage, montrent le haut niveau de compétence des sculpteurs qui ont recréé ces œuvres. Chaque sculpture respire la grâce et la sensualité, créant une impression de légèreté et de douceur.
L’originalité et la rareté de ces sculptures en font des pièces particulièrement recherchées par les collectionneurs et les amateurs d’art. Il est rare de trouver ces sculptures vendues en paire, car elles sont souvent proposées à la pièce. Posséder une paire de ces œuvres permet d’apprécier pleinement l’équilibre et la symétrie qui sont si caractéristiques de l’art classique et rococo.
La qualité du marbre de Carrare ajoute une dimension supplémentaire à ces sculptures. Connue pour sa durabilité et son éclat, cette pierre a été utilisée par certains des plus grands sculpteurs de l’histoire, y compris Michel-Ange. Le choix de ce matériau pour recréer les baigneuses de Falconet témoigne du soin apporté à chaque aspect de ces œuvres.
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Glaneuse, importante sculpture en bronze de Henri Godet
850,00 €Henri Godet (1853-1937) est un sculpteur français de renom, élève de Mathurin Moreau, un autre sculpteur célèbre de la même époque. Godet a commencé à exposer ses œuvres au prestigieux Salon des Artistes Français à partir de 1883, où il a progressivement gagné en notoriété grâce à son talent et à son style distinctif. Sa maîtrise du bronze et sa capacité à capturer des scènes de la vie quotidienne avec une précision et une sensibilité exceptionnelles sont particulièrement remarquables.
L’une de ses œuvres notables est une sculpture en bronze représentant une glaneuse. Cette sculpture, de taille importante (58 cm), incarne la représentation réaliste et émotive de la vie rurale à la fin du XIXe siècle et au début du XXe siècle. La glaneuse, une figure symbolique de l’époque, représente les femmes qui, après la moisson, ramassaient les épis de blé oubliés pour subvenir aux besoins de leur famille. Cette scène humble et quotidienne est élevée à une forme d’art noble par Godet.
Le bronze est un matériau de prédilection pour les sculpteurs de cette époque en raison de sa durabilité et de sa capacité à rendre des détails fins. La sculpture de Godet ne fait pas exception. Elle est marquée par une patine brun foncé, une technique qui non seulement protège le métal mais ajoute également une profondeur visuelle à l’œuvre. La patine brun foncé confère à la sculpture une certaine gravité et une qualité intemporelle, renforçant ainsi l’impact visuel de la scène représentée.
Sur cette sculpture, on trouve le cachet de la pastille ‘Bronze Garanti’, ce qui atteste de l’authenticité et de la qualité de l’œuvre. Ce cachet, bien que légèrement visible, est un signe de la vérification et de l’assurance de la qualité dans le processus de fonderie. De plus, la sculpture est numérotée, ce qui indique qu’il s’agit probablement d’une édition limitée, augmentant ainsi sa valeur pour les collectionneurs.
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Imposante sculpture du faucon Horus des année 1950
650,00 €La grande sculpture en question est un moulage en plâtre réalisé vers 1950, représentant le faucon Horus avec une patine blanche et un aspect géométrique prononcé. Ce type de sculpture était probablement vendu à la sortie du Louvre dans les années 50, témoignant de l’intérêt grandissant pour l’art et la culture de l’Égypte ancienne en Europe à cette époque.
Le faucon Horus, divinité majeure dans la mythologie égyptienne, symbolise le pouvoir royal et la protection divine. Souvent représenté sous la forme d’un faucon ou d’un homme à tête de faucon, Horus est le fils d’Osiris et d’Isis, et est connu pour avoir vaincu Seth, l’usurpateur du trône. Dans cette œuvre, les formes géométriques et la patine blanche apportent une dimension moderne tout en respectant les canons esthétiques de l’art égyptien traditionnel. Les traits stylisés et épurés reflètent une interprétation contemporaine, adaptée aux goûts artistiques de l’après-guerre.
La sculpture, mesurant 57 cm de hauteur, impressionne par sa présence imposante et sa qualité de réalisation. Le plâtre, matériau choisi pour cette sculpture, confère à l’œuvre une certaine lourdeur et robustesse, accentuant son caractère monumental malgré une taille relativement modeste. La patine blanche, soigneusement appliquée, donne à la sculpture une apparence de pierre, renforçant l’illusion d’une œuvre ancienne et noble.
Dans les années 50, les moulages en plâtre étaient populaires comme souvenirs, permettant aux amateurs d’art de posséder une réplique d’œuvres emblématiques. Les visiteurs du Louvre, séduits par les trésors égyptiens exposés, pouvaient ainsi emporter chez eux une pièce rappelant leur visite. Ce faucon Horus, par sa qualité et son esthétique, aurait été un choix prisé.
La qualité de cette sculpture réside non seulement dans son matériau et sa patine, mais aussi dans la précision de ses détails. Les lignes nettes et les angles précis montrent une maîtrise technique remarquable. Le poids de la sculpture, dû au plâtre dense, ajoute une sensation de solidité et de permanence, contrastant avec la fragilité apparente du plâtre.
L’intérêt pour l’Égypte ancienne dans les années 50 était en grande partie stimulé par les découvertes archéologiques et les expositions muséales. Le Louvre, avec ses collections riches et variées, jouait un rôle clé dans la diffusion de cette passion. Les sculptures comme ce faucon Horus permettaient de démocratiser l’accès à l’art égyptien, rendant les symboles et les histoires de cette civilisation millénaire accessibles à un public plus large.
Aujourd’hui, cette sculpture en plâtre du faucon Horus reste un témoignage fascinant de cette époque. Elle incarne à la fois une admiration pour l’art ancien et une interprétation moderne de ses formes.
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Porteur d’eau Tunisien par Jean Didier Debut (1824-1893)
900,00 €Porteur d’eau Tunisien par Jean Didier Debut (1824-1893) est une sculpture orientaliste en bronze qui illustre parfaitement le goût du XIXe siècle pour l’exotisme et l’art détaillé. Cette œuvre mesure 32 cm sans son socle en marbre, qui ajoute 4 cm de hauteur et mesure 15 cm de largeur, offrant ainsi une stabilité optimale et un équilibre visuel harmonieux.
Jean Didier Debut, sculpteur français renommé, a su capturer l’essence de la vie quotidienne en Tunisie à travers cette représentation du porteur d’eau. Cette figure emblématique transporte des récipients d’eau, une scène courante dans les rues animées de la Tunisie de l’époque. Le porteur d’eau est vêtu de manière traditionnelle, ses vêtements finement sculptés révélant une attention méticuleuse aux détails et aux textures. Cette minutie permet de percevoir les plis du tissu, la musculature du porteur et même les expressions subtiles de son visage, ajoutant une dimension de réalisme et d’authenticité à l’œuvre.
Le bronze, matériau de choix pour Debut, permet une restitution fidèle des détails les plus fins et offre une durabilité qui traverse les âges. Le socle en marbre, non seulement améliore la présentation de la sculpture, mais apporte également une touche de sophistication et de noblesse. Le contraste entre la texture lisse et froide du marbre et la chaleur patinée du bronze crée un effet visuel saisissant, rehaussant la beauté de l’œuvre.
L’œuvre de Debut s’inscrit dans le mouvement orientaliste, qui a connu une grande popularité au XIXe siècle en Europe. Ce mouvement artistique et littéraire se caractérisait par une fascination pour les cultures et les paysages de l’Orient, souvent idéalisés et romancés. Les artistes orientalistes, tels que Debut, cherchaient à capturer et à transmettre l’exotisme et le mystère de ces contrées lointaines à travers leurs créations. La sculpture Porteur d’eau Tunisien témoigne de cet engouement pour l’Orient, offrant une vision à la fois poétique et réaliste de la vie en Afrique du Nord.
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Grande statue en bois sculpté de la fin du XVIIe siècle représente Saint François de Sales
3500,00 €La grande statue en bois sculpté représentant Saint François de Sales, datant de la fin du XVIIe siècle, est un chef-d’œuvre de l’art sacré baroque. Mesurant 176 cm de hauteur, elle incarne l’essence même de la dévotion religieuse et de l’artisanat raffiné de cette époque.
Contexte Historique et Artistique
La fin du XVIIe siècle marque une période prolifique pour l’art religieux en Europe. Le style baroque, avec son goût pour le dramatique, l’émotionnel et le détaillé, était prédominant. Les statues de saints étaient couramment commandées par les églises et les monastères pour inspirer les fidèles et embellir les lieux de culte. Cette statue de Saint François de Sales s’inscrit parfaitement dans ce contexte, reflétant à la fois la piété et la magnificence artistique de l’époque.
Description de la Statue
La sculpture en bois de 176 cm représente Saint François de Sales, une figure éminente de l’Église catholique né le 21 août 1567. Connu pour sa douceur, sa patience et son éloquence, il a été un modèle de dévotion et de réforme spirituelle. La statue capture cette essence avec une précision remarquable.
Le visage de Saint François est sculpté avec une expression de sérénité et de contemplation, ses yeux légèrement baissés comme s’il était plongé dans une prière silencieuse. Ses traits sont finement détaillés, chaque ride et courbe du visage reflétant l’expérience et la sagesse accumulées au cours de sa vie. La chevelure et la barbe sont minutieusement travaillées, chaque mèche semblant presque réelle, ajoutant à la vivacité de la sculpture.
Vêtements et Symbolisme
Les vêtements de Saint François de Sales sont sculptés avec un soin particulier, chaque pli et drapé du tissu ajoutant à la richesse visuelle de la statue. Il est représenté en habit épiscopal, rappelant son statut de Prince-Évêque de Genève. La crosse épiscopale qu’il tient dans sa main gauche et la mitre posée à ses pieds sont des symboles de son autorité et de son rôle au sein de l’Église.
L’artiste a également incorporé des éléments symboliques dans la sculpture. Un livre ouvert dans sa main droite rappelle les nombreux écrits de Saint François, notamment « Introduction à la vie dévote », une œuvre majeure de spiritualité chrétienne. La présence de ce livre souligne son rôle en tant qu’auteur et théologien, dont les enseignements ont profondément influencé la pratique religieuse.
Technique et Artisanat
Le bois sculpté est un matériau exigeant, nécessitant une grande habileté et une connaissance approfondie de ses propriétés. La sculpture de cette statue témoigne d’un savoir-faire exceptionnel. L’artiste a utilisé des techniques de taille directe, sculptant directement dans le bloc de bois pour créer des détails précis et des textures réalistes. La finition polie et la patine ajoutent une dimension de profondeur et de vieillissement, conférant à la statue une aura de vénérabilité.
Conclusion
Cette statue de Saint François de Sales de la fin du XVIIe siècle est une pièce maîtresse de l’art sacré baroque. Elle incarne non seulement la dévotion religieuse mais aussi l’excellence artistique de son temps. À travers sa taille imposante, ses détails minutieux et son symbolisme riche, elle continue d’inspirer et de captiver ceux qui la contemplent, rappelant la vie et l’œuvre d’un des saints les plus respectés de l’Église catholique.
Cependant, l’usure du temps n’a pas épargné cette œuvre d’art. Plusieurs parties de la statue montrent des signes d’endommagement, notamment dus à l’infestation par les mythes. Ces insectes xylophages ont creusé dans le bois, affaiblissant la structure de certaines zones. En observant attentivement, on peut noter des trous et des cavités, particulièrement visibles sur les surfaces les moins exposées, comme par exemple à l’arrière.
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Lampe à décor de personnages à l’antique en marbre et bronze XIXe
1350,00 €La lampe ancienne du XIXe siècle est une pièce d’exception alliant art et fonctionnalité, caractéristique du style raffiné de cette époque. Elle présente un décor sophistiqué mettant en scène deux personnages antiques, chacun tenant dans leurs mains des urnes magnifiquement décorées. Le dessus des urnes est orné d’émaux cloisonnés, technique artisanale consistant à séparer les différentes zones de couleur par des cloisons en métal, offrant un rendu visuel particulièrement riche et coloré.
Les personnages, réalisés en bronze à patine brune, témoignent du savoir-faire des artisans de l’époque. La patine brune, obtenue par l’application de divers produits chimiques sur le bronze chauffé, confère aux personnages une profondeur et une texture qui accentuent les détails de leur réalisation. Ces figures, habilement sculptées, évoquent la grandeur de l’Antiquité, période souvent revisitée par les artistes du XIXe siècle.
Le socle de la lampe est en marbre portor vert, un matériau précieux reconnu pour sa beauté et sa durabilité. Le marbre portor, avec ses veines dorées sur fond vert profond, apporte une touche de luxe et d’élégance. Ce socle massif, d’une épaisseur de 4,2 cm, assure une stabilité parfaite à la lampe tout en rehaussant son aspect esthétique. Les veines dorées du marbre créent un contraste subtil mais élégant avec les figures en bronze, unissant harmonieusement les différents éléments de la lampe.
La tulipe cache ampoule, en verre de couleur marmoréen, est signée Muller Frères à Lunéville, réputés pour leur maîtrise de l’art verrier. Ce choix de matériau et de fabricant ajoute une dimension supplémentaire de sophistication. Le verre marmoréen, avec ses nuances délicates et son effet de marbrure, diffuse une lumière douce et chaleureuse, créant une ambiance agréable et intimiste. La signature Muller Frères garantit l’authenticité et la qualité de cette pièce, associée aux créations de verrerie de haute gamme.
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Imposante garniture de cheminée XIXe en bronze de Moreau
Description de la garniture de cheminée
La garniture de cheminée est une pièce exceptionnelle comprenant une pendule en bronze patiné et une paire de candélabres assortis. Cette garniture se distingue par la richesse de ses détails et son exécution raffinée, signée par Mathurin Moreau, célèbre sculpteur français du XIXe siècle, né en 1822 et décédé en 1912.
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Sculpture « Mephistopheles » par Alfredo Morelli en marbre et bronze
7500,00 €Sculpture : Tête d’homme ou le Diable par Alfredo Morelli
La sculpture en question est une œuvre intrigante et complexe réalisée par l’artiste Alfredo Morelli, actif à Florence au XIXe siècle. Elle représente une tête d’homme ou peut-être le visage du diable, une dualité qui invite à la réflexion sur la nature humaine et le mal. L’œuvre est composée de plusieurs matériaux : le visage est en bronze, le capuchon en marbre rouge, et les yeux sont en verre de couleur rouge, ajoutant une dimension inquiétante et mystique à la pièce. La sculpture repose sur un socle en marbre noir chiné, de forme trapézoïdale, qui confère à l’ensemble une stabilité visuelle et physique tout en accentuant l’élégance de la composition.
L’œuvre porte la signature gravée « Morelli – Florence » au dos, ainsi qu’un titre. Alfredo Morelli est un sculpteur reconnu pour son travail méticuleux et expressif. Il a étudié à l’Institut d’Art de Florence, un établissement prestigieux où il a perfectionné son art et acquis les compétences nécessaires pour créer des œuvres d’une grande qualité technique et esthétique.
En 1885, alors qu’il est encore étudiant, Morelli participe aux expositions d’Anvers et de Haarlem, où il obtient une mention, soulignant déjà la reconnaissance de son talent par la critique internationale. Cette participation à des événements artistiques de renom témoigne de son engagement dans le monde de l’art et de son désir de se mesurer aux autres artistes de son époque.
En 1898, Morelli prend part au deuxième concours pour la création d’un monument dédié à Rossini à Santa Croce, à Florence. Bien que les détails sur l’issue de ce concours ne soient pas précisés, sa participation démontre son implication continue dans des projets ambitieux et prestigieux. Le concours pour le monument à Rossini aurait été une excellente plateforme pour exhiber son talent et son sens de la monumentalité.
Pour ceux qui souhaitent approfondir leurs connaissances sur Alfredo Morelli et son œuvre, plusieurs références bibliographiques sont disponibles. Parmi elles, le livre de Sissi publié en 1989, les travaux de Capelli et Soldani de 1994, ainsi que l’ouvrage de Panzetta de la même année. Ces textes offrent un éclairage précieux sur la carrière et les œuvres de Morelli, fournissant un contexte historique et artistique essentiel à la compréhension de sa contribution au monde de la sculpture.
Les dimensions de cette sculpture sont également notables : elle mesure 42 cm de hauteur, une taille qui la rend imposante et remarquablement détaillée pour une sculpture de cette nature. Les matériaux utilisés — bronze, marbre rouge et noir, et verre rouge — sont choisis avec soin pour créer une harmonie visuelle et tactile, tout en évoquant des sensations variées. Le contraste entre le bronze et le marbre, ainsi que la vive couleur des yeux en verre, attire et retient l’attention du spectateur, suscitant une réflexion sur les thèmes de la dualité et de l’apparence.
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Armoire Normande en chêne joliment sculpté du XIXe siècle
650,00 €L’armoire normande du XIXe siècle incarne une pièce de mobilier emblématique de l’artisanat et du design français de cette époque. Taillée dans le robuste chêne, cette armoire sculptée présente une esthétique remarquable et une qualité de fabrication qui témoignent du savoir-faire traditionnel transmis de génération en génération.
Dès le premier regard, l’œil est captivé par la finesse des détails sculptés qui ornent chaque centimètre de cette pièce. Sur la traverse supérieure, un motif délicat de panier fleuri évoque la nature dans toute sa splendeur. Les artisans qui ont façonné cette armoire ont su capturer la beauté éphémère des fleurs dans un élan de pérennité, conférant ainsi à cette pièce une élégance intemporelle.
Les portes de l’armoire sont encadrées par un entourage sculpté de la monnaie du pape, un motif botanique classique qui ajoute une subtile touche de sophistication à l’ensemble. Ce choix de décor témoigne non seulement du goût esthétique de l’époque, mais aussi de l’attachement à la nature et à ses symboles.
La corniche droite qui couronne l’armoire confère une majesté supplémentaire à l’ensemble, tandis que les pieds en forme de coquilles apportent une note de fantaisie et d’originalité. Ces détails architecturaux soulignent le caractère unique de cette pièce et en font un exemple exceptionnel du style normand du XIXe siècle.
À l’intérieur, des étagères offrent un espace généreux pour ranger et organiser les vêtements, la vaisselle ou tout autre objet précieux.
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Masque de faune en grès émaillé polychrome, hauteur 23 cm
Le Masque de Faune en grès émaillé polychrome, d’une hauteur de 23 cm et d’une largeur de 18,5 cm, incarne une pièce d’art fascinante imprégnée de mystère et de symbolisme. Au-delà de sa simple forme, ce masque révèle une histoire complexe et intrigante à travers chaque trait minutieusement sculpté et chaque nuance de couleur vibrante.
Dès le premier regard, l’observateur est captivé par l’expression saisissante du visage. Les traits du faune, mi-humain mi-animal, sont rendus avec une maîtrise artistique remarquable. Les yeux, profonds et énigmatiques, semblent refléter les secrets de l’âme de cette créature mythique. La bouche entrouverte évoque une émotion intense, peut-être un rire malicieux ou un cri de jubilation. Chaque détail, des narines délicatement ciselées aux sourcils arqués, contribue à donner vie à cette figure mythologique.
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Antoine Louis Barye, bel éléphant en bronze a patine brune et verdâtre, XIXe siècle
L’éléphant de Barye en bronze à patine brune est une œuvre emblématique de l’artiste français Antoine-Louis Barye, un sculpteur du XIXe siècle célèbre pour ses représentations animalières. Cette pièce magnifique, avec ses dimensions imposantes et sa patine caractéristique, incarne à la fois la force majestueuse de l’éléphant et le talent artistique exceptionnel de Barye.
Antoine-Louis Barye, né en 1795, était un sculpteur renommé de son époque, reconnu pour sa capacité à capturer la vitalité et la grâce des animaux dans ses œuvres. L’éléphant de Barye est l’une de ses créations les plus célèbres, réalisée avec un souci méticuleux du détail et une compréhension profonde de l’anatomie de l’éléphant.
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Ours couché en bronze massif a patine brune, signé de Barye
L’ours couché de Barye en bronze à patine brune est une œuvre d’art qui incarne la majesté et la force de la nature capturée dans un matériau durable et noble. Créé par le célèbre sculpteur français Antoine-Louis Barye au 19e siècle, cet ours couché est un exemple éloquent de son talent pour représenter la vie sauvage avec un réalisme saisissant.
Antoine-Louis Barye, né en 1795, était un sculpteur renommé de son époque, reconnu pour son habileté à capturer l’anatomie et le mouvement des animaux dans ses œuvres. Son intérêt pour la zoologie et ses études approfondies des animaux sauvages ont influencé son travail, lui permettant de créer des sculptures qui semblent prendre vie sous ses mains expertes.
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étrange sculpture contemporaine sur bois représentant une demi femme, signé BER
La sculpture en bois que vous décrivez incarne l’étrangeté et la mystère dans sa forme et sa conception. Elle ne se contente pas d’être une simple représentation artistique, mais elle évoque des sentiments profonds et des questions sur son origine et sa signification.
À première vue, cette sculpture semble défier les lois de la physique, car elle représente une demi-femme qui semble fusionner avec le mur sur lequel elle est accrochée. Cette intégration harmonieuse avec le mur donne l’impression que la sculpture transcende les limites du monde matériel pour entrer dans un autre royaume, peut-être même l’au-delà. L’absence de tête, de jambes et de pieds crée une sorte de dissonance visuelle qui attire immédiatement l’attention du spectateur et le pousse à réfléchir à la signification de cette forme incomplète.
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Grand plat signé D’Avesn en verre opalescent représentant l’oiseau du Paradis
680,00 €Le plat « Oiseau du Paradis » par D’Avesn est une œuvre d’art verrier emblématique,
imprégnée de l’essence même de l’Art Déco.
Créé par le maître verrier français, Maurice Marinot, dans les années 1920,
ce plat incarne l’élégance et la sophistication de cette période artistique.
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Sculpture en Bronze de Barye représentant le lion et l’antilope
2400,00 €La sculpture de Barye représentant un lion et une antilope est un chef-d’œuvre emblématique de l’art animalier du XIXe siècle.
Créée par Antoine-Louis Barye, un sculpteur français renommé,
cette œuvre incarne la fascination de l’époque pour la représentation naturaliste des animaux et la maîtrise technique de l’artiste.
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Théodore-Joseph-Napoléon Jacques, dit Napoléon Jacques ( 1804-1876) marchand de poissons
La sculpture de Théodore-Joseph-Napoléon Jacques, surnommé Napoléon Jacques, est une pièce remarquable qui incarne à la fois le talent artistique et l’artisanat exceptionnel de ce sculpteur français du XIXe siècle. Né le 12 mai 1804 à Paris et décédé le 28 mars 1876, Napoléon Jacques a laissé un héritage durable dans le domaine de la sculpture, avec des œuvres qui continuent de susciter l’admiration et l’intérêt des amateurs d’art et des collectionneurs.
Cette sculpture en bronze doré représente un marchand de poissons, capturant un instant de la vie quotidienne dans une composition figée dans le temps. La qualité de l’exécution est superbe, témoignant du savoir-faire et de la maîtrise technique de l’artiste. Chaque détail est minutieusement travaillé, depuis les expressions du visage jusqu’aux plis des vêtements, en passant par la texture réaliste des poissons eux-mêmes.
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Grand médaillon en bronze représentant Jeanne d’Arc, par Henri CHAPU / Barbedienne
650,00 €Le médaillon représentant Jeanne d’Arc, conçu par le talentueux sculpteur Henri Chapu en collaboration avec le fondeur renommé Ferdinand Barbedienne, incarne une œuvre d’une beauté saisissante et d’une signification profonde. Créé entre les années 1833 et 1891, ce chef-d’œuvre artistique a été façonné dans un bronze massif à la patine délicatement chocolatée, lui conférant une aura de noblesse et de durabilité.
Henri Chapu, artiste français de renom du XIXe siècle, est réputé pour son style néo-classique et sa capacité à capturer la grâce et l’émotion dans ses œuvres. Son partenariat avec Ferdinand Barbedienne, un fondeur de bronze célèbre pour son savoir-faire exceptionnel, a donné naissance à des pièces d’art d’une qualité et d’une élégance incomparables.
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Grand vase ancien en biscuit de porcelaine et monture en bronze doré
Le vase fuseau en biscuit de porcelaine que je m’apprête à vous présenter est une pièce d’une élégance saisissante, témoignant du raffinement artistique et de l’artisanat exquis de la fin du XIXe au début du XXe siècle. Avec une hauteur imposante de 51 cm, il occupe majestueusement l’espace, captant instantanément l’attention de quiconque pose les yeux sur lui.
Le décor de ce vase est tout simplement enchanteur. Sur sa surface, une scène en relief attire le regard : une femme, représentée avec une grâce intemporelle, est assise sur un char tiré par des puttis ou angelots. Ces derniers, joufflus et ailés, ajoutent une touche de fantaisie à la composition, évoquant une ambiance à la fois mythologique et céleste. Chaque détail est minutieusement sculpté dans la porcelaine, témoignant du savoir-faire exceptionnel des artisans qui ont donné vie à cette œuvre.
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Danny LANE ( Attribué ) belle grande lampe en plaquettes de verres des années 1980
480,00 €Danny Lane, artiste et designer américain, a marqué le paysage du design contemporain avec ses créations uniques, dont une lampe remarquable datant de circa 1980. Cette lampe, mesurant 60 cm de hauteur, est un exemple éblouissant de son travail, composée de plaquettes de verre taillé et montée avec des fils de fer. Bien que cette pièce ne soit pas directement attribuée à Lane, elle reflète parfaitement son esthétique distinctive et son engagement envers l’innovation dans l’utilisation du verre comme matériau.
Né à Londres en 1955, Danny Lane a été initié au travail du verre coloré par Patrick Reyntiens, un artiste renommé dans ce domaine. Inspiré par le visionnaire Cecil Collins et formé aux Beaux-Arts à la Byam Shaw School of Art et à la Central School of Art and Design, Lane a rapidement développé sa propre vision du design, où l’art et l’architecture se fusionnent harmonieusement.
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Grande sculpture ancienne en régule signé Auguste Moreau.
La majesté figée dans le temps, l’élégance immortalisée dans le bronze – voici la Grande Statue de l’Ange Cupidon, une œuvre captivante du célèbre sculpteur Auguste Moreau. Cette pièce exquise, sculptée dans du régule avec une patine brune, incarne la quintessence de la beauté et de la grâce dans l’art sculptural.
Au premier regard, l’Ange Cupidon se révèle comme un jeune homme d’une grande prestance, ses ailes déployées lui conférant une aura de puissance et de liberté. Il tient dans sa main une flèche, prête à être décochée vers les cœurs des amoureux. Cette posture saisissante, figée pour l’éternité, capture l’instant précis où l’amour prend son envol, où les destins se croisent et où les passions s’enflamment.
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Grand coucou en bois sculpté de la forêt noire fin XIXe 94 cm
Le coucou en bois sculpté de la Forêt Noire, datant de la fin du XIXe siècle, est bien plus qu’une simple horloge ; c’est un symbole vivant de l’artisanat traditionnel et de l’ingéniosité des horlogers de cette région emblématique d’Allemagne. Mesurant une impressionnante hauteur de 94 cm, cette pièce remarquable est un témoignage de l’excellence et du dévouement des artisans qui l’ont créée.
L’horloge coucou de la Forêt Noire est un véritable trésor de l’histoire horlogère. Son mécanisme complexe, minutieusement conçu et fabriqué à la main, reflète l’expertise technique de l’époque. Chaque composant, des engrenages aux poids, est méticuleusement ajusté pour assurer un fonctionnement fluide et précis. Malgré son âge, cette horloge continue de fonctionner parfaitement, témoignant de la qualité durable de son artisanat.
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Buste de femme en bois sculpté, époque XVIIIe siècle
650,00 €Au cœur de l’élégance et de la simplicité, trône un magnifique buste du XVIIIe siècle, une ode à la beauté féminine qui semble émerger du passé pour captiver les regards émerveillés du présent. Sculpté dans du bois avec une habileté sans pareille, ce buste incarne l’artisanat exquis et le raffinement artistique de son époque.
D’une hauteur imposante de 41 cm, une largeur de 20 cm et une profondeur de 8.5 cm, cette œuvre saisissante offre une présence remarquable malgré sa modestie de dimensions. Elle révèle une femme, peut-être une paysanne, figée dans le temps, son essence capturée pour l’éternité dans le grain du bois.
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Grande sculpture en bronze « Mignon » d’Eugène Aizelin, 1880
Eugène Antoine Aizelin (1821-1902) était un sculpteur français dont l’œuvre a laissé une marque significative dans le monde de l’art du XIXe siècle. Né à Paris, Aizelin a développé un talent précoce pour la sculpture et a étudié à l’École des Beaux-Arts de Paris, où il a été élève d’Auguste Dumont et de Jules Ramey. Son style a été influencé par le mouvement néo-classique, mais il a également incorporé des éléments du réalisme dans ses œuvres, les dotant d’une certaine vivacité et d’une sensibilité particulière.
L’une de ses grandes sculptures en bronze les plus remarquables est « Mignon », qui représente une paysanne assise se reposant avec sa petite guitare. Cette pièce captivante capture un moment d’intimité et de tranquillité, où la figure féminine semble être plongée dans ses pensées tout en prenant un moment de repos. La posture délicate de la paysanne et la présence de la guitare évoquent un sentiment de grâce et de douceur.
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Sculpture française en bronze d’Eugène Aizelin représentant Psyché par la fonderie F. Barbedienne
Eugène Aizelin, un sculpteur français né en 1821 et décédé en 1902, demeure une figure emblématique de l’art sculptural du XIXe siècle. Son œuvre témoigne d’une maîtrise exceptionnelle de la forme, de la composition et de l’expression, faisant de lui l’un des artistes les plus remarquables de son époque.
La sculpture antique en bronze « Psyché », réalisée par Aizelin, incarne à elle seule l’excellence de son talent. Réalisée en 1863, cette pièce magnifique capture l’essence même de la mythologie grecque à travers la figure mythique de Psyché, une jeune femme d’une beauté incomparable.
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Encensoir – Hebreux dans la fournaise – Brûle encens- Orfèvrerie médiévale – Haute époque
Cet encensoir en bronze doré est véritablement une pièce remarquable, à la fois par sa beauté et son histoire fascinante. Il incarne l’élégance et la sophistication de l’art néo-romain, tout en portant en lui des liens avec une époque ancienne et des artisans légendaires.
D’une hauteur imposante de 20 centimètres et d’une largeur équivalente pour son assiette, cet encensoir est une reproduction fidèle de l’original conservé au musée des beaux-arts de Lille. Son design évoque les riches traditions artistiques de l’Antiquité romaine, mais ce qui rend cet objet encore plus spécial, c’est son histoire et son attribution.
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François-Désiré Froment-Meurice, joli coupe papier en argent, Art nouveau
François-Désiré Froment-Meurice était un maître orfèvre français du XIXe siècle, dont le nom est intimement lié à l’Art nouveau et à la création de magnifiques pièces en argent, telles que le joli coupe-papier que vous décrivez. Né à Paris en 1837, Froment-Meurice était le fils de l’orfèvre François-Desire Froment, et il a hérité de son père un talent inné pour la création d’œuvres d’art exceptionnelles.
Le coupe-papier en argent que vous mentionnez incarne parfaitement le style de Froment-Meurice et l’esthétique de l’Art nouveau. Mesurant 20,5 cm de longueur, cette pièce remarquable capture l’essence même de cette période artistique avec son motif délicat représentant une grenouille reposant sur un nénuphar. L’Art nouveau, caractérisé par ses lignes organiques et ses motifs inspirés par la nature, trouve une expression éclatante dans ce coupe-papier où la grenouille semble figée dans un mouvement gracieux, et le nénuphar est dépeint avec une attention méticuleuse aux détails.
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Tableau religieux en bois sculpté et polychrome du XVIIIe siècle
Ce magnifique tableau ancien en bois sculpté et polychrome religieux est véritablement une pièce d’art remarquable. Avec ses représentations détaillées de saints et de la Vierge Marie, il offre une fenêtre fascinante sur l’artisanat et la dévotion du XVIIIe siècle.
L’attention portée aux détails est frappante, chaque figure sculptée avec une précision minutieuse, témoignant du talent et de la passion de l’artiste qui l’a créé. Les saints semblent presque prendre vie sous nos yeux, chacun racontant une histoire ou symbolisant une vertu particulière, tandis que la Vierge Marie trône au centre, une aura de grâce et de majesté émanant de sa représentation.
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Magnifique buffet deux corps normand de mariage, Fécampoise, dit d’armateur !
L’armoire de mariage de Fécamp, en Normandie, est bien plus qu’un simple meuble en chêne sculpté. C’est une pièce d’histoire, de prestige et de splendeur qui incarne toute l’élégance et le raffinement de son époque. Construite avec du chêne blond, elle se distingue par sa magnificence et ses détails exquis, dont les trois roses sculptées qui lui confèrent une aura particulière.
Dès le premier regard, cette armoire transporte ses spectateurs dans un monde de luxe et de sophistication. Chaque courbe, chaque motif sculpté révèle l’habileté et le savoir-faire des artisans qui l’ont façonnée. Mais c’est surtout la symbolique des trois roses qui intrigue et fascine. Ces fleurs, bien plus que de simples ornements, étaient le signe distinctif de la bourgeoisie importante à laquelle appartenait son propriétaire. Elles représentent la prospérité, le statut social et le goût pour le raffinement qui caractérisaient l’époque
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Joli coffret en métal entièrement en émaux cloisonnés, début XXe
Le coffret en métal argenté que je vous décris est bien plus qu’un simple objet. C’est un véritable trésor artistique, un témoignage tangible de l’artisanat et de l’esthétique d’une époque révolue. Ses dimensions modestes ne font que renforcer son charme, car elles témoignent de la minutie et du souci du détail de son créateur.
Imaginons le, posé sur une étagère ou une commode, captant la lumière et attirant le regard par sa beauté intemporelle. Sa forme rectangulaire, classique mais élégante, est le parfait écrin pour mettre en valeur les détails exquis de son décor émaillé.
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Vitrine de style Louis XVI en marqueterie de bois de placage, fin XIXe
Le prix initial était : 880,00 €.750,00 €Le prix actuel est : 750,00 €.La description de cette magnifique vitrine de style Louis XVI en marqueterie de bois de placage évoque une pièce d’une grande élégance et d’une certaine époque. Remontant à la fin du XIXe siècle, elle témoigne du raffinement et du savoir-faire artisanal caractéristiques de cette période.
Dès le premier regard, cette vitrine séduit par sa structure élaborée. Composée de deux vitres latérales et d’une porte frontale, toutes en verre, elle offre une vue dégagée sur les trésors qu’elle renferme tout en préservant leur intégrité. La finesse de la marqueterie de bois de placage, caractéristique du style Louis XVI, confère à cette pièce un charme intemporel et une sophistication certaine.
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Guéridon style baroque en bois sculpté, style vénitien, XXe
450,00 €Le guéridon ancien en bois sculpté que je vous présente est un véritable chef-d’œuvre de l’artisanat de la fin du XIXe au début du XXe siècle. Ce magnifique meuble incarne à la fois l’élégance du style baroque italien et la finesse de la sculpture sur bois de l’époque.
Au centre de l’attention se trouve le plateau, soutenu par la figure majestueuse d’un Triton. Cette créature mythologique, mi-homme mi- poisson, est représentée en ronde-bosse avec une précision remarquable. Ce Triton, d’une allure presque céleste, évoque l’esthétique divine de la Renaissance italienne. Sa présence confère une aura de mystère et de majesté au guéridon.
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Buffet deux corps de mariage Normand XIXe siècle
Le buffet deux corps de mariage Normand est une pièce d’une beauté intemporelle, incarnant l’artisanat et le raffinement du XIXe siècle. C’est bien plus qu’un simple meuble, c’est un symbole de tradition et d’histoire, parfait pour ajouter une touche de caractère et d’élégance à n’importe quelle pièce.
Ce buffet, tout d’abord, se distingue par son impressionnante taille. Avec une hauteur de 244 cm, une largeur de 144 cm et une profondeur de 62 cm, il occupe une place majestueuse dans n’importe quel intérieur. Ses dimensions généreuses en font un élément central, attirant immédiatement le regard et captivant l’attention par sa présence imposante.
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Chambre à coucher de style Louis XV en placage de noyer, vers 1900
Entrez dans l’ambiance intemporelle d’une chambre à coucher d’époque, datant du début du XXe siècle, où le charme du passé se mêle à la qualité intemporelle du mobilier en placage de noyer. Au cœur de cette pièce, trône majestueusement une armoire imposante, véritable symbole de l’artisanat d’antan.
L’armoire, véritable pièce maîtresse de cet ensemble, s’ouvre avec grâce par le biais de deux portes ornées de miroirs, ajoutant une touche d’élégance et de luminosité à l’espace. Mais elle cache également un secret : un tiroir dissimulé dans sa base, révélant la minutie et l’ingéniosité des artisans qui l’ont conçue. À l’intérieur, trois étagères simples et une étagère dotée d’un tiroir offrent un espace de rangement généreux pour les précieux trésors de son propriétaire.
Lit :Literie en 130 x 190 cm
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Tahoser, harpiste égyptienne – Georges Charles Coudray (1862-1944)
La sculpture en bronze intitulée « Tahoser », représentant un harpiste égyptien, est une œuvre magnifique et significative datant du XIXe siècle, réalisée par l’artiste Georges Charles Coudray (1862-1944). Coudray, né à Paris le 31 janvier 1862 et décédé dans la même ville le 6 décembre 1944, était un sculpteur et médaillé français renommé de son époque. Son œuvre « Tahoser » témoigne de son talent et de sa maîtrise dans le domaine de la sculpture.
Cette sculpture en bronze a été produite par la prestigieuse « Société des bronzes de Paris », ce qui garantit sa qualité et son authenticité. La signature et le tampon de la société attestent de l’origine et de l’authenticité de l’œuvre, ajoutant une valeur supplémentaire à cette pièce d’art exceptionnelle.
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Tahoser, harpiste égyptienne – Georges Charles Coudray (1862-1944)
La sculpture en bronze intitulée « Tahoser », représentant un harpiste égyptien, est une pièce remarquable qui témoigne du talent artistique de Georges Charles Coudray, un sculpteur français du XIXe siècle. Né à Paris le 31 janvier 1862 et décédé dans la même ville le 6 décembre 1944, Coudray a laissé un héritage artistique significatif à travers ses œuvres, dont cette sculpture en bronze qui demeure une création emblématique de son époque.
La sculpture capture la figure gracieuse et majestueuse d’un harpiste égyptien, probablement inspirée par l’art et la culture de l’Égypte ancienne qui ont fasciné de nombreux artistes à cette période. « Tahoser » incarne une harmonie entre la précision anatomique et la fluidité des lignes, démontrant le savoir-faire exceptionnel de Coudray dans la représentation sculpturale. La posture du harpiste, captée dans un moment d’intense concentration, évoque la passion et le dévouement de l’artiste pour son art.
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Rare sculpture de marbre réalisé et signé par François Mathieu Mourgues (1884-1954)
La sculpture en marbre de François Mourgues que vous avez décrite semble être une pièce remarquable à bien des égards. Né à Marseille en 1884 et décédé à Paris en 1954, Mourgues était un sculpteur et médailleur français dont le travail a laissé une empreinte significative dans le domaine artistique.
La représentation de deux chats se câlinant dans cette sculpture en marbre témoigne de la sensibilité artistique de Mourgues. Les chats, avec leur élégance naturelle et leur grâce, sont des sujets populaires dans l’art depuis des siècles, et Mourgues les a capturés dans un moment d’intimité qui évoque une tendresse universelle.
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Joli vase en verre dégagé à l’acide signé Gallé
Le vase ancien en verre de la célèbre maison Gallé est une pièce remarquable à bien des égards. Datant des années 1900, il représente un précieux témoignage de l’artisanat de l’époque Art Nouveau, avec une touche japonisante qui lui confère une aura particulièrement exotique et élégante.
D’une hauteur de 13.2 cm et d’un diamètre du col de 6.7 cm, ce vase présente une forme à la fois délicate et pleine de caractère. Sa silhouette évoque celle d’une pensée, avec un col évasé qui ajoute à son charme. Mais ce qui rend ce vase véritablement unique, c’est son décor délicatement dégagé à l’acide, une technique raffinée qui était très prisée à l’époque.
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Très belle pendule Louis XVI en bronze doré, Hubert Martinet
La majestueuse pendule Louis XVI en bronze massif et doré est bien plus qu’un simple objet d’horlogerie ; elle incarne l’élégance intemporelle et le raffinement artisanal de l’époque. Datant d’une période révolue, elle demeure un symbole de prestige et de sophistication, capturant l’essence même du style néoclassique.
Ce bijou horloger, d’une beauté saisissante, est un modèle très recherché par les collectionneurs et les amateurs d’art. Sa conception minutieuse, alliant le bronze massif et le doré, témoigne du savoir-faire exceptionnel des artisans de l’époque. Chaque détail, chaque courbe est travaillé avec une précision exquise, créant une œuvre d’art à part entière.
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Masque en cuivre, représentant la tête du christ, A. Modesto
320,00 €Visage du christ en cuivre patiné légèrement martelé, regardant vers le ciel.
Cette sculpture est signé A. MODESTO et daté 1968.
Cette sculpture est un masque, et contient quelques petites griffures d’usage.
Dimensions : Hauteur 41 cm
Largeur 25.5 cm
Poids : 1.180 kg
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Sculpture en bronze, pyrogène, moine, tonneau, XIXe
350,00 €Ce pyrogène en bronze massif est une pièce d’une grande beauté et d’une grande valeur historique. Cette sculpture représente avec finesse et détails un moine, symbole de sagesse et de tranquillité, en train de savourer un verre de vin directement de la bouteille. La scène dépeinte est empreinte de calme et de sérénité, le moine semblant trouver une forme de réconfort dans ce moment de dégustation.
La posture du moine est minutieusement travaillée : le panier sous le bras suggère un voyage ou une quête, le bougeoir dans une main évoque une ambiance chaleureuse et intime, tandis que le tire-bouchon reposant près de ses pieds évoque le plaisir de la dégustation du vin. À ses côtés, un tonneau, qui joue un double rôle : celui de contenir les allumettes, avec un système ingénieux de cordage permettant de les gratter pour les allumer.
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Très beau taureau en bronze massif signé SOHER
680,00 €La majesté brute de la nature s’anime dans cette sculpture saisissante d’un taureau en bronze massif, figé dans l’instant avant l’assaut. Son allure puissante est capturée avec précision, chaque muscle tendu dans un élan de force et de détermination. L’expression intense de sa tête, les naseaux dilatés, les yeux concentrés sur sa proie potentielle, transmettent une énergie sauvage et indomptable.
L’artiste a capturé un moment dynamique, avec la patte arrière du taureau grattant le sol, prête à bondir dans une action rapide et décisive. Chaque détail de cette sculpture respire la vie, de la texture rugueuse de la peau du taureau aux reflets subtils du bronze qui lui confèrent une qualité visuellement saisissante
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Sculpture de marbre représentant une main posé sur un oiseau
Jolie sculpture ancienne du XIXe siècle,
en marbre de carrare, représentant une main posé sur un oiseau.
C’est un très beau presse papier ancien, objet de vitrine.
Je signal malheureusement, une réparation ancienne de la tête de l’oiseau
Dimensions : Diamètre de la base de forme légèrement ovale 10.5 cm x 11.5 cm, et la hauteur 4.5 cm
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Sculpture en bronze de Jean Hugues représentant un soldat
350,00 €Joli sculpture de bronze représentant un soldat porte drapeau, allongé sur le sol
Cette sculpture est posé sur une terrasse en bois avec un filet en marqueterie
Dimensions : Largeur 18 cm, profondeur 10 cm et hauteur 9 cm
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Christ en albâtre dans un cadre en bois doré époque XVIIe siècle
L’œuvre présentée est un Christ en albâtre exceptionnel, datant du XVIIe siècle, encadré dans un magnifique cadre en bois doré de la même époque. Cette sculpture saisissante capture la figure du Christ avec une profondeur et une intensité qui transcendent le matériau dans lequel elle est réalisée.
Le Christ est représenté avec la tête légèrement inclinée, les yeux clos, ce qui renforce une expression de calme et de sérénité. Sa chevelure est rendue avec des mèches ondulées, détaillées avec une grande minutie, tandis qu’une barbe bifide encadre son visage. Le buste du Christ est marqué par la douleur de la crucifixion, avec une lance qui perce son flanc droit, symbolisant la blessure infligée lors de sa crucifixion.
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Édouard Français Millet de Marcilly (1839-1923), buste d’un magistrat en terre cuite
1250,00 €Le superbe buste d’un homme de loi en terre cuite de la fin du XIXe siècle, réalisé par Édouard Français Millet de Marcilly (1839-1923), est une pièce remarquable à plusieurs égards. D’une hauteur de 34 cm, cette œuvre captivante témoigne du talent et de la finesse artistique de son créateur, ainsi que de l’époque dans laquelle elle a été conçue.
Édouard Français Millet de Marcilly, artiste de renom, a laissé une empreinte indélébile dans le monde de la sculpture de la fin du XIXe siècle. Sa capacité à capturer la dignité et la gravité de ses sujets se reflète pleinement dans ce buste d’un homme de loi. Chaque détail, depuis les traits du visage jusqu’aux plis des vêtements, est exécuté avec une précision remarquable, démontrant un niveau de maîtrise artisanale et artistique remarquable.
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Sculpture bronze animalier, panthère de Tunis no 2, par Antoine Louis Barye XIXe siècle
La sculpture en bronze animalier « Panthère de Tunis no 2 » par Antoine Louis Barye, réalisée au XIXe siècle, incarne la fusion magistrale entre l’art et la nature. Barye, un maître sculpteur français, est largement reconnu pour son expertise dans la représentation de la faune sauvage avec une précision remarquable. Cette œuvre, captivante dans sa beauté brute, témoigne de son talent inégalé.
La « Panthère de Tunis no 2 » est une incarnation éblouissante de la majesté féline. À travers ses traits ciselés avec soin, Barye capture l’essence même de la panthère, créant une représentation vivante de sa puissance et de sa grâce. Chaque muscle est sculpté avec une minutie impressionnante, capturant le mouvement fluide de l’animal dans une pose à la fois dynamique et équilibrée. Les détails minutieux, des griffes acérées aux poils soigneusement texturés, ajoutent une dimension de réalisme saisissant à l’œuvre.
Dimensions: Longueur 18,5 cm x Profondeur 6,5 cm
Hauteur 9 cm -
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Table basse 70’s, design, 4 pieds cobra en bronze massif, plateau verre
La table basse des années 70 incarne l’époque où le design s’affranchissait des conventions, embrassant l’audace et l’innovation. Cette pièce emblématique, dans le style distinctif de Henri Fernandez, capture parfaitement l’esprit révolutionnaire de cette décennie prolifique en matière de design. Avec ses quatre pieds cobra en bronze massif, elle évoque à la fois l’élégance et la fascination pour le mystique propre aux années 70.
L’élément le plus saisissant de cette table basse est sans aucun doute ses pieds cobra en bronze massif. Le choix du bronze évoque une opulence intemporelle, tandis que la forme serpentiforme des pieds confère une touche de fantaisie et de dynamisme à l’ensemble. Ces pieds semblent s’animer, semblables à des créatures mythiques prêtes à s’enrouler autour de leur proie, ajoutant une dimension théâtrale à la pièce.
Ce table basse est en bon état général
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Secrétaire en poirier noirci et marqueteries Napoléon III – XIXe
Le Secrétaire Napoléon III est une pièce de mobilier exquis, fusionnant l’élégance du style impérial avec des détails raffinés et une attention méticuleuse aux matériaux et à l’artisanat. Avec son dessus en marbre blanc veiné de gris, encadré d’une moulure de bronze ciselé doré, il exhale une aura de luxe et de sophistication.
Ses côtés en poirier noirci et sa façade en loupe de thuya, avec un encadrement de palissandre, créent un contraste saisissant qui souligne son caractère majestueux. Les incrustations de nacre et de laiton sur fond d’ébène ajoutent une touche d’éclat et de préciosité, faisant de chaque détail une œuvre d’art à part entière.
Époque : seconde moitié du XIXe
larg. au dessus 71cm – au corps 67,5cm
prof. au dessus 36cm – au corps 34cm
hauteur 133cm -
Miroir rechampi du XIXe siècle
460,00 €Le joli miroir ancien en bois sculpté et rechampi que je vous présente évoque toute l’élégance et le charme intemporel du XIXe siècle. Avec ses détails minutieusement ouvragés et son cadre rehaussé de délicates dorures, il incarne l’artisanat exquis de cette époque révolue.
Datant de la première partie du XIXe siècle, ce miroir possède une histoire riche et fascinante qui se lit à travers ses lignes élégantes et son allure majestueuse. Témoin d’une époque où le travail du bois était un art méticuleux, il offre un témoignage palpable de la passion et du savoir-faire des artisans d’autrefois.
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Alexandre Leonard (1821-1877), sculpture scène animalière en bronze massif
La sculpture en bronze d’Alexandre Léonard (1821-1877) représente une scène captivante d’une attaque de cerf par deux loups, capturée avec une finesse artistique remarquable. Léonard, un sculpteur français du XIXe siècle, est souvent salué pour sa maîtrise du réalisme animalier, et cette œuvre ne fait pas exception à cette réputation.
D’une hauteur imposante de 26 centimètres et avec des dimensions généreuses de 38,5 centimètres de largeur et 17 centimètres de profondeur, cette pièce se présente comme une pièce centrale dans toute collection d’art. La taille de la sculpture permet une appréciation détaillée de chaque élément de la scène, capturant ainsi l’essence même de l’interaction entre le cerf et les loups.
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Important butsudan en ivoire et os, Japon, période Meiji 1868 et 1912
Le butsudan en ivoire et os du Japon, datant de la période Meiji (1868-1912), est bien plus qu’un simple meuble. Il incarne l’essence même de la spiritualité bouddhiste japonaise, tout en étant un chef-d’œuvre d’artisanat et un symbole de tradition et de culture. Ce spécimen, conforme au règlement CE 338-97 du 09/12/1996 Art.3-W et antérieur au 1er juin 1947, est une pièce précieuse à bien des égards.
Au cœur de ce butsudan se trouve un Bouddha en méditation, symbole de paix, de sagesse et d’illumination. Cette représentation du Bouddha est entourée de deux portes qui s’ouvrent pour révéler sa présence, créant ainsi un espace sacré où les dévots peuvent se recueillir et méditer.
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Lampe dragon en verre filé et incrustation poudre d’or, verrerie de Murano XXème
650,00 €La lampe dragon en verre filé avec incrustations de poudre d’or, une pièce remarquable de la verrerie de Murano du XXe siècle, incarne la fusion magistrale entre l’art et l’artisanat. Nichée dans les ruelles pittoresques de l’île vénitienne de Murano, cette lampe incarne l’héritage séculaire de la tradition verrière qui a prospéré dans cette région.
La silhouette élégante de la lampe évoque un dragon majestueux, symbole de puissance et de mystère. Chaque élément de cette création est méticuleusement conçu à la main par des artisans habiles, dont le savoir-faire est transmis de génération en génération. Le verre filé, technique emblématique de Murano, confère à la lampe une finesse et une légèreté impressionnantes, tout en permettant une grande liberté dans la création de formes complexes.
Dimensions: Hauteur total avec abat-jour: 63cm
Dimensions du pied seul: Hauteur: 42cm
Diamètre du socle: 18cmElle est en bon état général, a part l’abat jour qui est d’époque mais qui a eu une restauration. ( visible sur les photos )
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Grand miroir en bois peint sculpté, style Art nouveau
Joli miroir ancien à poser.
C’est un miroir qui était généralement posé sur une cheminée.
Epoque vers 1890-1900, période Art nouveau
Il est en bois sculpté sur la partie supérieur, la corniche, et rechampi.
Dimensions : Hauteur 178 cm et Largeur 110 cm
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Gros lustre de manoir en bronze massif et doré
1600,00 €Gros lustre en bronze doré de manoir, avec une très belle sculpture.
Il éclaire par 6 bras lumières et avec des caches ampoules en verre
Ce lustre provient d’un beau manoir de Normandie.
Il est de grande qualité et imposant.
Hauteur sans la chaine : 75 cm, Largeur total 82 cm
En bon état
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Christophe Fratin, bronze, jument et son poulain, groupe de chevaux, l’accolade, XIXe
La sculpture « La Jument et son Poulain » est l’une des œuvres les plus célèbres de Christophe Fratin, un sculpteur animalier français du 19e siècle. Créée en 1850, elle représente une jument qui protège son poulain avec une tendresse maternelle. Fratin capture magistralement l’instant de connexion émotionnelle entre la mère et son petit, exprimant à la fois la force et la douceur à travers les formes gracieuses des chevaux.
La composition dynamique de la sculpture donne vie à la scène, avec la jument abaissant doucement sa tête vers son poulain, créant une atmosphère de protection et d’amour inconditionnel. Fratin était réputé pour sa capacité à saisir la véritable essence des animaux, et dans cette œuvre, il transcende le simple réalisme pour exprimer des sentiments profonds et universels.
« La Jument et son Poulain » de Fratin est non seulement une représentation remarquable de la relation maternelle dans le règne animal, mais aussi un témoignage émouvant du talent artistique de Fratin dans la sculpture animalière.
Dimension : Hauteur 17.5 cm, Largeur 28 cm et profondeur 14 cm
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Pierre-Jules Mène (1810-1879) – Cheval de course en bronze
La sculpture « Cheval de Course » de Pierre Jules Mêne est une pièce emblématique de l’art équin du XIXe siècle.
Créée par le célèbre sculpteur français, cette œuvre captivante incarne la grâce, la puissance et la vitalité du cheval de course.
Très bon état de conservation et de patine .Dimensions : 30 cm x 41,2 cm x 13,7 cm
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Lit clos Normandie Cauchois, XIXe, chêne massif
Le Lit clos Normandie Cauchois du XIXe siècle incarne à lui seul l’essence du charme rustique et de l’artisanat traditionnel. Taillé dans du chêne massif clair, il exhale une élégance intemporelle qui évoque les douces soirées dans les chaumières normandes. Sa belle facture témoigne du savoir-faire artisanal de l’époque, où chaque détail était façonné avec précision et dévouement.
Ce lit clos, symbole de l’intimité et du confort, offre un refuge chaleureux dans un cocon de bois. Ses lignes épurées et sa structure solide témoignent de sa robustesse, tandis que son aspect propre et son bel état préservé au fil des années en font un véritable trésor.
Imaginez-vous plonger dans un sommeil paisible, bercé par le murmure du vent à travers les fentes du bois, protégé des rigueurs de l’hiver par les parois douillettes du lit clos. C’est une invitation à un retour aux sources, à une époque où la simplicité et le confort étaient les maîtres-mots de la vie quotidienne.
Que ce soit pour décorer une chambre à coucher ou pour ajouter une touche d’authenticité à un intérieur, ce Lit clos Normandie Cauchois du XIXe siècle est bien plus qu’un meuble, c’est un véritable héritage du passé, un témoignage vivant de l’histoire et du talent des artisans d’antan.
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Paire de cassolettes en marbre et bronze doré, décor de têtes de béliers, XIXe siècle
Cette paire de cassolettes du XIXe siècle, datant de l’époque Napoléon III,
est un témoignage saisissant de l’opulence et du raffinement de cette période historique.
Ornées de motifs emblématiques de l’ère impériale,
ces cassolettes évoquent le faste et le prestige associés au règne de Napoléon III.
Dimension : Hauteur 36 cm
